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       Música - 451 álbumes 
 
    
 

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   Hattler
   Gotham City Beach Club Suite (2010)

   18 SEPTIEMBRE 2017

   Pioneros del acid-jazz alemán, el dúo formado por Hellmut Hattler (bajo) y Joo Kraus (trompeta) fueron Tab Two. Hablamos en pasado porque su brillante carrera terminó en el año 2001, después de obsequiarnos con ocho álbumes repletos de sonidos sofisticados y elegantes. Su música, que ellos mismos denominaron Hip-Jazz, siempre fue difícil de clasificar, pues los innegables ecos de Miles Davis los acompañaban con arriesgadas bases programadas. Hellmut Hattler, fue componente de una de las bandas alemanas de rock progresivo más influyentes de los setenta, Kraan. Joo Kraus, bastante más joven que Hattler, le dio con su trompeta ese ritmo relajado con toques smooth y swing que hizo célebre al dúo. Tras su separación Hellmut Hattler, al mismo nivel de gurús del bajo como Ken Taylor y Alphonso Johnson, ha publicado varios discos, No Eats Yes (2001), Mallberry Moon (2003), Bass Cuts (2004), Gotham City Beach Club Suite (2010), The Kite (2013) y Warhol Holidays (2016). Tab Two facturaron un jazz de cara amable, de nítida estructura e impecable racionalidad que entre ocasionales rapeados y pequeñas dosis de funk blanco, parecieron entenderse a las mil maravillas con las formas contemporáneas del nu jazz. Hellmut Hattler, acompañado por grandes músicos de estudio y por la cantante Fola Dada, sigue esa senda marcada por Tab Two, la de encadenar experiencias musicales con la libertad creativa que le caracteriza.  © epdlp




   Napoleon
   Napoleon (2011)

   11 SEPTIEMBRE 2017

   Napoleon es el proyecto de Simon Mills. Junto a Nail Tolliday formó el duo Bent, abanderados del chill-out británico y diseñadores del pop del futuro, que insuflaron aires renovados a la escena musical de los beats amables y ralentizados. Radicados en Nottingham, su primer y aclamado trabajo Programmed to Love (2001), una recopilación de sus Eps, ya nos descubrió su maestría en utilizar más instrumentos "naturales" que sus contemporáneos, arpas, guitarras más o menos eléctricas y todo lo que haga su sonido más atractivo y cercano. Ambient/lounge con imaginación y sentido de humor, retro-pop orquestal con tintes futuristas, electrónica de diván, capaces de mezclar un adagio con bases electrónicas, violines, flautas traveseras y sonidos oníricos. The Everlastic Blink (2003), Ariels (2004) e Intercept! (2006), fueron sus siguientes trabajos. Paralelamente Simon Mills ha editado dos discos con el nombre de Napoleon, Napoleon (2011) y Magpies (2013), reviviendo las cadencias y el sonido de Bent, y demostrándonos que todavía podemos disfrutar escuchando música fascinante, ese difícil equilibrio de fuerzas que logra introducirte en un mundo gemelo al de Alicia en el País de las Maravillas.  © epdlp




   Perry Blake
   Broken Statues (2001)

   04 SEPTIEMBRE 2017

   Dicen las malas lenguas que parecerse a Leonard Cohen, Nick Drake, David Sylvian, Scott Walker, Tim Buckley, Brendan Perry (Dead Can Dance) y Jay Jay Johanson, es venenoso para el corazón. Si existe un crooner, en ocasiones con voz de falsete, capaz de aglutinar el espíritu de esas siete leyendas de la música, ese es el cantante y pianista Perry Blake. Nacido en Irlanda en 1970, muy pronto formó su primera banda "The Rubber Clothing Co" a pesar de que su madre pensaba que "Superband" era más apropiado. Años más tarde publica su primer trabajo, Perry Blake (1998), el debut discográfico en solitario de un irlandés capaz de destilar la más bella melancolía pop. A éste siguieron, Still Life (1999), una sincera reflexión alrededor de los temas universales, el amor, el paso del tiempo, el recuerdo y el olvido, y en el que contó con las colaboraciones de Francoise Hardy, Bryan Ferry y del batería del grupo Japan, Steve Jansen. El tercero, California (2002), un disco grabado en Bélgica en tan sólo 12 días y producido por Marco Sabiu, es un viaje hacia las entrañas del soul, con orquestaciones cálidas a lo Marvin Gaye o Barry White. Entre ellos, un ejercicio extraordinario grabado en directo en el Cirque Royal de Bruselas, Broken Statues (2001). En el cuarto, Songs for someone (2004), Perry Blake se aleja de la imagen de cantante atormentado, y emprende de nuevo un viaje (una vez más), a la búsqueda de un lugar que no existe, la visión utópica de un lugar físico utilizado como metáfora de un estado al que queremos llegar. Su quinto álbum, The Crying Room (2006), es un simple tratado de tristeza, distinción y categoría, dónde la frontera entre la felicidad y la tragedia es un escaso hilo de seda. Canyon Songs (2007), su último trabajo hasta la fecha, es un acercamiento al pop y al country con las aportaciones de Steve Wickham (The Waterboys), Neil Conti (Prefab Sprout) y Kathy Jordan (Dervish). Junto al también irlandés Glen Garrett, tiene un proyecto paralelo llamado, Electro Sensitive Behaviour, con el que editaron un álbum, Modern Love (2015). Es autor además de la BSO del film Presque Rien (Primer Verano, 2000), dirigida por Sébastien Lifshitz. Perry Blake que reconoce que sufre una obsesión enfermiza por los bosques, y que si fuese David Bowie, otra figura a la que también se parece, se encontraría en su etapa berlinesa, mezcla géneros como el folk, el soul e incluso el trip-hop, con comprometidas dosis de tragedia y melancolía. Eso es mucho más de lo que puede pedirse a un artista que parecía destinado a quedarse encasillado en los falsetes y en la exhibición de emociones prestadas. Perry Blake demuestra que ser crooner o baladista puede tener todavía sentido después de rebasado el siglo XXI y que sus canciones sirven para acompañar una tarde de invierno o quizá toda una vida.  © epdlp




   Saint Etienne
   Foxbase Beta (2009)

   28 AGOSTO 2017

   Saint Etienne es un trío británico formado por Sarah Cracknell, Pete Wiggs y Bob Stanley. Su fórmula se reinventa constantemente en un refrescante ir y venir de reminiscencias y referentes que cobran sentido en unas melodías que siempre suenan actuales. Álbumes como Foxbase Alpha (1990), So Tough (1992), Tiger Bay (1994), Good Humour (1998), The Sound Of Water (2000), Finisterre (2002), una mirada retrospectiva hacia el pop de mitad de los 90 y su álbum de más éxito, con colaboraciones como Wildflower, mujer en la élite del hip hop británico; Tales From Tumpike House (2005), Foxbase Beta (2009), Words And Music (2012) y Home Counties (2017), son cada uno a su manera y medida, oportunos muestrarios de la orfebrería a la que nos tienen acostumbrados. Saint Etienne forma parte del oxígeno de la escena del pop mundial. Para ellos el contexto ha sido siempre cambiante, de un lado para el otro, dejando al oyente la capacidad de interpretación. Vampiros glamurosos de los escenarios y científicos de estudio, su música mezcla de dub, house, northern soul, romanticismo y electro-pop, sirve para elaborar pequeñas instantáneas de melancolía o entusiasmo contenido.  © epdlp




   Omar Sosa & Paolo Fresu
   Eros (2016)

   21 AGOSTO 2017

   El compositor y pianista cubano Omar Sosa, es un maestro de la fusión inspirada en las raíces africanas y en sus ancestros, que colorea magistralmente con el universo del folclore cubano. Virtuoso del piano, debutó con Omar Omar (1996), al que siguieron una veintena de álbumes en solitario o acompañado de reputados músicos como Jorge Pardo, Paolo Fresu, Gregg Landau, Jaques Morelenbaum o Dhafer Youssef. Gran admirador del pianista fundador del bebop, Thelonious Monk, ha tocado también como él bajo el influjo del jazz modal y el hard bop. Por su parte decir que Paolo Fresu, es el mejor trompetista lírico de Italia, no sería descabellado. Consolidado como uno de los músicos de jazz consagrados de la escena europea, ha colaborado con infinidad de músicos de todo el mundo, Gerry Mulligan, Dave Holland, John Zorn, John Abercrombie, Ralph Towner, Richard Galliano, Michel Portal y Trilok Gurtu, entre ellos, aportando con su inagotable diálogo sonoro ese punto de magia que trasciende las fronteras del jazz. Alma (2011), fue la cima de estos dos extraordinarios músicos, una amalgama de composiciones que recuerdan a Cuba, a la región sarda de donde es originario Fresu y al África más septentrional. Como regalo adicional, el cellista brasileño Jaques Morelenbaum, colabora en el álbum, proporcionando su experiencia al lado de gente tan importante como Antonio Carlos Jobim, Caetano Veloso, Gal Costa, Gilberto Gil, Maria Bethania, Milton Nascimento y Chico Buarque. Eros (2016), es la segunda colaboración de esta amalgama de artistas, a los que se une en esta ocasión la cantante Natacha Atlas. La apuesta por la belleza, la sensualidad y la sofisticación, son la guinda de unos trabajos que te atrapan para dejarte fascinado por su música, que es a la vez oscura y luminosa.  © epdlp




