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       Música - Todos los álbumes de la semana 
 
    
 

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   Mandalay
   Instinct (2000)

   05 DICIEMBRE 2004

   Nacidos a mediados de los noventa en pleno auge del trip hop, Nicola Hitchcock y Saul Freeman (ex componente del grupo Thieves), son el dúo británico Mandalay. Su primer trabajo, Empathy (1998) les situaba en primera línea de los grupos de éste género. Voces celestiales a lo Beth Gibbons (Portishead) y Elizabeth Fraser (Cocteau Twins), instrumentación clasicista, ritmos programados y un sonido no mimético y envolvente, es el que determinó su estilo. Sus siguientes trabajos Instinct (2000) y Solace (remezclas, 2001), son bellas piezas etéreas y volátiles triphoperas de loops, samples y programaciones que profesan melancolía por todos sus poros. El dúo se separó en el 2001. Desde entonces, Nicola Hitchcock editó un álbum en solitario, Passive Aggressive (2005) y un EP en el 2012, Quarterbright; por su parte Saul Freeman, ha seguido una vigorosa carrera como productor y programador para gente como, Sarah Brightman, David McAlmont y Suede. Mandalay ejecutó trágicas canciones, donde la voz en vibrato de Nicola Hitchcock transformó la emoción en motor de su discurso. Su particular modo de acentuar las palabras se convirtió en todo un enigma, el lamento hecho melodía.  © epdlp




   St. Germain
   Tourist (2000)

   14 NOVIEMBRE 2004

   El sabor de la nueva electrónica francesa tiene un nombre, St. Germain. Bajo éste sobrenombre se esconde la personalidad del productor y compositor Ludovic Navarre, padre de la escena dance-electrónica gala, con exponentes como Daft Punk, Air, Dimitri from Paris, Laurent Garnier, Cassius y Demon. Empezó pinchando en las fiestas de sus colegas y compuso sus primeros temas con un amigo, Guy Rabiller, bajo el nombre de Sub System. A éste siguieron otros seudónimos, D.S., Deep Contest, Deepside, Hexagone y Modus Vivendi. Ya entonces su máxima aspiración era no parecerse a los demás. Su primer disco, Boulevard (Mejor disco del año en Inglaterra, 1995) fue muy bien recibido por la crítica y por el público, aunque su espíritu insatisfecho le llevó a cansarse de las restricciones rítmicas del house y de la electrónica en general y comenzó a buscar un acercamiento más humano a la música. Esa meta la logró con su segundo trabajo, Tourist, uno de los discos más celebrados del año 2000, y en el que tiene como cómplices a Pascal Ohse (trompeta), Edouard Labor (saxo y flauta), Alexandre Destrez (teclados), Idrissa Diop (batería), Ernest Ranglin (guitarra) y Edmondo Carneiro (percusión). Fundador del sello F Communications en 1994 y creador de lo que se ha dado en llamar "French Touch" de la música francesa, su música de fusión la obtiene mediante una hábil y cuidadosa mezcla de techno con jazz y blues, ambient, house y dub. Música de alta calidad, cadenciosa y fresca, que nos descubre a un músico que creando un género musical híbrido, nos describe el camino a seguir, como el faro que marca el rumbo de los barcos.  © epdlp




   Juno Reactor
   Shango (2000)

   31 OCTUBRE 2004

   Maestros de la música electrónica, los ingleses Ben Watkins y Mike Maguire son Juno Reactor. Su proyecto, en un principio en la onda cyberdelia, derivó con el tiempo en el estilo que los ha hecho célebres, el goa trance. El trance surge de la unión entre el house y la música ambient (término inventado por Brian Eno), que al distorsionarse con sonidos agudos, da lugar a otros estilos, entre ellos, acid house, trip hop y goa. Juno Reactor en sus seis álbumes hasta la fecha, Transmissions (1993), Beyond the infinite (1995), Samurai (1996), Bible of dreams (1997), Shango (2000) y Labyrinth (2004), nos regalan sus temas épicos con niveles de frenesí extremo, con continuos acelerones del ritmo y espectaculares crescendos. Música cristalina y contundente, con momentos vocales de corte étnico, dónde la percusión se desvela como el complemento perfecto para guiarnos en los primeros pasos hacia el desenlace de una imaginaria profecía.  © epdlp




   Sigur Ros
   Agaetis Byrjun (1999)

   17 OCTUBRE 2004

   Formada en 1994, la banda islandesa Sigur Ros ha creído conveniente buscar nuevos rumbos a la música que se hace en su país. Su primer álbum Von (1997), no tuvo el éxito esperado, pero eso no les amilanó en su afán de romper esquemas. El encuentro con Ken Thomas, productor de los Sugarcubes, en su segundo trabajo Agaetis Byrjun (1999), los proyectó dónde ellos querían. Los críticos fueron unánimes al aclamar el disco, que fue también un gran éxito comercial en Islandia. La mano de éste productor orientó su sonido hacia otros caminos, dando como resultado el disco más desnudo del grupo, ( ) (2002) y más tarde Takk (2005). Með suð í eyrum við spilum endalaust (2008), es su último trabajo. Sigur Ros está formado por el ex Bee Spiders, Jonsi Birgisson (voz y guitarra), Kjartan Sveinsson (teclado), Georg Holm (bajo) y Orri Pall Dyrason (batería). Si la música de Sigur Ros tuviera que ser etiquetada, el término post-rock sería sin duda el primero en aparecer y también la de grupo "emocional". Sus composiciones son aparentemente simples, aunque al mismo tiempo, auténticas y sinceras. Tratan de explorar el lado oscuro de la música, como un niño que descubre el mundo por primera vez.  © epdlp




   A Forest Mighty Black
   Mellowdramatic (1998)

