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       Música - Todos los álbumes de la semana 
 
    
 

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   Brendan Perry
   Ark (2010)

   30 DICIEMBRE 2013

   Los australianos Lisa Gerrard y Brendan Perry eran Dead Can Dance. De origen anglo-irlandés, compartieron una visión original y diferente del mundo que les rodeaba, atreviéndose con un concepto musical totalmente innovador y de altísima calidad, pletórico de sonidos percusivos. Sus ocho trabajos de estudio, llenos de influencias procedentes del Renacimiento y sus estéticas musicales, Dead Can Dance (1984), Spleen and Ideal (1985), Within the realm od the dying sun (1987), The Serpent's Egg (1989), Aion (1990), Into the Labyrinth (1993), Toward the Within (1994) y Spiritchaser (1996), conformaron su especial forma de entender la música, una mezcla inteligente de toques étnicos, rock tradicional y también estilos antiguos. Aclamados por la crítica, Dead Can Dance reinan ya en su particular tierra musical. Desde entonces las vidas de ambos músicos han seguido carreras distintas, Gerrard vive en Australia, componiendo bandas sonoras y álbumes en solitario y Perry en Irlanda, manteniendo ese espíritu musical inspirado en la sabiduría milenaria. La carrera de Brendan Perry desde sus separación ha sido ecléctica, pues a pesar de que ha colaborado en innumerables trabajos de otros músicos, sólo ha editado dos álbumes de estudio con su nombre, Eye of the hunter (1999) y Ark (2010), dos monumentos a la belleza perdida, la eterna meta humana de lograr una existencia significante.  © epdlp




   Röyksopp
   Melody A.M. (2001)

   23 DICIEMBRE 2013

   Torbjorn Brundtland y Svein Berge son el dúo Royksopp, última sensación surgida en Noruega. Influenciados por Erik Satie y por el compositor de bandas sonoras Francis Lai, Röyksopp utiliza líneas de bajo muy similares, aunque menos sugerentes y más encauzadas a crear tensión rítmica. Los dos nacieron en Tromso, cuna de uno de los personajes más importantes del pop de este país, Geir Jenssen, miembro fundador del grupo Bel Canto y alma mater del proyecto Biosphere. Precisamente Geir Jenssen fue el que los animó a grabar su primer trabajo, cuando todavía eran un cuarteto y se llamaban Aedena Cycle, junto a Gaute Barlindhaug y Kolbjorn Lyslo en el año 1994. Más tarde Torbjorn Brundtland junto a Rune Lindboek y con el nombre de Those Norwegians, publica el álbum Karminsky Park (1997), un acercamiento al house más ambiental. En 2001 y ya como dúo Röyksopp, debutan con Melody A.M., trabajo que vio la luz en la prestigiosa discográfica Wall Of Sound, y que recibió las mayores alabanzas de publicaciones como DJ Magazine o Muzik. Su faceta como productores es también remarcable, pues han producido a artistas como Boy George, Felix Da Housecat y el recopilatorio de Bel Canto. Fueron teloneros en sus comienzos de Moby, además de actuar junto a Basement Jaxx, Orbital y Pulp y de participar en numerosos festivales como The Big Chill o Glastonbury. Sus conciertos en directo son una tormenta de ritmos bailables, de aires pop que les llevan a ser comparados con Erasure y The Orb de igual manera. En sus siguientes trabajos, The Understanding (2005), un álbum que cuenta con acompañamientos vocales notables, como los de Chelonis Jones, Karin Dreijer y Kate Havnevik, Junior (2009) y Senior (2010), definitivamente se instalan en las sombras del mainstream. Royksopp crean música ambient con combinaciones de música lounge y funk electrónico con bandas de sonido de películas y ritmos que se escuchan en los clubes, consiguiendo captar la atención tanto de clubbers como de fans del pop-rock. Quizá sea Tromso, el punto de confluencia de Noruega, Suecia y Finlandia y distante unos 600 kilómetros del Círculo Polar Artico, ese lugar del mundo en el que Otto y Ana (los protagonistas del film de Julio Medem), viajaron para comprobar que su propia vida estaba a punto de extinguirse, el causante de esos sonidos etéreos, la música nacida bajo el signo de un existencialismo trágico y supersticioso.  © epdlp




   Mercan Dede
   800 (2007)

   16 DICIEMBRE 2013

   La flauta de bambú, también llamada “ney”, es un instrumento rebelde, pues dicen los que han intentado manejarlo que se tarda un año en sacar una nota clara de él. Este instrumento tiene un papel importante en el sufismo y en la danza de los derviches. Antiguamente, bailaban para alcanzar un estado de trance, pero hoy en día, estos bailes se celebran sobre todo para los turistas ya que los numerosos monasterios sufíes han cerrado sus puertas. Virtuoso del ney, el compositor turco afincado en Canadá, Arkin Ilicali, bajo el seudónimo de Mercan Dede, empezó pinchando vinilo en el año 1993 con el nombre de Arkin Allen. También estuvo vinculado al desaparecido grupo Laço Tayfa. Tres años más tarde fundó el Mercan Dede Ensemble, culminación de su experiencia musical tanto en Turquía como en Canadá. Desde entonces la carrera de este paradigma de lo sagrado (el ritual sufí) y lo profano (el espectáculo), no ha hecho si no mejorar. Sufi Dreams (1997), fue su primer trabajo de estudio. A éste siguieron, Journey Of A Derbis (1998), Sufi traveler (1999), la obra teatral Seyahatname (2001), Fusion Monster (2004), éste último como Arkin Allen y finalmente su trilogía sobre la fusión instrumental tradicional (cítara, darbuka, flauta) y electrónica (teclados, loops, efectos), los álbumes Nar (Fuego, 2002), Su (Agua, 2005) y Nefes (Aire, 2006). 800 (2007), un disco dedicado a la celebración del 800 aniversario del nacimiento de Mevlana Jalaluddin Rumi, y Dunya (2013) son sus últimos trabajos. En directo el grupo de Mercan Dede, Secret Tribe, ofrece un espectáculo que va más allá de la pura actuación musical, una dramática e intensa representación visual, en dónde la bailarina Mira Burke realiza una fantástica puesta en escena de las tradicionales danzas sufíes. Mercan Dede es tan hábil con la flauta como con los ordenadores y su virtuosismo se engrandece hasta convertirse en uno de esos faros que iluminan las nuevas músicas a lo largo del globo. Un viaje a lo eterno donde pasado, presente y futuro te traspasan sintetizados en una simple nota orgánica y carnal. Como los finales de sus conciertos, en dónde Mercan Dede abraza a su derviche, la cubre con su túnica sagrada, empaqueta su altar tecnológico y directamente nos prende fuego con el recuerdo de una experiencia inolvidable.  © epdlp




   Thievery Corporation
   Culture of Fear (2011)