   Nitin Sawhney
   Dystopian Dream (2015)

   14 AGOSTO 2017

   Nitin Sawhney es un músico anglo-hindú que fusiona tradición y electrónica. Nació en Rochester, Kent, Inglaterra. Con Talvin Singh, otro de los grandes nombres del asian underground, fundó Tihai Trio, proyecto creado tras la disolución de su primera banda The Jazztones. Sus 10 álbumes hasta la fecha, Spirit dance (1994), Migration (1995), Displacing the priest (1996), Beyond skin (1999), Prophesy (2001), Human (2003), Philtre (2005), London Undersound (2008), Last Days Of Meaning (2011) y Dystopian Dream (2015), son un impecable ejemplo de cómo delimitar el presente sin renunciar a la memoria. Nitin Sawhney ha estado enseñando al mundo por dónde va la música del siglo XXI. La diferencia entre lo que él hace y lo que surge de otros artistas contemporáneos suyos no es una cuestión de estilo, sino de talento. En su música se dan la mano, el canto musulmán de llamada a la oración y la rumba mediterránea, los ecos jazzísticos y el espíritu del Ganges, demostrando que la música contemporánea pierde sus fronteras en bien de la creación y que cualquier herencia es buena si se sabe utilizar con criterio y si se adquiere de ella lo que mejor puede aportar al estilo propio del compositor. Nitin Sawhney no crea para turistas, sino que expone su música como un retrato cromático de la sociedad que refleja.  © epdlp




   London Grammar
   Truth Is A Beautiful Thing (2017)

   07 AGOSTO 2017

   London Grammar es un trío británico formado por la cantante Hannah Reid, el guitarrista Dan Rothman y el multinstrumentista Dominic "Dot" Major. Reconocidos por la crítica especializada como el mejor debut de un grupo en la última década, If You Wait (2013), fue sin duda un soplo de aire fresco en la escena musical inglesa. La banda comenzó a tocar en locales de su ciudad natal Nottingham, lo que les dio a conocer a nivel local y les posibilitó acompañar al grupo Disclosure, el dúo de los hermanos Lawrence, en la grabación de su canción, Help Me Lose My Mind (2013), que formó parte de su primer álbum Settle (2013). Más tarde vendría su EP Metal & Dust y su primer álbum. London Grammar, que ejecutan música pop con aderezos electrónicos, lo que algunos han denominado art-rock, han sido comparados con bandas como Florence + The Machine (por la voz de su protagonista), The xx (por su electrónica minimalista), o Daughter (por su delicadeza dramática), aunque su sonido les supera a las tres en emoción, tristeza y melancolía. Sin embargo ellos mismos se sienten más influenciados por Fleetwood Mac, Radiohead o por las bandas sonoras de películas compuestas por Thomas Newman. Indicar que Hannah Reid, compositora de todas las letras de las canciones, es poseedora de una voz portentosa, sería decir poco, porque expresar el desamor con notas líricas es especialmente frágil. La belleza del grito, con la sensibilidad de una narradora.  © epdlp




   Lali Puna
   Our Inventions (2010)

   31 JULIO 2017

   Lali Puna son un cuarteto alemán que mezcla el pop y la electrónica con resultados sorprendentes. El grupo empezó como un proyecto personal de Valerie Trebeljahr (coreana de nacimiento, infancia portuguesa, y alemana de adopción), al que después se sumaron Markus Acher, Christoph Brander y Florian Zimmer, que dejó el grupo en el año 2003. Todos ellos tienen grupos paralelos como Console, Notwist y Tied & Tickled Trio. Sus cuatro trabajos de estudio, Tridecoder (1999), Scary World Theory (2001), Faking the Books (2004) y Our Inventions (2010), les han hecho pasar de ser prácticamente unos desconocidos a convertirse en un grupo de culto. Su música es de raíces indie con aderezos electrónicos, aunque no son ese tipo de banda cool que lo único que hace es apretar un botón. Ellos aprietan todos los botones y tocan todos los palos, mezclan las guitarras con los bajos groovy, el clubpop, el lounge y los ritmos 4x4 con lo mejor de Astrud Gilberto, Stereolab, Aphex Twin y Land of the Loops. Un cóctel explosivo que a medida que el tiempo pasa y tenemos más tiempo de adentrarnos en su clima uptempo, descubrimos su adictiva belleza. Electrónica minimalista con envoltorio pop -lo que algunos han etiquetado como indie tech-, percusiones en primer plano, un manto de guitarras envolvente, sonidos de laptop y sintetizadores amorfos, y en primer plano la voz susurrante de Valerie Trebeljahr colándose como un líquido por entre las rendijas de tu imaginación.  © epdlp




   Kate Havnevik
   You (2011)

   24 JULIO 2017

   Kate Havnevik es una cantante y compositora noruega. De formación clásica, es hija de los flautistas Andrew Cunningham y Lotte Havnevik, aprendió rápidamente a tocar el piano y la guitarra, entre otros instrumentos, aunque sus horizontes cambiaron al unirse a una banda de punk rock. A los diecisiete años se traslada a Liverpool, localidad en la que estudia música y composición. Allí fue componente del grupo Mono Band, junto a Noel Hogan y Marius de Vries, entre otros, desde el año 2004 al 2007, fecha en la que desapareció la banda, y con la que editó un solo trabajo, Mono Band (2005). Su álbum debut, el aclamado Melankton (2006), nombre escogido de un personaje noruego que significa negro rosa, fue grabado a caballo entre Londres, Bratislava, Oslo y Reykjavik y fue mezclado en Los Ángeles, y significó por fin conseguir su meta deseada, es decir mezclar lo clásico y lo electrónico en un trabajo redondo. El álbum le llevó a ser considerada como una de las abanderadas del soul-jazz y el sonido downtempo. Su música se hizo conocida para el gran público gracias a aparecer como banda sonora de la serie Anatomía de Grey. Kate Havnevik que edita en su propio sello, Continentica Records, ha publicado dos discos más, You (2011) y &i (2015). Los tres álbumes junto al prestigioso compositor y productor británico Guy Sigsworth, que fue miembro de la banda Frou Frou, junto a Imogen Heap, y que ha producido a gente tan conocida como Björk, Madonna o Alanis Morissette. Kate Havnevik es hacedora de unas canciones intensas, en ocasiones inquietantes y hermosas, poéticas y frágiles, que actúan a modo de haikus, con las mejores cualidades de una música que intenta comunicarse para buscar su consuelo.  © epdlp




   Jon Hopkins
   Insides (2009)

   17 JULIO 2017

   Jon Hopkins es un pianista, productor y compositor inglés, famoso por su música perfeccionista forjada con sintetizadores y piano. Desde los 12 años y hasta los 17 estudió piano, comenzando su carrera como teclista de la cantante Imogen Heap. Ha trabajado estrechamente con Brian Eno y ha sido reclutado como productor por David Holmes y Coldplay, a los que teloneó durante 6 meses en su gira mundial del 2008. También destacan sus remezclas para Nosaj Thing, Four Tet y David Lynch, y las piezas que compuso para la obra Entity, del coreógrafo británico Wayne McGregor, entre otros trabajos. Ha editado hasta la fecha cuatro álbumes de estudio, Opalescent (2001), Contact Note (2004), Insides (2009) e Immunity (2013), nominado al Mercury Prize de ese año y alabado unánimemente por crítica y público, además de dos cds en colaboración con otros músicos, Small Craft On A Milk Sea (2010), con Brian Eno y Leo Abrahams, y Diamond Mine (2011), junto al cantante King Creosote. Además es autor de las bandas sonoras de Monsters (Gareth Edwards, 2010) y Mi vida ahora (Kevin Macdonald, 2013). Todos recuerdan su actuación en el Festival Luminous del año 2009 junto a Brian Eno, Karl Hyde (Underworld) y Leo Abrahams, acompañados por el trío de improvisación con base en Sídney, The Necks, para dar forma al grupo Pure Scenius, como colofón para el final de dicho festival. La intervención de tres horas y media del cuarteto se inscribirá con letras de oro en la historia de la música electrónica considerada como un arte. Como también lo hará su actuación en el último festival Sónar del año 2017. Jon Hopkins seduce con melodías hermosas que se contraponen con estructuras electrónicas fuertes, a veces sombrías, una palpitante exploración que se mueve entre la claustrofobia y el anhelo de libertad.  © epdlp




