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       Música - Todos los álbumes de la semana 
 
    
 

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   Napoleon
   Magpies (2013)

   26 DICIEMBRE 2016

   Napoleon es el proyecto de Simon Mills. Junto a Nail Tolliday formó el duo Bent, abanderados del chill-out británico y diseñadores del pop del futuro, que insuflaron aires renovados a la escena musical de los beats amables y ralentizados. Radicados en Nottingham, su primer y aclamado trabajo Programmed to Love (2001), una recopilación de sus Eps, ya nos descubrió su maestría en utilizar más instrumentos "naturales" que sus contemporáneos, arpas, guitarras más o menos eléctricas y todo lo que haga su sonido más atractivo y cercano. Ambient/lounge con imaginación y sentido de humor, retro-pop orquestal con tintes futuristas, electrónica de diván, capaces de mezclar un adagio con bases electrónicas, violines, flautas traveseras y sonidos oníricos. The Everlastic Blink (2003), Ariels (2004) e Intercept! (2006), fueron sus siguientes trabajos. Paralelamente Simon Mills ha editado dos discos con el nombre de Napoleon, Napoleon (2011) y Magpies (2013), reviviendo las cadencias y el sonido de Bent, y demostrándonos que todavía podemos disfrutar escuchando música fascinante, ese difícil equilibrio de fuerzas que logra introducirte en un mundo gemelo al de Alicia en el País de las Maravillas.  © epdlp




   1 Giant Leap
   1 Giant Leap (2001)

   19 DICIEMBRE 2016

   1 Giant Leap es un proyecto del músico, documentalista y activista británico Jamie Catto, y del artista, productor y multi-instrumentista inglés Duncan Bridgeman. El primero fue miembro fundador y director de arte de la banda Faithless desde 1995 hasta el año 1999 en que abandonó el grupo. Por su parte Duncan Bridgeman comenzó su carrera musical en los años 80 con una banda de soul innovador llamada I-Level. Después de dejar el grupo, pasó diez años como productor de éxito y remezclador, trabajando con Duran Duran, Take That, Eurythmics, Transvision Vamp y Paul McCartney, entre otros. En el año 2001 unieron sus esfuerzos para crear, 1 Giant Leap, un proyecto musical y de cine internacional que llevó al dúo a una serie de viajes alrededor del mundo a través de los cuales intentan difundir un pensamiento revelador acerca de la naturaleza humana. Su primer trabajo, 1 Giant Leap (2001), es un recorrido de miles de kilómetros y 180 días, visitando más de 20 países de los cinco continentes para que los samplers de sus maquetas caseras tomen vida propia con la participación de sus creadores originales. En ésta obra monumental participan entre otros, Baaba Maal, Brian Eno, Michael Stipe, Robbie Williams, Neneh Cherry, el revolucionario de la flauta india, Hariprasad Chaurasia, la ex Fairground Attraction, Eddi Reader, la soprano Penny Shaw o la reina de Bollywood, Asha Bhosle. En el disco (que también es un largometraje), y que seduce con su trip-hop, tecno-tribal y pop electrónico experimental, se observan paisajes, testimonios y entrevistas con nativos de diferentes naciones, como Australia, Senegal, Sudáfrica, Uganda, Tailandia, Inglaterra y Estados Unidos. Según ellos mismos es una obra que explora, a través de la música y las imágenes, la complejidad de la naturaleza humana pero también la unidad de la diversidad. Después de la película, sus autores realizaron What about me (2009), otro proyecto visionario de música electrónica, cánticos africanos y canciones pop que conforman un conglomerado que podría encasillarse como World Music, pero que la etiqueta le queda pequeña. Jamie Catto y en menor medida Duncan Bridgeman, son de los artistas y activistas más respetados e influyentes de nuestra época, filosofar sobre la fuerza y la creatividad con gurús hindúes, jefes de clanes africanos y estrellas como Kurt Vonnegut y Dennis Hopper, bajo el manto de melodías y ritmos brillantes, convierten sus esfuerzos en un trabajo redondo.  © epdlp




   Rudimental
   Home (2013)

   12 DICIEMBRE 2016

   Rudimental es un cuarteto inglés afincado en Londres, compuesto por el ingeniero de sonido Amir Izadkhah (alias Amir Amor), el disc-jockey Leon Rolle (alias DJ Locksmith), Kesi Dryden y Piers Aggett, todos ellos compositores y productores. En el año 2012 editaron el single Feel the love, que llegó al número 1 de las listas británicas. Su álbum debut, Home (2013), con colaboraciones tan importantes como la cantante de soul y R&B Emeli Sandé, descubre a una buena cantidad de vocalistas más que interesantes, Sinead Harnett, Ella Eyre, John Newman y MNEK, todos con un futuro esplendoroso. Empapados de la cultura underground de Londres, su directo que tiene fama de contundente, hasta 12 personas en escena, tuvo su máximo apogeo en el Festival Sónar de ese año, donde eclipsaron a los cabezas de cartel del evento, Massive Attack y Nile Rodgers, entre ellos. Adictos al drum&bass, ese estilo lo mezclan con el blues, el jazz, el hip hop, el house y sobre todo con el soul, lo que les convierte en abanderados de una nueva corriente musical todavía inexplorada. We the generation (2015), su segundo trabajo, tiene colaboraciones tan importantes como Ed Sheeran, Will Heard y el fallecido Bobby Womack. Ante un mundo por hacer, únicamente valen los procedimientos que incluyan lo lúdico, Rudimental son la inspiración de los poetas que conservan su ingenuidad, la mirada alucinada y serena al mismo tiempo de unos músicos que buscan una respuesta a interrogantes que les estimulen a seguir creyendo que avanzamos.  © epdlp




   Pat Metheny Group
   Offramp (1982)

   05 DICIEMBRE 2016

   Pat Metheny ha sido músico profesional casi la mitad de su vida. Incluso por separado, sin su grupo Pat Metheny Group, las credenciales del guitarrista son impresionantes. Fue profesor tanto en la Universidad de Miami como en el Berklee College of Music, en Boston, cuando aún era un adolescente. A los diecinueve años se unió a la banda de Gary Burton y permaneció con ellos durante tres años (1974-1977). Ha tocado y grabado con algunos de los más innovadores músicos de las pasadas dos décadas: Gary Burton, Sonny Rollins, Paul Motian, Roy Haynes, Miroslav Vitous, Jack DeJohnette, Michael Brecker, Charlie Haden, Ornette Coleman, Milton Nascimento, Herbie Hancock y Steve Reich, entre otros. Su primer disco fue Bright Size Life (1976) con el sello ECM, junto a Jaco Pastorius (bajo eléctrico) y Bob Moses (batería). En él ya presenta las composiciones unidas y comprometidas del líder y su concepto único de lo instrumental. A éste siguieron Water Colors (1977) en el cual grabó por primera vez con Lyle Mays y Danny Gottlieb. Más tarde Pat Metheny Group (1978), New Chatauqua (1979), American Garage (1980), 80/81 (1980), As Falls Wichita, So Falls Wichita Falls (1981), Offramp (1982) su primera grabación con sintetizador de guitarra; Travels (1983), Rejoicing (1983), First Circle (1984), Song X (1986) junto a Ornette Coleman, el revolucionario saxofonista y compositor de free jazz; Still Life Talking (1987), Letter From Home (1989) su trabajo de mayor éxito hasta ese momento, conciso, con fuerza, inequívocamente melodioso y conmemorativo; Letter From Home es un mensaje de madurez y logros de un grupo en plena forma. Question and Answer (1990), Secret Story (1993), una de sus creaciones más personales, con su factor emocional, crecido como compositor, culminación de lo que había hecho hasta la fecha; The Road to You (1994), We Live Here (1995), Beyond The Missouri Sky (1997), Imaginary Day (1997), Speaking of Now (2002) y The Way Up (2005). Su grupo está formado normalmente por Lyle Mays (teclados), Steve Rodby (bajo), Richard Bonna (voz y guitarra), Antonio Sánchez (batería), David Samuels (percusión) y Cong Vu (voz y trompeta). Son escasos los artistas que improvisan y que logran interesar a una creciente cantidad de público sin que por ello se vea afectado su arte. Más extraño aún es encontrar un artista que pueda ver cómo su público se desarrolla al mismo tiempo que lo hace su visión musical. Pat Metheny, considerado el mejor guitarrista de jazz del mundo, compositor polifacético, productor innovador y pionero con el sintetizador y la guitarra, se encuentra en una posición inigualable, principalmente el resultado de una inteligencia musical insaciable y una energía aparentemente inagotable.  © epdlp




   Bel Canto
   Magic Box (1996)

   28 NOVIEMBRE 2016

   Tras la desaparición o hibernación de Cocteau Twins y Dead Can Dance, los noruegos Bel Canto son la única de estas tres leyendas que se mantiene generando música sublime para el deleite de nuestros sentidos. Con más de 17 años de trayectoria musical, el dúo que anteriormente era un trío (Geir Jenssen lo dejó para encargarse del proyecto electrónico Biosphere), compuesto por Anneli Drecker (voz) y Nils Johansen (teclados, guitarra y violín), elaboran una música ecléctica con acordes melancólicos y tristes llena de luminosidad. La inigualable interpretación vocal de Anneli Drecker, en ocasiones evocando los tribales cantos joikk de Noruega, mezcla antiguos enigmas junto a la sofisticación moderna, lo que al final produce una experiencia mágica. Hasta la fecha han editado seis álbumes de estudio, White Out Conditions (1987), Birds of Pasage (1990), Shimering, Warm & Bright (1992), Magic Box (1996), Images (1999) y Dorothy's Victory (2002). Fueron los encargados de crear la música original de los Juegos Olímpicos de invierno en Lillehammer. Paralelamente Anneli Drecker ha publicado dos cds en solitario, Tundra (2001) y Frolic (2005), mientras que Nils Johansen ha grabado dos discos en solitario, Cho Oyu 8201m – Field Recordings From Tibet (2006) y la banda sonora de Im Schatten [2012]. Bel Canto, pioneros de la expansión de la música electrónica europea, incluidos en los géneros del world beat, ambient y el dark ethereal, viajan en el tiempo cada vez que crean e interpretan su música.  © epdlp




   Kemopetrol
   A Song And A Reason (2011)

   21 NOVIEMBRE 2016

   Kemopetrol es un prometedor grupo finlandés de pop electrónico formado por Kalle Koivisto (teclados), Marko Soukka (guitarra), Laura Närhi (voz), Kari Myöhänen (bajo) y Teemu Nordman (batería). Los dos primeros comenzaron como dúo experimental en 1998, creando su música a la que denominaban "ambient industrial ruso", convirtiéndose meses más tarde en quinteto y adoptando su nombre de un antiguo equipo de hockey checo. Slowed Down (2000), su álbum debut, fue una auténtica joya atemporal, creadora de paisajes sonoros que van desde el reggae contagioso, a la rica sección de cuerdas, pasando por unas desgarradoras guitarras. En el año 2001 fueron considerados el mejor nuevo suceso pop/rock del 2000 en la gala Emma (Los premios de la industria musical finlandesa), y en el 2002 editaron su segundo álbum, Everything's fine. Play for me (2004), Teleport (2006) y A Song And A Reason (2011), completaron éste repóquer de ases de música atemporal. Kemopetrol suenan a combustible para mecheros, esos carburantes que se consumen en una etérea llama azul que parece capaz de arder durante años, como las canciones de Kalle Koivisto, alma mater del grupo y compositor de todas sus canciones. Canciones descorazonadoras y ritmos hipnóticos, una sutil y refinada mirada al pop que se extingue sin antídoto posible.  © epdlp