   09 DICIEMBRE 2013

   El dúo Thievery Corporation se formó en el año 1995, cuando los norteamericanos Eric Milton y Rob Garza decidieron unirse para crear el sello Eighteenth Street Lounge Records. Se hicieron famosos cuando el dúo austriaco Kruder & Dorfmeister, parecidos en muchos aspectos a ellos, incluyeron uno de sus temas en una de sus mezclas. Su álbum de debut, Sounds From the Thievery hi-fi (1996), fue una mezcla inconfundible de música de baile y acid house con downtempo, reagge jamaicano y dub, todo ello condimentado con samplers brasileños que hizo las delicias de los círculos undergrounds. Su segundo trabajo The Mirror Conspiracy (2000), fue un álbum clásico y elegante de música electrónica accesible, con aires de bossanova, jazzfunk latino, easy listening, dub, reagge, aderezado con bases hip-hop. Los siguientes The Richest Man In Babilón (2002), The Cosic Game (2005), Radio Retaliation (2008) y Culture Of Fear (2011), no hicieron sino acrecentar su prestigio. Los Thievery Corporation hacen música dance abstracta e instrumental, a medio camino entre el trip-hop y el acid-jazz, un viaje musical con paradas en Jamaica, Brasil e India principalmente, incorporando los sonidos característicos de estos lugares a su propia manera de entender la música. Una buena dosis de hedonismo y vitalidad.  © epdlp




   Koop
   Island Blues (2006)

   02 DICIEMBRE 2013

   Koop es una formación sueca apasionada por el jazz y con unos intereses musicales que van desde el hard bop y los clásicos, hasta el hip-hop y el techno de Detroit. Con base en Estocolmo, el dúo formado por Magnus Zingmark y Oscar Simonsson, mezcla libremente elementos de jazz tradicional y música latina con electrónica de última generación. Su primer trabajo, Sons of Koop (1997), no era música electrónica con un toque de jazz, sino jazz frugalmente atado con un poco de electrónica. Percibiendo el jazz como ritmo y forma más que la idea ortodoxa de ser mera improvisación, Koop se las ingenió para escapar de la falta de variedad musical en la programación electrónica y de las grabaciones contemporáneas de jazz de sonido limpio. Su segundo y tercer álbum Waltz for Koop (2001) e Island Blues (2006), son un ejemplo de respeto por las tradiciones jazzísticas por un lado y un espíritu aventurero por otro. En estos dos últimos, cuentan con invitados como la leyenda del soul Terry Callier, el extravagante Earl Zinder y las debutantes Cecilia Stalin y Yukimi Nagano (con un registro vocal muy cercano al de Astrud Gilberto). Koop han intentado capturar la elegancia, convirtiendo la club-music en el jazz de nuestros días.  © epdlp




   Tracey Thorn
   Love And Its Opposite (2010)

   25 NOVIEMBRE 2013

   Tracey Thorn, estudiante de la Universidad de Hull, formó en 1982 junto a Ben Watt el dúo Everything But The Girl. Tomaron su nombre de una señal colocada en la ventana de una tienda de muebles local que exhibía "Para el dormitorio de sus sueños, vendemos todo menos a la chica". En el momento de su formación, Tracey Thorn (componente de las Marine Girls), y el cantante multi-instrumentista Ben Watt (que había publicado varios singles y colaborado con Robert Wyatt), firmaron con el sello independiente Cherry Red. Debutaron con una interpretación de la samba de Cole Porter "Night and Day" que fue un éxito en las listas independientes del Reino Unido. En 1992 Ben Watt enfermó debido al Síndrome de Churg-Strauss, una extraña enfermedad del sistema inmunológico que lo llevó al borde de la muerte. Después de un año en recuperación, escribió varias nuevas canciones que el dúo grabó para su incorporación en "Home Movies", una colección de singles de 1993. En 1994, colaboraron con los innovadores del dub-trance "Massive Attack" en su álbum "Protection". Sus trabajos de estudio son, Eden (1984), Love not money (1985), Baby, The Star Shine Bright (1986), Idlewide (1988), The language of life (1990), Worldwide (1991) y Amplified Heart (1994). En Temperamental (1999) su noveno trabajo de estudio, profundizaron la fusión de su pasado pop con las corrientes más actuales de la música de baile, un camino que iniciaron en 1995 con la remezcla innovadora de Todd Terry en "Missing" y que afianzaron en su penúltimo álbum Walking Wounded (1996), los placeres del drum'n'bass. Las influencias del dúo, fruto del contacto con lo más granado de la música dance, y la experiencia que Ben Watt ha ido acumulando a los platos de Lazy Dog (su club en pleno corazón de Londres), configuran actualmente su música. En ella están presentes todas las últimas tendencias del universo electrónico, resaltadas por la sensibilidad y calidez humana de la voz de Tracey Thorn. Esta en solitario ha publicado tres trabajos, A Distant Shore (2001), Out Of The Woods (2007) y Love And Its Opposite (2010). Los EBTG son poseedores de un particular sonido, que sabe mezclar magistralmente corrientes como el jazz, el pop y la electrónica, y con el paso del tiempo se han convertido en un grupo de referencia a la hora de hablar de música popular en clave vanguardista o de electrónica sofisticada y elegante.  © epdlp




   Zero 7
   When It Falls (2004)

   18 NOVIEMBRE 2013

   El estilo downtempo es una de las tendencias más peligrosas de la electrónica, pues más de uno que se las prometía muy felices, acabó bajo la órbita ibicenca más petarda. No es el caso de Zero 7, proyecto de dos productores/ingenieros ingleses relacionados con los abanderados de la música británica. Sam Hardaker ha trabajado para James, Pet Shop Boys, New Order y Therapy, y Henry Binns para Radiohead y Bark Psychosis. Conocer los lugares de moda, las personas correctas, tener un oído muy fino y sobre todo por un aclamado primer álbum, Simple Things (2001), pop etéreo envuelto en brumosas bases electrónicas, sonidos orquestales, jazz y funk, les llevó a actuar en los mejores clubes y festivales del mundo. Los siguientes trabajos, When It Falls (2004), The Garden (2006) y Yeah Ghost (2009), incidieron en ese trabajo reposado y elegantemente esnob, melodías dulces y canciones post-trip hop. Sam Hardaker y Henry Binns saben lo que hacen, quizás es la falta de riesgo dónde reside el secreto de su éxito, sencillez y buen hacer lleno de matices para disfrutar en una terraza y en buena compañía. Zero 7 toman acid-jazz, soul, electrónica, voces femeninas, trip hop y arreglos de cuerdas y terminan dando vida a una colección de temas ideales para guardar. Inevitable alquimia para los que aman el placer de la electrónica emocional.  © epdlp




   Weekend Players
   Pursuit Of Happiness (2003)