   03 OCTUBRE 2004

   El alemán Rainer Trüby, es uno de los grandes exponentes del consistente e innovador sello discográfico Compost Records de Munich. Mago del downtempo, con sus dos grupos A Forest Mighty Black (junto a Bernd Kunz) y Trüby Trio (con los los bateristas Christian Prommer y Roland Appel, los dos componentes de Fauna Flash), ha revolucionado la música dance mundial. Conocido mundialmente por su buen hacer tras los platos, su fama es tal que ha pinchado en clubs y eventos como Blue Note, Bar Rumba, Brighton Jazz Bop, Phönix Festival o el Jazz Cafe. Fue el single Fresh In My Mind de A Forest Mighty Black, el que le catapultó a actuar en los clubes underground más cool de Alemania. Como Trüby Trio han realizado también trabajos de remezcla para artistas tan importantes como Turntable Rocker, Nitin Sawhney, Peace Orchestra, Bebel Gilberto, Klaus Doldinger y Frederic Galliano. De la moda del sonido retro a la vanguardia tecnológica, Rainer Trüby sabe ponerle sabor a los años setenta con actitud del siglo XXI. Cruzando las fronteras con su estilo entre el retro y el future jazz, los funky beats, el jazzy house, el downbeat, la música brasileña e incluso el drum & bass, Trüby sabe que la música no es sólo para bailar, también para escuchar, un verdadero placer para el oído.  © epdlp




   3rd And The Mortal
   Memoirs (2002)

   19 SEPTIEMBRE 2004

   3rd And The Mortal es una particular banda noruega de dark/gothic-metal, que ha sabido captar el ambiente y los sonidos de la naturaleza de la península escandinava, para plasmarlos en su personal visión musical. El grupo fue fundado en 1992 por Rune Hoemsnes, Finn Olav Holthe, Geir Nilssen, Trond Engum y Kari Rueslatten (voz). Esta última dejó el grupo tras grabar su primer álbum, Tears laid in Herat (1993), considerado una gema del estilo gothic doom. Painting on glass (1996) y In this room (1997), fueron los dos siguientes, unidos a la voz de Ann-Mari Edvardsen. Tuvieron que pasar 5 años para que los fanáticos de esta banda noruega de culto pudiesen volver a escuchar sus vertiginosos sonidos. Memoirs (2002) ya con una nueva vocalista Kirsti Huke, tiene la misión de unir sus ideas e impulsos anteriores para crear un sonido diferente. Incluidos entre los grupos metálicos oscuros y ralentizados con base doom o goth, con desviaciones hacia sonidos sinfónicos o progresivos, su música es una mezcla de sonidos analógicos y digitales, aderezados con percusiones intensas y guitarras iniciadoras de secuencias suaves. Cada tema tiene su propio espíritu, su propio estilo y su propio sentimiento. Música melancólica e intensa para escuchar bajo una tormenta de fuego.  © epdlp




   dZihan & Kamien
   Gran Riserva (2002)

   05 SEPTIEMBRE 2004

   El dúo vienés dZihan & Kamien se dieron a conocer en 1996 con el single Der Buch, aunque no es hasta cuatro años después que editan su primer álbum Freaks & Icons (2000). Vlado dZihan, nativo de Sarajevo y el alemán Mario Kamien se conocieron cuando estudiaban en Viena. La unión de estas culturas musicales se funden en una adaptación con elementos electrónicos que le dan a sus trabajos un equilibrio que se podría comparar con los primeros trabajos de Kruder & Dormeister, Thievery Corporation o Tosca, y con el down-tempo y el soulful house de Jazznova o Naked Music. Propietarios del sello Couch Records, sus siguientes trabajos Gran Riserva (2002) y Fakes (2005), son verdaderos cantos a la sobriedad y la elegancia, combinando el trip-hop, el ambient o el nu-jazz, con referencias diversas, desde el funky más groovy, a los arreglos orientales, pasando por las ensoñaciones puramente electrónicas y sintéticas. Evocadores de elementos sonoros de marcada influencia multicultural, dZihan y Kamien son, entre los creadores de música electrónica, uno de los proyectos más creativos e importantes de la escena europea. Su sonido persigue la mística del sonido analógico usando tecnología punta, colocándonos (en el sentido etílico del término) en un universo electrónico en el que no hay gravedad y transfigurando su música en un meticuloso puzzle retrofuturista.  © epdlp




   Underworld
   Second toughest in the infants (1996)

   29 AGOSTO 2004

   Aunque desde el año 1981 editaban discos con el nombre de Freur, el grupo se formó en el año 1987 cuando dos músicos ingleses, el frontman-vocalista y guitarrista Karl Hyde y el virtuoso programador Rick Smith editan su primer single, en un principio totalmente pop. En el año 1990, un joven DJ llamado Darren Emerson, entraba a formar parte del grupo. Pero es en 1991 cuando Rick y Karl deciden fundar junto a otros amigos, el colectivo de arte Tomato, que se convirtió en una referencia indiscutible en el mundo del arte audio-visual. Fue desde entonces cuando empezaron a aparecer sus temas mas aclamados. Su álbum de debut Dubnobasswithmyheadman (1994) convirtieron al trío en el primer gran grupo electrónico de masas capaz de llenar estadios enteros en los años 90. Posteriores éxitos como Born Slippy, todo un auténtico himno gracias a la película Trainspotting, o su segundo trabajo Second Toughest In The Infants (1996) no hicieron más que consagrarles. En 1999, apareció su tercer álbum Beaucoup Fish, un año antes de que Darren Emerson abandonara el grupo. Desde entonces Rick y Karl han seguido en solitario trabajando en el que ya es su nuevo trabajo, A Hundred Days Off (2002). Underworld combina el house de Chicago, el techno de Detroit y la música ácida de Londres con guitarras de rock tradicionales y un tratamiento vocal surreal y saturante, creando un comprimido sonoro único, frente al cual el zarandeo de cuerpos y de estilos musicales es inevitable. Aunque la música de baile tiene raíces inherentemente hedonistas, Underworld posee un claro sentido ético al respecto. Ellos re-delimitan los alcances de la música electrónica, elevando las sensaciones hasta niveles totalmente imprevisibles, absolutamente deslumbrantes, recreando la quintaesencia del próximo siglo. Grupo imprescindible para comprender la música actual y para comenzar a entender la música del futuro, el rock del siglo 21, el paso definitivo del rock con guitarras al rock electrónico.  © epdlp