   Telefon Tel Aviv
   Map of What Is Effortless (2004)

   10 JULIO 2017

   Telefon Tel Aviv es la historia de dos amigos de Nueva Orleans, que de la música clásica saltaron sin escalas a las laptop. Su debut, Fahrenheit Fair Enough (2001) deslumbró a la crítica entendida, que calificó sus paisajes sonoros ambientados con guitarras estridentes y pianos melancólicos, como el primer gran disco de pop electrónico del siglo XXI. Josh Eustis y Charles Cooper, han habilitado una especie de puente entre el post-rock y la electrónica (indietrónica), uniendo ritmos y glitches con una instrumentación orgánica. Niños mimados del sello Hefty (el que le hace la competencia en Estados Unidos a Morr Music) y con una música paralela a la de Mark Van Hoen (Locust), This Mortal Coil, Polygon Window, Lali Puna o Ian Masters, echaron el resto en un segundo trabajo que les consagró. Map of What Is Effortless (2004), continúa siendo abstracto, pero tiene el toque épico que hace que sus canciones entren con mayor facilidad en los oídos. Además cuenta con las colaboraciones de Damon Aaron, Lindsay Anderson (ex-Stockholm Monsters) y actualmente cantante del grupo L'Altra, así como la participación de una orquestra de 30 personas. Telefon Tel Aviv consiguió el álbum más preciosista y orquestado de ese año. Música electrónica emocional con hits potenciales, lo que llamaríamos techno para llorar, toques soul con muchas detonaciones (glitches, clicks, cuts) para transportarte sin esfuerzo por parajes idílicos, encandilarte con la conjunción de sonidos y con la muestra de beats en esencia. Quizá las cosas más valiosas en el mundo no tengan precio, Telefon Tel Aviv sabe que la búsqueda de la sencillez construida con orquesta de cámara y ruido electrónico, convierte a su música en esbozos de amor y desolación.  © epdlp




   Dhafer Youssef
   Diwan Of Beauty And Odd (2016)

   03 JULIO 2017

   El oud, o laúd árabe, es un instrumento fabricado en madera de caja de resonancia redondeada con forma de pera, un mástil más corto y carece de trastes. Su sonido le ha convertido en uno de los instrumentos más populares de Egipto. El compositor y cantante tunecino Dhafer Youssef, es el intérprete más importante de éste instrumento en su faceta jazzística. Su intención de explorar nuevos horizontes, le llevó a Viena, donde el multiculturalismo de ésta ciudad le cambió su forma de entender la música. En Viena publicó su primer álbum, Musafer (El viajero en árabe, 1996), al que siguieron Malak (1998) y Electric Sufi (2001). En éste último muestra por primera vez su interés por la ondulación, la experimentación de la voz y la utilización de ésta como un instrumento. Más tarde editaría Digital Prophecy (2003), Divine Shadows (2005) y Abu Nawas Rhapsody (2010). En Birds Requiem (2013), estuvo acompañado de gente tan importante como el trompetista Nils Petter Molvaer, el pianista Kristjan Randalu, el guitarrista Eivind Aarset y el maestro del kanun (salterio) Aytaç Dogan; y en su último trabajo, Diwan Of Beauty And Odd (2016), que significa Diván de la belleza y lo extraño, del pianista Aaron Parks, del bajista Ben Williams, del trompetista Ambrose Akinmusire y del batería Mark Giuliana. Todos ellos colaboran en estas descomunales sinfonías árabes-jazzísticas, que se apoderan de la fortaleza de la tecnología para colorear una variedad de sonidos tan antiguos como la propia humanidad. En realidad Dhafer Youssef podría haber nacido hace dos mil años y haber detenido el tiempo, su voz que parte en un susurro y se encumbra hasta unos quejidos intensos y ancestrales, finaliza en una catarsis de refrescante desconcierto.  © epdlp




   Jónsi
   Go (2010)

   26 JUNIO 2017

   Jónsi Birgisson, es el líder de la banda islandesa Sigur Ros, grupo que creyó conveniente buscar nuevos rumbos a la música que se hacía en su país. Su primer álbum Von (1997), no tuvo el éxito esperado, pero eso no les amilanó en su afán de romper esquemas. El encuentro con Ken Thomas, productor de los Sugarcubes, en su segundo trabajo Agaetis Byrjun (1999), los proyectó dónde ellos querían. Los críticos fueron unánimes al aclamar el disco, que fue también un gran éxito comercial en Islandia. La mano de éste productor orientó su sonido hacia otros caminos, dando como resultado el disco más desnudo del grupo, ( ) (2002) y más tarde Takk (2005), Með suð í eyrum við spilum endalaust (2008), Valtari (2012) y Kveikur (2013). Si la música de Sigur Ros tuviera que ser etiquetada, el término post-rock sería sin duda el primero en aparecer y también la de grupo "emocional". Sus composiciones son aparentemente simples, aunque al mismo tiempo, auténticas y sinceras. Tratan de explorar el lado oscuro de la música, como un niño que descubre el mundo por primera vez. Go (2010), es el trabajo en solitario de Jónsi Birgisson, una obra que nos aproxima a su lado más personal. En el álbum, producido por Alex Somers, predomina la música acústica junto a arreglos del compositor Nico Muhly. Jónsi Birgisson, que es ciego del ojo derecho, toca la guitarra eléctrica con un arco de cello para crear su sonido característico. Su estilo de cantar en falsete nos acerca a esa vitalidad de la parte soñada, en donde el insomnio y la oscuridad se encuentran en una unión memorable.  © epdlp




   Goldie
   The Journey Man (2017)

   19 JUNIO 2017

   Clifford Price con su sobrenombre de Goldie es el rey de la jungla, el gran maestro del drum´n´bass. En los años 80 fue un apasionado del hip-hop y un consumado artista de grafitis en su ciudad natal de Walsall (Inglaterra). Comenzó su trayectoria discográfica en 1993, lanzando su primer maxi como Rufige Kru, en una onda darkside. La escena hardcore en Inglaterra fue una gran oportunidad para él, pues ayudó significativamente en el trabajo de arte en uno de los sellos más importantes de ese momento, Reinforced. Su primera aportación fue Kellermufin. Sin embargo su primer álbum realmente significativo fue Terminator, grabado bajo el seudónimo de Metalheadz. Posee su propio sello Metalheadz y esparce su ciencia poli-rítmica y su espíritu aventurero en sus impactantes sets. Con Timeless (1995), su primer álbum, inventó el sonido jungle. Tomando un estilo clásico contemporáneo, con su música basada en loops electrónicos, voces celestiales y orquesta añadida, Goldie es definitivamente uno de los más claros y sinceros exponentes del drum'n'bass del mundo. No es de extrañar que Björk, los Janes Adiction y Noel Gallagher, entre otros, se quedaran prendidos por su forma de interpretar este lenguaje musical contemporáneo, que ya dejó de ser de plástico. © epdlp




   Goldfrapp
   Silver Eye (2017)