   11 NOVIEMBRE 2013

   Hace algún tiempo, el compositor y productor Andy Cato (Andrew Derek Cocup), que a pesar de no ir a ninguna escuela de música tocaba diversos instrumentos, incluidos el trombón, los teclados y el bajo, conoció al trompetista Tom Findlay y juntos montaron un club de baile. El éxito espectacular de sus sesiones en la sala, los llevó a crear su propio grupo musical, de igual nombre que el club, Groove Armada. Desde entonces Groove Armada ha exhibido una carrera de cinco álbumes, quizás con algunos altibajos, en los que han demostrado una sorprendente sinergia entre dos espíritus musicales afines. Por su parte Raquel Foster, una cantante de Nottingham con experiencia en los circuitos del jazz, ex - cantante del grupo Shod Collective y con una voz clónica de la cantante Sade, es el contrapunto adecuado a las composiciones de Andy Cato, uno de los productores de música electrónica más importantes del mundo. El debut del duo británico Weekend Players, Andy Cato y Raquel Foster, fué Pursuit Of Happiness (2003) y su segundo Weekend Players (2005). Los dos álbumes son un homenaje a la posteridad con letras mayúsculas, una especie de coctelera entre el jazz, el soul y la electrónica, un compendio de sonidos elegantes y bailables. Música disco del presente que sabe mirar al futuro sin complejos.  © epdlp




   Vinodelfin
   Perfecto en la locura (2006)

   04 NOVIEMBRE 2013

   Hay grupos que siguen recomendando motivos para acercarse a la felicidad, que vuelven a las raíces y se manchan con la tierra. Vinodelfin era una de esas bandas que hacen de la emoción un himno y de la combinación de palabras sugerentes una eterna sabiduría. Aunque tres años antes ya existían como grupo, no fue hasta el año 2006 cuando editaron su primer álbum, Perfecto en la locura. El quinteto barcelonés formado por argentinos y españoles y capitaneado por Marcos Andrés (voz y guitarra), estaba compuesto por Alberto González (guitarra y percusión), Matías Luna (bajo), Paco Lacolla (batería) y Fluren Ferrer (teclados). Este último reputado productor de entre otros, el grupo Sidonie. Sus directos sorprendentes hicieron suyos los patrones más contundentes del pop-rock en castellano, formato acústico en el desarrollo del lenguaje, influencias del flamenco, el pop y del jazz, complementados con un contenido poético de sus letras. En Perfecto en la locura, producido por Nathan James en Jigsaw Sound en Nueva York y en el que colaboran entre otros, Shuarma, ex-vocalista de Elefantes, el castellano flota sobre melodías en las que podemos encontrar aires británicos y flamencos perfectamente combinados, y en donde la garra del piano o la fuerza de unas guitarras, crean el mejor pop pulido y vanguardista. Seres Únicos (2009), fue su segundo y último trabajo antes de separarse en el 2010. Tres años después su líder Marcos Andrés ha editado su primer trabajo en solitario, Frida (2013), con el nombre artístico de El Circo de las Mariposas. © epdlp




   Cocteau Twins
   Milk & Kisses (1996)

   28 OCTUBRE 2013

   Banda emblemática del denominado dream pop, el grupo escocés Cocteau Twins fue fundado en 1981 por Robin Guthrie (guitarra), Elizabeth Fraser (cantante) y Will Heggie, éste último sustituido en 1984 por Simon Raymonde (ex - bajista de la banda Drowning Craze). En sus diecisiete años de carrera, en 1998 el grupo se desintegró, consiguieron quebrarnos con su música con la ayuda de ocho álbumes de culto, Garlands (1982), Head Over Heels (1983), Treasure (1984), Victorialand (1986), Blue Bell Knoll (1988), Heaven or Las Vegas (1990), Four-Calendar Café (1993) y Milk & Kisses (1996). En todo eso ayudó la voz inquietante de Elizabeth Fraser, una de las voces más representativas de la escena underground inglesa, la guitarra de Robin Guhtrie creando atmósferas lúdicas y etéreas (quien dijo que la guitarra no es erótica ni tiene forma femenina), y finalmente un elemento impresionista que juega con las texturas, borda los ambientes y recrea sensaciones. Tras su separación Simon Raymonde editó un único trabajo en solitario, Blame Someone Else (1997). Robin Guthrie elaboró una obra majestuosa, Imperial (2003) y cuatro discos más, Continental (2006), Carousel (2009), Emeralds (2011) y Fortune (2012). Por su parte Elizabeth Fraser ha colaborado en los álbumes de Massive Attack y ha puesto su voz en la saga cinematográfica de El señor de los anillos. Muy de vez en cuando, cuando empieza a correr el viento de la tarde y el cielo se pone rojo, es necesario sacar a los Cocteau Twins a pasear y dejar que el mundo gire escuchándolos. No hace falta más que eso. Todos deseamos que el post punk gótico que trajeron consigo, siga siendo un referente lúdico y luminoso que continúe avanzando por esos cables invisibles que nos lleven a cierto lugar donde siempre quisimos estar.  © epdlp




   Babble
   Ether (1996)

   21 OCTUBRE 2013

   Los británicos Alannah Currie y Tom Bailey son Babble. El dúo son los supervivientes de la banda Thompson Twins, que antes de perderse en el tiempo, se convirtió en uno de los grupos más populares de los ochenta. Tiempo después la agrupación británica sufrió la pérdida de alguno de sus miembros, y en 1993 llegaría su separación definitiva. Tres años después, Currie y Bailey publican Ether (1996), su primer y único álbum. En él fabrican un pop bailable, completamente new wave, semejante al de Human League, pero con más fuerza y calidad. Tom Bailey produjo el primer álbum funk-rock de Underworld en 1989 y actualmente es componente del dúo Internacional Observer, junto a Rakai Karaitiana. En él dibuja los nuevos caminos del dub, con raíces muy jamaicanas, generando fantásticas atmósferas que sorprenden.  © epdlp




   Anneli Drecker
   Frolic (2005)

   14 OCTUBRE 2013

   Los noruegos Bel Canto son, tras la desaparición o hibernación de Cocteau Twins y Dead Can Dance, las únicas de estas tres leyendas que se mantenían generando música sublime para el deleite de nuestros sentidos. La aseveración no es del todo exacta, pues la pareja hace ya 7 años que no edita ningún trabajo conjunto y las trayectorias del dúo están más dedicadas a sus propias carreras en solitario y a colaboraciones diversas, que a las del propio grupo. Editaron seis álbumes de estudio, White Out Conditions (1987), Birds of Pasage (1990), Shimering, Warm & Bright (1992), Magic Box (1996), Rush (1998) y Dorothy's Victory (2002), siendo además los encargados de crear la música original de los Juegos Olímpicos de invierno en Lillehammer. A partir de entonces Nils Johansen se ha centrado en su proyecto Vajas, junto al violinista Ande Somby y la cantante Kristin Mellem, mientras que Anneli Drecker ha publicado dos cds en solitario, Tundra (2000) y Frolic (2005). Este último trabajo es una obra maestra de ingenieria tecnológica.  © epdlp