   Nils Petter Molvaer
   NP3 (2002)

   22 AGOSTO 2004

   El jazz menos académico se ha configurado como uno de los ingredientes más habituales de la música de club y la electrónica downtempo. El trompetista y compositor noruego Nils Petter Molvaer es una de las figuras más importantes de esta nueva corriente sin prejuicios que combina jazz y electrónica en busca de una nueva creatividad contemporánea. Considerado el padre del electro jazz, factura un jazz híbrido con poso orgánico que tiende vínculos entre el Miles Davis más abstracto y vanguardista y los flirteos con la electrónica de Bugge Wesseltoft, Erik Truffaz y Marc Moulin. A final de la década de 1980, fue parte de uno de los mejores grupos del jazz escandinavo, Masqualero. Y desde que publicara en 1997 su disco Khmer, un trabajo que ha sido tomado como modelo por muchos artistas y que figura en todas las selecciones de los mejores discos de jazz de los últimos tiempos, dejó sentadas las bases de su sonido, una base jungle, una guitarra punzante y el timbre y el fraseo apasionadamente melancólico de su trompeta. Sus siguientes trabajos, Solid Ether (2000) y NP3 (2002), no hacen sino realzar esa sensibilidad excepcional que lo ha llevado a ser uno de los músicos más solicitados e innovadores del mapa musical contemporáneo. Molvaer sabe que una pieza musical nunca está realmente acabada, y que la producción y la composición son procesos en constante evolución, por eso ha incorporado al jazz el potencial liberador de la música de baile, mezclando la improvisación jazzística con el techno, el house, el downtempo, el breakbeat, el ambient o el drum'n'bass, en una línea renovadora con resultados espectaculares. Busca un equilibrio entre la mente y el alma, porque ya se sabe que todo ocaso es un amanecer en otra parte, no hay final que no signifique un comienzo. Su música habla por sí misma.  © epdlp




   Bill Laswell & Jah Wobble
   Radioaxiom (2001)

   15 AGOSTO 2004

   Si existe en el mundo de la música un compositor prolífico e inquieto, éste es el multiinstrumentista estadounidense Bill Laswell. La infinidad de cds que Laswell ha firmado en solitario o junto a otros músicos desde el año 95 ronda la cincuentena, y entre todos ellos, su trabajo junto a Jah Wobble ocupa un lugar privilegiado. Sus primeros pasos fueron como guitarrista, aunque pronto se hizo bajista formando el grupo de rock experimental Material en 1978. Cuatro años después inició su carrera en solitario, que combinó junto a colaboraciones con otros músicos. En 1990 creó el sello Axiom centrado en el ambient y la fusión étnica. Laswell ha tocado infinidad de estilos, ambient, jazz-fussion, rock progresivo, dub, drum'n'bass y la música electrónica en general, siempre a la busca y captura de los sonidos más innovadores. Sus exquisitas vibraciones se expanden y contraen entre mezclas electrónicas renovando constantemente su ambiente sonoro, todo ello le permite moverse con plena libertad. Por su parte el multiinstrumentista y bajista inglés Jah Wobble, propietario del sello Hertz Records, es un auténtico guerrillero de estilos. Fue miembro del grupo de punk PIL hasta 1980 en que inició su carrera en solitario caracterizada por la fusión de géneros. Con Radioaxiom, Laswell y Wobble elaboran un trabajo mayúsculo en el que se encuentran algunos de los más cuidados momentos atmosféricos de su trayectoria y su mejor disco dentro del vitamínico género dub. En los mejores momentos del disco se desnuda la casi omnipresente percusión sintética, la segmentación de tiempos, las pausas y las vueltas excelentemente planteadas y realizadas. Un viaje a la construcción de piezas musicales sobresalientes llenas de significado.  © epdlp




   Soel
   Memento (2003)

   08 AGOSTO 2004

   Soel es el nombre artístico de Pascal Ohsé, trompetista franco-guineano de talento singular. Sus composiciones se asemejan a su vida, un largo camino de influencias occidentales (jazz, house y electro) y orientales (funk, soul y dub). Fusión de estos mestizajes, Soel mantiene el calor de su música con arreglos de trompeta sabiamente colocados, sin romper nunca el vínculo que le une a Africa. En su primer álbum Memento (2003), realizado con la ayuda de Ludovic Navarre, el espíritu de la aventura está en todo su esplendor y lo mismo se proyecta en el universo poético de un Jacques Tati, que en los delirios surrealistas de Quentin Tarantino. No es ni un disco de jazz, ni un álbum de música electrónica, se trata de un monumento a la sensualidad aderezado con sonidos a lo Temptations, Stevie Wonder, Marvin Gaye y Curtis Mayfield, y por supuesto con las etiquetas de la calidad de la Motown en la cabeza. Colaboran en él voces alimentadas en el soul y en el gospel, como las de la cantante Clemente Ashford y Tori de Robinson. Soel es la pasión ancestral por el jazz que se te clava en la piel, una experiencia esencial en el largo camino que conduce a la construcción de una sonoridad, la de un músico que sabe tomar las pausas debidas en los momentos adecuados. Música mecida por horas del soul que el tiempo no ha olvidado, un deseo de afirmar su diferencia, su visión del mundo.  © epdlp




   Lali Puna
   Scary World Theory (2001)