   12 JUNIO 2017

   El término electro-clash, es un género musical que fusiona new wave, synthpop y música electrónica. Los instrumentos que utiliza son sintetizadores o baterías programadas, siendo en muchas ocasiones analógicos. Comenzó a desarrollarse a finales de los años noventa principalmente en Alemania (Berlín y Múnich) y Estados Unidos (Nueva York y Detroit), llegando a su apogeo durante el período 2000-2002. Existen varios grupos que abanderan dicho estilo, Fischerspooner, Mignon, Tiga, Scissor Sisters, Felix Da Housecat, Peaches y Goldfrapp. Estos últimos son un dúo británico formado por Alison Goldfrapp y Will Gregory. Felt Mountain (2000) fue su álbum debut, un disco que contenía las voces sintetizadas de Alison sobre paisajes sonoros de cine. Sus siguientes trabajos, Black Cherry (2002) y Supernature (2005), sumidos plenamente en el electro-clash, fueron el despegue definitivo de su carrera, vendiendo del segundo más de un millón de copias en todo el mundo. A éstos siguieron, Seventh Tree (2008) y Head First (2010). Tales Of Us (2013) y Silver Eye (2017), sus últimos trabajos, son álbumes más introspectivos, volviendo al sonido acústico y fantasioso de su primer trabajo. Alison Goldfrapp y Will Gregory han colaborado con, entre otros, Depeche Mode, Lady Gaga y Marilyn Manson, y la cantante Madonna reconoce que se inspiró en alguna canción de ellos para grabar su disco dance, Confessions on a Dance Floor (2005). Además son los autores de las bandas sonoras de las películas My Summer of Love (2004) de Pawel Pawlikowski y Nowhere Boy (2009), filme biográfico sobre John Lennon, que dirigió Sam Taylor-Wood. Las canciones de Goldfrapp son la visión de un futuro devastado, con ciertos toques de desaliento que buscan redención.  © epdlp




   Mary Fahl
   Love And Gravity (2014)

   05 JUNIO 2017

   Los cambios sociales y culturales de los sesenta desencadenaron una voluntad de superar las fronteras convencionales de la música rock. La integración de los nuevos sonidos con la tradición cultural romántica de la música del siglo XIX, proporcionaron al rock la categoría de arte. Además, se pretendía que la música fuera escuchada y pensada, en detrimento de la meramente comercial y bailable. Es el nacimiento del rock sinfónico y progresivo. October Project fueron una representación de ese tipo de rock, mezclado con altas dosis de melancolía. Sus dos álbumes de estudio, October Project (1993) y Falling farther In (1995), demuestran que prácticamente nadie sonaba como ellos. Emil Adler, Julie Flanders, Marina Belica, David Sabatino y Mary Fahl, cuya voz de contralto tuvo mucho que ver con su éxito, fueron los responsables de esa música delicada y épica, inimitable y hermosa que invitaba a viajar por atardeceres fantasmales, donde el paisaje era un punto de referencia. Mary Fahl la excepcional cantante, abandonó el grupo para seguir su carrera en solitario con su primer trabajo, The Other Side of Time (2003). Su segundo álbum From The Dark Side Of The Moon (2011), fue un deslumbrante homenaje al disco homónimo del grupo Pink Floyd, que casi cuarenta años atrás nos sorprendió hasta emocionarnos. Love And Gravity (2014), su tercer trabajo de estudio, producido por John Lissauer, nos vuelve a demostrar que las canciones de Mary Fahl, son prodigiosas y trascendentes, porque ella las ejecuta con poderosa pasión.  © epdlp




   Paul Mounsey
   Nahoo (1994)

   29 MAYO 2017

   Si el futuro de la música étnica está en la fusión y la experimentación, el de la música celta está en la innovación y el vanguardismo. Varios nombres sobresalen en ésta última, Stone Age, Ashley MacIsaac, Talitha MacKenzie y destacando sobre todos ellos dos figuras cruciales, el tristemente desaparecido Martín Bennett y el escocés residente durante dos décadas en Brasil, Paul Mounsey. Antiguo guitarrista de rock, Paul Mounsey abandonó ese estilo musical para dedicarse a estudiar la música de la tierra de sus orígenes, Escocia, la cual mezcla con estilos más actuales, principalmente electrónicos. Bicho raro de la música gaélica, comenzó su carrera colaborando con músicos de la talla de Michael Nyman, Etta James, Chico Buarque, Jimmy Cliff y Antonio Carlos Jobim, para años después editar su primer álbum de estudio, Nahoo (1994), un collage de estilos étnicos y ritmos de baile que abrió caminos hasta entonces inexplorados. Sus siguientes trabajos, Nahoo too (1997), Nahoo 3: notes from the republic (1999) y City Of Walls (2003), consiguieron que esa senda desconocida y hasta entonces impenetrable, se convirtiera en un vergel frondoso y vital. Paul Mounsey ejecuta en una mezcla fascinante, las raíces gaélicas y los ritmos tradicionales del noreste de Brasil, sobre todo a nivel de percusión, todo ello aderezado con pinceladas noruegas, gallegas, portuguesas y hasta norteamericanas, desafiando cualquier definición o idea preconcebida. En su último trabajo, Pasan los días veloces (2005), logra reunir las voces de Alyth McCormack, Anna Murray, Christine Primrose, Ishbel MacAskill, Kevin MacNeil, Mary Smith y las hermanas MacKenzie, en una obra fascinante que sorprende por su rotundidad y que se concentra en su labor únicamente de compositor. Paul Mounsey construye sus discos como si fueran un enorme retal de elementos étnicos en el que todo cuadra, un viaje cosmopolita en el que finalmente el espíritu celta impone su impronta y en el que el compositor ejerce de arqueólogo del futuro.  © epdlp




   Faithless
   Outrospective (2001)

   22 MAYO 2017

   El grupo Faithless nació en el año 1993, y estaba formado inicialmente por Sister Bliss (pianista, violinista y famosa productora de música house, considerada con todo merecimiento la DJ femenina número 1 del mundo), Maxi Jazz (ex-The Soul Food Café Band y líder del grupo), Rollo Armstrong (cantante), Jamie Catto, y el guitarrista Dave Randall. Estos dos últimos abandonaron la banda a finales de 1999, después de editar su segundo trabajo Sunday 8pm (1998). Antes habían publicado el primero Reverence (1995), cuyas canciones consiguieron un tremendo impacto y una gran influencia en el sonido de la música dance contemporánea. Outrospective (2001), No Roots (2004), To All New Arrivals (2006) y The Dance (2010) son sus últimos trabajos. Faithless combina gran variedad de ritmos, house, blues, soul, rap y folk, todo ello aderezado con los temas electrónicos más contundentes, que son los que en directo adquieren mejor dimensión. Han luchado por ser una banda de directo y brillar en el escenario al igual que en el estudio y se han convertido en uno de los grupos de culto más reputados de la escena dance mundial.  © epdlp




   Matthew Herbert
   Bodily Functions (2001)

   15 MAYO 2017

   Genio de la electrónica, gurú del microhouse y concienciado azote del capitalismo, el inglés Matthew Herbert ha sobrepasado en riesgo e inventiva a muchos de los artistas de su generación. Propietario de los sellos discográficos Lifelike, Accidental y Soundslike, es uno de los músicos más prolíficos e influyentes de la escena electrónica actual. Con su nombre de pila o como Doctor Rockit, Wishmountain, Radio Boy o Herbert, todos sus álbumes son, sin excepción, objeto de culto para los amantes de la electrónica antidogmática y alejada de clichés. Protagonista de una carrera brillante y arriesgada a lo largo de la década de los noventa, su música es capaz de hacer de una bolsa de patatas, tenedores, lámparas, una puerta chirriante o un retortijón de barriga instrumentos tan elegantes como el piano, el violín o el clarinete. Aunque para Herbert ese es un simple medio, no un fin. Sorprendió con Around The House (1998), un disco que exploraba la idea de la música de club en un entorno doméstico. Con Bodily Functions (2001), Herbert alcanzó la plenitud artística. Acompañado por la italoamericana Dani Siciliano, su vocalista de terciopelo y musa gastronómica, dio vida a unos seres que encerraban en sí mismos una reflexión acerca de la identidad y las relaciones humanas, envueltos en un entorno digital de una vitalidad hasta entonces desconocida. Teniendo como premisa la utilización de sonidos corporales suyos y de sus compañeros, Bodily Functions fue el primer disco grabado bajo los estatutos del PCCOM (Contrato Personal Para la Composición de Música), una especie de manifiesto creado por Herbert en el que rechaza la utilización de sonidos previamente creados o sampleados en la creación de música nueva a favor de la originalidad. Con el siguiente álbum Goodbye Swingtime (2003), le devolvió un poco a sus orígenes como músico en una big band de jazz, una oportunidad única para comprobar cómo se puede llevar a Duke Ellington y Cole Porter al corazón del siglo XXI. A éste siguieron, Plat du jour (2005), Scale (2006), Score (2007), la trilogía One (Club, One y Pig), RA.EX032 (2011), The End of Silence (2013), The Recording (2014) y The Shakes (2015). Matthew Herbert, bicho raro de la música experimental, el deep house, el electro y el jazz, desnuda la belleza y la viste de una elegante sobriedad formal llena de erotismo y ternura.  © epdlp