   Laika
   Wherever I am, I am what is missing (2003)

   14 NOVIEMBRE 2016

   Laika es una banda de Londres formada por Margaret Fiedler y John Frenett (cantante y ex-bajista de Moonshake, respectivamente), el ingeniero de sonido y productor Guy Fixsen (que había trabajado con Moonshake, The Breeders, Throwing Muses y My Bloody Valentine) y el batería Lou Ciccotelli. Su álbum de debut Silver Apples of the Moon (1994), calificado como un enlace perdido entre el avant funk de Can y el ambient jungle escuchado en London's pirates, los llevaron a compartir un tour por Estados Unidos junto a Tricky. Su segundo trabajo Sounds of the Satellites (1997), más melódico que su predecesor, cargado de psicosis urbana y una tensión rítmica fluida, les permitió una gira por el Reino Unido junto a Radiohead. Good Looking Blues (2000) y Wherever I am, I am what is missing (2003), sus dos últimos álbumes hasta la fecha, trajeron conjuntamente todo lo que Laika ama; grooves de baterías, bajos melódicos, letras blues/rap, melodías folk, instrumentación jazz/hip hop, clarinetes, trompetas y turntables. Laika fusiona material programado y ejecución en vivo para crear un sorprendente híbrido de pop experimental, crea música a un plano no-rock, buscando inspiración en los grooves hip-hop, techno, dub y jungle. Ritmos abrumadores, temas atemporales que buscan la eternidad, un intento consciente de parar el tiempo a través de susurros, de elegantes efectos de guitarra y bajos contundentes, de sobrios ritmos y percusiones.  © epdlp




   Nicola Hitchcock
   Passive Aggressive (2005)

   07 NOVIEMBRE 2016

   Nacidos a mediados de los noventa en pleno auge del trip hop, Nicola Hitchcock y Saul Freeman (ex componente del grupo Thieves), fueron el dúo británico Mandalay. Su primer trabajo, Empathy (1998) les situaba en primera línea de los grupos de éste género. Voces celestiales a lo Beth Gibbons (Portishead) y Elizabeth Fraser (Cocteau Twins), instrumentación clasicista, ritmos programados y un sonido no mimético y envolvente, es el que determinó su estilo. Sus siguientes trabajos Instinct (2000) y Solace (remezclas, 2001), fueron bellas piezas etéreas y volátiles triphoperas de loops, samples y programaciones que profesaron melancolía por todos sus poros. El dúo se separó en el 2001. Desde entonces, Saul Freeman, ha seguido una vigorosa carrera como productor y programador para gente como, Sarah Brightman, David McAlmont y Suede, y por su parte, Nicola Hitchcock, que también es guitarrista y toca el arpa, editó un álbum en solitario con su propio sello discográfico, Tempted Records, Passive Aggressive (2005) y un EP en el 2012, Quarterbright. También ha colaborado con músicos de vanguardia como Ryuichi Sakamoto, Hector Zazou, Chris Brann y el dúo Sounds from the Ground.  © epdlp




   Goldfrapp
   Felt Mountain (2000)

   31 OCTUBRE 2016

   El término electro-clash, es un género musical que fusiona new wave, synthpop y música electrónica. Los instrumentos que utiliza son sintetizadores o baterías programadas, siendo en muchas ocasiones analógicos. Comenzó a desarrollarse a finales de los años noventa principalmente en Alemania (Berlín y Múnich) y Estados Unidos (Nueva York y Detroit), llegando a su apogeo durante el período 2000-2002. Existen varios grupos que abanderan dicho estilo, Fischerspooner, Mignon, Tiga, Scissor Sisters, Felix Da Housecat, Peaches y Goldfrapp. Estos últimos son un dúo británico formado por Alison Goldfrapp y Will Gregory. Felt Mountain (2000) fue su álbum debut, un disco que contenía las voces sintetizadas de Alison sobre paisajes sonoros de cine. Sus siguientes trabajos, Black Cherry (2002) y Supernature (2005), sumidos plenamente en el electro-clash, fueron el despegue definitivo de su carrera, vendiendo del segundo más de un millón de copias en todo el mundo. A éstos siguieron, Seventh Tree (2008) y Head First (2010). Tales Of Us (2013) y Silver Eye (2017), sus últimos trabajos, son álbumes más introspectivos, volviendo al sonido acústico y fantasioso de su primer trabajo. Alison Goldfrapp y Will Gregory han colaborado con, entre otros, Depeche Mode, Lady Gaga y Marilyn Manson, y la cantante Madonna reconoce que se inspiró en alguna canción de ellos para grabar su disco dance, Confessions on a Dance Floor (2005). Además son los autores de las bandas sonoras de las películas My Summer of Love (2004) de Pawel Pawlikowski y Nowhere Boy (2009), filme biográfico sobre John Lennon, que dirigió Sam Taylor-Wood. Las canciones de Goldfrapp son la visión de un futuro devastado, con ciertos toques de desaliento que buscan redención.  © epdlp




   Kate Havnevik
   &i (2015)

   24 OCTUBRE 2016

   Kate Havnevik es una cantante y compositora noruega. De formación clásica, es hija de los flautistas Andrew Cunningham y Lotte Havnevik, aprendió rápidamente a tocar el piano y la guitarra, entre otros instrumentos, aunque sus horizontes cambiaron al unirse a una banda de punk rock. A los diecisiete años se traslada a Liverpool, localidad en la que estudia música y composición. Allí fue componente del grupo Mono Band, junto a Noel Hogan y Marius de Vries, entre otros, desde el año 2004 al 2007, fecha en la que desapareció la banda, y con la que editó un solo trabajo, Mono Band (2005). Su álbum debut, el aclamado Melankton (2006), nombre escogido de un personaje noruego que significa negro rosa, fue grabado a caballo entre Londres, Bratislava, Oslo y Reykjavik y fue mezclado en Los Ángeles, y significó por fin conseguir su meta deseada, es decir mezclar lo clásico y lo electrónico en un trabajo redondo. El álbum le llevó a ser considerada como una de las abanderadas del soul-jazz y el sonido downtempo. Su música se hizo conocida para el gran público gracias a aparecer como banda sonora de la serie Anatomía de Grey. Kate Havnevik que edita en su propio sello, Continentica Records, ha publicado dos discos más, You (2011) y &i (2015). Los tres álbumes junto al prestigioso compositor y productor británico Guy Sigsworth, que fue miembro de la banda Frou Frou, junto a Imogen Heap, y que ha producido a gente tan conocida como Björk, Madonna o Alanis Morissette. Kate Havnevik es hacedora de unas canciones intensas, en ocasiones inquietantes y hermosas, poéticas y frágiles, que actúan a modo de haikus, con las mejores cualidades de una música que intenta comunicarse para buscar su consuelo.  © epdlp




   Bliss
   No One Built This Moment (2009)

   17 OCTUBRE 2016

   Los grupos escandinavos han sido desde hace un tiempo, referente indispensable en cuanto a tendencias y modas en el mundo de la música. Recordemos a Sugarcubes, Bjork, Sigur Ros, Koop, Royksoop, The Hives o Raveonettes, por mencionar algunos. Afincados en Dinamarca, el grupo Bliss, los daneses Marc-George Andersen (teclados) y Steffen Aaskoven (programación), la sueca Alexandra Hamnede (voz) y el ghanés Salvador “Tchando” Embalo (voz, guitarra y percusión), han sabido forjarse un sonido difícilmente clasificable (new age, world music, electrónica, música clásica...), digamos que se encuentran entre Johann Sebastián Bach y Brian Eno. Su álbum debut Afterlife (2001), repleto de voces fascinantes, percusión apacible y una vital orquestación, fijó los nuevos estándares para la música étnica, mezclando influencias occidentales, africanas y clásicas. Su segundo trabajo. Quiet Letters (2003), fue calificado por el prestigioso DJ Ravin, del club Buddha Bar, como el trabajo más importante de la década y en él nos retrotraía a gente como Sade, Enya, Norah Jones y en ocasiones al gran Ennio Morricone, todo ello flambeado con unas gotas de alma escandinava. Sus trabajos no terminan ahí, pues han colaborado en la música de la serie de televisión C.S.I. y han compuesto la tremenda banda sonora de They Made History (2005), un documental de 9 episodios del periodista Steffen Kretz, así como diversos spots publicitarios para Carlsberg, Lundbeck y Zendium, entre otros. En No One Built This Moment (2009), su penúltimo álbum, supieron rodearse de importantes colaboraciones, como la cantante de Zero 7, Sophie Barker, la ya habitual Lisbeth Scott, el veterano percusionista, Jacob Andersen, el estupendo bajista de jazz, Mads Vinding o el cantante Boy George. So Many Of Us (2013) es su último trabajo. La historia de Bliss crece día a día, su música habla por ellos, sobran las palabras.  © epdlp




   Afro Celt Sound System
   The Source (2016)

   10 OCTUBRE 2016

   Afro Celt Sound System son un grupo afro-irlandés formado por Simon Emmerson (guitarrista y productor), James McNally (multiinstrumentista), Iarla Ó Lionáird (voz) y Martin Russell (teclados y programación), verdadero artífice del sonido del grupo, además de Johnny Kalsi (percusión), N'Faly Kouyate (instrumentos étnicos), Emer Mayoc (gaitas) y Moussa Sissokho (percusión). Aunque Simon Emmerson había formado la banda en 1991, no fue hasta el año 1996 dónde se dieron a conocer en el festival Womad, dónde tuvieron un éxito extraordinario. A partir de esa fecha su nivel de calidad e innovación subió en la misma medida que editaban sus seis álbumes de estudio, Sound Magic (1996), Release (1999), Further In Time (2001), Seed (2003), Anatomic (2005) y The Source (2016). En éstos trabajos además han disfrutado de las colaboraciones de músicos de la talla de Robert Plant, Sinéad O'Connor, Davy Spillane, Liam O'Flynn y Peter Gabriel, entre otros. Este último, fundador del festival Womad y propietario de la discográfica Real World, sello que ha publicado todos los álbumes del grupo. Han participado asimismo en películas tales como Hotel Rwanda, Stigmata, Gangs of New York y Nikita. Los ACSS fusionan la música dance y electrónica en general, con ritmos celtas y africanos, sintetizando la ideología del Womad: mezclar culturas, presumir de contemporáneos -trabajan con ordenadores- y cuidar el aspecto visual, especialmente la danza. Su repertorio incluye partituras de hace 600 años y piezas actuales como el jungle y el house. Esta mezcla perfecta de sonidos antiguos y contemporáneos, eso que ellos llaman global dance, los ha situado en la vanguardia indiscutible de la World Music.  © epdlp




   Thomas Feiner
   The Opiates - Revised (2008)