   18 JULIO 2004

   Lali Puna son un cuarteto alemán que mezcla el pop y la electrónica con resultados sorprendentes. El grupo empezó como un proyecto personal de Valerie Trebeljahr (coreana de nacimiento, infancia portuguesa, y alemana de adopción), al que después se sumaron Markus Acher, Christoph Brander y Florian Zimmer, que dejó el grupo en el 2003. Todos ellos tienen grupos paralelos como Console, Notwist y Tied & Tickled Trio. Sus tres trabajos de estudio, Tridecoder (1999), Scary World Theory (2001) y Faking the Books (2004), les han hecho pasar de ser prácticamente unos desconocidos a convertirse en un grupo de culto. Su música es de raíces indie con aderezos electrónicos, aunque no son ese tipo de banda cool que lo único que hace es apretar un botón. Ellos aprietan todos los botones y tocan todos los palos, mezclan las guitarras con los bajos groovy, el clubpop, el lounge y los ritmos 4x4 con lo mejor de Astrud Gilberto, Stereolab, Aphex twin y Land of the Loops. Un cóctel explosivo que a medida que el tiempo pasa y tenemos más tiempo de adentrarnos en su clima uptempo, descubrimos su adictiva belleza. Electrónica minimalista con envoltorio pop -lo que algunos han etiquetado como indie tech-, percusiones en primer plano, un manto de guitarras envolvente, sonidos de laptop y sintetizadores amorfos, y en primer plano la voz susurrante de Valerie Trebeljahr colándose como un líquido por entre las rendijas de tu imaginación.  © epdlp




   Beth Orton
   Central Reservation (1999)

   04 JULIO 2004

   La inglesa Beth Orton ha llevado a cabo la extraña tarea de popularizar la música de influencia folk entre los clubes de la última década. Sus aspiraciones se dirigían a ser actriz, pero el afamado compositor y productor William Orbit la contrató para grabar unos textos recitados para su proyecto Strange Cargo. El éxito del proyecto la llevó a grabar su primer disco Superpinkymandy (1993), un disco poco convencional solamente para el mercado japonés, que le abrió las puertas a colaboraciones junto a Red Snapper, Chemical Brothers, Primal Scream, Ben Watt (EBTG), Johnny Marr (Smiths) y Ryan Adams. Sus siguientes álbumes, Trailer Park (1996), Central Reservation (1999) y Daybreaker (2002), la consagraron como esa cantautora universal que lejos de estilos (folk, pop, country, electrónica, etc) toca todos los palos con elegancia y sencillez, creando canciones brillantes, sencillas y que perduran en el tiempo. Sus conciertos en directo destilan unos sonidos llenos de matices, intensos y hermosos, sobre el que sobresale su espléndida voz, momentos álgidos de emoción desbocada. Beth Orton la niña mimada del pop británico se disfraza de Joni Mitchell, Natalie Merchant y Suzzane Vega, y al final acaba pareciéndose a Bjork y a Sade. Un viaje en torno a las relaciones personales, con sus canciones como análisis del mundo a través de sus ojos, describiendo la naturaleza de las cosas desde un punto de vista en el que la esperanza, el amor, la expectación y el paso del tiempo se expresan naturalmente. Entre la caída, la salvación y la supervivencia, Beth Orton nos recuerda el cielo de cemento que se nos cae encima.  © epdlp




   Dead Can Dance
   Into the Labyrinth (1993)

   27 JUNIO 2004

   Los australianos Lisa Gerrard y Brendan Perry son Dead Can Dance. De origen anglo-irlandés, comparten una visión original y diferente del mundo que les rodea, atreviéndose con un concepto musical totalmente innovador y de altísima calidad, pletórico de sonidos percusivos. Sus ocho trabajos de estudio, llenos de influencias procedentes del Renacimiento y sus estéticas musicales, Dead Can Dance (1984), Spleen and Ideal (1985), Within the realm od the dying sun (1987), The Serpent's Egg (1989), Aion (1990), Into the Labyrinth (1993), Toward the Within (1994) y Spiritchaser (1996), conforman su especial forma de entender la música, una mezcla inteligente de toques étnicos, rock tradicional y también estilos antiguos. Aclamados por la crítica, Dead Can Dance reina ya en su particular tierra musical, aunque el futuro se muestra incierto por la separación física de sus dos componentes, Perry vive en Irlanda y Gerrard en Australia, y por sus respectivos trabajos en solitario. Aprovechando que los caprichos de los músicos son ventanas hacia su intimidad, hay un elemento que es siempre fiel reflejo del tamaño de una banda. Así como a los árboles se les mide la edad contando el número de círculos que tienen en el tronco, Dead can Dance es un árbol centenario, porque su música es el origen de la sabiduría milenaria. Su meta es buscar la belleza perdida, la eterna meta humana de lograr una existencia significante.  © epdlp




   Macaco
   Rumbo submarino (2001)

   13 JUNIO 2004

   Macaco es el apodo con que se conoce al músico catalán Dani Carbonell. Sus composiciones ejemplifican como pocas el mestizaje y la fusión en el mundo de la música, dotándolas de una fuerza y vitalidad difícilmente superables en el panorama nacional. Su mezcla de sonidos latinos, brasileños y africanos unidos al hip-hop, el ska y la rumba catalana convierten a Dani Macaco y su banda de argentinos, colombianos, brasileños y españoles, en estandarte de la Barcelona más globalizada y multicultural. Dani Carbonell proporcionó su voz y energía a las aventuras de gente como Dusminguet, Magia Animal, Dr. No, Ojos de Brujo, Amparanoia y Los de Abajo, antes de publicar su primer álbum, El mono en el ojo del tigre (1999), proyecto hijo del boom de mestizaje latino provocado por Manu Chao con su Clandestino. A éste siguieron, Rumbo submarino (2001), Entre raíces y antenas (2004), Ingravitto (2006) y Puerto Presente (2009). La banda que le acompaña está compuesto por el argentino Martin Fucks (guitarra y voz), los colombianos Carlos Jaramillo (sonidub) y Beto Bedoya (percusiones y voz), el brasileño Sandro Dos Santos (percusión) y los españoles Fran Beltrán (teclados), Salva Suau (batería), Sebi Suárez (bajo) y Marc Artis (teclados). Macaco hace de cada tema una fiesta del ritmo con letras muy cercanas a besar el intelecto y el corazón, su multisonoridad y desparpajo en los escenarios comunican fácilmente con el público, haciéndolo estallar con ritmos que le hacen sucumbir ante el baile. Un intento de tender puentes entre la globalización de raíz y los sonidos contemporáneos, músicas cruzadas y mensajes de vocación universal con el mar como protagonista.  © epdlp




