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       Música - 487 álbumes 
 
    
 

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   Joan Dausà
   On Seràs Demà? (2014)

   15 OCTUBRE 2018

   Dicen que hablar del desamor y de la cotidianeidad no son los mejores caminos para conseguir grandes cosas. Joan Dausà, músico, actor y sobre todo cantante de inconfundible voz, sería la excepción que confirma que quizá es importante seguir esas sendas para llegar a un objetivo, el de la satisfacción personal. Su infancia no fue fácil, pues su madre murió al poco tiempo de dar a luz, a causa de una enfermedad que, a pesar de saber que se podía agravar con el embarazo, decidió sacarlo adelante. Sintiéndose un afortunado por haber podido vivir, se lanzó a lo que más le apasionaba, la música. En sus comienzos formó el grupo Na'fent y más tarde grabó su primer álbum en solitario, Jo mai mai (2012), rodeándose de músicos tan importantes como Arnau Vallvé y Martí Maymó del grupo Manel, Axel Pi de Sidonie, Carol Duran de La Carrau y Miqui Puig, todos ellos con el sobrenombre de “Joan Dausà i els Tipus d'Interès”. En su segundo trabajo, On Seràs Demà? (2014), al formato de piano y voz, junto a una banda de cinco músicos, se les sumó el acompañamiento de lujo de un cuarteto de cuerda. Ara Som Gegants (2018), es la culminación de una carrera ascendente, donde ha buscado el apadrinamiento de la gente que admira, y donde presenta el resultado de un viaje interior que indaga la exigencia musical y la conexión emocional con el público en un trabajo épico.  © epdlp




   Underworld & Iggy Pop
   Teatime Dub Encounters (2018)

   08 OCTUBRE 2018

   Aunque desde el año 1981 editaban discos con el nombre de Freur, el dúo Underworld se formó en el año 1987 cuando los músicos ingleses, el frontman-vocalista y guitarrista Karl Hyde y el virtuoso programador Rick Smith editan su primer single, en un principio totalmente pop. En el año 1990, un joven DJ llamado Darren Emerson, entraba a formar parte del grupo. Pero es en 1991 cuando Rick y Karl deciden fundar junto a otros amigos, el colectivo de arte Tomato, que se convirtió en una referencia indiscutible en el mundo del arte audio-visual. Fue desde entonces cuando empezaron a aparecer sus temas más aclamados. Su álbum de debut Dubnobasswithmyheadman (1994), convirtió al trío en el primer gran grupo electrónico de masas capaz de llenar estadios enteros en los años 90. Posteriores éxitos como Born Slippy, todo un auténtico himno gracias a la película Trainspotting, o su segundo trabajo Second Toughest In The Infants (1996), no hicieron más que consagrarles. En 1999, apareció su tercer álbum Beaucoup Fish, un año antes de que Darren Emerson abandonara el grupo. Desde entonces Rick y Karl han seguido en solitario trabajando en sus siguientes trabajos, A Hundred Days Off (2002), Oblivion With Bells (2007), Barking (2010) y Barbara Barbara, we face a shining future (2016). Underworld combina el house de Chicago, el techno de Detroit y la música ácida de Londres con guitarras de rock tradicionales y un tratamiento vocal surreal y saturante, creando un comprimido sonoro único, frente al cual el zarandeo de cuerpos y de estilos musicales es inevitable. Aunque la música de baile tiene raíces inherentemente hedonistas, Underworld posee un claro sentido ético al respecto. Ellos re-delimitan los alcances de la música electrónica, elevando las sensaciones hasta niveles totalmente imprevisibles, absolutamente deslumbrantes. Grupo imprescindible para comprender la música actual y para comenzar a entender la música del futuro, el rock del siglo 21, el paso definitivo del rock con guitarras al rock electrónico.  © epdlp




   Moby
   Everything was beautiful and nothing hurt (2018)

   01 OCTUBRE 2018

   Richard Melville, más conocido como Moby, nació en Darien, Connecticut, donde inició su vida como músico tocando en una banda de hardcore llamada Vatican Comandos, para luego ejercer como vocalista en otra llamada Flipper. En 1991 remezcló el tema central de la serie Twin Peaks, del director David Lynch, acercándolo con esta intervención, a un sonido house. De este trabajo derivó el sencillo GO, que se ubicó, a una velocidad vertiginosa, en el top ten británico. A causa de esta explosión de Moby como productor, fue invitado a remezclar temas de grandes estrellas como Depeche Mode, Pet Shop Boys, Orbital, Michael Jackson o Erasure, entre otros. Su primer álbum fue lanzado en 1992, y en 1993 editó un single doble titulado I fell it / Thousand, que rápidamente se consagró como un hit en los charts británicos, haciéndose merecedor de otro mérito, el record Guiness a la canción más veloz del mundo (1000 beats x minuto). En 1993 firmó contrato con el sello Mute Records, con el que editó Ambient, compilación de material inédito de los años 1988 y 1991. En 1994 lanzó el single Hymn, que muestra las primeras fusiones de gospel, techno y ambient. También en ese año firmó contrato con Electra Records. Con éste nuevo sello editó, en 1995, Everything is Wrong, logrando excelentes críticas de la prensa especializada. Sin embargo, pese a la promoción que recibió el disco, y su actuación en Lollapalooza, no logró el éxito de ventas esperado. Un año después el músico dejó de lado las composiciones tecno para registrar un álbum de rock, Animal Rigths. Sus siguientes trabajos en solitario han sido, Play (1999), 18 (2002), Hotel Ambient (2005), Destroyed (2011), Innocents (2013) y Long Ambients 1 (2016). En su último álbum (el 15º de su carrera), cuyo título está extraído de un pasaje de la novela Matadero 5 de Kurt Vonnegut, Everything was beautiful and nothing hurt (Todo era hermoso y nada lastimaba, 2018), retoma sus raíces musicales, incorporando influencias del trip-hop, dub y soul, con grandes dosis de groove hipnótico y atmosférico. Moby, descendiente de Herman Melville, de ahí viene su seudónimo en homenaje a la novela Moby Dick, ejecuta un ejercicio letárgico y apesadumbrado de alta perfección estilística.  © epdlp




   Craig Armstrong
   As If To Nothing (2002)

   24 SEPTIEMBRE 2018

   Craig Armstrong es un compositor y pianista escocés que ha desarrollado una notable carrera como compositor de bandas sonoras para el cine. Con 19 años se trasladó a la capital londinense, donde estudió en la Royal Academy of Music, junto a grandes maestros como Cornelius Cardew y Malcolm MacDonald. Más tarde se convirtió en el compositor más influyente del Tron Theatre de Glasgow, donde conoció al director Peter Mullan, para el que musicó algunos films. Entre 1994 y 2002, la Royal Shakespeare Company le encargó que escribiera la música para las obras teatrales The Broken Heart y The Tempest. Desde mediados de los noventa ha creado música para películas de Hollywood y también para el cine independiente. También ha colaborado con grandes nombres del mundo de la música como Massive Attack, Madonna, Bjork, la London Sinfonietta, Suede, U2, Barbican o Ryuichi Sakamoto. Su carrera está repleta de premios cinematográficos, entre los que destacan dos Bafta por Romeo + Julieta (1997) y Moulin Rouge (2001), banda sonora que también consiguió el Globo de Oro de ese año. Paralelamente ha editado en ese tiempo cuatro discos en solitario, en los que ha ejercitado su faceta más creativa y experimental, The Space Between Us (1997), publicado por el sello discográfico de Massive Attack, Melankolic; As If To Nothing (2002), considerado su mejor álbum y que cuenta con la participación de Evan Dando, Paul Buchanan, Bono y Wendy Stubs; It's Nearly Tomorrow (2014), con colaboraciones de Paul Buchanam, James Grant, Chris Botti y Brett Anderson, líder de Suede, y Sun on you (2018), su último trabajo hasta la fecha. Según sus propias palabras, “La vida es demasiado breve como para perder el tiempo en cuestiones que no te interesen. Que te amen o te odien es un riesgo que debes asumir cada vez que diriges una película o compones un disco. No importan tanto los instrumentos que uses como la emoción que haya detrás de cada nota”. Craig Armstrong, mago de las orquestaciones y compositor descomunal nos emociona con melodías apabullantes, como esas mantas que quizá no tapan lo suficiente, pero que nos protegen del frío y la lluvia. Sentimiento a flor de piel, cuando el calor es más emocional que físico.  © epdlp




   Jon Hopkins
   Singularity (2018)