   03 OCTUBRE 2016

   Un opiáceo es una especie de conjura para ahuyentar la melancolía. Se le consideró siempre como una medicación casi milagrosa, llegando Paracelso a considerarlo como la piedra de la inmortalidad. Algo parecido le ocurre a Thomas Feiner, compositor sueco nacido en Goteborg, que en 1989 inició una prometedora carrera junto a su banda Anywhen. El grupo formado por el propio Thomas Feiner (voz), Mikael Andersson Tigerström (bajo), Kalle Thorslund (batería) y Jan Sandahl (guitarra), publicó dos álbumes As We Know It (1993) y Anywhen (1996), hasta que en 1999, dos años antes de la publicación de The Opiates (2001), la banda empezó a difuminarse hasta quedar con vida sólo la persona del cantante. La revisión de éste trabajo en el año 2008, gracias a David Sylvian y a su sello SamadhiSound, supuso el redescubrimiento de éste barítono desengañado con voz cavernosa que una vez se vio reflejado en el agua cristalina de su propia desesperación. La Radio Symphony Orchestra de Varsovia acompaña a los disueltos Anywhen y a la voz de Thomas Feiner en éste álbum retocado titulado The Opiates (Revised), que contiene dos nuevas canciones y que oscila entre lo intimo y lo épico en una obra imprescindible por su fuerza, matices y profundidad. Hay que destacar la colaboración del prestigioso diseñador gráfico Aubo Lessi, autor de uno de los video-clips que acompañan el disco, absolutamente imprescindible y el diseño general de Chris Bigg, con imágenes de Jean Cocteau y Marcel Khill, fotografiadas por Cecil Beaton. Su reedición hace justicia a uno de los mejores discos de la década.  © epdlp




   O'2L
   Doyle's Brunch (2005)

   26 SEPTIEMBRE 2016

   O'2L es la extraordinaria colaboración de dos músicos neoyorquinos, la pianista Jane Mangini (apasionada por el blues y el rock experimental, y ex-componente de Trans Siberian Orchestra) y el guitarrista Al Pitrelli (componente de las bandas de Alice Cooper y Megadeth, entre otros). Su primer trabajo llamado como ellos O'2L (2003), fue una mezcla de ritmos eclécticos y arreglos originales que generaron un disco redondo. Doyle's Brunch (2005) y Eat A Pickle (2007), fueron sus siguientes álbumes. Con una destreza que rompe límites, han creado un estilo definido como techno-acústico de alta energía. Jane Mangini es claramente el motor del dúo, pues es la compositora de todos los temas, mientras que Al Pitrelli proporciona los fuegos artificiales con sus acordes tórridos y fluidos, proporcionando un borde arenoso a esos pedazos cristalinos que ella compone. Electrónica, jazz y new age son el condimento perfecto para este viaje musical por un sonido distinto que O'2L nos propone. Un sensual vuelo en el aire acompañado de melodías suntuosas.  © epdlp




   Nitin Sawhney
   Beyond Skin (1999)

   19 SEPTIEMBRE 2016

   Nitin Sawhney es un músico anglo-hindú que fusiona tradición y electrónica. Nació en Rochester, Kent, Inglaterra. Con Talvin Singh, otro de los grandes nombres del asian underground, fundó Tihai Trio, proyecto creado tras la disolución de su primera banda The Jazztones. Sus 10 álbumes hasta la fecha, Spirit dance (1994), Migration (1995), Displacing the priest (1996), Beyond skin (1999), Prophesy (2001), Human (2003), Philtre (2005), London Undersound (2008), Last Days Of Meaning (2011) y Dystopian Dream (2015), son un impecable ejemplo de cómo delimitar el presente sin renunciar a la memoria. Nitin Sawhney ha estado enseñando al mundo por dónde va la música del siglo XXI. La diferencia entre lo que él hace y lo que surge de otros artistas contemporáneos suyos no es una cuestión de estilo, sino de talento. En su música se dan la mano, el canto musulmán de llamada a la oración y la rumba mediterránea, los ecos jazzísticos y el espíritu del Ganges, demostrando que la música contemporánea pierde sus fronteras en bien de la creación y que cualquier herencia es buena si se sabe utilizar con criterio y si se adquiere de ella lo que mejor puede aportar al estilo propio del compositor. Nitin Sawhney no crea para turistas, sino que expone su música como un retrato cromático de la sociedad que refleja.  © epdlp




   Bel Canto
   Dorothy's Victory (2002)

   12 SEPTIEMBRE 2016

   Tras la desaparición o hibernación de Cocteau Twins y Dead Can Dance, los noruegos Bel Canto son la única de estas tres leyendas que se mantiene generando música sublime para el deleite de nuestros sentidos. Con más de 17 años de trayectoria musical, el dúo que anteriormente era un trío (Geir Jenssen lo dejó para encargarse del proyecto electrónico Biosphere), compuesto por Anneli Drecker (voz) y Nils Johansen (teclados, guitarra y violín), elaboran una música ecléctica con acordes melancólicos y tristes llena de luminosidad. La inigualable interpretación vocal de Anneli Drecker, en ocasiones evocando los tribales cantos joikk de Noruega, mezcla antiguos enigmas junto a la sofisticación moderna, lo que al final produce una experiencia mágica. Hasta la fecha han editado seis álbumes de estudio, White Out Conditions (1987), Birds of Pasage (1990), Shimering, Warm & Bright (1992), Magic Box (1996), Images (1999) y Dorothy's Victory (2002). Fueron los encargados de crear la música original de los Juegos Olímpicos de invierno en Lillehammer. Paralelamente Anneli Drecker ha publicado dos cds en solitario, Tundra (2001) y Frolic (2005), mientras que Nils Johansen ha grabado dos discos en solitario, Cho Oyu 8201m – Field Recordings From Tibet (2006) y la banda sonora de Im Schatten [2012]. Bel Canto, pioneros de la expansión de la música electrónica europea, incluidos en los géneros del world beat, ambient y el dark ethereal, viajan en el tiempo cada vez que crean e interpretan su música.  © epdlp




   Beth Orton
   Kidsticks (2016)

   05 SEPTIEMBRE 2016

   La inglesa Beth Orton ha llevado a cabo la extraña tarea de popularizar la música de influencia folk entre los clubes de la última década del siglo XX. Sus aspiraciones se dirigían a ser actriz, pero el afamado compositor y productor William Orbit la contrató para grabar unos textos recitados para su proyecto Strange Cargo. El éxito del proyecto la llevó a grabar su primer disco Superpinkymandy (1993), un disco poco convencional solamente para el mercado japonés, que le abrió las puertas a colaboraciones junto a Red Snapper, Chemical Brothers, Primal Scream, Ben Watt (EBTG), Johnny Marr (Smiths) y Ryan Adams. Sus siguientes álbumes, Trailer Park (1996), Central Reservation (1999), Daybreaker (2002) y Comfort of Strangers (2006), la consagraron como esa cantautora universal que lejos de estilos (folk, pop, country, electrónica, etc) toca todos los palos con elegancia y sencillez, creando canciones brillantes, sencillas y que perduran en el tiempo. Sus conciertos en directo destilan unos sonidos llenos de matices, intensos y hermosos, sobre el que sobresale su espléndida voz, momentos álgidos de emoción desbocada. Beth Orton la niña mimada del pop británico se disfraza de Joni Mitchell, Natalie Merchant y Suzzane Vega, y al final acaba pareciéndose a Bjork y a Sade. Sugaring Season (2012) y Kidsticks (2016), son sus últimos álbumes. Un viaje en torno a las relaciones personales, con sus canciones como análisis del mundo a través de sus ojos, describiendo la naturaleza de las cosas desde un punto de vista en el que la esperanza, el amor, la expectación y el paso del tiempo se expresan naturalmente. Entre la caída, la salvación y la supervivencia, Beth Orton nos recuerda el cielo de cemento que se nos cae encima.  © epdlp




   Jóhann Jóhannsson
   Englaborn (2002)

   29 AGOSTO 2016

   Jóhann Jóhannsson es uno de los más activos compositores de la nueva escena musical islandesa. Antes llegaron Bjork, Gus Gus, Sigur Rós, Múm, pero quizás con él hemos llegado a un lugar sin retorno, el de la entrega sin condiciones a todo lo que suena islandés. Fundador del sello y colectivo artístico Kitchen Motors, miembro de la Apparat Organ Quarter, ha sido productor de entre otros, Marc Almond, Hafler Trio, Barry Adamson y Pan Sonic. Su discografía la componen auténticas joyas del neoclasicismo electrónico, Englaborn (2002), Dis (2004), IBM 1401, A User's Manual (2006), Forlandia (2008) y And In The Endless Pause There Came The Sound Of Bees (2009), además de músicas para teatro, documentales y bandas sonoras. Jóhann Jóhannsson, poderosamente influenciado por la música de Arvo Pärt, Henryk Górecki y Dmitri Shostakovich, combina cuarteto de cuerda, piano, órgano o percusión con delicados tratamientos electrónicos y manipulaciones sintéticas, como una sucesión de letanías y armonías robóticas.  © epdlp




   Ian Simmonds
   The Right Side Of Kind (2015)

   22 AGOSTO 2016

   En los últimos tiempos la música electrónica ha experimentado una vigorosa vuelta a sus orígenes jazzísticos. La escena actual tiene todos los elementos prestados del género, modernizándolos y adaptándolos a sus necesidades. James Hardway y su Cinematic Orchestra, los brillantes Red Snapper y el británico Ian Simmonds son bichos raros dentro de sus congéneres, pues su música necesita de la experimentación para retroalimentarse. Ian Simmonds, cantante y bajista, formó parte durante la década de los noventa del cuarteto de acid-jazz Sandals, junto a Will Blanchard, John Harris y Derek Delves. Simultáneamente produjo los primeros trabajos del dúo Leftfield y de los Pressure Drop. Tras la disolución del grupo Sandals continuó su carrera en solitario, debutando con Last States Of Nature (1998), un himno al nu-jazz/dark y al estilo downtempo. A este siguió Return To X (2000), un álbum que navega entre la sorpresa y el encantamiento y en dónde su estructura infernal merece estar en una antología del desconsuelo. Más tarde y adoptando el seudónimo de Juryman editó dos trabajos más, The Hill (2001) y Escape to Where (2002). The Burgenland Dubs (2009) y The Right Side Of Kind (2015), son sus últimos trabajos hasta la fecha. Ian Simmonds nos desafía con un jazz turbio y orgánico, misterioso y colosalmente adictivo, en dónde la electrónica más contemporánea se nos presenta completamente desnuda. Ritmos rotos, instantes de placer soberano, la música ideal para observar como anochece durante los próximos años.  © epdlp




   Melody Gardot
   The Absence (2012)

   15 AGOSTO 2016

   Máxima representante del soul-jazz, la norteamericana Melody Gardot ocupa ya un lugar de privilegio en el mundo de la música. Poseedora de una mezcla de sofisticación y talento natural, su voz es portentosa y sus composiciones intensas, incursiona en el jazz, el blues y el rhythm and blues de una manera personalísima. Comenzó en la música por casualidad, cuando fue atropellada por un coche cuando iba en bicicleta. Tenía diecinueve años, y el accidente la mantuvo postrada durante un año en una habitación de hospital. Tuvo que aprender a hacerlo todo de nuevo, leer, andar y hablar, fue entonces cuando descubrió en la música una forma de relacionarse con el mundo, por eso canta a través del dolor. Después de editar un EP titulado Some Lessons (2005), sacó a la luz su primer álbum, Worrisome Heart (2007), un trabajo de incontestable seducción, que recordaba a las otras voces del jazz del siglo XXI, Fiona Apple, Norah Jones y Diana Krall. A éste siguieron, My One And Only Thrill (2009) y The Absence (2012). Currency Of Man (2015), es su más reciente ejercicio de belleza, un álbum preciosista producido por el gran Larry Klein, el mismo que su anterior trabajo con el que llegó a vender más de millón y medio de copias en todo el mundo, y que tiene las colaboraciones de tres músicos de primera línea, el guitarrista Dean Parks, el pianista Larry Goldings, así como uno de los mejores bateristas del mundo, Vinnie Colaiuta. Según sus propias palabras, Currency of Man es un trabajo basado en una proclamación social con un sentido muy profundo, "Quería un álbum que fluyera como un sueño, desde el principio hasta el final. Queríamos entrelazar los sonidos del mundo en las canciones, para recordar todos los lugares y reflejar realmente las situaciones. Este álbum está formado por historias sobre gente que conoce lo que son los tiempos difíciles, personas que luchan para superarlos, y eso es algo que resuena profundamente en mí. Es imposible ignorarlo". Melody Gardot construye su música con la delicadeza de un orfebre, ese artesano que habla obsesivamente del pasado, de ciertos recuerdos y de la interiorización de un imaginario no vivido e intensamente anhelado.  © epdlp