   Laika
   Good Looking Blues (2000)

   06 JUNIO 2004

   Laika es una banda de Londres formada por Margaret Fiedler y John Frenett (cantante y ex-bajista de Moonshake, respectivamente), el ingeniero de sonido y productor Guy Fixsen (que había trabajado con Moonshake, The Breeders, Throwing Muses y My Bloody Valentine) y el batería Lou Ciccotelli. Su álbum de debut Silver Apples of the Moon (1994), calificado como un enlace perdido entre el avant funk de Can y el ambient jungle escuchado en London's pirates, los llevaron a compartir un tour por Estados Unidos junto a Tricky. Su segundo trabajo Sounds of the Satellites (1997), mas melódico que su predecesor, cargado de psicosis urbana y una tensión rítmica fluida, les permitió una gira por el Reino Unido junto a Radiohead. Good Looking Blues (2000), su último álbum hasta la fecha, trajo conjuntamente todo lo que Laika ama; grooves de baterías, bajos melódicos, letras blues/rap, melodías folk, instrumentación jazz/hip hop, clarinetes, trompetas y turntables. Laika fusiona material programado y ejecución en vivo para crear un sorprendente híbrido de pop experimental, crea música a un plano no-rock, buscando inspiración en los grooves hip-hop, techno, dub y jungle. Ritmos abrumadores, temas atemporales que buscan la eternidad, un intento consciente de parar el tiempo a través de susurros, de elegantes efectos de guitarra y bajos contundentes, de sobrios ritmos y percusiones.  © epdlp




   Govinda
   Entwined & Entranced (1999)

   16 MAYO 2004

   Govinda es una banda de violinistas, compositores y alquimistas de origen libanés, poseedores de un talento mágico que mezcla diversos instrumentos para crear su música electrónica con raíces hindús. En sus siete álbumes de estudio hasta la fecha, Atom Hearts Madras (1997), O Earthly Gods (1998), Entwined & Entranced (1999), Erotic Rhythms from Earth (2001), Echoes of Eden (2003), Worlds Within (2004) y Sound Sutras (2007), consigue alimentar la llama de su innegable destreza, porque Govinda es la luz. El violín gitano y la guitarra, inspirados por los estilos musicales de España, de la India, de Italia y de Irlanda. Ritmos eróticos de la tierra, la encarnación suprema de la mente sobre el cuerpo, la sensualidad de noches oscuras y pasionales que transforma nuestras vidas superficiales en exóticas necesidades de supervivencia.  © epdlp




   Kosheen
   Resist (2002)

   09 MAYO 2004

   Kosheen son un trío de Bristol que aportan un cambio espectacular al mundo de la música. Darren "Decoder" Beale, que formó parte de varios grupos surgidos de la escena musical punk de Weston-Super-Mare, y que conoció a Geoff Barrow, que más tarde se convertiría en el alma mater de Portishead, se unió a Mark "Markee Substance" Morrison y crearon un famoso espectáculo que representaban en un local llamado Ruffneck Ting. Este espectáculo se mantuvo de plena actualidad durante cinco años en los principales locales de Bristol y del sudoeste de Inglaterra. Allí conocieron a la cantante y compositora Sian Evans. Los tres debutaron con Resist (2002), un disco de pop negro, sinuoso y elegante que recuerda los trabajos de Massive Attack y EBTG. Sonido breakbeat de corte electrónico, canciones rebosantes de estilo drum'n'bass con toques melancólicos, dónde destaca la impresionante voz de Sian Evans. En su segundo trabajo, Kokopelli (2003), dan ejemplo de colaboración musical y artística, los distintos estilos musicales de los tres artistas, sus distintas influencias y su diferente manera de ser es lo que los moldea y se convierte en el elemento que sitúa al grupo a años luz de sus competidores.  © epdlp




   Kemopetrol
   Slowed Down (2000)

   25 ABRIL 2004

   Kemopetrol es un prometedor grupo finlandés de pop electrónico formado por Kalle Koivisto (teclados), Marko Soukka (guitarra), Laura Närhi (voz), Kari Myöhänen (bajo) y Teemu Nordman (batería). Los dos primeros comenzaron como dúo experimental en 1998, creando su música a la que denominaban "ambient industrial ruso", convirtiéndose meses más tarde en quinteto y adoptando su nombre de un antiguo equipo de hockey checo. Slowed Down (2000), su extraordinario álbum debut, es una auténtica joya atemporal, creadora de paisajes sonoros que van desde el reggae contagioso, a la rica sección de cuerdas, pasando por unas desgarradoras guitarras. En el año 2001 fueron considerados el mejor nuevo suceso pop/rock del 2000 en la gala Emma (Los premios de la industrial musical finlandesa), y en el 2002 editaron su segundo álbum, Everything's fine. Kemopetrol suenan a combustible para mecheros, esos carburantes que se consumen en una sutil llama azul que parece capaz de arder durante años, como las canciones de Kalle Koivisto (alma mater del grupo y compositor de todas sus canciones). Canciones descorazonadoras y ritmos hipnóticos, una sutil y refinada mirada al pop que se consume en tu cabeza sin antídoto posible.  © epdlp