   17 SEPTIEMBRE 2018

   Jon Hopkins es un pianista, productor y compositor inglés, famoso por su música perfeccionista forjada con sintetizadores y piano. Desde los 12 años y hasta los 17 estudió piano, comenzando su carrera como teclista de la cantante Imogen Heap. Ha trabajado estrechamente con Brian Eno y ha sido reclutado como productor por David Holmes y Coldplay, a los que teloneó durante 6 meses en su gira mundial del 2008. También destacan sus remezclas para Nosaj Thing, Four Tet y David Lynch, y las piezas que compuso para la obra Entity, del coreógrafo británico Wayne McGregor, entre otros trabajos. Ha editado hasta la fecha cinco álbumes de estudio, Opalescent (2001), Contact Note (2004), Insides (2009), Immunity (2013), nominado al Mercury Prize de ese año y alabado unánimemente por crítica y público, y Singularity (2018), además de dos cds en colaboración con otros músicos, Small Craft On A Milk Sea (2010), con Brian Eno y Leo Abrahams, y Diamond Mine (2011), junto al cantante King Creosote. Además es autor de las bandas sonoras de Monsters (Gareth Edwards, 2010) y Mi vida ahora (Kevin Macdonald, 2013). Todos recuerdan su actuación en el Festival Luminous del año 2009 junto a Brian Eno, Karl Hyde (Underworld) y Leo Abrahams, acompañados por el trío de improvisación con base en Sídney, The Necks, para dar forma al grupo Pure Scenius, como colofón para el final de dicho festival. La intervención de tres horas y media del cuarteto se inscribirá con letras de oro en la historia de la música electrónica considerada como un arte. Como también lo hará su actuación en el último festival Sónar del año 2017. Jon Hopkins seduce con melodías hermosas que se contraponen con estructuras electrónicas fuertes, a veces sombrías, una palpitante exploración que se mueve entre la claustrofobia y el anhelo de libertad.  © epdlp




   Joe Zawinul
   Brown Street (2006)

   10 SEPTIEMBRE 2018

   Pocos músicos pueden presumir de aparecer en un sello de correos. Austria anunció hace unos años que emitiría el sello oficial de Joe Zawinul para honrar a su ilustre compatriota por sus grandes logros en el terreno de la música. Leyenda del jazz y padre de la world music, el teclista y compositor austriaco Joe Zawinul es uno de los últimos representantes de la generación de músicos que tuvieron el privilegio de relacionarse con algunos de los más grandes maestros del jazz de todos los tiempos. Con 27 años emigró a los Estados Unidos con una beca del Conservatorio de Música de Viena y en poco tiempo entró a formar parte de la banda del trompetista Maynard Ferguson, más tarde de la vocalista Dinah Washington y finalmente del saxofonista Cannonball Adderley con el que permaneció durante nueve años. Más tarde formó parte de la banda de Miles Davis, componiendo el tema "In A Silent Way", título del disco que marcó el debut de Miles Davis en el campo eléctrico. En 1970 formó junto al saxofonista habitual de Miles Davis, Wayne Shorter, el bajista Miroslav Vitous (sustituido más tarde por Jaco Pastorius), el percusionista Airto Moreira y el batería Alphonse Mouzon, la legendaria banda Weather Report (1970-1985), grupo paradigma de la fusión entre el jazz y el rock de la época. Durante esa etapa fue considerado innumerables veces mejor pianista de jazz y a su grupo Mejor banda en directo del año. Después del año 1985, Joe Zawinul se dedicó a editar trabajos en solitario o junto a su banda Zawinul Syndicate. Fue propietario del club de jazz Birdland de Viena y merecedor de gran reconocimiento mundial por ser el pionero en combinar los elementos tradicionales de diferentes etnias, con el pop, rock y el jazz, fusión que se denomina actualmente world music. Joe Zawinul cambió la forma de la canción tradicional, utilizando un enfoque sonoro totalmente diferente. Sus composiciones son una absoluta improvisación que más tarde transcribía directamente, sin ningún cambio ni reorganización para los músicos. Debido a la longitud de las improvisaciones, obviamente se veía obligado a editarlas. Su música es una maquinaria perfectamente engrasada, suministrada bajo el componente de un salvaje abandono.  © epdlp




   Jazzanova
   The Pool (2018)

   03 SEPTIEMBRE 2018

   El grupo Jazzanova editó su primer trabajo, un maxi-single titulado "Fedtimes Flight" en el año 1997. Con el devenir de los años y los sucesivos maxis, en los que entremezclaban covers y remixes con temas propios, la expectación por su álbum de debut crecía de modo exponencial. In Between (2002) fue el nuevo (y paradójicamente) álbum debut de Jazzanova. Un trabajo que implicó dos años de trabajo en estudio y mucha presión por la popularidad que habían brindado sus remezclas por todo el mundo. Muy en la línea musical de otros grandes monstruos de la fusión electrónica-jazzística-ambiental como De-Phazz o 4 Hero, su música predominantemente vocal, ritmos combinados de drum’n’bass y breakbeats interpretados como lo haría el mismísimo Alvin Queen, pianos y marimbas de ensueño, downtempo funky y coros envolventes. El colectivo conocido como Jazzanova, formado por elementos de muy distinta procedencia y cultura musical, Jürgen von Knoblauch, Alexander Barck, Claas Brieler, Stefan Leisering y Rosko Kretschmann, han conseguido convertirse en clásicos, en verdadero puntal de referencia de esto que ha dado en llamarse nu-jazz.  © epdlp




   Hybrid
   Light Of The Fearless (2018)

   27 AGOSTO 2018

   Hybrid es un dúo inglés formado por Mike Truman y Charlotte Truman. Anteriormente era un trío, pero Lee Mullin el segundo componente, abandonó el grupo después del primer trabajo, y Chris Healings, el tercero, después de su penúltimo álbum. Han orientado sus habilidades de producción en las pistas al servicio de artistas tan variados como Jazzy Jeff, Carl Cox y Alanis Morissette. Con Wide Angle (1999), su disco debut, sorprendieron a la crítica inglesa con su música creadora, imaginativa y vanguardista. En Morning Sci-Fi (2003), I Choose Noise (2006), Disappear Here (2010) y Hybrid – Light Of The Fearless (2018), sus siguientes trabajos, nos sumergen en una amplia gama de estilos musicales, los dibujan y los utilizan para crear nuevos sonidos. Sus discos están plagados de notables colaboraciones, la cantante Julee Cruise, Chrissie Hynde del grupo Pretenders, Perry Farrell de los Jane’s Addiction, Judie Tzuke, Kirsty Hawkshaw y Peter Hook de New Order. Hybrid ha demostrado que su música es realmente innovadora, un break beat acelerado a la máxima potencia sólo comparable al que ejecuta BT (Brian Wayne Transeau), fusión de breaks y poderosa orquesta con calidad cinematográfica.  © epdlp




   Joan Dausà
   Ara Som Gegants (2018)

   20 AGOSTO 2018

   Dicen que hablar del desamor y de la cotidianeidad no son los mejores caminos para conseguir grandes cosas. Joan Dausà, músico, actor y sobre todo cantante de inconfundible voz, sería la excepción que confirma que quizá es importante seguir esas sendas para llegar a un objetivo, el de la satisfacción personal. Su infancia no fue fácil, pues su madre murió al poco tiempo de dar a luz, a causa de una enfermedad que, a pesar de saber que se podía agravar con el embarazo, decidió sacarlo adelante. Sintiéndose un afortunado por haber podido vivir, se lanzó a lo que más le apasionaba, la música. En sus comienzos formó el grupo Na'fent y más tarde grabó su primer álbum en solitario, Jo mai mai (2012), rodeándose de músicos tan importantes como Arnau Vallvé y Martí Maymó del grupo Manel, Axel Pi de Sidonie, Carol Duran de La Carrau y Miqui Puig, todos ellos con el sobrenombre de “Joan Dausà i els Tipus d'Interès”. En su segundo trabajo, On Seràs Demà? (2014), al formato de piano y voz, junto a una banda de cinco músicos, se les sumó el acompañamiento de lujo de un cuarteto de cuerda. Ara Som Gegants (2018), es la culminación de una carrera ascendente, donde ha buscado el apadrinamiento de la gente que admira, y donde presenta el resultado de un viaje interior que indaga la exigencia musical y la conexión emocional con el público en un trabajo épico.  © epdlp




   Dreadzone
   Dread Times (2017)

   13 AGOSTO 2018

   Dreadzone son un grupo inglés que está formado en la actualidad por Greg Roberts, Leo Williams y Earl Daley, los dos primeros ex componentes de BAD (Big Audio Dynamite), escisión de la banda de punk The Clash. Propietarios del club nocturno londinense Dubwiser, son un ejemplo luminoso de los magníficos resultados de unir la frialdad de los instrumentos electrónicos con el calor de sonidos como el reggae. Han publicado los siguientes álbumes de estudio, 360 Degrees (1993), Second Light (1995), Biological Radio (1997), Sound (2002), Once Upon A Time (2005), Eye On The Horizon (2010) , Escapades (2013) y Dread Times (2017). En ellos incorporan su arriesgada apuesta por un sonido espectacular, en ocasiones cercano a la worldmusic, junto a sonidos clásicos más sobrios, más oscuros y dramáticos que incitan al baile. La combinación abrasiva de batería, bajo y diversos instrumentos electrónicos, junto a influencias completamente sorprendentes y un nivel de superación estético sólo comparable a un lienzo a punto de ser plasmado, los convierte en un conjunto audaz que crea el dub más sofisticado que puedas escuchar. La representación máxima del baile como forma de vida, la realidad última de lo visible y lo invisible, el triunfo del ritmo sobre la razón.  © epdlp