   Anna Maria Jopek
   Upojenie (2002)

   07 OCTUBRE 2013

   Anna Maria Jopek es una cantante y compositora polaca que ha revolucionado las raíces del jazz. Licenciada en Filosofía y defensora de la no-violencia, debutó como pianista con sólo 14 años con la orquesta Filarmónica Nacional de Varsovia y en 1989 como cantante. Grabó su primer trabajo en 1997, Alejestem. Sus dos siguientes no hicieron sino acrecentar su talento, Szeptem (1998) y Jasnoslyszenie (1999). Con su cuarto álbum, Bosa-Barefoot (2000), se da a conocer internacionalmente en todo el mundo y le permite ser telonera del concierto que Sting da en la ciudad de Katowice en marzo de ese año. Considerada como la reina del jazz polaco, apreciada por su voz envolvente y sensual, su estilo de música étnica y popular inspirada en el jazz trata de abrir caminos vírgenes y buscar nuevos horizontes. Ese firmamento culmina en Upojenie (2002), un disco extraordinario en el que la colaboración de Pat Metheny logra colocar a Anna Maria Jopek en la cima del utópico y deseado país de la armonía musical.  © epdlp




   Sigur Ros
   Takk (2005)

   30 SEPTIEMBRE 2013

   Formada en 1994, la banda islandesa Sigur Ros ha creído conveniente buscar nuevos rumbos a la música que se hace en su país. Su primer álbum Von (1997), no tuvo el éxito esperado, pero eso no les amilanó en su afán de romper esquemas. El encuentro con Ken Thomas, productor de los Sugarcubes, en su segundo trabajo Agaetis Byrjun (1999), los proyectó dónde ellos querían. Los críticos fueron unánimes al aclamar el disco, que fue también un gran éxito comercial en Islandia. La mano de éste productor orientó su sonido hacia otros caminos, dando como resultado el disco más desnudo del grupo, ( ) (2002) y más tarde Takk (2005). Með suð í eyrum við spilum endalaust (2008), es su último trabajo. Sigur Ros está formado por el ex Bee Spiders, Jonsi Birgisson (voz y guitarra), Kjartan Sveinsson (teclado), Georg Holm (bajo) y Orri Pall Dyrason (batería). Si la música de Sigur Ros tuviera que ser etiquetada, el término post-rock sería sin duda el primero en aparecer y también la de grupo "emocional". Sus composiciones son aparentemente simples, aunque al mismo tiempo, auténticas y sinceras. Tratan de explorar el lado oscuro de la música, como un niño que descubre el mundo por primera vez.  © epdlp




   Oystein Sevag
   Caravan (2005)

   23 SEPTIEMBRE 2013

   El multiinstrumentista noruego Oystein Sevag creció en una familia que le daba un valor muy alto a la creatividad. Su padre, etnólogo musical, junto a la belleza de los parajes naturales de Noruega fueron desde entonces una de sus principales fuentes de inspiración. Comenzó a tocar el piano a los 5 años y a los 12 la guitarra. Con 19 compuso su primera obra Eplevalsen (El vals de la manzana), con arreglos para gran banda de jazz, que fue interpretada en varios conciertos. Formó parte de varios conjuntos, Craff, Noahs Ark e Ischjazz (junto a su amigo Lakki Patey), así como colaboraciones con el grupo Celeste (banda integrada por Erik Wøllo, Bendik Hofseth, Jan Erik Salater e Inge Forum) y los principales músicos noruegos, Nils Petter Molvær, Paolo Vinaccia, Eivind Aarset y Audun Erlien. En 1989 editó con su propia compañía Siddhartha Records, su primer disco compacto en solitario, Close Your Eyes and See, proclamado disco del año por el Gavin Report Magazine de San Francisco. Oystein Sevag fue el primer artista europeo en firmar un contrato discográfico con Windham Hill Records y a partir de ese momento su música sería comercializada en el mundo entero. Más tarde llegaron Link (1993) y Global House (1995), producción pluricultural en la que amplió el número de instrumentos de proyectos anteriores, incluyendo entre otros el didjeridoo australiano, la percusión del cubano Sergio González y un cuarteto de cuerda; Visual (1996), junto a Lakki Patey y Bridge (1997), grabado junto a la Philharmonic Orchestra en los Estudios Abbey Road de Londres. Este último recibió el prestigioso Indie Award (Mejor grabación New Age del año en Estados Unidos), premio que conceden las casas discográficas independientes. Ha escrito la música del documental sobre la vida del pintor noruego Edvard Munch titulado Dance of life. Oystein Sevag, máximo representante de las nuevas músicas, ha tocado todos los palos dentro de este estilo, sobre todo en los aspectos relacionados con el jazz y la fusión, aunque últimamente ha evolucionado a un sonido más acústico, de corte clasicista. Su maestría para crear ambientes y paisajes sonoros evocadores a partir de un material muy simple es notoria, se trata de llegar a un resultado complejo a partir de elementos sencillos.  © epdlp




   Recoil
   SubHuman (2007)

   16 SEPTIEMBRE 2013

   Recoil es un proyecto creado en 1985 por el británico Alan Wilder, ex-teclista de Depeche Mode. Antes de integrarse en la banda perteneció a varios grupos de pop-rock como The Dragons, Daphne and the Tenderspots, The Hit Men o Real To Real. Iniciado en el piano y la flauta, en 1981 ingresó en DM sustituyendo a Vince Clarke, que se fue de la banda para formar Yazoo y Erasure. Para las actuaciones en vivo DM requerían la presencia de un experto en sintetizadores y Alan Wilder fue el elegido. En principio los acompañó solamente en sus giras, aunque dos años después su inclusión como miembro oficial fue definitiva con su tercer álbum, Construction time again (1983). Martin Gore, Dave Gahan y Andy Fletcher encontraron en Alan Wilder, el “suplemento” ideal para desarrollar su estilo tecno sintético de carácter accesible, significando un paso hacia la madurez para un grupo que hasta entonces había sido una especie de reunión de amigos. Con Alan en el grupo, el resto no tuvieron que preocuparse prácticamente por el proceso de grabación. Obsesionado por la perfección técnica y por la experimentación sin límites, Alan Wilder ha volcado en su proyecto paralelo llamado Recoil, todas las locuras radicales imposibles de incluir en una banda mayoritaria como DM. En su primer trabajo Hydrology and 1 + 2 (1988), usó sonidos ambientales, repeticiones minimalistas y samplers de ruidos cotidianos para completar un trabajo sombrío y amenazador. En el siguiente Bloodline (1992), una obra de ingeniería con melodías y ritmos cercanos a la Electronic Body Music, fue sin duda su mejor álbum y el más accesible. En 1995 dejó el grupo definitivamente y se consagró a la composición de sus dos siguientes álbumes, Unsound Methods (1997) y Liquid (2000). Vegetariano convencido y un gran admirador de Kraftwerk, Smiths, PIL, Philip Glass y Talk Talk, Alan Wilder sabe, todos nosotros también lo sabemos, que DM desde su marcha no ha vuelto a levantar cabeza. Él era la música y la tecnología en el grupo, el talento que afortunadamente ha volcado en Recoil, un proyecto de expresión sin términos, con innumerables estilos e instrumentación, que se aproxima, en muchas formas, a un sentimiento puro y transparente. En Subhuman (2007), su último trabajo hasta la fecha, nos demostró definitivamente que su música nos enseña a vivir, quizás a morir, a través de una herida abierta.  © epdlp