   Zero 7
   Yeah Ghost (2009)

   08 AGOSTO 2016

   El estilo downtempo es una de las tendencias más peligrosas de la electrónica, pues más de uno que se las prometía muy felices, acabó bajo la órbita ibicenca más petarda. No es el caso de Zero 7, proyecto de dos productores/ingenieros ingleses relacionados con los abanderados de la música británica. Sam Hardaker ha trabajado para James, Pet Shop Boys, New Order y Therapy, y Henry Binns para Radiohead y Bark Psychosis. Conocer los lugares de moda, las personas correctas, tener un oído muy fino y sobre todo por un aclamado primer álbum, Simple Things (2001), pop etéreo envuelto en brumosas bases electrónicas, sonidos orquestales, jazz y funk, les llevó a actuar en los mejores clubes y festivales del mundo. Los siguientes trabajos, When It Falls (2004), The Garden (2006) y Yeah Ghost (2009), incidieron en ese trabajo reposado y elegantemente esnob, melodías dulces y canciones post-trip hop. Sam Hardaker y Henry Binns saben lo que hacen, quizás es la falta de riesgo dónde reside el secreto de su éxito, sencillez y buen hacer lleno de matices para disfrutar en una terraza y en buena compañía. Zero 7 toman acid-jazz, soul, electrónica, voces femeninas, trip hop y arreglos de cuerdas y terminan dando vida a una colección de temas ideales para guardar. Inevitable alquimia para los que aman el placer de la electrónica emocional.  © epdlp




   Roland Orzabal
   Tomcats Screaming Outside (2001)

   01 AGOSTO 2016

   Al principio de los años ochenta los británicos Roland Orzabal y Curt Smith formaron un grupo de ska llamado Graduate. La experiencia no fue muy reconfortante, pues en 1981 decidieron reconvertirlo en banda de synth-pop y adoptaron el nombre de Tears For Fears. Este apodo está basado en el libro "Prisioneros del dolor" de Arthur Janov, que consiste en enfrentarse a los miedos de la infancia. Su gran impulso mediático vino con su primer single "Mad World", producido por Chris Hughes, ex-batería de Adam And The Ants, y que llegó al número 3 de las listas británicas en 1982. Más tarde apareció su primer álbum, The Hurting (1983), un trabajo meditado, melódico e infeccioso que revolucionó la escena pop inglesa. A éste siguieron Song from the big chair (1985), que mostraba un sonido más modernizado con influencias soul y el psicodélico The seeds of love (1989), un intento de combinar piano de cola y cuerdas vocales en un estilo que recordaba al de los Beatles. Tras éste extraordinario trabajo, Curt Smith abandonó la banda para empezar una carrera en solitario, y en la que en 1998 adoptaría el seudónimo de Mayfield. Conservando el nombre de la banda, Roland Orzabal ya en solitario, editó Elemental (1993) y Raoul and the kings of Spain (1995), en el que perseguía un sonido más sofisticado dirigido a un público más selectivo. Everybody loves a happy ending (2004), su último trabajo, fue la vuelta del dúo original tras su reconciliación. Roland Orzabal y Curt Smith que llevaban nueve años sin hablarse, volvieron a demostrar el talento de una banda que sabe hacer canciones pop, con sonidos y concepción brillantes. Tomcats Screaming Outside (2001), es el único trabajo de Roland Orzabal con su nombre, una obra mayúscula donde retoma el sonido electrónico, aderezado con resonancias étnicas y contemporáneas.  © epdlp




   Dhafer Youssef
   Birds Requiem (2013)

   25 JULIO 2016

   El oud, o laúd árabe, es un instrumento fabricado en madera de caja de resonancia redondeada con forma de pera, un mástil más corto y carece de trastes. Su sonido le ha convertido en uno de los instrumentos más populares de Egipto. El compositor y cantante tunecino Dhafer Youssef, es el intérprete más importante de éste instrumento en su faceta jazzística. Su intención de explorar nuevos horizontes, le llevó a Viena, donde el multiculturalismo de ésta ciudad le cambió su forma de entender la música. En Viena publicó su primer álbum, Musafer (El viajero en árabe, 1996), al que siguieron Malak (1998) y Electric Sufi (2001). En éste último muestra por primera vez su interés por la ondulación, la experimentación de la voz y la utilización de ésta como un instrumento. Más tarde editaría Digital Prophecy (2003), Divine Shadows (2005) y Abu Nawas Rhapsody (2010). En Birds Requiem (2013), su último trabajo, está acompañado de gente tan importante como el trompetista Nils Petter Molvaer, el pianista Kristjan Randalu, el guitarrista Eivind Aarset y el maestro del kanun (salterio) Aytaç Dogan. Todos ellos colaboran en esta descomunal sinfonía árabe-jazzística, que se apodera de la fortaleza de la tecnología para colorear una variedad de sonidos tan antiguos como la propia humanidad. En realidad Dhafer Youssef podría haber nacido hace dos mil años y haber detenido el tiempo, su voz que parte en un susurro y se encumbra hasta unos quejidos intensos y ancestrales, finaliza en una catarsis de refrescante desconcierto.  © epdlp




   Joe Zawinul
   Stories Of The Danube (1996)

   18 JULIO 2016

   Pocos músicos pueden presumir de aparecer en un sello de correos. Austria anunció hace unos años que emitiría el sello oficial de Joe Zawinul para honrar a su ilustre compatriota por sus grandes logros en el terreno de la música. Leyenda del jazz y padre de la world music, el teclista y compositor austriaco Joe Zawinul es uno de los últimos representantes de la generación de músicos que tuvieron el privilegio de relacionarse con algunos de los más grandes maestros del jazz de todos los tiempos. Con 27 años emigró a los Estados Unidos con una beca del Conservatorio de Música de Viena y en poco tiempo entró a formar parte de la banda del trompetista Maynard Ferguson, más tarde de la vocalista Dinah Washington y finalmente del saxofonista Cannonball Adderley con el que permaneció durante nueve años. Más tarde formó parte de la banda de Miles Davis, componiendo el tema "In A Silent Way", titulo del disco que marcó el debut de Miles Davis en el campo eléctrico. En 1970 formó junto al saxofonista habitual de Miles Davis, Wayne Shorter, el bajista Miroslav Vitous (sustituido más tarde por Jaco Pastorius), el percusionista Airto Moreira y el batería Alphonse Mouzon, la legendaria banda Weather Report (1970-1985), grupo paradigma de la fusión entre el jazz y el rock de la época. Durante esa etapa fue considerado innumerables veces mejor pianista de jazz y a su grupo Mejor banda en directo del año. Después del año 1985, Joe Zawinul se dedicó a editar trabajos en solitario o junto a su banda Zawinul Syndicate. Fue propietario del club de jazz Birdland de Viena y merecedor de gran reconocimiento mundial por ser el pionero en combinar los elementos tradicionales de diferentes etnias, con el pop, rock y el jazz, fusión que se denomina actualmente world music. Joe Zawinul cambió la forma de la canción tradicional, utilizando un enfoque sonoro totalmente diferente. Sus composiciones son una absoluta improvisación que más tarde transcribía directamente, sin ningún cambio ni reorganización para los músicos. Debido a la longitud de las improvisaciones, obviamente se veía obligado a editarlas. Su música es una maquinaria perfectamente engrasada, suministrada bajo el componente de un salvaje abandono.  © epdlp




   Hooverphonic
   In Wonderland (2016)

   11 JULIO 2016

   Hooverphonic son un trío belga que en sus comienzos bebieron las fuentes de Massive Attack y Portishead y que se han convertido con el tiempo, en el más reconfortante grupo del pop centroeuropeo. Calificados como hacedores de pop ambiental, Geike Arnaert (voz), Alex Callier (bajo y teclados) y Raymond Geerts (guitarra), consiguen una música original y enérgica, ideal para conmover y suscitar emociones, un sonido distinto, extraordinario y evocador. En 1997 editaron su primer álbum A New Stereophonic Sound Spectacular, con Frank Duchêne y la cantante Liesje Sadonius, que luego abandonarían el grupo. A éste siguieron, Blue Wonder Power Milk (1998), realizando una gira por todo el mundo junto a sus almas gemelas Massive Attack y más tarde junto a Moloko, Kid Loco y Divine Comedy; The Magnificent Tree (2000) y The President Of The LSD Golf Club (2007). Como Liz Fraser en los Cocteau Twins o Tracey Horn en EBTG, la voz frágil pero intensa de Geike Arnaert se adaptó perfectamente en todos éstos álbumes a los temas poco ortodoxos e hipnotizantes de Hooverphonic. Su evocadora voz, casi de otro mundo, fue como la de una sirena que invitaba al oyente a visitar tierras inexploradas. En The Night Before (2010), la cantante Noémie Wolfs sustituyó a Geike Arnaert, que abandonó el grupo definitivamente, iniciando una prometedora carrera en solitario. Hooverphonic with Orchestra (2012), Reflection (2013) e In Wonderland (2016), son sus últimos álbumes. Hooverphonic no tiene conciencia de las tendencias y esa actitud junto a su afortunada combinación de melodías antiguas con sonidos y ritmos casi futuristas les confiere una calidad intemporal.  © epdlp




   Faithless
   No Roots (2004)

   04 JULIO 2016

   El grupo Faithless nació en el año 1993, y estaba formado inicialmente por Sister Bliss (pianista, violinista y famosa productora de música house, considerada con todo merecimiento la DJ femenina número 1 del mundo), Maxi Jazz (ex-The Soul Food Café Band y líder del grupo), Rollo Armstrong (cantante), Jamie Catto, y el guitarrista Dave Randall. Estos dos últimos abandonaron la banda a finales de 1999, después de editar su segundo trabajo Sunday 8pm (1998). Antes habían publicado el primero Reverence (1995), cuyas canciones consiguieron un tremendo impacto y una gran influencia en el sonido de la música dance contemporánea. Outrospective (2001), No Roots (2004), To All New Arrivals (2006) y The Dance (2010) son sus últimos trabajos. Faithless combina gran variedad de ritmos, house, blues, soul, rap y folk, todo ello aderezado con los temas electrónicos más contundentes, que son los que en directo adquieren mejor dimensión. Han luchado por ser una banda de directo y brillar en el escenario al igual que en el estudio y se han convertido en uno de los grupos de culto más reputados de la escena dance mundial.  © epdlp