   Dominique A
   Toute Latitude (2018)

   06 AGOSTO 2018

   La nueva chanson es una expresión utilizada para englobar a los músicos surgidos en Francia a partir de los años 90 que recuperan el legado de la canción tradicional de su país, combinándolo con pop y rock contemporáneo de origen anglosajón. Son herederos de los clásicos franceses como Jacques Brel, Léo Ferré, Serge Gainsbourg y Françoise Hardy, a los que suman otras influencias de grupos contemporáneos de pop y rock alternativo. Existen varios iconos representativos de ésta tendencia, Yann Tiersen, Benjamín Biolay, Carla Bruni, Phillipe Katerine, Bertrand Bestch, el grupo Autor de Lucie, pero sobre todo Dominique A. Dominique Ané, que así es su verdadero nombre, comenzó su carrera en el año 1991, componiendo canciones minimalistas sumergidas en un rock de vanguardia. Con el paso de los años evolucionó hacia la experimentación de los sonidos volcándose en formas más exuberantes y menos minimalistas. Ha colaborado a lo largo de su carrera con diferentes artistas, principalmente poniendo su voz, entre ellos cabría destacar a Vincent Delerm Kensington Square, Keren Ann, Jeanne Balibar, Jane Birkin y su ex compañera Françoiz Breut. Sus trabajos de estudio son La fossette (1992), Si je connais Harry (1993), La mémoire neuve (1995), Remué (1999), Auguri (2001), Tout sera comme avant (2004), L'horizon (2006), Sur Nos Forces Motrices (2007), La Musique (2009), Vers Les Lueurs (2012), Éléor (2015) y Toute Latitude (2018). Los últimos con su propia producción discográfica. Dominique A, gigante del escenario de la música francesa, intelectual, laberíntico y conmovedor, reconoce que sus gustos son menos pop y que su fin principal al componer es intentar encontrar siempre la atmósfera de una canción y no su melodía. Esa atmósfera de la inteligencia, que es a su vez imaginativa, y que convierte las convulsiones de sus notas en verdaderas revelaciones.  © epdlp




   De-Phazz
   Black White Mono (2018)

   30 JULIO 2018

   De-Phazz es la abreviatura de Destination Future Jazz. Esta agrupación germana, residentes en Heidelberg y fundada por el compositor y productor Pit Baumgartner, está compuesta principalmente por cuatro músicos curtidos y versátiles. Los cantantes y compositores Karl Frierson, Pat Appleton y Barbara Lahr, junto a Pit Baumgartner (guitarra y samplers), ejecutan pequeñas perlas de ingeniería lounge, mezclada con easy listening, electrónica-orgánica, dancehall y lo que se les ponga por delante. Al trío les acompaña un bongo itinerante, en el que destacan, Jan Fride (batería), Roy Randolf (percusión), Joo Kraus (trompeta), Eckes Malz (teclados) y Otto Engelhardt (trombón). Detunized gravity (1997), Godsdog (1999), Death by Chocolate (2001), Daily Lama (2002), Plastic Love Memory (2002), Natural Fake (2005), Days Of Twang (2007), Lala 2.0 (2010), Audio Elastique (2012), Private (2016) y Black White Mono (2018), son sus once álbumes de estudio que los colocan, junto a Saint Germain y Jazzanova, en esa punta imaginaria de un iceberg llamado nu-jazz. La aparición de su canción ¿Something special?, incluida en el cd Death by Chocolate, en un anuncio de tv, aumentó notablemente su popularidad, comparándolos con bandas como Combustible Edison o Pink Martini en versión digital, aunque todo el mundo sabe que son mucho más que eso. Las portadas de sus trabajos, obra del diseñador Olaf Becker, acentúan esa iconografía chic de la que el grupo hace gala. De-Phazz crean un cóctel vigoroso de música de salón que bebe del jazz moderno y el dance más cool, infinidad de gotas de elixir con gusto a glamour y elegancia demodé, todo ello aderezado con buen gusto, nivel instrumental y un estilismo retro de lo más fashion. Un combinado, más batido que agitado, dónde la libertad creativa es su gran baza, el último invento anti-estrés que hace que en tu discoteca por fin brille el sol.  © epdlp




   Chicane
   The Place You Can't Remember, The Place You... (2018)

   23 JULIO 2018

   Sabio conocedor de los sonidos de Ibiza, puros ritmos chill-out y el trance melódico, sensación de los clubes ingleses y uno de los dj's más desconcertantes de los últimos tiempos, el inglés Nick Bracegirdle, más conocido como Chicane, ha conseguido sublimar las virtudes de la música de baile, transformándola en techno melancólico. Educado en las lides de la música clásica, olvidó el ambiente de conservatorio el día que decidió comprarse dos teclados análogos y experimentar con lo que podía salir de las mezclas en el estudio. Sus álbumes de estudio, Far From The Maddening Crowds (1997), Behind The Sun (2000), Easy To Assemble (2003), Somersault (2007), Giants (2010), Thousand Mile Stare (2012), Than The Sum Of Its Parts (2014) y The Place You Can't Remember, The Place You Can't Forget (2018), funcionan bien si deseas escucharlos tomando un café un atardecer en cualquier playa relajante del Mediterráneo o el Pacífico Sur, así como también funciona como música para un bar de estilo lounge. Nick Bracegirdle sabe cómo crear inmejorables paisajes y momentos de intensa emoción.  © epdlp




   Dead Can Dance
   Anastasis (2012)

   16 JULIO 2018

   Los australianos Lisa Gerrard y Brendan Perry son Dead Can Dance. De origen anglo-irlandés, comparten una visión original y diferente del mundo que les rodea, atreviéndose con un concepto musical totalmente innovador y de altísima calidad, pletórico de sonidos percusivos. Sus ocho trabajos de estudio, llenos de influencias procedentes del Renacimiento y sus estéticas musicales, Dead Can Dance (1984), Spleen and Ideal (1985), Within the realm of the dying sun (1987), The Serpent's Egg (1989), Aion (1990), Into the Labyrinth (1993), Toward the Within (1994) y Spiritchaser (1996), conformaron su especial forma de entender la música, una mezcla inteligente de toques étnicos, rock tradicional y también estilos antiguos. Aclamados por la crítica, Dead Can Dance reinan ya en su particular tierra musical. Desde entonces las vidas de ambos músicos han seguido carreras distintas, Lisa Gerrard vive en Australia, componiendo bandas sonoras y álbumes, The Mirror Pool (1995), The Silver Tree (2006) y The Black Opal (2009), son sus tres trabajos en solitario, y Brendan Perry en Irlanda, colaborando en innumerables trabajos de otros músicos y editando dos álbumes de estudio, Eye of the hunter (1999) y Ark (2010). Anastasis (2012) es el reencuentro de Lisa Gerrard y Brendan Perry como Dead Can Dance, dieciséis años después.  © epdlp




   Roland Orzabal
   Tomcats Screaming Outside (2001)

   09 JULIO 2018

   Al principio de los años ochenta los británicos Roland Orzabal y Curt Smith formaron un grupo de ska llamado Graduate. La experiencia no fue muy reconfortante, pues en 1981 decidieron reconvertirlo en banda de synth-pop y adoptaron el nombre de Tears For Fears. Este apodo está basado en el libro "Prisioneros del dolor" de Arthur Janov, que consiste en enfrentarse a los miedos de la infancia. Su gran impulso mediático vino con su primer single "Mad World", producido por Chris Hughes, ex-batería de Adam And The Ants, y que llegó al número 3 de las listas británicas en 1982. Más tarde apareció su primer álbum, The Hurting (1983), un trabajo meditado, melódico e infeccioso que revolucionó la escena pop inglesa. A éste siguieron Song from the big chair (1985), que mostraba un sonido más modernizado con influencias soul y el psicodélico The seeds of love (1989), un intento de combinar piano de cola y cuerdas vocales en un estilo que recordaba al de los Beatles. Tras éste extraordinario trabajo, Curt Smith abandonó la banda para empezar una carrera en solitario, y en la que en 1998 adoptaría el seudónimo de Mayfield. Conservando el nombre de la banda, Roland Orzabal ya en solitario, editó Elemental (1993) y Raoul and the kings of Spain (1995), en el que perseguía un sonido más sofisticado dirigido a un público más selectivo. Everybody loves a happy ending (2004), su último trabajo, fue la vuelta del dúo original tras su reconciliación. Roland Orzabal y Curt Smith que llevaban nueve años sin hablarse, volvieron a demostrar el talento de una banda que sabe hacer canciones pop, con sonidos y concepción brillantes. Tomcats Screaming Outside (2001), es el único trabajo de Roland Orzabal con su nombre, una obra mayúscula donde retoma el sonido electrónico, aderezado con resonancias étnicas y contemporáneas.  © epdlp




   Massive Attack
   Heligoland (2010)