   Everything But The Girl
   Walking Wounded (1996)

   09 SEPTIEMBRE 2013

   EBTG fue fundado en 1982 por los estudiantes de la Universidad de Hull, Tracey Thorn y Ben Watt. El dúo tomó su nombre de una señal puesta en la ventana de una tienda de muebles local que exhibía "Para el dormitorio de sus sueños, vendemos todo menos a la chica". En el momento de su formación, Tracey Thorn (componente de las Marine Girls), y el cantante multi-instrumentista Ben Watt (que había publicado varios singles y colaborado con Robert Wyatt), firmaron con el sello independiente Cherry Red. Debutaron con una interpretación de la samba de Cole Porter "Night and Day" que fue un éxito en las listas independientes del Reino Unido. En 1992 Ben Watt enfermó debido al Síndrome de Churg-Strauss, una extraña enfermedad del sistema inmunológico que lo llevó al borde de la muerte. Después de un año en recuperación, escribió varias nuevas canciones que el dúo grabó para su incorporación en "Home Movies", una colección de singles de 1993. En 1994, colaboraron con los innovadores del dub-trance "Massive Attack" en su álbum "Protection". Sus trabajos de estudio son, Eden (1984), Love not money (1985), Baby, The Star Shine Bright (1986), Idlewide (1988), The language of life (1990), Worldwide (1991) y Amplified Heart (1994). En Temperamental (1999) su noveno trabajo de estudio, profundizan la fusión de su pasado pop con las corrientes más actuales de la música de baile, un camino que iniciaron en 1995 con la remezcla innovadora de Todd Terry en "Missing" y que afianzaron en su penúltimo álbum Walking Wounded (1996), los placeres del drum'n'bass. Las influencias del dúo, fruto del contacto con lo más granado de la música dance, y la experiencia que Ben Watt ha ido acumulando a los platos de Lazy Dog (su club en pleno corazón de Londres), configuran actualmente su música. En ella están presentes todas las últimas tendencias del universo electrónico, resaltadas por la sensibilidad y calidez humana de la voz de Tracey Thorn. Poseedores de un particular sonido, que sabe mezclar magistralmente corrientes como el jazz, el pop y la electrónica, con el paso del tiempo se han convertido en un grupo de referencia a la hora de hablar de música popular en clave vanguardista o de electrónica sofisticada y elegante.  © epdlp




   Art of Noise
   The Ambient Collection (1990)

   02 SEPTIEMBRE 2013

   Art of Noise es una banda imaginativa, pionera de la música electrónica de fines de los 80. Bajo una formación en apariencia fantasmal, sus miembros nunca se fotografían para la autopromoción, forjaron su reputación a raíz del disco Who's Afraid of The Art of Noise? (1983), considerado hoy en día una de las biblias del sampleo. Su música tenía la particularidad de que descontextualizaba elementos tan dispares como ruidos de coches y voces de diversa procedencia, con música clásica o de vanguardia. El grupo lo fundaron los músicos ingleses Steve Horn, Anne Dudley (actualmente prestigiosa creadora de bandas sonoras) y J.J. Jeczalik. Horn, ex integrante de Buggles, músico y productor que ha trabajado con grupos en su mayoría versados en el tecno-pop, ha impulsado bandas como ABC, Propaganda, Frankie goes to Hollywood, Seal, Malcolm McClaren y colaboró en el famoso Slave to the Rythm de la rugiente Grace Jones (1985), junto a David Gilmour de Pink Floyd. También son recordadas sus colaboraciones con Duane Eddy, Max Headroom y la popular versión de Kiss, a cargo de Tom Jones. El nombre del grupo es una aproximación genealógica a la música que, un grupo de artistas a comienzos del siglo XX empezó a experimentar con composiciones inspiradas en el devenir mecánico y eléctrico de la ciudad. Construyendo cajas caseras a las que incorporaban diferentes sonidos de la urbe, este grupo de artistas futuristas comenzó a hacer algo parecido al tecno, pero todavía sin la incorporación de beats, los golpes que delimitan el tiempo rítmico en la nueva música electrónica. Art Of Noise lo compusieron en la última época, Lol Creme (vocal, guitarra, teclados), Anne Dudley (vocal, piano, teclados), Trevor Horn (vocal, teclados, bajo) y Paul Morley (vocal, teclados). The Art of Noise toma su música de varias fuentes, hip hop, jazz, R&B, pop, drum'n'bass, sonidos, y todo lo que crea su estilo experimental y post-futurista. Algunos consideran que su disco The Seduction Of Claude Debussy (1999), es el trabajo más importante de fin de siglo de música electrónica.  © epdlp




   Bliss
   Quiet Letters (2003)

   26 AGOSTO 2013

   Los grupos escandinavos han sido desde hace un tiempo, referente indispensable en cuanto a tendencias y modas en el mundo de la música. Recordemos a Sugarcubes, Bjork, Sigur Ros, Koop, Royksoop, The Hives o Raveonettes, por mencionar algunos. Afincados en Dinamarca, el grupo Bliss, los daneses Marc-George Andersen (teclados) y Steffen Aaskoven (programación), la sueca Alexandra Hamnede (voz) y el ghanés Salvador “Tchando” Embalo (voz, guitarra y percusión), han sabido forjarse un sonido difícilmente clasificable (new age, world music, electrónica, música clásica...), digamos que se encuentran entre Johann Sebastián Bach y Brian Eno. Su álbum debut Afterlife (2001), repleto de voces fascinantes, percusión apacible y una vital orquestación, fijó los nuevos estándares para la música étnica, mezclando influencias occidentales, africanas y clásicas. Su segundo trabajo. Quiet Letters (2003), fue calificado por el prestigioso DJ Ravin, del club Buddha Bar, como el trabajo más importante de la década y en él nos retrotraía a gente como Sade, Enya, Norah Jones y en ocasiones al gran Ennio Morricone, todo ello flambeado con unas gotas de alma escandinava. Sus trabajos no terminan ahí, pues han colaborado en la música de la serie de televisión C.S.I. y han compuesto la tremenda banda sonora de They Made History (2005), un documental de 9 episodios del periodista Steffen Kretz, así como diversos spots publicitarios para Carlsberg, Lundbeck y Zendium, entre otros. En No One Built This Moment (2009), su penúltimo álbum, supieron rodearse de importantes colaboraciones, como la cantante de Zero 7, Sophie Barker, la ya habitual Lisbeth Scott, el veterano percusionista, Jacob Andersen, el estupendo bajista de jazz, Mads Vinding o el cantante Boy George. So Many Of Us (2013) es su último trabajo. La historia de Bliss crece día a día, su música habla por ellos, sobran las palabras.  © epdlp