   Eugene Friesen
   In the Shade of Angels (2003)

   27 JUNIO 2016

   Eugene Friesen, componente del Paul Winter Consort, es un buscador incansable de nuevos territorios para su instrumento, el violonchelo. Entró en el Consort sustituyendo al también cellista David Darling, cuando Ralph Towner, Paul McCandless y algunos otros lo abandonaron en 1970, formando el mítico grupo Oregón. Desde entonces ha combinado sus actuaciones con el sexteto, junto a colaboraciones con otros músicos y grabaciones individuales. Es en éstas últimas dónde su espíritu inquieto ha experimentado más a fondo. New Friend (1986) y Arms Around You (1989), fueron las obras cumbre de Friesen como compositor e intérprete, uniendo el jazz con la new age, en una fusión instrumental donde sus texturas comulgan con igual devoción la música clásica y lo folclórico tradicional. A estas siguieron, The Song of Rivers (1998), In the Shade of Angels (2003), Sono Miho (2005) y Colorful Transitions (2009). Para dar una idea, puede comenzar con melodías que evocan los últimos cuartetos de Beethoven y poco a poco ir trascendiendo a formas más libres del jazz, para acabar en un frenesí de arco alternando con pizzicato. Friesen explica en ocasiones que con sus creaciones pretende imitar el sonido de instrumentos, punteando el suyo con ambas manos. Con esta forma de ejecutar crea en cada una de sus actuaciones atmósferas inigualables, con un estilo propio e inconfundible lleno de matices. Sus preludios instrumentales y poderosos, han escrito una página de lectura obligada en la historia del jazz y la música improvisada. Estamos en el siglo XXI, un siglo en que las artes, los límites, las definiciones y los convencionalismos se irán rompiendo sistemáticamente. En ese momento echaremos un vistazo al siglo pasado y allí estará el cello de Eugene Friesen mirando pasar el tiempo, con su mismo traje de gala, mientras nuestro entorno continúa su incansable revuelo.  © epdlp




   Saint Etienne
   Words And Music (2012)

   20 JUNIO 2016

   Saint Etienne es un trío británico formado por Sarah Cracknell, Pete Wiggs y Bob Stanley. Su fórmula se reinventa constantemente en un refrescante ir y venir de reminiscencias y referentes que cobran sentido en unas melodías que siempre suenan actuales. Álbumes como Foxbase Alpha (1990), So Tough (1992), Tiger Bay (1994), Good Humour (1998), The Sound Of Water (2000), Finisterre (2002), una mirada retrospectiva hacia el pop de mitad de los 90 y su álbum de más éxito, con colaboraciones como Wildflower, mujer en la élite del hip hop británico; Tales From Tumpike House (2005), Foxbase Beta (2009) y Words And Music (2012), son cada uno a su manera y medida, oportunos muestrarios de la orfebrería a la que nos tienen acostumbrados. Saint Etienne forma parte del oxígeno de la escena del pop mundial. Para ellos el contexto ha sido siempre cambiante, de un lado para el otro, dejando al oyente la capacidad de interpretación. Vampiros glamourosos de los escenarios y científicos de estudio, su música mezcla de dub, house, northern soul, romanticismo y electro-pop, sirve para elaborar pequeñas instantáneas de melancolía o entusiasmo contenido.  © epdlp




   Sigur Ros
   Circe (2015)

   13 JUNIO 2016

   Formada en 1994, la banda islandesa Sigur Ros ha creído conveniente buscar nuevos rumbos a la música que se hace en su país. Su primer álbum Von (1997), no tuvo el éxito esperado, pero eso no les amilanó en su afán de romper esquemas. El encuentro con Ken Thomas, productor de los Sugarcubes, en su segundo trabajo Agaetis Byrjun (1999), los proyectó dónde ellos querían. Los críticos fueron unánimes al aclamar el disco, que fue también un gran éxito comercial en Islandia. La mano de éste productor orientó su sonido hacia otros caminos, dando como resultado el disco más desnudo del grupo, ( ) (2002) y más tarde Takk (2005), Með suð í eyrum við spilum endalaust (2008), Valtari (2012) y Kveikur (2013). Sigur Ros está formado por el ex Bee Spiders, Jonsi Birgisson (voz y guitarra), Kjartan Sveinsson (teclado), Georg Holm (bajo) y Orri Pall Dyrason (batería). Los dos últimos publicaron, Circe (2015), soundtrack del documental The Show of Shows, que realizó la BBC sobre los últimos 100 años del circo. Si la música de Sigur Ros tuviera que ser etiquetada, el término post-rock sería sin duda el primero en aparecer y también la de grupo "emocional". Sus composiciones son aparentemente simples, aunque al mismo tiempo, auténticas y sinceras. Tratan de explorar el lado oscuro de la música, como un niño que descubre el mundo por primera vez.  © epdlp




   The Jezabels
   Synthia (2016)

   06 JUNIO 2016

   The Jezabels es un grupo australiano compuesto por Hayley Mary (vocalista y letrista), Heather Shannon (teclista), Nik Kaloper (batería) y Sam Lockwood (guitarra). Formados en Sydney en el año 2007, han editado hasta la fecha tres álbumes de estudio, Prisoner (2011), The Brink (2014) y Synthia (2016), además de multitud de ep´s en donde destacan particularmente el diseño de sus carátulas transgresoras. The Jezabels han evolucionado en sus pocos años de vida, del pop gótico de su álbum debut al pop-rock radiante y festivo de sus siguientes trabajos, producidos por Dan Grech-Marguerat, conocido por su colaboraciones, de entre otros, Lana Del Rey y Radiohead. Fueron en sus comienzos teloneros de grupos tan importantes como Pixies, Skunk Anansie o Depeche Mode y aunque en Europa no son muy conocidos, en su país, como ocurre con los también australianos The Temper Trap, son verdaderas figuras de la música pop. En sus canciones optimistas con destellos de amargura, se reconocen las baterías con sabor a Larry Mullen y las guitarras a lo The Edge, moduladas por esa voz potente y susurrante de Hayley Mary, que sí en su primer disco era la de Stevie Nicks, en los últimos es la de Chrissie Hynde. La música de The Jezabels es la conjunción de diversos estados de ánimo en un sonido, dream-pop de alta calidad cantado al borde del abismo.  © epdlp




   Tracey Thorn
   Tinsel And Lights (2012)

   30 MAYO 2016

   Tracey Thorn, estudiante de la Universidad de Hull, formó en 1982 junto a Ben Watt el dúo Everything But The Girl. Tomaron su nombre de una señal colocada en la ventana de una tienda de muebles local que exhibía "Para el dormitorio de sus sueños, vendemos todo menos a la chica". En el momento de su formación, Tracey Thorn (componente de las Marine Girls), y el cantante multi-instrumentista Ben Watt (que había publicado varios singles y colaborado con Robert Wyatt), firmaron con el sello independiente Cherry Red. Debutaron con una interpretación de la samba de Cole Porter "Night and Day" que fue un éxito en las listas independientes del Reino Unido. En 1992 Ben Watt enfermó debido al Síndrome de Churg-Strauss, una extraña enfermedad del sistema inmunológico que lo llevó al borde de la muerte. Después de un año en recuperación, escribió varias nuevas canciones que el dúo grabó para su incorporación en "Home Movies", una colección de singles de 1993. En 1994, colaboraron con los innovadores del dub-trance "Massive Attack" en su álbum "Protection". Sus trabajos de estudio son, Eden (1984), Love not money (1985), Baby, The Star Shine Bright (1986), Idlewide (1988), The language of life (1990), Worldwide (1991) y Amplified Heart (1994). En Temperamental (1999) su noveno trabajo de estudio, profundizaron la fusión de su pasado pop con las corrientes más actuales de la música de baile, un camino que iniciaron en 1995 con la remezcla innovadora de Todd Terry en "Missing" y que afianzaron en su penúltimo álbum Walking Wounded (1996), los placeres del drum'n'bass. Las influencias del dúo, fruto del contacto con lo más granado de la música dance, y la experiencia que Ben Watt ha ido acumulando a los platos de Lazy Dog (su club en pleno corazón de Londres), configuran actualmente su música. En ella están presentes todas las últimas tendencias del universo electrónico, resaltadas por la sensibilidad y calidez humana de la voz de Tracey Thorn. Esta en solitario ha publicado cuatro trabajos, A Distant Shore (2001), Out Of The Woods (2007), Love And Its Opposite (2010) y Tinsel And Lights (2012). Los EBTG son poseedores de un particular sonido, que sabe mezclar magistralmente corrientes como el jazz, el pop y la electrónica, y con el paso del tiempo se han convertido en un grupo de referencia a la hora de hablar de música popular en clave vanguardista o de electrónica sofisticada y elegante.  © epdlp




   Yello
   Touch (2009)

   23 MAYO 2016

   Yello es un dúo suizo compuesto por Boris Blank y Dieter Meier. Sus inicios en 1979 fueron como trío, Carlos Perón era el tercer componente, aunque abandonó el grupo en 1983. De sus obras destacan Solid Pleasure (1980), Stella (1985), One Second (1987), Flag (1988), Essential (1992), Zebra (1994), Hands on Yello (1995), Pocket Universe (1997), Motion Picture (1999), The Eye (2003) y Touch (2009), su último álbum. Su música es una fusión electrónica de techno y ambient, con ritmos calientes, principalmente del Caribe y Brasil. Gracias al apoyo de la técnica de tape-loops y más tarde de los muestreadores, consiguen un sonido personal e inimitable, que va más allá del electro-pop. Imagínate en una playa, recostado en la arena, mirando hacia el cielo por el que transita un globo aerostático, eso es Yello y su música.  © epdlp




   Faithless
   To All New Arrivals (2006)

   16 MAYO 2016

   El grupo Faithless nació en el año 1993, y estaba formado inicialmente por Sister Bliss (pianista, violinista y famosa productora de música house, considerada con todo merecimiento la DJ femenina número 1 del mundo), Maxi Jazz (ex-The Soul Food Café Band y líder del grupo), Rollo Armstrong (cantante), Jamie Catto, y el guitarrista Dave Randall. Estos dos últimos abandonaron la banda a finales de 1999, después de editar su segundo trabajo Sunday 8pm (1998). Antes habían publicado el primero Reverence (1995), cuyas canciones consiguieron un tremendo impacto y una gran influencia en el sonido de la música dance contemporánea. Outrospective (2001), No Roots (2004), To All New Arrivals (2006) y The Dance (2010) son sus últimos trabajos. Faithless combina gran variedad de ritmos, house, blues, soul, rap y folk, todo ello aderezado con los temas electrónicos más contundentes, que son los que en directo adquieren mejor dimensión. Han luchado por ser una banda de directo y brillar en el escenario al igual que en el estudio y se han convertido en uno de los grupos de culto más reputados de la escena dance mundial.  © epdlp




   Kate Havnevik
   Melankton (2006)