   02 JULIO 2018

   Massive Attack eran tres adolescentes de Bristol que, infectados por el gusanillo del hip hop montaron el sound system The Wild Bunch. Padrinos del trip-hop, Robert 3D del Naja, Grant "Daddy G" Marshall y Adrian “Mushroom” Vowles (que abandonó el grupo en 1999), habían editado 3 discos en 12 años. Eran tres tipos de la calle preocupados por el arte y la alienación urbana, que en 1991 sacaron su primer álbum, Blue lines, que se archiva en el apartado de clásicos. Protection (1994) fue el segundo y Mezanine (1998) el tercero. Massive Attack no sólo han forjado una carrera más que interesante, sino que también han, directa o indirectamente, impulsado otras, como las de Tricky, Nicolette, Portishead, por nombrar algunos. En 100th Window (2003) y Heligoland (2010), su cuarto y quinto álbum, su música cobra nitidez desde la primera hasta la última canción. Neil Davidge, cerebro multiusos que apareció en escena durante la gestación del Mezzanine, se ha convertido ahora en el fiel escudero de las nuevas aventuras sonoras de 3D, principal responsable del grupo en la actualidad. La música de Massive Attack es un sinuoso viaje por un mar de petróleo formado por paranoias, relaciones terminales e hiperrealismo depresivo. Música melancólica que transmite sentimientos ocultos.  © epdlp




   Pat Metheny Group
   Imaginary Day (1997)

   25 JUNIO 2018

   Pat Metheny ha sido músico profesional casi la mitad de su vida. Incluso por separado, sin su grupo Pat Metheny Group, las credenciales del guitarrista son impresionantes. Fue profesor tanto en la Universidad de Miami como en el Berklee College of Music, en Boston, cuando aún era un adolescente. A los diecinueve años se unió a la banda de Gary Burton y permaneció con ellos durante tres años (1974-1977). Ha tocado y grabado con algunos de los más innovadores músicos de las pasadas dos décadas: Gary Burton, Sonny Rollins, Paul Motian, Roy Haynes, Miroslav Vitous, Jack DeJohnette, Michael Brecker, Charlie Haden, Ornette Coleman, Milton Nascimento, Herbie Hancock y Steve Reich, entre otros. Su primer disco fue Bright Size Life (1976) con el sello ECM, junto a Jaco Pastorius (bajo eléctrico) y Bob Moses (batería). En él ya presenta las composiciones unidas y comprometidas del líder y su concepto único de lo instrumental. A éste siguieron Water Colors (1977) en el cual grabó por primera vez con Lyle Mays y Danny Gottlieb. Más tarde Pat Metheny Group (1978), New Chatauqua (1979), American Garage (1980), 80/81 (1980), As Falls Wichita, So Falls Wichita Falls (1981), Offramp (1982) su primera grabación con sintetizador de guitarra; Travels (1983), Rejoicing (1983), First Circle (1984), Song X (1986) junto a Ornette Coleman, el revolucionario saxofonista y compositor de free jazz; Still Life Talking (1987), Letter From Home (1989) su trabajo de mayor éxito hasta ese momento, conciso, con fuerza, inequívocamente melodioso y conmemorativo; Letter From Home es un mensaje de madurez y logros de un grupo en plena forma. Question and Answer (1990), Secret Story (1993), una de sus creaciones más personales, con su factor emocional, crecido como compositor, culminación de lo que había hecho hasta la fecha; The Road to You (1994), We Live Here (1995), Beyond The Missouri Sky (1997), Imaginary Day (1997), Speaking of Now (2002) y The Way Up (2005). Su grupo está formado normalmente por Lyle Mays (teclados), Steve Rodby (bajo), Richard Bonna (voz y guitarra), Antonio Sánchez (batería), David Samuels (percusión) y Cong Vu (voz y trompeta). Son escasos los artistas que improvisan y que logran interesar a una creciente cantidad de público sin que por ello se vea afectado su arte. Más extraño aún es encontrar un artista que pueda ver cómo su público se desarrolla al mismo tiempo que lo hace su visión musical. Pat Metheny, considerado el mejor guitarrista de jazz del mundo, compositor polifacético, productor innovador y pionero con el sintetizador y la guitarra, se encuentra en una posición inigualable, principalmente el resultado de una inteligencia musical insaciable y una energía aparentemente inagotable.  © epdlp




   The Jezabels
   Synthia (2016)

   18 JUNIO 2018

   The Jezabels es un grupo australiano compuesto por Hayley Mary (vocalista y letrista), Heather Shannon (teclista), Nik Kaloper (batería) y Sam Lockwood (guitarra). Formados en Sydney en el año 2007, han editado hasta la fecha tres álbumes de estudio, Prisoner (2011), The Brink (2014) y Synthia (2016), además de multitud de ep´s en donde destacan particularmente el diseño de sus carátulas transgresoras. The Jezabels han evolucionado en sus pocos años de vida, del pop gótico de su álbum debut al pop-rock radiante y festivo de sus siguientes trabajos, producidos por Dan Grech-Marguerat, conocido por su colaboraciones, de entre otros, Lana Del Rey y Radiohead. Fueron en sus comienzos teloneros de grupos tan importantes como Pixies, Skunk Anansie o Depeche Mode y aunque en Europa no son muy conocidos, en su país, como ocurre con los también australianos The Temper Trap, son verdaderas figuras de la música pop. En sus canciones optimistas con destellos de amargura, se reconocen las baterías con sabor a Larry Mullen y las guitarras a lo The Edge, moduladas por esa voz potente y susurrante de Hayley Mary, que sí en su primer disco era la de Stevie Nicks, en los últimos es la de Chrissie Hynde. La música de The Jezabels es la conjunción de diversos estados de ánimo en un sonido, dream-pop de alta calidad cantado al borde del abismo.  © epdlp




   Carl Craig
   Versus (2017)

   11 JUNIO 2018

   Carl Craig es un compositor y productor estadounidense, figura mítica del sonido Detroit-techno. Sus primeros pasos fueron junto a Derrick May a finales de los 80, creando los sellos RetroActive y Planet E y desarrollando más tarde una vertiginosa carrera musical. Es autor de varios discos de remezclas, entre ellos Abstract funk theory (2002), y varios discos de estudio, Landcruising (1995), More songs about food and revolutionary art (1997), The Album Formerly Known As... (2005) y Versus (2017). Ha abierto caminos como productor, el free jazz con Innerzone Orchestra, el drum'n'bass con Bug In The Bassbin y el house con Paperclip People. Es director del DEMF (Detroit Electronic Music Festival), que reúne cada año y durante tres días la friolera de un millón y medio de personas. Carl Craig escenifica una electrónica tranquila y sosegada, espacial y contemplativa. Su música, más adecuada para un chill-out que para una pista de baile, fusiona el techno, el jazz y el funk, sin perder el groove. Electrónica triste y melancólica, pura magia rítmica.  © epdlp




   1 Giant Leap
   1 Giant Leap (2001)

   04 JUNIO 2018

   1 Giant Leap es un proyecto del músico, documentalista y activista británico Jamie Catto, y del artista, productor y multi-instrumentista inglés Duncan Bridgeman. El primero fue miembro fundador y director de arte de la banda Faithless desde 1995 hasta el año 1999 en que abandonó el grupo. Por su parte Duncan Bridgeman comenzó su carrera musical en los años 80 con una banda de soul innovador llamada I-Level. Después de dejar el grupo, pasó diez años como productor de éxito y remezclador, trabajando con Duran Duran, Take That, Eurythmics, Transvision Vamp y Paul McCartney, entre otros. En el año 2001 unieron sus esfuerzos para crear, 1 Giant Leap, un proyecto musical y de cine internacional que llevó al dúo a una serie de viajes alrededor del mundo a través de los cuales intentan difundir un pensamiento revelador acerca de la naturaleza humana. Su primer trabajo, 1 Giant Leap (2001), es un recorrido de miles de kilómetros y 180 días, visitando más de 20 países de los cinco continentes para que los samplers de sus maquetas caseras tomen vida propia con la participación de sus creadores originales. En ésta obra monumental participan entre otros, Baaba Maal, Brian Eno, Michael Stipe, Robbie Williams, Neneh Cherry, el revolucionario de la flauta india, Hariprasad Chaurasia, la ex Fairground Attraction, Eddi Reader, la soprano Penny Shaw o la reina de Bollywood, Asha Bhosle. En el disco (que también es un largometraje), y que seduce con su trip-hop, tecno-tribal y pop electrónico experimental, se observan paisajes, testimonios y entrevistas con nativos de diferentes naciones, como Australia, Senegal, Sudáfrica, Uganda, Tailandia, Inglaterra y Estados Unidos. Según ellos mismos es una obra que explora, a través de la música y las imágenes, la complejidad de la naturaleza humana pero también la unidad de la diversidad. Después de la película, sus autores realizaron What about me (2009), otro proyecto visionario de música electrónica, cánticos africanos y canciones pop que conforman un conglomerado que podría encasillarse como World Music, pero que la etiqueta le queda pequeña. Jamie Catto y en menor medida Duncan Bridgeman, son de los artistas y activistas más respetados e influyentes de nuestra época, filosofar sobre la fuerza y la creatividad con gurús hindúes, jefes de clanes africanos y estrellas como Kurt Vonnegut y Dennis Hopper, bajo el manto de melodías y ritmos brillantes, convierten sus esfuerzos en un trabajo redondo.  © epdlp