   Bel Canto
   Images (1999)

   19 AGOSTO 2013

   Tras la desaparición o hibernación de Cocteau Twins y Dead Can Dance, los noruegos Bel Canto son la única de estas tres leyendas que se mantiene generando música sublime para el deleite de nuestros sentidos. Con más de 17 años de trayectoria musical, el dúo que anteriormente era un trío (Geir Jenssen lo dejó para encargarse del proyecto electrónico Biosphere), compuesto por Anneli Drecker (voz) y Nils Johansen (teclados, guitarra y violín), elaboran una música ecléctica con acordes melancólicos y tristes llena de luminosidad. La inigualable interpretación vocal de Anneli Drecker, en ocasiones evocando los tribales cantos joikk de Noruega, mezcla antiguos enigmas junto a la sofisticación moderna, lo que al final produce una experiencia mágica. Hasta la fecha han editado seis álbumes de estudio, White Out Conditions (1987), Birds of Pasage (1990), Shimering, Warm & Bright (1992), Magic Box (1996), Images (1999) y Dorothy's Victory (2002). Fueron los encargados de crear la música original de los Juegos Olímpicos de invierno en Lillehammer. Paralelamente Anneli Drecker ha publicado dos cds en solitario, Tundra (2001) y Frolic (2005), mientras que Nils Johansen ha grabado dos discos en solitario, Cho Oyu 8201m – Field Recordings From Tibet (2006) y la banda sonora de Im Schatten [2012]. Bel Canto, pioneros de la expansión de la música electrónica europea, incluidos en los géneros del world beat, ambient y el dark etereal, viajan en el tiempo cada vez que crean e interpretan su música.  © epdlp




   Massive Attack
   Protection (1994)

   12 AGOSTO 2013

   Massive Attack eran tres adolescentes de Bristol que, infectados por el gusanillo del hip hop montaron el sound system The Wild Bunch. Padrinos del trip-hop, Robert 3D del Naja, Grant "Daddy G" Marshall y Adrian “Mushroom” Vowles (que abandonó el grupo en 1999), habían editado 3 discos en 12 años. Eran tres tipos de la calle preocupados por el arte y la alienación urbana, que en 1991 sacaron su primer álbum, Blue lines, que se archiva en el apartado de clásicos. Protection (1994) fue el segundo y Mezanine (1998) el tercero. Massive Attack no sólo han forjado una carrera más que interesante, sino que también han, directa o indirectamente, impulsado otras, como las de Tricky, Nicolette, Portishead, por nombrar algunos. En 100th Window (2003) y Heligoland (2010), su cuarto y quinto álbum, su música cobra nitidez desde la primera hasta la última canción. Neil Davidge, cerebro multiusos que apareció en escena durante la gestación del Mezzanine, se ha convertido ahora en el fiel escudero de las nuevas aventuras sonoras de 3D, principal responsable del grupo en la actualidad. La música de Massive Attack es un sinuoso viaje por un mar de petróleo formado por paranoias, relaciones terminales e hiperrealismo depresivo. Música melancólica que transmite sentimientos ocultos.  © epdlp




   London Elektricity
   Billion Dollar Gravy (2003)

   05 AGOSTO 2013

   Fusionar un sub-estilo de ghetto con otros más populares, es siempre tarea difícil y complicada. Tony Colman es el mejor exponente del verdadero sonido soulfull drum'n'bass. Junto a Chris Goss fundó Elektric Productions en 1996 y más tarde el sello Hospital Records (imprescindibles sus recopilatorios bajo el nombre Weapons Of Mass Distraction), formando al mismo tiempo proyectos paralelos llamados Future Homosapiens, Dwarf Electro y Orkestra Galactica. Su estreno como London Elektricity fue el aclamado álbum Pull the plug (1998), una poderosa amalgama de sonido soulfull de alto voltaje, donde voces masculinas y femeninas se enlazaban con enérgicos bajos y característicos ritmos del jungle. Cuatro años más tarde Chris Goss abandona el dúo para dedicarse en exclusiva a su sello discográfico Hospital Records. Ya en solitario, Tony Colman, que en ese periodo de tiempo remezcló a gente como The Headhunters, Nitin Sawnhey y UFO, edita su segundo trabajo, Billion Dollar Gravy (2003), un clásico que sigue las pautas heredadas del progressive, con tracas de diversos colores y excelentes vocalistas a punto de explotar. En Power Ballads (2005), su tercer trabajo en el que participan las voces de MC Wrec y la leyenda del jazz Liane Carroll, continúa con su línea melódica bien sujeta, el bajo donde debe estar y el eficaz contrapunto rítmico para que se te muevan los pies. Syncopated City (2008) y Yikes! (2011) son sus últimos trabajos. En sus conciertos en directo, Tony Colman y su banda no utilizan ningún tipo de hardware, ni existe el playback. Únicamente verás a unos músicos concentrados en sus instrumentos y unos vocalistas con el alma entre las cuerdas vocales, algo sorprendente y meritorio en un grupo electrónico. London Elektricity ejecuta un drum'n'bass orgánico y asimilable para aquellos que huyen de la pista con el rabo entre las piernas en cuanto el hard-step hace acto de presencia. Música vital con un aura de neblina, que crea espacios de formas obsesivas.  © epdlp




   Paul Mounsey
   The Days Flash Past (2005)

   29 JULIO 2013

   Si el futuro de la música étnica está en la fusión y la experimentación, el de la música celta está en la innovación y el vanguardismo. Varios nombres sobresalen en ésta última, Stone Age, Ashley MacIsaac, Talitha MacKenzie y destacando sobre todos ellos dos figuras cruciales, el tristemente desaparecido Martín Bennett y el escocés residente durante dos décadas en Brasil, Paul Mounsey. Antiguo guitarrista de rock, Paul Mounsey abandonó ese estilo musical para dedicarse a estudiar la música de la tierra de sus orígenes, Escocia, la cual mezcla con estilos más actuales, principalmente electrónicos. Bicho raro de la música gaélica, comenzó su carrera colaborando con músicos de la talla de Michael Nyman, Etta James, Chico Buarque, Jimmy Cliff y Antonio Carlos Jobim, para años después editar su primer álbum de estudio, Nahoo (1994), un collage de estilos étnicos y ritmos de baile que abrió caminos hasta entonces inexplorados. Sus siguientes trabajos, Nahoo too (1997), Nahoo 3: notes from the republic (1999) y City Of Walls (2003), consiguieron que esa senda desconocida y hasta entonces impenetrable, se convirtiera en un vergel frondoso y vital. Paul Mounsey ejecuta en una mezcla fascinante, las raíces gaélicas y los ritmos tradicionales del noreste de Brasil, sobre todo a nivel de percusión, todo ello aderezado con pinceladas noruegas, gallegas, portuguesas y hasta norteamericanas, desafiando cualquier definición o idea preconcebida. En su último trabajo, The Days Flash Past (2005), logra reunir las voces de Alyth McCormack, Anna Murray, Christine Primrose, Ishbel MacAskill, Kevin MacNeil, Mary Smith y las hermanas MacKenzie, en una obra fascinante que sorprende por su rotundidad y que se concentra en su labor únicamente de compositor. Paul Mounsey construye sus discos como si fueran un enorme retal de elementos étnicos en el que todo cuadra, un viaje cosmopolita en el que finalmente el espíritu celta impone su impronta y en el que el compositor ejerce de arqueólogo del futuro.  © epdlp