   09 MAYO 2016

   Kate Havnevik es una cantante y compositora noruega. De formación clásica, es hija de los flautistas Andrew Cunningham y Lotte Havnevik, aprendió rápidamente a tocar el piano y la guitarra, entre otros instrumentos, aunque sus horizontes cambiaron al unirse a una banda de punk rock. A los diecisiete años se traslada a Liverpool, localidad en la que estudia música y composición. Allí fue componente del grupo Mono Band, junto a Noel Hogan y Marius de Vries, entre otros, desde el año 2004 al 2007, fecha en la que desapareció la banda, y con la que editó un solo trabajo, Mono Band (2005). Su álbum debut, el aclamado Melankton (2006), nombre escogido de un personaje noruego que significa negro rosa, fue grabado a caballo entre Londres, Bratislava, Oslo y Reykjavik y fue mezclado en Los Ángeles, y significó por fin conseguir su meta deseada, es decir mezclar lo clásico y lo electrónico en un trabajo redondo. El álbum le llevó a ser considerada como una de las abanderadas del soul-jazz y el sonido downtempo. Su música se hizo conocida para el gran público gracias a aparecer como banda sonora de la serie Anatomía de Grey. Kate Havnevik que edita en su propio sello, Continentica Records, ha publicado dos discos más, You (2011) y &i (2015). Los tres álbumes junto al prestigioso compositor y productor británico Guy Sigsworth, que fue miembro de la banda Frou Frou, junto a Imogen Heap, y que ha producido a gente tan conocida como Björk, Madonna o Alanis Morissette. Kate Havnevik es hacedora de unas canciones intensas, en ocasiones inquietantes y hermosas, poéticas y frágiles, que actúan a modo de haikus, con las mejores cualidades de una música que intenta comunicarse para buscar su consuelo.  © epdlp




   Afro Celt Sound System
   Anatomic (2005)

   02 MAYO 2016

   Afro Celt Sound System son un grupo afro-irlandés formado por Simon Emmerson (guitarrista y productor), James McNally (multiinstrumentista), Iarla Ó Lionáird (voz) y Martin Russell (teclados y programación), verdadero artífice del sonido del grupo, además de Johnny Kalsi (percusión), N'Faly Kouyate (instrumentos étnicos), Emer Mayoc (gaitas) y Moussa Sissokho (percusión). Aunque Simon Emmerson había formado la banda en 1991, no fue hasta el año 1996 dónde se dieron a conocer en el festival Womad, en el que tuvieron un éxito extraordinario. A partir de esa fecha su nivel de calidad e innovación subió en la misma medida que editaban sus seis álbumes de estudio, Sound Magic (1996), Release (1999), Further In Time (2001), Seed (2003), Anatomic (2005) y The Source (2016). En éstos trabajos además han disfrutado de las colaboraciones de músicos de la talla de Robert Plant, Sinéad O'Connor, Davy Spillane, Liam O'Flynn y Peter Gabriel, entre otros. Este último, fundador del festival Womad y propietario de la discográfica Real World, sello que ha publicado todos los álbumes del grupo. Han participado asimismo en películas tales como Hotel Rwanda, Stigmata, Gangs of New York y Nikita. Los ACSS fusionan la música dance y electrónica en general, con ritmos celtas y africanos, sintetizando la ideología del Womad: mezclar culturas, presumir de contemporáneos -trabajan con ordenadores- y cuidar el aspecto visual, especialmente la danza. Su repertorio incluye partituras de hace 600 años y piezas actuales como el jungle y el house. Esta mezcla perfecta de sonidos antiguos y contemporáneos, eso que ellos llaman global dance, los ha situado en la vanguardia indiscutible de la World Music. © epdlp




   Pat Metheny Group
   Secret Story (1992)

   25 ABRIL 2016

   Pat Metheny ha sido músico profesional casi la mitad de su vida. Incluso por separado, sin su grupo Pat Metheny Group, las credenciales del guitarrista son impresionantes. Fue profesor tanto en la Universidad de Miami como en el Berklee College of Music, en Boston, cuando aún era un adolescente. A los diecinueve años se unió a la banda de Gary Burton y permaneció con ellos durante tres años (1974-1977). Ha tocado y grabado con algunos de los más innovadores músicos de las pasadas dos décadas: Gary Burton, Sonny Rollins, Paul Motian, Roy Haynes, Miroslav Vitous, Jack DeJohnette, Michael Brecker, Charlie Haden, Ornette Coleman, Milton Nascimento, Herbie Hancock y Steve Reich, entre otros. Su primer disco fue Bright Size Life (1976) con el sello ECM, junto a Jaco Pastorius (bajo eléctrico) y Bob Moses (batería). En él ya presenta las composiciones unidas y comprometidas del líder y su concepto único de lo instrumental. A éste siguieron Water Colors (1977) en el cual grabó por primera vez con Lyle Mays y Danny Gottlieb. Más tarde Pat Metheny Group (1978), New Chatauqua (1979), American Garage (1980), 80/81 (1980), As Falls Wichita, So Falls Wichita Falls (1981), Offramp (1982) su primera grabación con sintetizador de guitarra; Travels (1983), Rejoicing (1983), First Circle (1984), Song X (1986) junto a Ornette Coleman, el revolucionario saxofonista y compositor de free jazz; Still Life Talking (1987), Letter From Home (1989) su trabajo de mayor éxito hasta ese momento, conciso, con fuerza, inequívocamente melodioso y conmemorativo; Letter From Home es un mensaje de madurez y logros de un grupo en plena forma. Question and Answer (1990), Secret Story (1993), una de sus creaciones más personales, con su factor emocional, crecido como compositor, culminación de lo que había hecho hasta la fecha; The Road to You (1994), We Live Here (1995), Beyond The Missouri Sky (1997), Imaginary Day (1997), Speaking of Now (2002) y The Way Up (2005). Su grupo está formado normalmente por Lyle Mays (teclados), Steve Rodby (bajo), Richard Bonna (voz y guitarra), Antonio Sánchez (batería), David Samuels (percusión) y Cong Vu (voz y trompeta). Son escasos los artistas que improvisan y que logran interesar a una creciente cantidad de público sin que por ello se vea afectado su arte. Más extraño aún es encontrar un artista que pueda ver cómo su público se desarrolla al mismo tiempo que lo hace su visión musical. Pat Metheny, considerado el mejor guitarrista de jazz del mundo, compositor polifacético, productor innovador y pionero con el sintetizador y la guitarra, se encuentra en una posición inigualable, principalmente el resultado de una inteligencia musical insaciable y una energía aparentemente inagotable.  © epdlp




   Nils Petter Molvaer & Moritz von Oswald
   1/1 (2013)

   18 ABRIL 2016

   El jazz menos académico se ha configurado como uno de los ingredientes más habituales de la música de club y la electrónica downtempo. El trompetista y compositor noruego Nils Petter Molvaer es una de las figuras más importantes de esta nueva corriente sin prejuicios que combina jazz y electrónica en busca de una nueva creatividad contemporánea. Considerado el padre del electro jazz, factura un jazz híbrido con poso orgánico que tiende vínculos entre el Miles Davis más abstracto y vanguardista y los flirteos con la electrónica de Bugge Wesseltoft, Erik Truffaz y Marc Moulin. A final de la década de 1980, fue parte de uno de los mejores grupos del jazz escandinavo, Masqualero. Y desde que publicara en 1997 su disco Khmer, un trabajo que ha sido tomado como modelo por muchos artistas y que figura en todas las selecciones de los mejores discos de jazz de los últimos tiempos, dejó sentadas las bases de su sonido, una base jungle, una guitarra punzante y el timbre y el fraseo apasionadamente melancólico de su trompeta. Sus siguientes trabajos, Solid Ether (2000), NP3 (2002), ER (2005), Hamada (2009), Baboon Moon (2011) y 1/1 (2013), con el multistrumentista alemán Moritz von Oswald, no hacen sino realzar esa sensibilidad excepcional que lo ha llevado a ser uno de los músicos más solicitados e innovadores del mapa musical contemporáneo. Nils Peter Molvaer sabe que una pieza musical nunca está realmente acabada, y que la producción y la composición son procesos en constante evolución, por eso ha incorporado al jazz el potencial liberador de la música de baile, mezclando la improvisación jazzística con el techno, el house, el downtempo, el breakbeat, el ambient o el drum'n'bass, en una línea renovadora con resultados espectaculares. Su música habla por sí misma.  © epdlp




   Manel
   Jo competeixo (2016)

   11 ABRIL 2016

   Considerada como la banda que explica mejor que ninguna el actual pop en idioma catalán, Mishima, Els Amics de les Arts y Antonia Font, serían las otras; ha logrado en sólo seis años de carrera, acceder a esa posición privilegiada que únicamente consiguen las bandas despolitizadas y locales, pero que al mismo tiempo son desacomplejadas y globales. El grupo está compuesto por Guillem Gisbert (voz, guitarra y ukelele), Roger Padilla (guitarra y programación), Martí Maymó (bajo) y Arnau Vallvé (batería y percusión). Han editado cuatro álbumes hasta la fecha, Els millors professors europeus (2008), un trabajó extraordinariamente considerado por la crítica especializada, mejor disco pop-rock del año (Enderrock), tercer mejor disco del año (Rockdelux) y séptimo mejor disco del año (MondoSonoro); 10 milles per veure una bona armadura (2011), un trabajo que hace referencia a una frase que pronunciaba el actor y director Kenneth Branagh en el film basado en la obra de William Shakespeare, Mucho ruido y pocas nueces. El disco consiguió ser número uno en las listas de ventas de toda España. Posición a la que sólo habían llegado cantautores como Joan Manel Serrat o Lluís Llach y que un grupo de pop cantando en catalán jamás había conseguido. Atletes, baixin de l'escenari (2013) y Jo competeixo (2016), son sus últimos trabajos. Su música extiende un pop-folk que camina protegido con extraordinarios arreglos de viento, un sonido reposado que impregna felicidad regada de melancolía.  © epdlp




   M83
   Before The Dawn Heals Us (2005)

   04 ABRIL 2016

   El Shoegazing (en inglés, "shoe" (zapato) y "gazing", del verbo gaze, que significa mirar fijamente a alguien o algo), es un estilo musical conformado por sonidos de guitarras fuertemente distorsionados, efectos de pedal y delays que “ensucian” un poco el sonido. Surgió a finales de los años ochenta en Inglaterra, permaneciendo hasta mediados de los años noventa. Los grupos más importantes de ésta corriente fueron My Bloody Valentine, Ride, Slowdive, The Boo Radleys y The Verve, en sus comienzos. Una década después el estilo ha vuelto a resurgir con nuevos grupos orientados más a la música electrónica, pero que recogen los aspectos característicos del género. Bandas como, The Pains of Being Pure at Heart, The Raveonettes, Friendly Fires y Cut Copy, serían sus abanderados, aunque los mejores son M83, una formación francesa fundada por Anthony González y Nicolás Fromageau (éste último abandonó el grupo en el 2004), y compuesta además por Jordan Lawlor (voz y guitarra), Morgan Kibby (voz, teclados y cello) y Loïc Maurin (percusión). Han publicado seis álbumes de estudio, M83 (2001), Dead Cities, Red Seas & Lost Ghosts (2003), Before the Dawn Heals Us (2005), Digital Shades Vol.1 (2007), Saturdays = Youth (2008) y Hurry Up, We're Dreaming (2011). El nombre de la banda fue inspirado en la galaxia espiral Messier 83, también llamada Molinillo Austral. Durante años, M83 había sido la galaxia en la que se habían descubierto más supernovas y según confirmó el científico que la descubrió en 1781, Charles Messier, uno sólo podrá verla si tiene una gran capacidad de concentración. Quizá la música de M83, intente acercarse a esa capacidad de concentración que toda composición importante y emotiva intenta transmitir.  © epdlp




   Underworld
   Barbara Barbara, we face a shining future (2016)