   Lars Danielsson
   Libera Me (2004)

   28 MAYO 2018

   Integrar la improvisación del jazz con una orquesta demanda una estructura estricta para la orquesta y una mayor disposición en el grupo jazzístico. Lars Danielsson es un excelente bajista y violonchelista sueco con una fuerte inclinación lírica y un sonido vigoroso que ubicado en medio de una orquesta poderosa, como las que habitualmente le acompañan, convierten sus composiciones en algo mágico y fascinante. Ha dedicado sus estudios al aprendizaje del chelo, un instrumento que nunca ha abandonado. Dejó en sus inicios varios álbumes notables junto a su banda, Lars Danielsson Cuarteto, sin olvidar múltiples colaboraciones con orquestas sinfónicas y otras bandas, que le han hecho acreedor del cuádruple status de músico, compositor, arreglista y productor. Su carrera en solitario se circunscribe a nueve álbumes, New Hands (1986), Fresh Enough (1992), Continuation (1994), European Voices (1995), Libera Me (2004), junto a los noruegos Nils Petter Molvaer (trompeta) y Jon Christensen (batería), y la vocalista Caecilie Norby, un disco brutal donde la orquesta elabora un protagonismo esencial, creando un telón de fondo simple pero exuberante que trata a las canciones con su textura y paisaje adecuado; Tarantella (2009), Liberetto (2012), Liberetto II (2014) y Liberetto III (2017). Ha colaborado con músicos excepcionales de la talla de Randy y Michael Brecker, John Scofield, Jack DeJohnette, Trilok Gurtu y Mike Stern, así como otros menos conocidos pero de igual calidad como, los pianistas Anders Persson, Bugge Wesseltoft y Joey Calderazzo, el guitarrista Ulf Wakenius, el trompetista Eric Vloeimans, los saxofonistas David Liebman y Céline Bonacina, o los bateristas Wolfgang Haffner y Peter Erskine, entre otros. Lars Danielsson, uno de los músicos más prestigiosos del jazz escandinavo, ejercita una huida constante hacia adelante evitando que ciertos hábitos contaminantes del firmamento musical le alcancen, intenta ser poseído por esa meta utópica que une de alguna forma sus ciudades sonoras, sus idiomas interpretativos y sus recuerdos.  © epdlp




   Mercan Dede
   Dünya (2013)

   21 MAYO 2018

   La flauta de bambú, también llamada ney, es un instrumento rebelde, pues dicen los que han intentado manejarlo que se tarda un año en sacar una nota clara de él. Este instrumento tiene un papel importante en el sufismo y en la danza de los derviches. Antiguamente, bailaban para alcanzar un estado de trance, pero hoy en día, estos bailes se celebran sobre todo para los turistas ya que los numerosos monasterios sufíes han cerrado sus puertas. Virtuoso del ney, el compositor turco afincado en Canadá, Arkin Ilicali, bajo el seudónimo de Mercan Dede, empezó pinchando vinilo en el año 1993 con el nombre de Arkin Allen. También estuvo vinculado al desaparecido grupo Laço Tayfa. Tres años más tarde fundó el Mercan Dede Ensemble, culminación de su experiencia musical tanto en Turquía como en Canadá. Desde entonces la carrera de este paradigma de lo sagrado (el ritual sufí) y lo profano (el espectáculo), no ha hecho sino mejorar. Sufi Dreams (1997), fue su primer trabajo de estudio. A éste siguieron, Journey Of A Derbis (1998), Sufi traveler (1999), la obra teatral Seyahatname (2001), Fusion Monster (2004), éste último como Arkin Allen y finalmente su trilogía sobre la fusión instrumental tradicional (cítara, darbuka, flauta) y electrónica (teclados, loops, efectos), los álbumes Nar (Fuego, 2002), Su (Agua, 2005) y Nefes (Aire, 2006). 800 (2007), un disco dedicado a la celebración del 800 aniversario del nacimiento de Mevlana Jalaluddin Rumi, y Dünya (2013) son sus últimos trabajos. En directo el grupo de Mercan Dede, Secret Tribe, ofrece un espectáculo que va más allá de la pura actuación musical, una dramática e intensa representación visual, en dónde la bailarina Mira Burke realiza una fantástica puesta en escena de las tradicionales danzas sufíes. Mercan Dede es tan hábil con la flauta como con los ordenadores y su virtuosismo se engrandece hasta convertirse en uno de esos faros que iluminan las nuevas músicas a lo largo del globo. Un viaje a lo eterno donde pasado, presente y futuro te traspasan sintetizados en una simple nota orgánica y carnal. Como los finales de sus conciertos, en dónde Mercan Dede abraza a su derviche, la cubre con su túnica sagrada, empaqueta su altar tecnológico y directamente nos prende fuego con el recuerdo de una experiencia inolvidable.  © epdlp




   M83
   Junk (2016)

   14 MAYO 2018

   El Shoegazing (en inglés, "shoe" (zapato) y "gazing", del verbo gaze, que significa mirar fijamente a alguien o algo), es un estilo musical conformado por sonidos de guitarras fuertemente distorsionados, efectos de pedal y delays que ensucian un poco el sonido. Surgió a finales de los años ochenta en Inglaterra, permaneciendo hasta mediados de los años noventa. Los grupos más importantes de ésta corriente fueron My Bloody Valentine, Ride, Slowdive, The Boo Radleys y The Verve, en sus comienzos. Una década después el estilo ha vuelto a resurgir con nuevos grupos orientados más a la música electrónica, pero que recogen los aspectos característicos del género. Bandas como, The Pains of Being Pure at Heart, The Raveonettes, Friendly Fires y Cut Copy, serían sus abanderados, aunque los mejores son M83, una formación francesa fundada por Anthony González y Nicolás Fromageau (éste último abandonó el grupo en el 2004), y compuesta además por Jordan Lawlor (voz y guitarra), Morgan Kibby (voz, teclados y cello) y Loïc Maurin (percusión). Han publicado seis álbumes de estudio, M83 (2001), Dead Cities, Red Seas & Lost Ghosts (2003), Before the Dawn Heals Us (2005), Digital Shades Vol.1 (2007), Saturdays = Youth (2008), Hurry Up, We're Dreaming (2011) y Junk (2016). El nombre de la banda fue inspirado en la galaxia espiral Messier 83, también llamada Molinillo Austral. Durante años, M83 había sido la galaxia en la que se habían descubierto más supernovas y según confirmó el científico que la descubrió en 1781, Charles Messier, uno sólo podrá verla si tiene una gran capacidad de concentración. Quizá la música de M83, intente acercarse a esa capacidad de concentración que toda composición importante y emotiva intenta transmitir.  © epdlp




   Sigur Rós
   Valtari (2012)

   07 MAYO 2018

   Formada en 1994, la banda islandesa Sigur Ros ha creído conveniente buscar nuevos rumbos a la música que se hace en su país. Su primer álbum Von (1997), no tuvo el éxito esperado, pero eso no les amilanó en su afán de romper esquemas. El encuentro con Ken Thomas, productor de los Sugarcubes, en su segundo trabajo Agaetis Byrjun (1999), los proyectó dónde ellos querían. Los críticos fueron unánimes al aclamar el disco, que fue también un gran éxito comercial en Islandia. La mano de éste productor orientó su sonido hacia otros caminos, dando como resultado el disco más desnudo del grupo, ( ) (2002) y más tarde Takk (2005), Með suð í eyrum við spilum endalaust (2008), Valtari (2012) y Kveikur (2013). Sigur Ros está formado por el ex Bee Spiders, Jonsi Birgisson (voz y guitarra), Kjartan Sveinsson (teclado), Georg Holm (bajo) y Orri Pall Dyrason (batería). Los dos últimos publicaron, Circe (2015), soundtrack del documental The Show of Shows, que realizó la BBC sobre los últimos 100 años del circo. Si la música de Sigur Ros tuviera que ser etiquetada, el término post-rock sería sin duda el primero en aparecer y también la de grupo "emocional". Sus composiciones son aparentemente simples, aunque al mismo tiempo, auténticas y sinceras. Tratan de explorar el lado oscuro de la música, como un niño que descubre el mundo por primera vez.  © epdlp




   Underworld
   A Hundred Days Off (2002)