   The Durutti Column
   Sporadic Three (2007)

   08 MAYO 2017

   La Columna Durruti fue una columna de milicias populares anarquistas, que participó en el año 1936 en la Guerra Civil Española, luchando contra Franco. Estuvo comandada por Buenaventura Durruti durante los primeros meses. Vini Reilly, líder de la banda homónima, vio ese título en el póster de un grupo político situacionista inglés, y decidió dar ese nombre a la banda que acabada de formar en Manchester (Inglaterra) en 1978, junto a los productores Anthony H. Wilson y Alan Erasmus, fundadores del sello discográfico Factory Records. Sin embargo, pronto se convirtió en un proyecto en “solitario” de Vini Reilly. The Durutti Column no son exactamente un grupo, son un concepto de banda, porque Vini Reilly es el germen de un estilo totalmente personal, que no cabe en ninguna clasificación. Componen la banda en la actualidad, Vini Reilly (guitarra), Bruce Mitchell (batería), Laurie Laptop (programación) y Pete Crookes (bajo). Han editado entre otros los siguientes álbumes de estudio, The Return Of The Durutti Column (1980), LC (1981), Another Setting (1983), Circuses & Bread (1986), Obey The Time (1990) y Sex And Death (1994), todos ellos bajo el sello de sus fundadores Factory Records y más tarde, Rebellion (2001), Tempus Fugit (2004), Keep Breathing (2006), Sporadic Three (2007), Love In The Time Of Recession (2009) y Chronicle (2011). Decir que Vini Reilly construye jazz, rock, folk o clásica sería temerario, quizá lo más apropiado sería relacionarlo con reminiscencias de los 60, que los entendidos enlazan con piezas de danza moderna, aunque su verdadera clasificación sería de entronizador del post-punk y de la new wave. Con el sonido característico de su guitarra, se situó en un “no man's land” (tierra de nadie) que desde entonces, hace más de treinta años, no ha hecho más que acrecentar su figura y porqué Vini Reilly convierte cada una de sus canciones en descomunales epopeyas vestidas de pequeñas sinfonías.  © epdlp




   The Jezabels
   Prisoner (2011)

   01 MAYO 2017

   The Jezabels es un grupo australiano compuesto por Hayley Mary (vocalista y letrista), Heather Shannon (teclista), Nik Kaloper (batería) y Sam Lockwood (guitarra). Formados en Sydney en el año 2007, han editado hasta la fecha tres álbumes de estudio, Prisoner (2011), The Brink (2014) y Synthia (2016), además de multitud de ep´s en donde destacan particularmente el diseño de sus carátulas transgresoras. The Jezabels han evolucionado en sus pocos años de vida, del pop gótico de su álbum debut al pop-rock radiante y festivo de sus siguientes trabajos, producidos por Dan Grech-Marguerat, conocido por su colaboraciones, de entre otros, Lana Del Rey y Radiohead. Fueron en sus comienzos teloneros de grupos tan importantes como Pixies, Skunk Anansie o Depeche Mode y aunque en Europa no son muy conocidos, en su país, como ocurre con los también australianos The Temper Trap, son verdaderas figuras de la música pop. En sus canciones optimistas con destellos de amargura, se reconocen las baterías con sabor a Larry Mullen y las guitarras a lo The Edge, moduladas por esa voz potente y susurrante de Hayley Mary, que sí en su primer disco era la de Stevie Nicks, en los últimos es la de Chrissie Hynde. La música de The Jezabels es la conjunción de diversos estados de ánimo en un sonido, dream-pop de alta calidad cantado al borde del abismo.  © epdlp




   María Arnal & Marcel Bagés
   45 Cerebros y 1 Corazón (2017)

   24 ABRIL 2017

   La historia del dúo catalán formado por la vocalista badalonesa Maria Arnal y el guitarrista Marcel Bagés es corta, pues se iniciaron en el año 2015 con el EP titulado, Remescles, acoples i melismes. Poco antes habían debutado en octubre del 2014, tocando en las fiestas de la Barceloneta, el barrio de pescadores de Barcelona. Después de Verbena (2016), su segundo EP, han editado su esperado álbum debut, 45 Cerebros y 1 Corazón (2017), cuya densidad conceptual se convierte en un auténtico torrente de ideas. Según las palabras de María Arnal, en el trabajo hay citas de Lewis Carroll, influencias del director Patricio Guzmán y su documental La nostalgia de la luz, del cómic Prometea de Alan Moore, que tiene un imaginario muy original, y recuerdos a la poeta y rapera Kate Tempest. En su todavía tierna carrera como músicos se advierte una madurez expresiva que adopta los conceptos de memoria y transmisión, ideas sobre las que se revuelve el disco, porque su música es revolucionaria. La canción que da título al disco fue escrita por Arnal a raíz de una noticia acerca del levantamiento de una fosa común de la guerra civil en La Pedraja (Burgos), y porque la voz de María Arnal es prodigiosa, recordando en ocasiones a los agudos lamentos de Silvia Pérez Cruz. El álbum que ha sido producido por David Soler y por el norteamericano Grey Filastine, incluye siete canciones nuevas, entre ellas La gent, basada en un poema de Joan Brossa. El trabajo de María Arnal y Marcel Bagés es una evolución de la memoria universal, pues con ellos la canción popular, cantos de batir, fandangos y jotas, adquiere niveles monumentales.  © epdlp




   Andreas Vollenweider
   Dancing With The Lion (1989)

   17 ABRIL 2017

   El arpa es posiblemente el instrumento más antiguo que produce su sonido mediante el punteo digital de unas cuerdas en tensión. Tuvo una aceptación extraordinaria en la edad media, antes de ser destronada en el siglo XV por el laúd y renacer de sus cenizas en el siglo XX. El suizo Andreas Vollenweider es de los pocos compositores que tocan el arpa en la música popular. Además fue el primero que los expertos calificaron como hacedor de música new age. Hijo de uno de los mejores organistas europeos, creció rodeado de un ambiente creativo, aprendiendo a tocar por su cuenta varios instrumentos, hasta que en 1975 encontró el que más se adaptaba a sus posibilidades y a su estilo. Modificó el arpa hasta adecuarla a sus necesidades y la convirtió en electroacústica. Formó parte originalmente del grupo Music and Poetry con el que grabó tres discos, para más tarde y ya en solitario editar 13 álbumes de estudio, Eine Art Suite (1979), Behind the Gardens (1981), Caverna Magica (1982), White Winds (1984), Down to the Moon (1986), Dancing with the Lion (1988), Traumgarten (1990), Book of Roses (1991), Eolian Minstrel (1993), Kryptos (1997), Cosmopoly (1999), The Essential (2001), Vox (2004) y Air (2009). En estos años en el mundo de la música, ha vendido más de diez millones de discos con unas melodías que emanan sosiego pero también conmueven. Además de éste instrumento también toca guitarras e instrumentos de aire, así como la kora africana y la gu-cheng (arpa china). Escucharle interpretar es toda una aventura, pues no utiliza bajo, sino que las notas de bajas frecuencias las da con las cuerdas largas del arpa. En sus últimos trabajos también utiliza instrumentos que antes usó raramente como el piano, la guitarra española o su propia voz. Andreas Wollenweider nos propone un ambiente ideal para la introspección, una auténtica odisea para un viajero imaginario en busca de emociones inexploradas.  © epdlp