   Nils Petter Molvaer
   Hamada (2009)

   22 JULIO 2013

   El jazz menos académico se ha configurado como uno de los ingredientes más habituales de la música de club y la electrónica downtempo. El trompetista y compositor noruego Nils Petter Molvaer es una de las figuras más importantes de esta nueva corriente sin prejuicios que combina jazz y electrónica en busca de una nueva creatividad contemporánea. Considerado el padre del electro jazz, factura un jazz híbrido con poso orgánico que tiende vínculos entre el Miles Davis más abstracto y vanguardista y los flirteos con la electrónica de Bugge Wesseltoft, Erik Truffaz y Marc Moulin. A final de la década de 1980, fue parte de uno de los mejores grupos del jazz escandinavo, Masqualero. Y desde que publicara en 1997 su disco Khmer, un trabajo que ha sido tomado como modelo por muchos artistas y que figura en todas las selecciones de los mejores discos de jazz de los últimos tiempos, dejó sentadas las bases de su sonido, una base jungle, una guitarra punzante y el timbre y el fraseo apasionadamente melancólico de su trompeta. Sus siguientes trabajos, Solid Ether (2000), NP3 (2002), ER (2005) y Hamada (2009), no hacen sino realzar esa sensibilidad excepcional que lo ha llevado a ser uno de los músicos más solicitados e innovadores del mapa musical contemporáneo. Nils Peter Molvaer sabe que una pieza musical nunca está realmente acabada, y que la producción y la composición son procesos en constante evolución, por eso ha incorporado al jazz el potencial liberador de la música de baile, mezclando la improvisación jazzística con el techno, el house, el downtempo, el breakbeat, el ambient o el drum'n'bass, en una línea renovadora con resultados espectaculares. Busca un equilibrio entre la mente y el alma, porque ya se sabe que todo ocaso es un amanecer en otra parte, no hay final que no signifique un comienzo. Su música habla por sí misma.  © epdlp




   Kemopetrol
   Play For Me (2004)

   15 JULIO 2013

   Kemopetrol es un prometedor grupo finlandés de pop electrónico formado por Kalle Koivisto (teclados), Marko Soukka (guitarra), Laura Närhi (voz), Kari Myöhänen (bajo) y Teemu Nordman (batería). Los dos primeros comenzaron como dúo experimental en 1998, creando su música a la que denominaban "ambient industrial ruso", convirtiéndose meses más tarde en quinteto y adoptando su nombre de un antiguo equipo de hockey checo. Slowed Down (2000), su álbum debut, fue una auténtica joya atemporal, creadora de paisajes sonoros que van desde el reggae contagioso, a la rica sección de cuerdas, pasando por unas desgarradoras guitarras. En el año 2001 fueron considerados el mejor nuevo suceso pop/rock del 2000 en la gala Emma (Los premios de la industria musical finlandesa), y en el 2002 editaron su segundo álbum, Everything's fine. Play for me (2004), Teleport (2006) y A Song And A Reason (2011), completaron éste repóquer de ases de música atemporal. Kemopetrol suenan a combustible para mecheros, esos carburantes que se consumen en una etérea llama azul que parece capaz de arder durante años, como las canciones de Kalle Koivisto, alma mater del grupo y compositor de todas sus canciones. Canciones descorazonadoras y ritmos hipnóticos, una sutil y refinada mirada al pop que se extingue sin antídoto posible.  © epdlp




   Hybrid
   Disappear Here (2010)

   08 JULIO 2013

   Hybrid es un grupo inglés formado por Mike Truman y Chris Healings. Anteriormente era un trio, pero Lee Mullin el tercer componente, abandonó el grupo después del primer trabajo. Han orientado sus habilidades de producción en las pistas al servicio de artistas tan variados como Jazzy Jeff, Carl Cox y Alanis Morissette. Con Wide Angle (1999), su disco debut, sorprendieron a la crítica inglesa con su música creadora, imaginativa y vanguardista. En Morning Sci-Fi (2003), I Choose Noise (2006) y Disappear Here (2010), sus siguientes trabajos, nos sumerjen en una amplia gama de estilos musicales, los dibujan y los utilizan para crear nuevos sonidos. Sus discos están plagados de notables colaboraciones, la cantante Julee Cruise, Chrissie Hynde del grupo Pretenders, Perry Farrell de los Jane's Addiction, Judie Tzuke, Kirsty Hawkshaw y Peter Hook de New Order. Hybrid ha demostrado que su música es realmente innovadora, un break beat acelerado a la máxima potencia sólo comparable al que ejecuta BT (Brian Wayne Transeau), fusión de breaks y poderosa orquesta con vocación cinematográfica.  




   Bob Holroyd
   A different space (2000)

   01 JULIO 2013

   Bob Holroyd está situado en primera linea entre los músicos más innovadores de la escena actual. Su música electrónica abstracta, cercana a la world-music, tiene sus influencias en compositores tan variados como Peter Gabriel, David Sylvian, Arvo Part, Ryuichi Sakamoto. Steve Reich, XTC o David Byrne. Es el fundador en el año 1987 de la compañía Soundscape Music, y hasta la fecha ha publicado seis álbumes de estudio, Fluidity & structure (1991), Stages (1996), A different space (2000), Without Within (2003), Hollow Man (2006) y Beachcombing (2011). Bob Holroyd combina la música ambient con ritmos intensos de todo el mundo, calidad e imaginación que busca la emoción del que la escucha.  © epdlp




   Faithless
   To All New Arrivals (2006)