   Dreadzone
   Second Light (1995)

   18 ABRIL 2004

   Dreadzone son un grupo inglés formado por Greg Roberts, Leo Williams y Tim Bran, los dos primeros ex componentes de BAD (Big Audio Dynamite), escisión de la banda de punk The Clash. Propietarios del club nocturno londinense Dubwiser, son un ejemplo luminoso de los magníficos resultados de unir la frialdad de los instrumentos electrónicos con el calor de sonidos como el reggae. Han publicado los siguientes álbumes de estudio, 360 Degrees (1993), Second Light (1995), Biological Radio (1997), Sound (2002), Once Upon A Time (2005), Eye On The Horizon (2010) y Escapades (2013). En ellos incorporan su arriesgada apuesta por un sonido espectacular, en ocasiones cercano a la worldmusic, junto a sonidos clásicos más sobrios, más oscuros y dramáticos que incitan al baile. La combinación abrasiva de batería, bajo y diversos instrumentos electrónicos, junto a influencias completamente sorprendentes y un nivel de superación estético sólo comparable a un lienzo a punto de ser plasmado, los convierte en un conjunto audaz que crea el dub más sofisticado que puedas escuchar. La representación máxima del baile como forma de vida, la realidad última de lo visible y lo invisible, el triunfo del ritmo sobre la razón.  © epdlp




   Ronny Jordan
   A Brighter Day (2000)

   11 ABRIL 2004

   Ronny Jordan es un guitarrista inglés nacido al norte de Londres. Con sólo cuatro años empezó a tocar la guitarra acústica de cuatro cuerdas. La música de Wes Montgomery, Charlie Christian y George Benson le confirmaron su ambición de ser músico, dándole una dimensión desconocida al alcance de su instrumento, desvelándole las posibilidades comerciales de la guitarra en el jazz. Con su primer disco alcanzó altas cotas de popularidad y lo identificó como pionero del acid-jazz. Jordan, músico curtido al amparo de los noventa, tiene en sus venas pocas gotas de jazz, fusiona ritmos contemporáneos a los que les añade notas de virtuosismo. Es el jazz bastardo, como lo fueron en su tiempo el blues, el rock-roll o el mestizaje. Sus cinco álbumes hasta la fecha, The Antidote (1992), The Quiet Revolution (1993), Light to Dark (1996), A Brighter Day (2000) y At Last (2003), así lo demuestran. Apoyado en un bajo demoledor que incita al baile y junto a unos músicos que elaboran un muro de sonido, ejecuta una música que suena a acid-jazz con pocos samplers, a soul sin trompetas, a hip-hop sin rapper, dejando que sea la guitarra la que marque la pauta. Ronny Jordan es una demostración de que el jazz puede entenderse de un modo diferente al que marcan los cánones más puristas.  © epdlp




   Bent
   The Everlasting Blink (2003)

   04 ABRIL 2004

   Abanderados del chill-out británico y diseñadores del pop del futuro, el dúo Bent (Simon Mills y Neil Tolliday) ha insuflado aires renovados a la escena musical de los beats amables y ralentizados. Radicados en Nottingham, su primer y aclamado trabajo Programmed to Love (2001), una recopilación de sus Eps, ya nos descubrió su maestría en utilizar más instrumentos "naturales" que sus contemporáneos, arpas, guitarras más o menos eléctricas y todo lo que haga su sonido más atractivo y cercano. Ambient/lounge con imaginación y sentido de humor, retro-pop orquestal con tintes futuristas, electrónica de diván, capaces de mezclar un adagio con bases electrónicas, violines, flautas traveseras y sonidos oníricos. La demostración de que todavía podemos disfrutar escuchando música fascinante, un difícil equilibrio de fuerzas que logra introducirte en un mundo gemelo al de Alicia en el País de las Maravillas. © epdlp




   Hooverphonic
   Blue Wonder Power Milk (1998)

   28 MARZO 2004

   Hooverphonic son un trío belga que en sus comienzos bebieron las fuentes de Massive Attack y Portishead y que se han convertido con el tiempo, en el más reconfortante grupo del pop centroeuropeo. Calificados como hacedores de pop ambiental, Geike Arnaert (voz), Alex Callier (bajo y teclados) y Raymond Geerts (guitarra), consiguen una música original y enérgica, ideal para conmover y suscitar emociones, un sonido distinto, extraordinario y evocador. En 1997 editaron su primer álbum A New Stereophonic Sound Spectacular, con Frank Duchêne y la cantante Liesje Sadonius, que luego abandonarían el grupo. A éste siguieron, Blue Wonder Power Milk (1998), realizando una gira por todo el mundo junto a sus almas gemelas Massive Attack y más tarde junto a Moloko, Kid Loco y Divine Comedy. Como Liz Fraser en los Cocteau Twins o Tracey Horn en EBTG, la voz frágil pero intensa de Geike Arnaert se adapta perfectamente a los temas poco ortodoxos e hipnotizantes de Hooverphonic. Su evocadora voz, casi de otro mundo, es como la de una sirena que invita al oyente a visitar tierras inexploradas. En The Magnificent Tree (2000) y Jackie Cane (2002), sus dos últimos álbumes, mantienen y amplían su base de seguidores absolutamente fieles y añaden a su sonido violines, cuernos franceses, laúdes, mandolinas y tambores espectrales. Hooverphonic no tiene conciencia de las tendencias y esa actitud junto a su afortunada combinación de melodías antiguas con sonidos y ritmos casi futuristas les confiere una calidad intemporal.  © epdlp




   Transglobal Underground
   Rejoice Rejoice (1998)