   28 MARZO 2016

   Aunque desde el año 1981 editaban discos con el nombre de Freur, el dúo Underworld se formó en el año 1987 cuando los músicos ingleses, el frontman-vocalista y guitarrista Karl Hyde y el virtuoso programador Rick Smith editan su primer single, en un principio totalmente pop. En el año 1990, un joven DJ llamado Darren Emerson, entraba a formar parte del grupo. Pero es en 1991 cuando Rick y Karl deciden fundar junto a otros amigos, el colectivo de arte Tomato, que se convirtió en una referencia indiscutible en el mundo del arte audio-visual. Fue desde entonces cuando empezaron a aparecer sus temas más aclamados. Su álbum de debut Dubnobasswithmyheadman (1994), convirtió al trío en el primer gran grupo electrónico de masas capaz de llenar estadios enteros en los años 90. Posteriores éxitos como Born Slippy, todo un auténtico himno gracias a la película Trainspotting, o su segundo trabajo Second Toughest In The Infants (1996), no hicieron más que consagrarles. En 1999, apareció su tercer álbum Beaucoup Fish, un año antes de que Darren Emerson abandonara el grupo. Desde entonces Rick y Karl han seguido en solitario trabajando en sus siguientes trabajos, A Hundred Days Off (2002), Oblivion With Bells (2007), Barking (2010) y Barbara Barbara, we face a shining future (2016). Underworld combina el house de Chicago, el techno de Detroit y la música ácida de Londres con guitarras de rock tradicionales y un tratamiento vocal surreal y saturante, creando un comprimido sonoro único, frente al cual el zarandeo de cuerpos y de estilos musicales es inevitable. Aunque la música de baile tiene raíces inherentemente hedonistas, Underworld posee un claro sentido ético al respecto. Ellos re-delimitan los alcances de la música electrónica, elevando las sensaciones hasta niveles totalmente imprevisibles, absolutamente deslumbrantes. Grupo imprescindible para comprender la música actual y para comenzar a entender la música del futuro, el rock del siglo 21, el paso definitivo del rock con guitarras al rock electrónico.  © epdlp




   Talvin Singh & Niladri Kumar
   Together (2011)

   21 MARZO 2016

   El compositor, multi-instrumentista y productor Talvin Singh, es el gran renovador de la estética de los clubes londinenses. Nacido en Londres, a los 15 años decidió marcharse a la India, donde consiguió contar con el apoyo de Ustaad Laxman Singh, creador de un estilo muy especial de percusión llamado Punjabi Gharana. Muy pronto se convirtió en uno de los productores y percusionistas más famosos del momento, iniciando su carrera comercial en 1996 en el cibercafé Calcuta, un lugar para el que músicos y DJ's pudieran investigar con sesiones acústicas y electrónicas y pudieran plasmar ese trabajo en sesiones dominicales en el Vibe Bar del East End londinense. Espíritu y esencia de los sonidos del Asia underground, los llamados Anokha, ha desarrollado en sus discos en solitario, Ok (1998) y Ha (2001), y con otros músicos, Vira (2001), con Rakesh Chaurasia, Songs For The Inner World (2004), con Sangat y Together (2011), con Niladri Kumar, una imaginería y espiritualidad que une Oriente y Occidente, el pasado y el presente, un intrincado viaje desde la antigüedad a la modernidad en el que lleva consigo la herencia de sus antepasados.  © epdlp




   Lusine
   The Waiting Room (2013)

   14 MARZO 2016

   Lusine es el nombre artístico de Jeff McIlwain, músico norteamericano que ha revolucionado la música pop. Conocido por sus paisajes sonoros exuberantes, sus melodías pegadizas y sus ritmos orgánicos, con su álbum A Certain Distance (2009), consiguió evolucionar hacia la sensación optimista del sonido downtempo. Comenzó practicando IDM (Intelligent Dance Music), grabando para sellos como !K7/MAS, Hymen y Delikatessen en los que capturó experiencia para montar su propio sello Isophlux. Su debut fue en 1999, con el álbum L'usine, un prometedor trabajo con semejanzas a los panoramas visuales del grupo Autechre. Luego vinieron, A Pseudo Steady State (2000), Coalition 2000 (2001), Iron City (2002), Language Barrier (2007), A Certain Distance (2009), con la colaboración indispensable de la cantante Vilja Larjosto y The Waiting Room (2013). En todos ellos ha intentado transmitir las emociones humanas a través de la tecnología, transformándose con ella. En los últimos años también ha compuesto las bandas sonoras de algunas películas, Snow Angels (2007), Frontera límite (2008), El canguro (2011) y Joe (2013), la mayoría dirigidas por David Gordon Green. La música de Lusine, es un recorrido insuperable por la unión entre el downtempo y la pista de baile, el tech house y el pop, lo orgánico y un ordenador portátil. Ahora que llega el calor, vuelven los veranos y brotan los cromatismos primaverales, pocos músicos como Jeff McIlwain poseen ese admirable dominio de los recursos sonoros que se deslizan como en la vida, sin que apenas lo percibamos.  © epdlp




   Nils Petter Molvaer
   ER (2005)

   07 MARZO 2016

   El jazz menos académico se ha configurado como uno de los ingredientes más habituales de la música de club y la electrónica downtempo. El trompetista y compositor noruego Nils Petter Molvaer es una de las figuras más importantes de esta nueva corriente sin prejuicios que combina jazz y electrónica en busca de una nueva creatividad contemporánea. Considerado el padre del electro jazz, factura un jazz híbrido con poso orgánico que tiende vínculos entre el Miles Davis más abstracto y vanguardista y los flirteos con la electrónica de Bugge Wesseltoft, Erik Truffaz y Marc Moulin. A final de la década de 1980, fue parte de uno de los mejores grupos del jazz escandinavo, Masqualero. Y desde que publicara en 1997 su disco Khmer, un trabajo que ha sido tomado como modelo por muchos artistas y que figura en todas las selecciones de los mejores discos de jazz de los últimos tiempos, dejó sentadas las bases de su sonido, una base jungle, una guitarra punzante y el timbre y el fraseo apasionadamente melancólico de su trompeta. Sus siguientes trabajos, Solid Ether (2000), NP3 (2002), ER (2005), Hamada (2009), Baboon Moon (2011) y 1/1 (2013), con el multistrumentista alemán Moritz von Oswald, no hacen sino realzar esa sensibilidad excepcional que lo ha llevado a ser uno de los músicos más solicitados e innovadores del mapa musical contemporáneo. Nils Peter Molvaer sabe que una pieza musical nunca está realmente acabada, y que la producción y la composición son procesos en constante evolución, por eso ha incorporado al jazz el potencial liberador de la música de baile, mezclando la improvisación jazzística con el techno, el house, el downtempo, el breakbeat, el ambient o el drum'n'bass, en una línea renovadora con resultados espectaculares. Su música habla por sí misma.  © epdlp




   Ivan Lins
   América, Brasil (2015)

   29 FEBRERO 2016

   El brasileño Ivan Lins ha visto influenciada su carrera por diversos géneros musicales como el soul, el jazz y la bossa nova. Cuando en 1963 y con sólo 18 años emprendió su carrera de pianista, nunca pensó cuarenta años después que su nivel de popularidad seguiría estando en la cima. En 1965 se unió a un baterista y a un contrabajista para formar el Alfa Trio, donde tocaban jazz y bossa nova. Más tarde formó una agrupación llamada Quarteto Piramidal con Aldir Blanc, Luiz Cachaça y Cesario Alvim, tocando en fiestas familiares y salas de baile. Poco tiempo después funda junto a quince intérpretes, compositores y músicos, el M.A.U. (Movimiento Artístico Universitario), con el propósito de abrir un nuevo mercado de trabajo que fuera una alternativa para los festivales de música producidos por las televisiones de Brasil. Su primer trabajo fue, Ahora (1970). Desde entonces ha lanzado incontables discos, algunos de ellos de temática política, Deja El Tren Seguir (1971), Modo Libre (1974), Los Días de Hoy (1978), Nuevo Tiempo (1980), De aquello Que Yo Sé (1981), Tras los Temporales (1983), Juntos (1984), Manos (1987), Love Baile (1988), Amar Así (1989), Ángel de Mí (1995), Un Nuevo Tiempo (1999), Jobiniando (2001), Acariocando (2006), The Metropole Orchestra (2009), una obra grabada en directo en el Muziekgebouw de Amsterdam en el año 2008, emocionante y majestuosa, que recuerda antiguos éxitos de su carrera, todos ellos arreglados por el prestigioso compositor de jazz Vince Mendoza y en el que se hace acompañar por una orquesta de treinta músicos; Amorágio (2012) y América-Brasil (2014). Sus canciones han sido reinterpretadas por músicos de la talla de Quincy Jones, George Benson, Ella Fitzgerald, Sarah Vaughan, Carmen MacRae y Barbra Streisand, entre otros. Asimismo ha compuesto melodías para artistas consagrados como Elis Regina, Simone y Gal Costa. En 1991 fundó la discográfica Velas, una tentativa para promocionar cantantes brasileños al resto del mundo. Ivan Lins posee una cualidad que solo dominan los maestros, pues ha absorbido las influencias de la bossa nova, mezclándola con elementos líricos que aparecieron más tarde en la música brasileña actual.  © epdlp




   London Grammar
   If You Wait (2013)

   22 FEBRERO 2016

   London Grammar es un trío británico formado por la cantante Hannah Reid, el guitarrista Dan Rothman y el multinstrumentista Dominic "Dot" Major. Reconocidos por la crítica especializada como el mejor debut de un grupo en la última década, If You Wait (2013), fue sin duda un soplo de aire fresco en la escena musical inglesa. La banda comenzó a tocar en locales de su ciudad natal Nottingham, lo que les dio a conocer a nivel local y les posibilitó acompañar al grupo Disclosure, el dúo de los hermanos Lawrence, en la grabación de su canción, Help Me Lose My Mind (2013), que formó parte de su primer álbum Settle (2013). Más tarde vendría su EP Metal & Dust y su primer álbum. London Grammar, que ejecutan música pop con aderezos electrónicos, lo que algunos han denominado art-rock, han sido comparados con bandas como Florence + The Machine (por la voz de su protagonista), The xx (por su electrónica minimalista), o Daughter (por su delicadeza dramática), aunque su sonido les supera a las tres en emoción, tristeza y melancolía. Sin embargo ellos mismos se sienten más influenciados por Fleetwood Mac, Radiohead o por las bandas sonoras de películas compuestas por Thomas Newman. Indicar que Hannah Reid, compositora de todas las letras de las canciones, es poseedora de una voz portentosa, sería decir poco, porque expresar el desamor con notas líricas es especialmente frágil. La belleza del grito, con la sensibilidad de una narradora.  © epdlp




   Cocteau Twins
   Milk & Kisses (1996)