   30 ABRIL 2018

   Aunque desde el año 1981 editaban discos con el nombre de Freur, el dúo Underworld se formó en el año 1987 cuando los músicos ingleses, el frontman-vocalista y guitarrista Karl Hyde y el virtuoso programador Rick Smith editan su primer single, en un principio totalmente pop. En el año 1990, un joven DJ llamado Darren Emerson, entraba a formar parte del grupo. Pero es en 1991 cuando Rick y Karl deciden fundar junto a otros amigos, el colectivo de arte Tomato, que se convirtió en una referencia indiscutible en el mundo del arte audio-visual. Fue desde entonces cuando empezaron a aparecer sus temas más aclamados. Su álbum de debut Dubnobasswithmyheadman (1994), convirtió al trío en el primer gran grupo electrónico de masas capaz de llenar estadios enteros en los años 90. Posteriores éxitos como Born Slippy, todo un auténtico himno gracias a la película Trainspotting, o su segundo trabajo Second Toughest In The Infants (1996), no hicieron más que consagrarles. En 1999, apareció su tercer álbum Beaucoup Fish, un año antes de que Darren Emerson abandonara el grupo. Desde entonces Rick y Karl han seguido en solitario trabajando en sus siguientes trabajos, A Hundred Days Off (2002), Oblivion With Bells (2007), Barking (2010) y Barbara Barbara, we face a shining future (2016). Underworld combina el house de Chicago, el techno de Detroit y la música ácida de Londres con guitarras de rock tradicionales y un tratamiento vocal surreal y saturante, creando un comprimido sonoro único, frente al cual el zarandeo de cuerpos y de estilos musicales es inevitable. Aunque la música de baile tiene raíces inherentemente hedonistas, Underworld posee un claro sentido ético al respecto. Ellos re-delimitan los alcances de la música electrónica, elevando las sensaciones hasta niveles totalmente imprevisibles, absolutamente deslumbrantes. Grupo imprescindible para comprender la música actual y para comenzar a entender la música del futuro, el rock del siglo 21, el paso definitivo del rock con guitarras al rock electrónico.  © epdlp




   Zuco 103
   Etno Chic (2016)

   23 ABRIL 2018

   Ámsterdam es la ciudad donde está radicado el proyecto Zuco 103, fusión de tres personalidades, el holandés Stefan Kruger (batería y percusiones), el alemán Stefan Schmid (teclados) y la brasileña Lilian Vieira (cantante), que llegó a los Países Bajos en 1989. El trío unió sus fuerzas por primera vez al realizar una serie de temas para la ecléctica y electro jazzística formación holandesa SfeQ. Beco Dranoff, el cazatalentos de la compañía discográfica Ziriguiboom, el sello de Crammed dedicado a la música brasileña, les produjo su primer trabajo Outro Lado (2000). Desde el lanzamiento de Outro Lado la música de Zuco 103 ha sido reconocida como una de las más excitantes mezclas entre la música electrónica y la brasileña, jamás realizadas. En sus siguientes álbumes Tales Of High Fever (2003), Whaa (2005), After The Carnaval (2008) y Etno Chic (2016), dejan volar su inspiración rítmica brasileña, para ser al mismo tiempo sofisticados y explosivos, bailables y también escuchables, sedosos y violentos, innovadores y pegadizos. La seductora voz de Lilian Vieira determina su estilo, una mezcla de bosanova, samba, drum’n’bass, hiphop, funk y dub, intentando dejar atrás todas sus influencias, descubriendo continuamente nuevos sonidos. Exploradores del arte de la samba y la bosanova, enriquecidos con la sensualidad del funk sobre las bases techno y drum’n’bass, su minimalismo ascético y total perfeccionismo está a la vanguardia de una nueva generación de artistas que son musical y étnicamente multiculturales y que son capaces de unir los sonidos propios de las músicas étnicas con los ritmos más occidentales.  © epdlp




   Bob Holroyd
   Beachcombing (2011)

   16 ABRIL 2018

   Bob Holroyd está situado en primera linea entre los músicos más innovadores de la escena actual. Su música electrónica abstracta, cercana a la world-music, tiene sus influencias en compositores tan variados como Peter Gabriel, David Sylvian, Arvo Part, Ryuichi Sakamoto. Steve Reich, XTC o David Byrne. Es el fundador en el año 1987 de la compañía Soundscape Music, y hasta la fecha ha publicado siete álbumes de estudio, Fluidity & structure (1991), Stages (1996), A different space (2000), Without Within (2003), Hollow Man (2006), Beachcombing (2011) y Blueprint (2015). Bob Holroyd combina la música ambient con ritmos intensos de todo el mundo, calidad e imaginación que busca la emoción del que la escucha.  © epdlp




   Bill Laurance
   Aftersun (2016)

   09 ABRIL 2018

   Bill Laurance es un pianista, arreglista y compositor inglés. De formación clásica, ha trabajado como músico profesional desde los catorce años, acompañando como pianista, teclista, compositor, productor y arreglista a artistas de la talla de Morcheeba, Salif Keita, Bobby McFerrin, Susana Baca, Laura Mvula, Jacob Collier, Chris Potter y David Crosby, entre otros. Componente de la macro banda Snarky Puppy, que en ocasiones reúne a más de treinta miembros, inició su carrera en ?solitario? en el año 2014, aunque eso no sería del todo cierto, pues le acompañan en todos los conciertos un trío de primer orden formado por Felix Higginbottom (percusión), Chris Hyson (bajo y y sintetizador) y Joshua Blackmore (batería). Decir que su música es visualmente evocadora, sería quedarse cortos, pues Bill Laurance es un maestro en la fabricación de piezas que suenan como las puntuaciones de una película memorable, mezcladas con grooves de jazz y el funk más adictivo. Flint (2014), Swift (2015), grabado junto al cuarteto de cuerda y trompa francés Heritage, y Aftersun (2016), son sus tres álbumes de estudio. Sus conciertos en directo son un verdadero acontecimiento del jazz más contemporáneo, en el que la impecable y apasionada fusión de piano, teclados y percusión, alcanzan su verdadero desenlace. Establecerse como una identidad en solitario, mientras que formas parte de una banda tan grande como Snarky Puppy es una invocación difícil, aunque Bill Laurance lo consigue de una forma lúdica, celebrando la diversidad, la pluralidad y las contigencias de la vida, porque afortunadamente, y él los representa, los árboles duermen de pie.  © epdlp




   Anneli Drecker
   Revelation For Personal Use (2017)

   02 ABRIL 2018

   Los noruegos Bel Canto son, tras la desaparición o hibernación de Cocteau Twins y Dead Can Dance, las únicas de estas tres leyendas que se mantenían generando música sublime para el deleite de nuestros sentidos. La aseveración no es del todo exacta, pues la pareja hace ya muchos años que no edita ningún trabajo conjunto y las trayectorias del dúo están más dedicadas a sus propias carreras en solitario y a colaboraciones diversas, que a las del propio grupo. Editaron seis álbumes de estudio, White Out Conditions (1987), Birds of Pasage (1990), Shimering, Warm & Bright (1992), Magic Box (1996), Rush (1998) y Dorothy's Victory (2002), siendo además los encargados de crear la música original de los Juegos Olímpicos de invierno en Lillehammer. A partir de entonces Nils Johansen se ha centrado en su proyecto Vajas, junto al violinista Ande Somby y la cantante Kristin Mellem, mientras que Anneli Drecker publicó dos álbumes en solitario, Tundra (2000) y Frolic (2005), una obra maestra de ingeniería tecnológica. Además ha colaborado con músicos del prestigio de Tsunematsu Matsui, Jah Wobble, Hector Zazou, y con los grupos A-Ha y Röyksopp. En sus últimos trabajos, Rocks & Straws (2015) y Revelation For Personal Use (2017), nos propone la interiorización de un viaje que comenzó en 1986 con Bel Canto y que con el paso de los años se ha hecho más claro y diáfano. La música de estos álbumes memorables, en el primero las letras están basadas en poemas del escritor noruego Arvid Hansen, se recrean más que nunca en el paisaje acústico nórdico, añadiendo influencias de la música de todo el mundo. Quizá es lo que transmiten las palabras del poeta, que Anneli con su música las convierte en luz, en pura esperanza, que barre la oscuridad.  © epdlp




   Oystein Sevag
   Space For A Crowded World (2012)