   14 MARZO 2004

   Productores y músicos británicos de origen indo-pakistaní, Transglobal Underground son una unión perfecta para intentar traducir sobre el escenario las emociones propias de las pistas de baile. Su interés en la construcción de atmósferas que matizan su música y la llevan más allá del territorio recreativo, unido a todo un muestrario de elementos pop, ambient, house y dub, tamizan su eclecticismo bien entendido. Formado por una decena de personas, sus principales componentes son Tim Whelan y Hamilton Lee (compositores capitales). El resto de sus miembros es bastante difícil de adivinar, pues van y vienen dependiendo del disco que presenten, aunque de todos ellos destacan las colaboraciones de la cantante Natacha Atlas y del rapper Coleridge. Grabaron su primer single "Temple Head" para Nation Records, un sello creado específicamente para fusionar la música de baile occidental con los ritmos árabes, asiáticos y africanos. Su primer álbum, Dream of one hundred nations (1993), en el que participaron multitud de raperos, percusionistas y cantantes, fue el mejor trampolín para su sonido pluricultural. A éste siguieron, Internacional Times (1995), Psychic Karaoke (1997), Rejoice, Rejoice (1998), Yes Boos Food Corner (2001), Impossible Broadcasting (2004), Moonshout (2007) y The Stone Turntable (2011). Transglobal Underground ralentizan el hip-hop y aceleran el dub, fusionan la música clásica hindú, reggae, bhangra, hip hop y pop de los 80, con una acusada tendencia a lo lúdico. Su labor de integración entre el ritmo, la atmósfera y la melodía culmina con una amalgama de formas que envuelven secretos y sabiduría.  © epdlp




   Leftfield
   Rhythm and Stealth (1999)

   07 MARZO 2004

   Leftfield ha rediseñado las fronteras del dance music. Su mezcla de dub, house, breaks y música africana han colocado al dúo compuesto por Paul Daley y Neil Barnes en un futuro creativo poderoso. Sus dos discos de estudio, Leftism (1995), aclamado como uno de los mejores discos de dance music de la década, y Rhythm and Stealth (1999), son una adaptación de los tempos y del style (Ambient, Dub, Hip-Hop, House y Techno), perfectamente aplicados en una música despiadada. A Leftfield se les atribuye la invención del house progresivo, la combinación de ritmos contundentes con pasajes ambientales o vocales que preparan al consumidor para el siguiente subidón. También fueron los primeros en emplear a vocalistas alejados de los círculos de baile al contratar a Toni Halliday de Curve, al cantante de reggae Earl Sixteen, al africano Djum Djum y al ex Sex Pistol, John Lydon. En su último álbum tiene las colaboraciones de Afrika Bambaataa y de la nueva estrella del hip hop británico Roots Manuva. Su directo, firme y convincente, refleja el eclecticismo de su propuesta musical, catedrales de sonido edificadas sobre bases rítmicas contundentes.  © epdlp




   The Quiet Boys
   Bosh (1995)

   22 FEBRERO 2004

   The Quiet Boys es un grupo creado a imagen y semejanza de su líder, el compositor y percusionista Chris Bangs, componente entre otros, de los grupos Soundscape UK, junto a Mike Talbot de Style Council, Yada Yada y Mr. Electric Triangle. Sin duda alguna, Chris Bangs ha sido el pionero y figura inspiradora de la escena dance underground británica de los 80's y 90's y ha comenzado a ser una tendencia musical. Productor con el nacimiento del acid jazz y artista responsable de varias grabaciones con los sellos Acid Jazz Label y Talkin' Loud (que produjo el celebrado álbum de Galliano), y más tarde con su propia compañía productora, Thin Air. Quiet Boys, máximos representantes del estilo accid jazz, extremadamente recomendables y de audición imprescindible, han conseguido con sus tres trabajos de estudio, Can't Hold the Vibe (1992), Bosh (1995) y Dazzle (1997), regalarnos los oídos con un sonido marcado por el predominio instrumental sobre los temas vocales, con incursiones en otros estilos como house, jazz-house, reagge, hip-hop y funk. El resultado es un producto virtuoso y con un estilo fascinante. La revista Esquire Magazine consideró a su álbum Bosh, el mejor trabajo de jazz-funk de la historia, un trabajo que recuerda la escuela de cool de Herbie Hancock.  © epdlp




   Oystein Sevag
   Bridge (1997)

   01 FEBRERO 2004

   El multiinstrumentista noruego Oystein Sevag creció en una familia que le daba un valor muy alto a la creatividad. Su padre, etnólogo musical, junto a la belleza de los parajes naturales de Noruega fueron desde entonces una de sus principales fuentes de inspiración. Comenzó a tocar el piano a los 5 años y a los 12 la guitarra. Con 19 compuso su primera obra Eplevalsen (El vals de la manzana), con arreglos para gran banda de jazz, que fue interpretada en varios conciertos. Formó parte de varios conjuntos, Craff, Noahs Ark e Ischjazz (junto a su amigo Lakki Patey), así como colaboraciones con el grupo Celeste (banda integrada por Erik Wøllo, Bendik Hofseth, Jan Erik Salater e Inge Forum) y los principales músicos noruegos, Nils Petter Molvær, Paolo Vinaccia, Eivind Aarset y Audun Erlien. En 1989 editó con su propia compañía Siddhartha Records, su primer disco compacto en solitario, Close Your Eyes and See, proclamado disco del año por el Gavin Report Magazine de San Francisco. Sevag fue el primer artista europeo en firmar un contrato discográfico con Windham Hill Records y a partir de ese momento su música sería comercializada en el mundo entero. Más tarde llegaron Link (1993) y Global House (1995), producción pluricultural en la que amplió el número de instrumentos de proyectos anteriores, incluyendo entre otros el didjeridoo australiano, la percusión del cubano Sergio González y un cuarteto de cuerda; Visual (1996), junto a Lakki Patey y Bridge (1997), grabado junto a la Philharmonic Orchestra en los Estudios Abbey Road de Londres. Este último recibió el prestigioso Indie Award (Mejor grabación New Age del año en Estados Unidos), premio que conceden las casas discográficas independientes. Ha escrito la música del documental sobre la vida del pintor noruego Edvard Munch titulado Dance of life. Oystein Sevag, máximo representante de las nuevas músicas, ha tocado todos los palos dentro de este estilo, sobre todo en los aspectos relacionados con el jazz y la fusión, aunque últimamente ha evolucionado a un sonido más acústico, de corte clasicista. Su maestría para crear ambientes y paisajes sonoros evocadores a partir de un material muy simple es notoria, se trata de llegar a un resultado complejo a partir de elementos sencillos.  © epdlp