   1 Giant Leap
   What About Me? (2009)

   10 ABRIL 2017

   1 Giant Leap es un proyecto del músico, documentalista y activista británico Jamie Catto, y del artista, productor y multi-instrumentista inglés Duncan Bridgeman. El primero fue miembro fundador y director de arte de la banda Faithless desde 1995 hasta el año 1999 en que abandonó el grupo. Por su parte Duncan Bridgeman comenzó su carrera musical en los años 80 con una banda de soul innovador llamada I-Level. Después de dejar el grupo, pasó diez años como productor de éxito y remezclador, trabajando con Duran Duran, Take That, Eurythmics, Transvision Vamp y Paul McCartney, entre otros. En el año 2001 unieron sus esfuerzos para crear, 1 Giant Leap, un proyecto musical y de cine internacional que llevó al dúo a una serie de viajes alrededor del mundo a través de los cuales intentan difundir un pensamiento revelador acerca de la naturaleza humana. Su primer trabajo, 1 Giant Leap (2001), es un recorrido de miles de kilómetros y 180 días, visitando más de 20 países de los cinco continentes para que los samplers de sus maquetas caseras tomen vida propia con la participación de sus creadores originales. En ésta obra monumental participan entre otros, Baaba Maal, Brian Eno, Michael Stipe, Robbie Williams, Neneh Cherry, el revolucionario de la flauta india, Hariprasad Chaurasia, la ex Fairground Attraction, Eddi Reader, la soprano Penny Shaw o la reina de Bollywood, Asha Bhosle. En el disco (que también es un largometraje), y que seduce con su trip-hop, tecno-tribal y pop electrónico experimental, se observan paisajes, testimonios y entrevistas con nativos de diferentes naciones, como Australia, Senegal, Sudáfrica, Uganda, Tailandia, Inglaterra y Estados Unidos. Según ellos mismos es una obra que explora, a través de la música y las imágenes, la complejidad de la naturaleza humana pero también la unidad de la diversidad. Después de la película, sus autores realizaron What about me (2009), otro proyecto visionario de música electrónica, cánticos africanos y canciones pop que conforman un conglomerado que podría encasillarse como World Music, pero que la etiqueta le queda pequeña. Jamie Catto y en menor medida Duncan Bridgeman, son de los artistas y activistas más respetados e influyentes de nuestra época, filosofar sobre la fuerza y la creatividad con gurús hindúes, jefes de clanes africanos y estrellas como Kurt Vonnegut y Dennis Hopper, bajo el manto de melodías y ritmos brillantes, convierten sus esfuerzos en un trabajo redondo.  © epdlp




   Zuco 103
   Outro Lado (2000)

   03 ABRIL 2017

   Amsterdam es la ciudad donde está radicado el proyecto Zuco 103, fusión de tres personalidades, el holandés Stefan Kruger (batería y percusiones), el alemán Stefan Schmid (teclados) y la brasileña Lilian Vieira (cantante), que llegó a los Países Bajos en 1989. El trío unió sus fuerzas por primera vez al realizar una serie de temas para la ecléctica y electro jazzística formación holandesa SfeQ. Beco Dranoff, el cazatalentos de la compañía discográfica Ziriguiboom, el sello de Crammed dedicado a la música brasileña, les produjo su primer trabajo Outro Lado (2000). Desde el lanzamiento de Outro Lado la música de Zuco 103 ha sido reconocida como una de las más excitantes mezclas entre la música electrónica y la brasileña, jamás realizadas. En sus siguientes álbumes Tales Of High Fever (2003), Whaa (2005) y After The Carnaval (2008), dejan volar su inspiración rítmica brasileña, para ser al mismo tiempo sofisticados y explosivos, bailables y también escuchables, sedosos y violentos, innovadores y pegadizos. La seductora voz de Lilian Vieira determina su estilo, una mezcla de bosanova, samba, drum'n'bass, hiphop, funk y dub, intentando dejar atrás todas sus influencias, descubriendo continuamente nuevos sonidos. Exploradores del arte de la samba y la bosanova, enriquecidos con la sensualidad del funk sobre las bases techno y drum'n'bass, su minimalismo ascético y total perfeccionismo está a la vanguardia de una nueva generación de artistas que son musical y étnicamente multiculturales y que son capaces de unir los sonidos propios de las músicas étnicas con los ritmos más occidentales.  © epdlp




   The Dining Rooms
   Lonesome Traveller (2011)

   27 MARZO 2017

   Dining Rooms son un dúo italiano compuesto por Stefano Ghittoni y Cesare Malfatti, ex miembro de la banda post-blues La Crus. Formados en 1998, al año siguiente editaron su primer trabajo, Subterranean Modern (1999), caraterizado por el uso de ritmos hip-hop y funk, bajo un manto de melancólicas guitarras. En el segundo, Numero Deux (2001), y ya con el sello Guidance Records de Chicago, penetraron en los sonidos atmosféricos del jazz y el soul minimalista. En Tre (2003) y en Ink (2007), consiguieron reunir a varios colaboradores de lujo que dieron realce y “carácter” al grupo, los vocalistas Sean Martin y Anna Clementi, el batería Leziero Rescigno, el bajista Marcello Testa y Vincent Dalschaert (piano), junto al talento de Maria Arena, autora de los videos que acompañan sus actuaciones. Lonesome Traveller (2011) y Do Hipsters Love Sun (Ra)? (2015), fueron sus últimos álbums. Stefano Ghittoni tiene un grupo paralelo llamado Double Beat, junto a Marco Rigamonti, orientado a la música africana, al funk y al house. Apasionados por el cine, y especialmente de la nouvelle vague francesa, The Dining Rooms, que también han editado algún disco con el nombre de Noorda, hacen trip hop, ambient y downtempo, todo eso reciclado y condimentado con gotas del jazz más actual. Atmósferas nocturnas, estética musical llena de energía e imaginación, serenatas de fragancia con sabor a club privado, una galería de emociones y sensaciones sin tregua que los ha convertido en el grupo de referencia del future jazz y de la escena post electrónica europea.  © epdlp




   Ojos de Brujo
   Bari (2002)

   20 MARZO 2017

   Ojos de Brujo fue la gran revelación del rock mestizo. Si nos sorprendieron con su primer álbum Vengue (Duende en caló, 2000), con su segundo trabajo Bari (Joya esencia y virtud en lengua gitana, 2002), hip-hop flamenco de gran frescura, nos atraparon definitivamente. El éxito de sus directos en toda Europa fue confirmando sus enormes posibilidades como banda. Ojos de Brujo mezclaban flamenco con hip-hop, funk, rap, reggae, son cubano y ragga. Estas influencias se fusionaban con canciones que partían de palos tradicionales del flamenco: tangos, colombianas, bulerías, tanguillos, etc, invitándote a descubrir con ellos la fuerza de un cajón flamenco, el peso de un bajo, el compás de la guitarra, los colores de la percusión latina y el soniquete de jaleos y palmas, junto a la rítmica voz del ragga, el scratching. Venidos de tierras distintas pero afincados en Barcelona, Ojos de Brujo estaba formado por Marina Abad (cantante), Ramón Giménez (guitarra), Juanlu (bajo), Dj Panko (scratching, samplers, guitarra y percusión), Max (percusión), Xavi Turull (percusión) y Sergio Ramos (percusión), con colaboraciones de otros músicos de bandas como Macaco y Dusminguet. Artistas que practican el mestizaje como forma de expresión, beben de todo y asimilan lo que vale para su propuesta, que aparte de original y combativa es todo un ejercicio musical. Para oír y a la vez remover conciencias aletargadas. Techari (Libre en caló, 2006) y Aocaná (Ahora en caló, 2009), fueron sus últimos ejercicios de virtuosismo. A partir de entonces los componentes del grupo han seguido carreras diferentes. La cantante Marina Abad, publicó en el año 2013 su primer álbum, Baile de las horas, con el nombre artístico de Marinah; mientras que tres de sus fundadores, Ramón Giménez, Dj Panko y Xavi Turull, junto a nuevos compañeros de viaje, editaron su primer trabajo Ryma (2012), con el nombre de Lenacay.  © epdlp




   Layo & Bushwacka
   Low Life (1998)

   13 MARZO 2017

   La historia de Layo & Bushwacka comenzó en el año 1988, una adolescencia en la que frecuentaban las fiestas acid de Clink Street o utilizaban piezas de música clásica para desarrollar en la escena hardcore. Con su espíritu ecléctico que daba forma a sus sesiones, bien en su hogar espiritual, el londinense The End, en una playa de Brasil o en los clubs más importantes de Ibiza o Argentina. Mientras Layo modifica sin compasión sonidos y frecuencias, Bushwacka machaca el crossfade, convirtiendo el indescriptible armamento breakbeat en un compulsivo collage de cortes y ritmos. Refugiados del underground, han pasado su tiempo apoyando el underground británico cuando los demás hacían oídos sordos. Layo Pashkin abriendo The End, un club con el propósito de descubrir nuevos valores a los vampiros nocturnos. Matthew "Bushwacka" Benjamin con su lucrativa carrera como Dj de raves, cogiendo de las nuevas corrientes del techno, tech-house, electro y breakbeat, forzándolos junto al blues, música clásica y bandas sonoras del último siglo para crear el nuevo sonido del siglo XXI. A mediados de los 90, cuando Layo and Bushwacka comenzaron su andadura juntos, la música dance estaba en proceso de cambio. La escena hardcore de la que Matthew había sido parte integral, ahora estaba cambiando hacia el drum&bass, mientras que los nuevos híbridos, más tarde etiquetados como tech-house y breakbeat, estaban emergiendo de los clubes como el The End. Matthew había creado su propio sello, Plank records, y creaba y pinchaba lo que él mismo definía como "buena música de calidad para salir y bailar", lo que más tarde sería el estilo Bushwacka. En 1998 Layo and Bushwacka editaron su primer disco Low Life, suave colección de electro, techno, underground, house y old skool breakbeat, pero filtrados a través del blues del delta y del dub reggae, creando un brillante disco de sonidos breakbeat atmosférico y downtempo. Los siguientes trabajos Night Works (2002) y Feels Closer (2006), muestran cómo su paleta de colores ha aumentado proporcionalmente al tamaño del lienzo utilizado. Como bien dicen los dos: "Les gustaría mucho más que el disco tuviera buenas críticas que el hecho de vender muchos discos. Algo que puedas escuchar dentro de unos años y que todavía conserve su dignidad y frescura".  © epdlp