   26 MARZO 2018

   El multiinstrumentista noruego Oystein Sevag creció en una familia que le daba un valor muy alto a la creatividad. Su padre, etnólogo musical, junto a la belleza de los parajes naturales de Noruega fueron desde entonces una de sus principales fuentes de inspiración. Comenzó a tocar el piano a los 5 años y a los 12 la guitarra. Con 19 compuso su primera obra Eplevalsen (El vals de la manzana), con arreglos para gran banda de jazz, que fue interpretada en varios conciertos. Formó parte de varios conjuntos, Craff, Noahs Ark e Ischjazz (junto a su amigo Lakki Patey), así como colaboraciones con el grupo Celeste (banda integrada por Erik Wøllo, Bendik Hofseth, Jan Erik Salater e Inge Forum) y los principales músicos noruegos, Nils Petter Molvær, Paolo Vinaccia, Eivind Aarset y Audun Erlien. En 1989 editó con su propia compañía Siddhartha Records, su primer disco compacto en solitario, Close Your Eyes and See, proclamado disco del año por el Gavin Report Magazine de San Francisco. Oystein Sevag fue el primer artista europeo en firmar un contrato discográfico con Windham Hill Records y a partir de ese momento su música sería comercializada en el mundo entero. Más tarde llegaron Link (1993) y Global House (1995), producción pluricultural en la que amplió el número de instrumentos de proyectos anteriores, incluyendo entre otros el didjeridoo australiano, la percusión del cubano Sergio González y un cuarteto de cuerda; Visual (1996), junto a Lakki Patey, Bridge (1997), grabado junto a la Philharmonic Orchestra en los Estudios Abbey Road de Londres, Caravan (2005) y Space For A Crowded World (2012). Ha escrito la música del documental sobre la vida del pintor noruego Edvard Munch titulado Dance of life. Oystein Sevag, máximo representante de las nuevas músicas, ha tocado todos los palos dentro de este estilo, sobre todo en los aspectos relacionados con el jazz y la fusión, aunque últimamente ha evolucionado a un sonido más acústico, de corte clasicista. Su maestría para crear ambientes y paisajes sonoros evocadores a partir de un material muy simple es notoria, se trata de llegar a un resultado complejo a partir de elementos sencillos.  © epdlp




   Koop
   Island Blues (2006)

   19 MARZO 2018

   Koop es una formación sueca apasionada por el jazz y con unos intereses musicales que van desde el hard bop y los clásicos, hasta el hip-hop y el techno de Detroit. Con base en Estocolmo, el dúo formado por Magnus Zingmark y Oscar Simonsson, mezcla libremente elementos de jazz tradicional y música latina con electrónica de última generación. Su primer trabajo, Sons of Koop (1997), no era música electrónica con un toque de jazz, sino jazz frugalmente atado con un poco de electrónica. Percibiendo el jazz como ritmo y forma más que la idea ortodoxa de ser mera improvisación, Koop se las ingenió para escapar de la falta de variedad musical en la programación electrónica y de las grabaciones contemporáneas de jazz de sonido limpio. Su segundo y tercer álbum Waltz for Koop (2001) e Island Blues (2006), son un ejemplo de respeto por las tradiciones jazzísticas por un lado y un espíritu aventurero por otro. En estos dos últimos, cuentan con invitados como la leyenda del soul Terry Callier, el extravagante Earl Zinder y las debutantes Cecilia Stalin y Yukimi Nagano (con un registro vocal muy cercano al de Astrud Gilberto). Koop han intentado capturar la elegancia, convirtiendo la club-music en el jazz de nuestros días.  © epdlp




   JJ
   n° 2 (2009)

   12 MARZO 2018

   El prestigioso sello discográfico Sincerely Yours (Henning Fürst y Eric Berglund), ha sido a lo largo de la última década, responsable del descubrimiento de grupos tan innovadores como Air France, The Honeydrips, Nordpolen, Joel Alme, Jonas Game, el príncipe Avner, los norteamericanos Memory Tapes y los de su propia banda, Tough Alliance. El sello se ha convertido también en el sueño incansable de la búsqueda de un pop contemporáneo transgresor y profundamente innovador. JJ, que es su nuevo descubrimiento, es un dúo formado por Joakim Benon y Elin Kastlander. Han editado tres álbumes de estudio, nº 2 (2009), nº 3 (2010) y V (2014), aunque muchos echarán en falta el nº 1 que simplemente fue un EP de presentación. Aunque de JJ se sabe poco, sólo que son una banda surgida del hielo, que son suecos y que carecen de cosas aparentemente fundamentales para la vida moderna como MySpace o web convencional. No nos importa, JJ son la quintaesencia del ritmo mecánico humanizado, aderezado con voces candorosas. Una delicia de pop transoceánico y electrónica atemporal.  © epdlp




   Imogen Heap
   Ellipse (2009)

   05 MARZO 2018

   Formada como pianista y compositora y dotada de una voz que destaca por su creatividad, Imogen Heap es diferente a los demás, pues a pesar de facturar un pop aparentemente accesible a cualquiera, su estilo es inconfundible. Ella es el máximo exponente del llamado sonido“breathy”(voz aspirada o entrecortada), una forma de expresión más que un lenguaje musical. Imogen Heap inició su carrera en solitario con I-Megaphone (1998) y cuatro años después editó junto a Guy Sigsworth y con el nombre de Frou Frou, el álbum Details (2002). Dicen que en algunas ocasiones, la popularidad y el reconocimiento llegan por los caminos más extraños, pues el dúo británico Frou Frou se dieron a conocer mundialmente al incluir una versión de la canción "Holding out for a hero" de Bonnie Tyler, en la banda sonora de Shrek 2. Desde entonces la cantante que más había dado que hablar en el ambiente del electro pop de esos años, elaboró dos trabajos más, Speak For Yourself (2005) y Ellipse (2009), que la situaron en un lugar privilegiado. Sparks (2014), su último trabajo, es sin duda el mejor de su carrera y la culminación de su proyecto. Imogen Heap elabora pop electrónico, mezclado con rock alternativo, a mitad de camino del espacio musical que creó Portishead hace algunos años y que Bjork se encargó de llevar al primer plano. Su destino es explorar las fronteras del pop rock electrónico, un buen ejemplo de lo que la mezcla de un criterio musical adecuado y una voz portentosa pueden siempre conseguir.  © epdlp




   Faithless
   The Dance (2010)

   26 FEBRERO 2018

   El grupo Faithless nació en el año 1993, y estaba formado inicialmente por Sister Bliss (pianista, violinista y famosa productora de música house, considerada con todo merecimiento la DJ femenina número 1 del mundo), Maxi Jazz (ex-The Soul Food Café Band y líder del grupo), Rollo Armstrong (cantante), Jamie Catto, y el guitarrista Dave Randall. Estos dos últimos abandonaron la banda a finales de 1999, después de editar su segundo trabajo Sunday 8pm (1998). Antes habían publicado el primero Reverence (1995), cuyas canciones consiguieron un tremendo impacto y una gran influencia en el sonido de la música dance contemporánea. Outrospective (2001), No Roots (2004), To All New Arrivals (2006) y The Dance (2010) son sus últimos trabajos. Faithless combina gran variedad de ritmos, house, blues, soul, rap y folk, todo ello aderezado con los temas electrónicos más contundentes, que son los que en directo adquieren mejor dimensión. Han luchado por ser una banda de directo y brillar en el escenario al igual que en el estudio y se han convertido en uno de los grupos de culto más reputados de la escena dance mundial.  © epdlp




   Tracey Thorn
   Record (2018)

   19 FEBRERO 2018

   Tracey Thorn, estudiante de la Universidad de Hull, formó en 1982 junto a Ben Watt el dúo Everything But The Girl. Tomaron su nombre de una señal colocada en la ventana de una tienda de muebles local que exhibía "Para el dormitorio de sus sueños, vendemos todo menos a la chica". En el momento de su formación, Tracey Thorn (componente de las Marine Girls), y el cantante multi-instrumentista Ben Watt (que había publicado varios singles y colaborado con Robert Wyatt), firmaron con el sello independiente Cherry Red. Debutaron con una interpretación de la samba de Cole Porter "Night and Day" que fue un éxito en las listas independientes del Reino Unido. En 1992 Ben Watt enfermó debido al Síndrome de Churg-Strauss, una extraña enfermedad del sistema inmunológico que lo llevó al borde de la muerte. Después de un año en recuperación, escribió varias nuevas canciones que el dúo grabó para su incorporación en "Home Movies", una colección de singles de 1993. En 1994, colaboraron con los innovadores del dub-trance "Massive Attack" en su álbum "Protection". Sus trabajos de estudio son, Eden (1984), Love not money (1985), Baby, The Star Shine Bright (1986), Idlewide (1988), The language of life (1990), Worldwide (1991) y Amplified Heart (1994). En Temperamental (1999) su noveno trabajo de estudio, profundizaron la fusión de su pasado pop con las corrientes más actuales de la música de baile, un camino que iniciaron en 1995 con la remezcla innovadora de Todd Terry en "Missing" y que afianzaron en su penúltimo álbum Walking Wounded (1996), los placeres del drum'n'bass. Las influencias del dúo, fruto del contacto con lo más granado de la música dance, y la experiencia que Ben Watt ha ido acumulando a los platos de Lazy Dog (su club en pleno corazón de Londres), configuran actualmente su música. Tracey Thorn en solitario ha publicado cinco trabajos, A Distant Shore (2001), Out Of The Woods (2007), Love And Its Opposite (2010), Tinsel And Lights (2012) y Record (2018). En ellos están presentes las últimas tendencias del universo electrónico, resaltadas por la sensibilidad y calidez humana de su voz.  © epdlp




   Vinodelfin
   Seres Unicos (2009)