   Pat Metheny Group
   Still Life (Talking) (1987)

   25 ENERO 2004

   Pat Metheny ha sido músico profesional casi la mitad de su vida. Incluso por separado, sin su grupo Pat Metheny Group, las credenciales del guitarrista son impresionantes. Fue profesor tanto en la Universidad de Miami como en el Berklee College of Music, en Boston, cuando aún era un adolescente. A los diecinueve años se unió a la banda de Gary Burton y permaneció con ellos durante tres años (1974-1977). Ha tocado y grabado con algunos de los más innovadores músicos de las pasadas dos décadas: Gary Burton, Sonny Rollins, Paul Motian, Roy Haynes, Miroslav Vitous, Jack DeJohnette, Michael Brecker, Charlie Haden, Ornette Coleman, Milton Nascimento, Herbie Hancock y Steve Reich, entre otros. Su primer disco fue Bright Size Life (1976) con el sello ECM, junto a Jaco Pastorius (bajo eléctrico) y Bob Moses (batería). En él ya presenta las composiciones unidas y comprometidas del líder y su concepto único de lo instrumental. A éste siguieron Water Colors (1977) en el cual grabó por primera vez con Lyle Mays y Danny Gottlieb. Más tarde Pat Metheny Group (1978), New Chatauqua (1979), American Garage (1980), 80/81 (1980), As Falls Wichita, So Falls Wichita Falls (1981), Offramp (1982) su primera grabación con sintetizador de guitarra; Travels (1983), Rejoicing (1983), First Circle (1984), Song X (1986) junto a Ornette Coleman, el revolucionario saxofonista y compositor de free jazz; Still Life Talking (1987), Letter From Home (1989) su trabajo de mayor éxito hasta ese momento, conciso, con fuerza, inequívocamente melodioso y conmemorativo; Letter From Home es un mensaje de madurez y logros de un grupo en plena forma. Question and Answer (1990), Secret Story (1993), una de sus creaciones más personales, con su factor emocional, crecido como compositor, culminación de lo que había hecho hasta la fecha; The Road to You (1994), We Live Here (1995), Beyond The Missouri Sky (1997), Imaginary Day (1997), Speaking of Now (2002) y The Way Up (2005). Su grupo está formado normalmente por Lyle Mays (teclados), Steve Rodby (bajo), Richard Bonna (voz y guitarra), Antonio Sánchez (batería), David Samuels (percusión) y Cong Vu (voz y trompeta). Son escasos los artistas que improvisan y que logran interesar a una creciente cantidad de público sin que por ello se vea afectado su arte. Más extraño aún es encontrar un artista que pueda ver cómo su público se desarrolla al mismo tiempo que lo hace su visión musical. Pat Metheny, considerado el mejor guitarrista de jazz del mundo, compositor polifacético, productor innovador y pionero con el sintetizador y la guitarra, se encuentra en una posición inigualable, principalmente el resultado de una inteligencia musical insaciable y una energía aparentemente inagotable.  © epdlp




   Shazz
   Shazz (1998)

   11 ENERO 2004

   Dentro del paisaje de la música electrónica francesa Eric Morand, más conocido como Shazz, productor y compositor, es uno de los nombres más prestigiosos. Debutó en 1992 editando su primer maxi, Moonflower. A éste siguieron otros con diferentes seudónimos, Soofle et Ln's (con Ludovic Navarre), Choice (con Laurent Garnier) y definitivamente como Shazz en 1998. Pionero de la escena electrónica en Francia, su música siempre ha buscado la levitación. Sus álbumes de estudio Shazz (1998), The Luz (2001) y Beautiful (2004), le sitúan a la altura de propuestas musicales similares como Saint Germain y Llorca, su groovy house teñido de bossa, funk, soul y jazz, incita al ritmo leve y refinado. Electro-jazz, lounge music, french Touch, el nuevo jazz del siglo XXI.  © epdlp




   Natacha Atlas
   Diaspora (1995)

   04 ENERO 2004

   Natacha Atlas nació en Bruselas, aunque su ascendencia es egipcia y ha vivido mucho tiempo en Inglaterra. Colaboradora habitual del grupo multi-cultural Transglobal Underground, ha contribuido además con su técnica del raq sharki (danza del vientre) que había aprendido de joven. Tras su larga gira por Europa en el año 99, Natacha regresó a El Cairo, ciudad en la que ha vivido durante los últimos diez años. Sus composiciones abren las puertas a un mundo de emoción elevada, con colores e imágenes cautivadores que expresan paisajes de ensueño y una imposible tristeza, con una intensidad que sólo puede conseguir su profunda y poderosa voz. Así lo demuestran sus álbumes en solitario, Diaspora (1995), Halim (1997), Gedida (1999) y Ayeshteni (2001). Música intensa, con intrincados arreglos de percusión, con claras influencias del dub, sumergiéndose en el shabbi (el blues-pop autóctono egipcio), una amalgama de exotismo rítmico y tribal. Al escucharlo, uno tiene la sensación de que el secreto más increíble le ha sido susurrado de la forma más confesional.  © epdlp




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