   Mouth Music
   Seafaring Man (2001)

   06 MARZO 2017

   En la Escocia del siglo XVIII se hizo popular una tradición musical gaélica llamada “puirt a beul” (música vocal). Tenía un gran ritmo y no poseía letra, y las voces estaban formadas por vocales y sílabas fácilmente adaptables a varios ritmos y era interpretada para danzas. El ejemplo más palpable de ésta herencia es el grupo pop escocés Mouth Music. Radicados en Edimburgo, su música está basada en ésta tradición vocal, a la que se han añadido instrumentos eléctricos contemporáneos para crear un sonido nuevo y moderno. La banda, cuyo líder indiscutible es Martin Swan, ha tenido cambios en su estructura interna. Mouth Music (1990), su primer trabajo, tuvo la aportación de Talitha Mackenzie; los siguientes, Mo-di (1993) y Shorelife (1995), quizá los más vanguardistas, la contribución de Jackie Joyce (voz), Michaela Rowan (voz), Quee MacArthur (bajo), James Makintosh (batería) y Jeremy Black (percusión); y los tres últimos, Seafaring Man (2001), Scrape (2003) y The Order of Things (2005) de Martin Furey (violín). El proyecto de Mouth Music podríamos definirlo como gaélico-afro-pop, con un ligero parecido a Clannad (el primer grupo de la cantante Enya), y a los álbumes de Brian Eno y David Byrne, Bush of Ghosts y My Life, respectivamente. Sonido de raíces intensas, con la voz humana como protagonista de una tradición legendaria.  © epdlp




   Massive Attack
   100th Window (2003)

   27 FEBRERO 2017

   Massive Attack eran tres adolescentes de Bristol que, infectados por el gusanillo del hip hop montaron el sound system The Wild Bunch. Padrinos del trip-hop, Robert 3D del Naja, Grant "Daddy G" Marshall y Adrian “Mushroom” Vowles (que abandonó el grupo en 1999), habían editado 3 discos en 12 años. Eran tres tipos de la calle preocupados por el arte y la alienación urbana, que en 1991 sacaron su primer álbum, Blue lines, que se archiva en el apartado de clásicos. Protection (1994) fue el segundo y Mezanine (1998) el tercero. Massive Attack no sólo han forjado una carrera más que interesante, sino que también han, directa o indirectamente, impulsado otras, como las de Tricky, Nicolette, Portishead, por nombrar algunos. En 100th Window (2003) y Heligoland (2010), su cuarto y quinto álbum, su música cobra nitidez desde la primera hasta la última canción. Neil Davidge, cerebro multiusos que apareció en escena durante la gestación del Mezzanine, se ha convertido ahora en el fiel escudero de las nuevas aventuras sonoras de 3D, principal responsable del grupo en la actualidad. La música de Massive Attack es un sinuoso viaje por un mar de petróleo formado por paranoias, relaciones terminales e hiperrealismo depresivo. Música melancólica que transmite sentimientos ocultos.  © epdlp




   Lamb
   5 (2011)

   20 FEBRERO 2017

   Mientras Portishead y Massive Attack, emblemas del movimiento trip-hop, todavía no saben cómo salir de la oscuridad en la que se han metido, Lamb (los ingleses Louise Rhodes y Andy Barlow), han trabajado en silencio su receta para combinar los adrenalíticos sonidos del drum'n'bass con la serenidad del downtempo. Su dulce desesperación nos deja impávidos y sumidos en esa letanía que producen las cosas bellas y con sentimiento. Lamb (1996), Fear of Fours (1999), What Sound (2001), Between darkness & wonder (2003), 5 (2011) y Backspace Unwind (2014), son sus seis álbumes, cuyo fin último es formar parte de la enciclopedia del amor y la melancolía. El dúo Lamb no ha venido a cambiar el trip-hop o a inventar un nuevo estilo musical, sino a descubrir lo mejor de la belleza que se genera cuando hay pasión y entusiasmo por la música, y sobre todo cuando lo que más se quiere es reflejar estados de ánimo. Sus actuaciones en directo demuestran su virtuosismo como banda, en la que destaca la figura de Louise Rhodes (descalza y bebiendo té como una descosida), una voz llena de fuerza y compasión, que genera tranquilidad y desesperación. El sonido de Lamb explora la oscuridad salvaje, las conversaciones privadas intensas y cautivadoras que se convierten en poesía. Todo un recorrido por la fragilidad, tristeza y soledad humana.  © epdlp




   Joi
   One and One is One (1999)

   13 FEBRERO 2017

   Decía el poeta y dramaturgo Robinson Jeffers que para sobrevivir, las personas deben trascender su humanidad adoptando la estolidez de las piedras o la soledad de los halcones. Farook Shamsher ha podido sobrevivir a la pérdida de su hermano Haroon ocurrida en 1999, el mismo año de su debut discográfico como Joi y con el álbum One and One is One. Formados a mitad de la década de los ochenta, Farook y Haroon Shamsher, dos jóvenes bengalíes crecidos en el este de Londres, desarrollaron con el paso del tiempo uno de los estilos musicales más excitantes de los últimos años, el Bangla Sound System (fusión de dance music y ritmos asiáticos). En éste estilo fueron pioneros junto a Talvin Singh, Asian Dub Foundation y Transglobal Underground. Joi Sound System, como así se llamaron en sus comienzos, pasaron por algunos de los más famosos clubes y salas de conciertos de Londres como The End, Megatrípolis o The Ministry of Sound y en festivales como Womad o Tribal Gathering. Con su primer EP, “Desert Storm” consiguieron ser single del mes en la prestigiosa revista New Musical Express, lo que les llevó a ser teloneros del grupo Spiritualized en su gira británica. Ya sin Haroon Shamsher, su segundo trabajo de estudio, We Are Three (2000), un título inspirado en un poema del poeta Rumi, no hizo sino confirmar el éxito de su personal fusión de la música dance y hip hop con las formas más tradicionales de música asiática, incorporando a sus sonidos pregrabados voces, guitarras, sitars y mesas (instrumentos tradicionales hindús) y generando temas brutales que van desde el breakbeat al techno experimental. Joi lo forman actualmente, Farook Shamsher (teclados), Shahin Badar (voz), Keefe West (guitarra), Pasha Khan (batería) y Karim Dellali (percusión), amparados todos ellos por la inestimable colaboración del ingeniero de sonido británico Oliver Meacock. Los hermanos Shamsher compartían la misma pasión por la música, ese espíritu revolucionario que distingue a un filósofo de un rebelde propagandista. Sólo así se explica que Joi siga siendo un dúo, aunque Haroon Shamsher ya no esté entre nosotros.  © epdlp




   Jazzanova
   Of All The Things (2008)

   06 FEBRERO 2017

   El grupo Jazzanova editó su primer trabajo, un maxi-single titulado "Fedtimes Flight" en el año 1997. Con el devenir de los años y los sucesivos maxis, en los que entremezclaban covers y remixes con temas propios, la expectación por su álbum de debut crecía de modo exponencial. In Between (2002) fue el nuevo (y paradójicamente) álbum debut de Jazzanova. Un trabajo que implicó dos años de trabajo en estudio y mucha presión por la popularidad que habían brindado sus remezclas por todo el mundo. Muy en la línea musical de otros grandes monstruos de la fusión electrónica-jazzística-ambiental como De-Phazz o 4 Hero, su música predominantemente vocal, ritmos combinados de drum’n’bass y breakbeats interpretados como lo haría el mismísimo Alvin Queen, pianos y marimbas de ensueño, downtempo funky y coros envolventes. El colectivo conocido como Jazzanova, formado por elementos de muy distinta procedencia y cultura musical, Jürgen von Knoblauch, Alexander Barck, Claas Brieler, Stefan Leisering y Rosko Kretschmann, han conseguido convertirse en clásicos, en verdadero puntal de referencia de esto que ha dado en llamarse nu-jazz.  © epdlp