   12 FEBRERO 2018

   Hay grupos que siguen recomendando motivos para acercarse a la felicidad, que vuelven a las raíces y se manchan con la tierra. Vinodelfin era una de esas bandas que hacen de la emoción un himno y de la combinación de palabras sugerentes una eterna sabiduría. Aunque tres años antes ya existían como grupo, no fue hasta el año 2006 cuando editaron su primer álbum, Perfecto en la locura. El quinteto barcelonés formado por argentinos y españoles y capitaneado por Marcos Andrés (voz y guitarra), estaba compuesto por Alberto González (guitarra y percusión), Matías Luna (bajo), Paco Lacolla (batería) y Fluren Ferrer (teclados). Este último reputado productor de entre otros, el grupo Sidonie. Sus directos sorprendentes hicieron suyos los patrones más contundentes del pop-rock en castellano, formato acústico en el desarrollo del lenguaje, influencias del flamenco, el pop y del jazz, complementados con un contenido poético de sus letras. En Perfecto en la locura, producido por Nathan James en Jigsaw Sound en Nueva York y en el que colaboran entre otros, Shuarma, ex-vocalista de Elefantes, el castellano flota sobre melodías en las que podemos encontrar aires británicos y flamencos perfectamente combinados, y en donde la garra del piano o la fuerza de unas guitarras, crean el mejor pop pulido y vanguardista. Seres Únicos (2009), fue su segundo y último trabajo antes de separarse en el 2010. Cuatro años después su líder Marcos Andrés editó su primer trabajo en solitario, Frida (2014), con el nombre artístico de El Circo de las Mariposas.  © epdlp




   Weekend Players
   Weekend Players (2005)

   05 FEBRERO 2018

   Hace algún tiempo, el compositor y productor Andy Cato (Andrew Derek Cocup), que a pesar de no ir a ninguna escuela de música tocaba diversos instrumentos, incluidos el trombón, los teclados y el bajo, conoció al trompetista Tom Findlay y juntos montaron un club de baile. El éxito espectacular de sus sesiones en la sala, los llevó a crear su propio grupo musical, de igual nombre que el club, Groove Armada. Desde entonces Groove Armada ha exhibido una carrera de cinco álbumes, quizás con algunos altibajos, en los que han demostrado una sorprendente sinergia entre dos espíritus musicales afines. Por su parte Raquel Foster, una cantante de Nottingham con experiencia en los circuitos del jazz, ex - cantante del grupo Shod Collective y con una voz clónica de la cantante Sade, es el contrapunto adecuado a las composiciones de Andy Cato, uno de los productores de música electrónica más importantes del mundo. El debut del duo británico Weekend Players, Andy Cato y Raquel Foster, fué Pursuit Of Happiness (2003) y su segundo Weekend Players (2005). Los dos álbumes son un homenaje a la posteridad con letras mayúsculas, una especie de coctelera entre el jazz, el soul y la electrónica, un compendio de sonidos elegantes y bailables. Música disco del presente que sabe mirar al futuro sin complejos.  © epdlp




   Frou Frou
   Details (2002)

   29 ENERO 2018

   En algunas ocasiones, la popularidad y el reconocimiento llegan por los caminos más extraños. El dúo británico Frou Frou (la cantante Imogen Heap y el compositor y productor Guy Sigsworth), se dieron a conocer mundialmente al incluir una versión de la canción "Holding out for a hero" de Bonnie Tyler, en la banda sonora de Shrek 2. Desde entonces el dúo que más dio que hablar en el ambiente del electro pop en los primeros años del siglo XXI, disfruta de un sitio privilegiado. Antes de unir sus destinos musicales como dúo, Imogen Heap había iniciado su carrera en solitario cuatro años antes con, I-Megaphone (1998) y dos años después editaron su primer y único álbum, Details (2002). Frou Frou, son pop electrónico, mezclado con rock alternativo, a mitad de camino del espacio musical que creó Portishead y que Bjork se encargó de llevar al primer plano. Su destino fue el de explorar las fronteras del pop rock electrónico, un buen ejemplo de lo que la mezcla de un criterio musical adecuado y una voz portentosa pueden siempre conseguir.  © epdlp




   Karen Ramírez
   Distant Dreams (1998)

   22 ENERO 2018

   Karen Ramírez es una cantante londinense de raíces en Trinidad Y Tobago. Se ha relacionado con la música desde la infancia, su padre era percusionista y su madre profesora de piano. De voz suave y sedosa, que recuerda a Sade, Anita Baker y Erykah Badu en una sola persona, y con un sonido dance accesible, sus dos álbums Distant Dreams (1998) y Bees In The Trees (2006), tienen ciertas semejanzas con Everything But the Girl. Su música, mezcla de soul, latin o jazz, funciona como una maquinaria de relojería. Sabor latino en inglés, melodía funky-pop y hasta drum'n'bass, melancolía profunda y significativa. © epdlp




   Lisa Gerrard
   Black Opal (2009)

   15 ENERO 2018

   De origen anglo-irlandés, la australiana Lisa Gerrard comparte una visión original y diferente del mundo que le rodea. Junto a Brendan Perry y como Dead Can Dance, lanzaron al mercado ocho trabajos de estudio llenos de influencias procedentes del Renacimiento y sus estéticas musicales, una especial forma de entender la música, una mezcla inteligente de toques étnicos, rock tradicional y también estilos antiguos. Aclamados por la crítica, Dead Can Dance reina ya en su particular tierra musical. Actualmente su carrera va por otros derroteros, compositora de bandas sonoras, El niño de la luna (1988), Baraka (1992), El dilema (1999), Gladiator (2000), Whale Rider (2002) y una carrera paralela en solitario con notables trabajos de estudio, The Mirror Pool (1995), Duality (1998) con Pieter Bourke, Whale Rider (2003), Immortal Memory (2004) con Patrick Cassidy, The Silver Tree (2006) y Black Opal (2009). Aprovechando que los caprichos de los músicos son ventanas hacia su intimidad, hay un elemento que es siempre fiel reflejo del tamaño de un compositor. Así como a los árboles se les mide la edad contando el número de círculos que tienen en el tronco, Lisa Gerrard es un árbol centenario, porque su música es el origen de la sabiduría milenaria. Su meta es buscar la belleza perdida, la eterna meta humana de lograr una existencia significante.  © epdlp




   Half Moon Run
   Sun Leads Me On (2015)

   08 ENERO 2018

   Half Moon Run son una banda canadiense afincada en Montreal. El grupo, conocido por el uso intensivo de la percusión, y por jugar con instrumentos innovadores durante sus actuaciones en directo, está compuesto por Devon Portielje (voz principal, guitarra y percusión), Dylan Phillips (batería y teclado), Conner Molander (guitarra y teclado) e Isaac Symonds (percusiones, mandolina, teclado y guitarra). Su álbum debut, Dark Eyes (2012), producido por Daniel Lagacé y Nygel Asselin, tuvo la aclamación de la crítica especializada, lo que les permitió realizar giras por Europa, Australia y América del Norte, con la guinda final del clamoroso concierto en el Festival de Glastonbury del 2013. En otoño del 2015 lanzaron su segundo y esperado álbum, Sun Leads Me On, grabado en los Bathouse Studios de Ontario junto al productor Jim Abbiss, hacedor de estrellas de la talla de Arctic Monkeys y Adele. Teloneros en sus comienzos de bandas a las que admiraban, como Arcade Fire o Mumford And Sons, su sonido final está más cercano al art-rock que al indie-rock como a veces han sido clasificados. En Half Moon Run todos cantan y todos tocan varios instrumentos, pero fundamentalmente crean atmósferas de seducción y arrebato preciosista.  © epdlp




   Bill Laurance
   Flint (2014)

   01 ENERO 2018

   Bill Laurance es un pianista, arreglista y compositor inglés. De formación clásica, ha trabajado como músico profesional desde los catorce años, acompañando como pianista, teclista, compositor, productor y arreglista a artistas de la talla de Morcheeba, Salif Keita, Bobby McFerrin, Susana Baca, Laura Mvula, Jacob Collier, Chris Potter y David Crosby, entre otros. Componente de la macro banda Snarky Puppy, que en ocasiones reúne a más de treinta miembros, inició su carrera en “solitario” en el año 2014, aunque eso no sería del todo cierto, pues le acompañan en todos los conciertos un trío de primer orden formado por Felix Higginbottom (percusión), Chris Hyson (bajo y y sintetizador) y Joshua Blackmore (batería). Decir que su música es visualmente evocadora, sería quedarse cortos, pues Bill Laurance es un maestro en la fabricación de piezas que suenan como las puntuaciones de una película memorable, mezcladas con grooves de jazz y el funk más adictivo. Flint (2014), Swift (2015), grabado junto al cuarteto de cuerda y trompa francés Heritage, y Aftersun (2016), son sus tres álbumes de estudio. Sus conciertos en directo son un verdadero acontecimiento del jazz más contemporáneo, en el que la impecable y apasionada fusión de piano, teclados y percusión, alcanzan su verdadero desenlace. Establecerse como una identidad en solitario, mientras que formas parte de una banda tan grande como Snarky Puppy es una invocación difícil, aunque Bill Laurance lo consigue de una forma lúdica, celebrando la diversidad, la pluralidad y las contigencias de la vida, porque afortunadamente, y él los representa, los árboles duermen de pie.  © epdlp




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