   15 FEBRERO 2016

   Banda emblemática del denominado dream pop, el grupo escocés Cocteau Twins fue fundado en 1981 por Robin Guthrie (guitarra), Elizabeth Fraser (cantante) y Will Heggie, éste último sustituido en 1984 por Simon Raymonde (ex - bajista de la banda Drowning Craze). En sus diecisiete años de carrera, en 1998 el grupo se desintegró, consiguieron quebrarnos con su música con la ayuda de ocho álbumes de culto, Garlands (1982), Head Over Heels (1983), Treasure (1984), Victorialand (1986), Blue Bell Knoll (1988), Heaven or Las Vegas (1990), Four-Calendar Café (1993) y Milk & Kisses (1996). En todo eso ayudó la voz inquietante de Elizabeth Fraser, una de las voces más representativas de la escena underground inglesa, la guitarra de Robin Guhtrie creando atmósferas lúdicas y etéreas (quien dijo que la guitarra no es erótica ni tiene forma femenina), y finalmente un elemento impresionista que juega con las texturas, borda los ambientes y recrea sensaciones. Tras su separación Simon Raymonde editó un único trabajo en solitario, Blame Someone Else (1997). Robin Guthrie elaboró una obra majestuosa, Imperial (2003) y cuatro discos más, Continental (2006), Carousel (2009), Emeralds (2011) y Fortune (2012). Por su parte Elizabeth Fraser ha colaborado en los álbumes de Massive Attack y ha puesto su voz en la saga cinematográfica de El señor de los anillos. Muy de vez en cuando, cuando empieza a correr el viento de la tarde y el cielo se pone rojo, es necesario sacar a los Cocteau Twins a pasear y dejar que el mundo gire escuchándolos. No hace falta más que eso. Todos deseamos que el post punk gótico que trajeron consigo, siga siendo un referente lúdico y luminoso que continúe avanzando por esos cables invisibles que nos lleven a cierto lugar donde siempre quisimos estar.  © epdlp




   Brendan Perry
   Ark (2010)

   08 FEBRERO 2016

   Los australianos Lisa Gerrard y Brendan Perry eran Dead Can Dance. De origen anglo-irlandés, compartieron una visión original y diferente del mundo que les rodeaba, atreviéndose con un concepto musical totalmente innovador y de altísima calidad, pletórico de sonidos percusivos. Sus ocho trabajos de estudio, llenos de influencias procedentes del Renacimiento y sus estéticas musicales, Dead Can Dance (1984), Spleen and Ideal (1985), Within the realm od the dying sun (1987), The Serpent's Egg (1989), Aion (1990), Into the Labyrinth (1993), Toward the Within (1994) y Spiritchaser (1996), conformaron su especial forma de entender la música, una mezcla inteligente de toques étnicos, rock tradicional y también estilos antiguos. Aclamados por la crítica, Dead Can Dance reinan ya en su particular tierra musical. Desde entonces las vidas de ambos músicos han seguido carreras distintas, Gerrard vive en Australia, componiendo bandas sonoras y álbumes en solitario y Perry en Irlanda, manteniendo ese espíritu musical inspirado en la sabiduría milenaria. La carrera de Brendan Perry desde sus separación ha sido ecléctica, pues a pesar de que ha colaborado en innumerables trabajos de otros músicos, sólo ha editado dos álbumes de estudio con su nombre, Eye of the hunter (1999) y Ark (2010), dos monumentos a la belleza perdida, la eterna meta humana de lograr una existencia significante.  © epdlp




   Bent
   Programmed To Love (2000)

   01 FEBRERO 2016

   Abanderados del chill-out británico y diseñadores del pop del futuro, el dúo Bent (Simon Mills y Nail Tolliday) ha insuflado aires renovados a la escena musical de los beats amables y ralentizados. Radicados en Nottingham, su primer y aclamado trabajo Programmed to Love (2000), una recopilación de sus Eps, ya nos descubrió su maestría en utilizar más instrumentos "naturales" que sus contemporáneos, arpas, guitarras más o menos eléctricas y todo lo que haga su sonido más atractivo y cercano. Ambient/lounge con imaginación y sentido de humor, retro-pop orquestal con tintes futuristas, electrónica de diván, capaces de mezclar un adagio con bases electrónicas, violines, flautas traveseras y sonidos oníricos. Sus siguientes trabajos, The Everlastic Blink (2003), Ariels (2004) e Intercept! (2006), son la demostración de que todavía podemos disfrutar escuchando música fascinante, un difícil equilibrio de fuerzas que logra introducirte en un mundo gemelo al de Alicia en el País de las Maravillas.  © epdlp




   Anneli Drecker
   Rocks & Straws (2015)

   25 ENERO 2016

   Los noruegos Bel Canto son, tras la desaparición o hibernación de Cocteau Twins y Dead Can Dance, las únicas de estas tres leyendas que se mantenían generando música sublime para el deleite de nuestros sentidos. La aseveración no es del todo exacta, pues la pareja hace ya muchos años que no edita ningún trabajo conjunto y las trayectorias del dúo están más dedicadas a sus propias carreras en solitario y a colaboraciones diversas, que a las del propio grupo. Editaron seis álbumes de estudio, White Out Conditions (1987), Birds of Pasage (1990), Shimering, Warm & Bright (1992), Magic Box (1996), Rush (1998) y Dorothy's Victory (2002), siendo además los encargados de crear la música original de los Juegos Olímpicos de invierno en Lillehammer. A partir de entonces Nils Johansen se ha centrado en su proyecto Vajas, junto al violinista Ande Somby y la cantante Kristin Mellem, mientras que Anneli Drecker publicó dos álbumes en solitario, Tundra (2000) y Frolic (2005), una obra maestra de ingeniería tecnológica. Además ha colaborado con músicos del prestigio de Tsunematsu Matsui, Jah Wobble, Hector Zazou, y con los grupos A-Ha y Röyksopp. En su último trabajo, Rocks & Straws (2015), nos propone la interiorización de un viaje que comenzó en 1986 con Bel Canto y que con el paso de los años se ha hecho más claro y diáfano. La música de éste álbum memorable, en el que las letras están basadas en poemas del escritor noruego Arvid Hansen, se recrea más que nunca en el paisaje acústico nórdico, añadiendo influencias de la música de todo el mundo. Quizá es lo que transmiten las palabras del poeta, que Anneli con su música las convierte en luz, pura esperanza, que barre la oscuridad.  © epdlp




   David Bowie
   Blackstar (2016)

   18 ENERO 2016

   Pionero del glam-rock, David Robert Jones fue un músico total que tocaba entre otros, la guitarra eléctrica y acústica, el saxofón alto, el piano, sintetizadores, la armónica y todo tipo de percusiones e instrumentos de cuerda como la viola o el violonchelo. Sus trabajos en la década de los ochenta, especialmente la canción Ashes to Ashes y sus imágenes creativas, contribuyeron a la eclosión de un nuevo movimiento musical, los new romantic, influyendo en artistas como Steve Strange, Blitz Kids y Keanan Duffty y más tarde artistas tan importantes como Marilyn Manson, Boy George, Groove Armada o Lady Gaga, reconocieron su influjo. Durante más de cuarenta años de carrera musical, editó más de una veintena de álbumes, entre ellos, David Bowie (1967), su debut; Space Oddity (1969), The Man Who Sold the World (1970), citado como el inicio de un camino para el rock gótico y el dark wave; Hunky Dory (1971), The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars (1972), Aladdin Sane (1973), Diamond Dogs (1974), nombrado como una anticipación a la revolución punk de la siguiente década; Young Americans (1975), Station to Station (1976), Low (1977), Lodger (1979), Scary Monsters (and Super Creeps) (1980), Let's Dance (1983), Never Let Me Down (1987), Black Tie White Noise (1993), Earthling (1997), Heathen (2002) y The Next Day (2013). David Bowie que a lo largo de su carrera vendió aproximadamente 136 millones de discos, incorporó a sus composiciones letras filosóficas y literarias, algunas de ellas influidas por el budismo, el misticismo y el ocultismo, y se enfrentó a la inminencia de su muerte concentrándose en su último disco y en la obra teatral Lazarus, estrenada en el off Broadway neoyorquino a final del año 2015, sobre un extraterrestre atrapado en la Tierra que se aferra a la esperanza de la inmortalidad. Blackstar (2016), su último trabajo, publicado el día que cumplía 69 años y dos días antes de su muerte, es un álbum intenso y dramático en el que se atreve a predecir su propio adiós, rodeado de una atmósfera inquietante. La imagen de su último video-clip en el que aparece con los ojos vendados, levitando en la cama de un hospital, aventuraban trágicamente su destino.  © epdlp




   El circo de las Mariposas
   Frida (2014)

   11 ENERO 2016

   Frida es el primer trabajo en solitario de Marcos Andrés, con el nombre artístico de El Circo de las Mariposas. Líder del desaparecido grupo Vinodelfin, su banda era de las que hacen de la emoción un himno y de la combinación de palabras sugerentes una eterna sabiduría. Aunque tres años antes ya existían como grupo, no fue hasta el año 2006 cuando editaron su primer álbum, Perfecto en la locura. El quinteto barcelonés formado por argentinos y españoles y capitaneado por Marcos Andrés (voz y guitarra), estaba compuesto por Alberto González (guitarra y percusión), Matías Luna (bajo), Paco Lacolla (batería) y Fluren Ferrer (teclados). Este último reputado productor de entre otros, el grupo Sidonie. Sus directos sorprendentes hicieron suyos los patrones más contundentes del pop-rock en castellano, formato acústico en el desarrollo del lenguaje, influencias del flamenco, el pop y del jazz, complementados con un contenido poético de sus letras. Seres Únicos (2009), fue su segundo y último trabajo antes de separarse en el 2010. Cuatro años más tarde nació Frida (2014), un notable trabajo producido por Marcel Botella y Pedro Javier Hermosilla. El Circo de las Mariposas toma su nombre del corto de Joshua Weigel, The Butterfly Circus (2009); en él, un hombre sin brazos ni piernas aprende a vencer sus límites físicos y, sobre todo, psicológicos. Al igual que Frida, la perra que Marcos recogió en la calle y que da nombre al disco, paralítica de una pata y que no paró hasta poder volver a correr.  © epdlp




   Etro Anime
   Spreading Silence (2010)

   04 ENERO 2016

   Lissette Alea (voz), Ted Birkey (teclados), David Fisher (trompeta, saxo y programación), Tom Welsch (bajo) y Shambo Pfaff (batería) son Etro Anime, el proyecto neoyorquino que pretende hacerse un hueco entre los grandes del trip-hop. Antes de fundar el grupo, Ted Birkey, genio del piano con sólo siete años, participó en una banda de jazz latino y en dos proyectos de hip-hop underground, Guru y Krashman. En sus planes pronto cayeron, la diva Lissette Alea que colaboró en sus comienzos con el niño prodigio de la electrónica Alex Kide, y el especialista en metales David Fisher, un cerebro de la programación, que en pocos meses se convertiría en el "maquinista" de la tropa. Todos ellos, con la inclusión de un bajista y un percusionista, debutaron con un primer álbum sorprendente, See The Sound (2004). Decir que Etro Anime (que significa ser infinito: con el espíritu y en movimiento), amplían horizontes sería una obviedad. Deberíamos describir su fusión de estilos construido sobre bases de deep y latin house pero con un gran rango de influencias, desde lounge, funk, rythm&blues, rock, ambiente dub, aderezados con diversos tipos de jazz, dan como resultado un trip-hop funky jazzy, con resonancias de drum'n'bass destilado. Además la tórrida y delicada voz de Lissette Alea, con su encantador toque brasileño ayuda a que la música suene siempre soleada y elegante y que nos traigan a la memoria el magnífico álbum debut de Weekend Players con Andy Cato de Groove Armada. Etro Anime son la música hecha arte conceptual, un compromiso donde las emociones están bien moduladas, un intento de forjar imágenes en la imaginación del que los escucha.  © epdlp




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