   Weekend Players
   Pursuit Of Happiness (2003)

   30 ENERO 2017

   Hace algún tiempo, el compositor y productor Andy Cato (Andrew Derek Cocup), que a pesar de no ir a ninguna escuela de música tocaba diversos instrumentos, incluidos el trombón, los teclados y el bajo, conoció al trompetista Tom Findlay y juntos montaron un club de baile. El éxito espectacular de sus sesiones en la sala, los llevó a crear su propio grupo musical, de igual nombre que el club, Groove Armada. Desde entonces Groove Armada ha exhibido una carrera de cinco álbumes, quizás con algunos altibajos, en los que han demostrado una sorprendente sinergia entre dos espíritus musicales afines. Por su parte Raquel Foster, una cantante de Nottingham con experiencia en los circuitos del jazz, ex - cantante del grupo Shod Collective y con una voz clónica de la cantante Sade, es el contrapunto adecuado a las composiciones de Andy Cato, uno de los productores de música electrónica más importantes del mundo. El debut del duo británico Weekend Players, Andy Cato y Raquel Foster, fué Pursuit Of Happiness (2003) y su segundo Weekend Players (2005). Los dos álbumes son un homenaje a la posteridad con letras mayúsculas, una especie de coctelera entre el jazz, el soul y la electrónica, un compendio de sonidos elegantes y bailables. Música disco del presente que sabe mirar al futuro sin complejos.  © epdlp




   Blu Mar Ten
   Empire State (2016)

   23 ENERO 2017

   Estar a la sombra de Daniel Williamson (LTJ Bukem) siempre es un motivo para dar rienda suelta a la creatividad y para sentirse protegidos por esa especie de halo mágico que el compositor y productor británico siempre ha tenido. Blu Mar Ten, Leo Wyndham y Chris Marigold, a los que luego se les unió, Michael Tognarelli, son unos privilegiados en ese aspecto, pues son los niños mimados del gran gurú y dueño del sello Good Locking Records. Aunque desde 1995 editaban pequeños trabajos y numerosas colaboraciones, no fue hasta el año 2002 cuando debutaron con su primer álbum, Producer (2002), el tercer disco de la serie homónima que ésta discográfica lanzaba al mercado y que llevó a ser reconocidos en el mercado mundial a gente como PFM (Mike Bolton), Tayla (Travis Edwards), Seba (Sebastian Ahrenberg), Big Bud (R. O'Reilly) y hasta el propio Bukem. En su segundo trabajo, The Six Million Names Of God (2003), continuaron esa línea marcada con paso firme, música arriesgada con poderosos ambientes electrónicos, largos desarrollos instrumentales y una rítmica contenida. Esa pequeña obra de ingeniería downbeat, tuvo las colaboraciones de prestigiosos productores británicos, Blame (720° Recordings/Charged), Nor Elle (Plastic City) y Fink (Ninja Tune), y era la antesala de metas más importantes que el trio británico llegaría a conseguir con sus siguientes trabajos, Black Water (2007), Natural History (2009), Love Is The Devil (2011), Famous Lost Words (2013) y Empire State (2016). Blu Mar Ten adopta el sonido, en el más estricto sentido paternal, volviendo al lugar de una niñez perdida para recuperar los recuerdos, una forma primitiva de construirse un refugio para defenderse del mundo exterior.  © epdlp




   Dreadzone
   Once Upon A Time (2005)

   16 ENERO 2017

   Dreadzone son un grupo inglés formado por Greg Roberts, Leo Williams y Tim Bran, los dos primeros ex componentes de BAD (Big Audio Dynamite), escisión de la banda de punk The Clash. Propietarios del club nocturno londinense Dubwiser, son un ejemplo luminoso de los magníficos resultados de unir la frialdad de los instrumentos electrónicos con el calor de sonidos como el reggae. Han publicado los siguientes álbumes de estudio, 360 Degrees (1993), Second Light (1995), Biological Radio (1997), Sound (2002), Once Upon A Time (2005), Eye On The Horizon (2010) y Escapades (2013). En ellos incorporan su arriesgada apuesta por un sonido espectacular, en ocasiones cercano a la worldmusic, junto a sonidos clásicos más sobrios, más oscuros y dramáticos que incitan al baile. La combinación abrasiva de batería, bajo y diversos instrumentos electrónicos, junto a influencias completamente sorprendentes y un nivel de superación estético sólo comparable a un lienzo a punto de ser plasmado, los convierte en un conjunto audaz que crea el dub más sofisticado que puedas escuchar. La representación máxima del baile como forma de vida, la realidad última de lo visible y lo invisible, el triunfo del ritmo sobre la razón.  © epdlp




   St. Germain
   St. Germain (2015)

   09 ENERO 2017

   El sabor de la nueva electrónica francesa tiene un nombre, St. Germain. Bajo éste sobrenombre se esconde la personalidad del productor y compositor Ludovic Navarre, padre de la escena dance-electrónica gala, con exponentes como Daft Punk, Air, Dimitri from Paris, Laurent Garnier, Cassius y Demon. Empezó pinchando en las fiestas de sus colegas y compuso sus primeros temas con un amigo, Guy Rabiller, bajo el nombre de Sub System. A éste siguieron otros seudónimos, D.S., Deep Contest, Deepside, Hexagone y Modus Vivendi. Ya entonces su máxima aspiración era no parecerse a los demás. Su primer disco, Boulevard (Mejor disco del año en Inglaterra, 1995) fue muy bien recibido por la crítica y por el público, aunque su espíritu insatisfecho le llevó a cansarse de las restricciones rítmicas del house y de la electrónica en general y comenzó a buscar un acercamiento más humano a la música. Esa meta la logró con su segundo trabajo, Tourist, uno de los discos más celebrados del año 2000, y en el que tiene como cómplices a Pascal Ohse (trompeta), Edouard Labor (saxo y flauta), Alexandre Destrez (teclados), Idrissa Diop (batería), Ernest Ranglin (guitarra) y Edmondo Carneiro (percusión). Fundador del sello F Communications en 1994 y creador de lo que se ha dado en llamar "French Touch" de la música francesa, su música de fusión la obtiene mediante una hábil y cuidadosa mezcla de techno con jazz y blues, ambient, house y dub. Después de quince años, Ludovic Navarre edita un nuevo álbum con su sobrenombre. St. Germain (2015), es un viaje al continente africano, apoyado en la guitarra y el n'goni, instrumento de cuerdas del oeste africano, de Guimba Kouyate, una de las revelaciones de la música de Mali, que formó parte del África Express de Damon Albarn. Ludovic Navarre ejecuta una música de alta calidad, cadenciosa y fresca, que nos descubre a un músico que creando un género musical híbrido, nos describe el camino a seguir, como el faro que marca el rumbo de los barcos.  © epdlp




   Adrian Crowley
   Some Blue Morning (2014)

   02 ENERO 2017

   Adrian Crowley, es un cantante y compositor de origen maltés afincado en Irlanda. Comenzó su carrera con 25 años y desde entonces había editado seis álbumes de estudio, A Strange Kind (1999), When You Are Here You Are Family (2001), A Northern Country (2004), Long Distance Swimmer (2007), Season Of The Sparks (2009) y I See Three Birds Flying (2012). Su música se inspira en el mejor folk tradicional irlandés, una capacidad para tocar todos los instrumentos y sobre todo por ser poseedor de una voz privilegiada a la altura de los mejores crooners como Bill Callahan, Leonard Cohen, Nick Drake, Andrew Bird o Howe Gelb, cantante de Giant Sand. Considerarlo como uno de los mejores cantautores y narradores de la escena musical actual no sería descabellado, pues su tesitura de barítono se ve acompañada de unos arreglos de cuerda poderosos. Sus discos se convierten en el mejor lugar de reposo y descanso. Sus canciones son melancólicas con una estudiadísima instrumentación, lo que les da ese aire de clasicismo con toques de contemporaneidad. Su último trabajo, Some Blue Morning (2014), que está acompañado como siempre por el dúo de cuerda y compositores experimentales de Londres, Geese, está considerado por la crítica como el mejor de su carrera, y en él vuelve a demostrar que su música pervive en un bosque prodigioso que funciona como una maquinaria perfecta, quizá la de su avión con el que admira la imperfección del mundo y se pregunta si vivir es suficiente.  © epdlp




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