   24 JUNIO 2013

   El grupo Faithless nació en el año 1993, y estaba formado inicialmente por Sister Bliss (pianista, violinista y famosa productora de música house, considerada con todo merecimiento la DJ femenina número 1 del mundo), Maxi Jazz (ex-The Soul Food Café Band y líder del grupo), Rollo Armstrong (cantante), Jamie Catto, y el guitarrista Dave Randall. Estos dos últimos abandonaron la banda a finales de 1999, después de editar su segundo trabajo Sunday 8pm (1998). Antes habían publicado el primero Reverence (1995), cuyas canciones consiguieron un tremendo impacto y una gran influencia en el sonido de la música dance contemporánea. Outrospective (2001), No Roots (2004), To All New Arrivals (2006) y The Dance (2010) son sus últimos trabajos. Faithless combina gran variedad de ritmos, house, blues, soul, rap y folk, todo ello aderezado con los temas electrónicos más contundentes, que son los que en directo adquieren mejor dimensión. Han luchado por ser una banda de directo y brillar en el escenario al igual que en el estudio y se han convertido en uno de los grupos de culto más reputados de la escena dance mundial.  © epdlp




   M83
   Saturdays Youth (2008)

   17 JUNIO 2013

   El Shoegazing (en inglés, "shoe" (zapato) y "gazing", del verbo gaze, que significa mirar fijamente a alguien o algo), es un estilo musical conformado por sonidos de guitarras fuertemente distorsionados, efectos de pedal y delays que ensucian un poco el sonido. Surgió a finales de los años ochenta en Inglaterra, permaneciendo hasta mediados de los años noventa. Los grupos más importantes de ésta corriente fueron My Bloody Valentine, Ride, Slowdive, The Boo Radleys y The Verve, en sus comienzos. Una década después el estilo ha vuelto a resurgir con nuevos grupos orientados más a la música electrónica, pero que recogen los aspectos característicos del género. Bandas como, The Pains of Being Pure at Heart, The Raveonettes, Friendly Fires y Cut Copy, serían sus abanderados, aunque los mejores son M83, una formación francesa fundada por Anthony González y Nicolás Fromageau (éste último abandonó el grupo en el 2004), y compuesta además por Jordan Lawlor (voz y guitarra), Morgan Kibby (voz, teclados y cello) y Loïc Maurin (percusión). Han publicado seis álbumes de estudio, M83 (2001), Dead Cities, Red Seas & Lost Ghosts (2003), Before the Dawn Heals Us (2005), Digital Shades Vol.1 (2007), Saturdays = Youth (2008) y Hurry Up, We're Dreaming (2011). El nombre de la banda fue inspirado en la galaxia espiral Messier 83, también llamada Molinillo Austral. Durante años, M83 había sido la galaxia en la que se habían descubierto más supernovas y según confirmó el científico que la descubrió en 1781, Charles Messier, uno sólo podrá verla si tiene una gran capacidad de concentración. Quizá la música de M83, intente acercarse a esa capacidad de concentración que toda composición importante y emotiva intenta transmitir.  © epdlp




   Hooverphonic
   The President of the Lsd Golf Club (2007)

   10 JUNIO 2013

   Hooverphonic son un trío belga que en sus comienzos bebieron las fuentes de Massive Attack y Portishead y que se han convertido con el tiempo, en el más reconfortante grupo del pop centroeuropeo. Calificados como hacedores de pop ambiental, Geike Arnaert (voz), Alex Callier (bajo y teclados) y Raymond Geerts (guitarra), consiguen una música original y enérgica, ideal para conmover y suscitar emociones, un sonido distinto, extraordinario y evocador. En 1997 editaron su primer álbum A New Stereophonic Sound Spectacular, con Frank Duchêne y la cantante Liesje Sadonius, que luego abandonarían el grupo. A éste siguieron, Blue Wonder Power Milk (1998), realizando una gira por todo el mundo junto a sus almas gemelas Massive Attack y más tarde junto a Moloko, Kid Loco y Divine Comedy. Como Liz Fraser en los Cocteau Twins o Tracey Horn en EBTG, la voz frágil pero intensa de Geike Arnaert se adapta perfectamente a los temas poco ortodoxos e hipnotizantes de Hooverphonic. Su evocadora voz, casi de otro mundo, es como la de una sirena que invita al oyente a visitar tierras inexploradas. En sus últimos trabajos, mantienen y amplían su base de seguidores absolutamente fieles y añaden a su sonido violines, cuernos franceses, laúdes, mandolinas y tambores espectrales. Hooverphonic no tiene conciencia de las tendencias y esa actitud junto a su afortunada combinación de melodías antiguas con sonidos y ritmos casi futuristas les confiere una calidad intemporal.  © epdlp




   Imogen Heap
   Ellipse (2009)

   03 JUNIO 2013

   Formada como pianista y compositora y dotada de una voz que destaca por su creatividad, Imogen Heap es diferente a los demás, pues a pesar de facturar un pop aparentemente accesible a cualquiera, su estilo es inconfundible. Ella es el máximo exponente del llamado sonido “breathy” (voz aspirada o entrecortada), una forma de expresión más que un lenguaje musical. Imogen Heap inició su carrera en solitario con I-Megaphone (1998) y cuatro años después editó junto a Guy Sigsworth y con el nombre de Frou Frou, el álbum Details (2002). Dicen que en algunas ocasiones, la popularidad y el reconocimiento llegan por los caminos más extraños, pues el dúo británico Frou Frou se dieron a conocer mundialmente al incluir una versión de la canción "Holding out for a hero" de Bonnie Tyler, en la banda sonora de Shrek 2. Desde entonces la cantante que más ha dado que hablar en el ambiente del electro pop en los últimos dos años, ha elaborado dos trabajos más, Speak For Yourself (2005) y Ellipse (2009), disfrutando de un sitio privilegiado. Imogen Heap elabora pop electrónico, mezclado con rock alternativo, a mitad de camino del espacio musical que creó Portishead hace algunos años y que Bjork se encargó de llevar al primer plano. Su destino es explorar las fronteras del pop rock electrónico, un buen ejemplo de lo que la mezcla de un criterio musical adecuado y una voz portentosa pueden siempre conseguir.  © epdlp




   Eugene Friesen
   In the Shade of Angels (2003)

   27 MAYO 2013

   Eugene Friesen, componente del Paul Winter Consort, es un buscador incansable de nuevos territorios para su instrumento, el violonchelo. Entró en el Consort sustituyendo al también cellista David Darling, cuando Ralph Towner, Paul McCandless y algunos otros lo abandonaron en 1970, formando el mítico grupo Oregón. Desde entonces ha combinado sus actuaciones con el sexteto, junto a colaboraciones con otros músicos y grabaciones individuales. Es en éstas últimas dónde su espíritu inquieto ha experimentado más a fondo. New Friend (1986) y Arms Around You (1989), fueron las obras cumbre de Friesen como compositor e intérprete, uniendo el jazz con la new age, en una fusión instrumental donde sus texturas comulgan con igual devoción la música clásica y lo folclórico tradicional. A estas siguieron, The Song of Rivers (1998), In the Shade of Angels (2003), Sono Miho (2005) y Colorful Transitions (2009). Para dar una idea, puede comenzar con melodías que evocan los últimos cuartetos de Beethoven y poco a poco ir trascendiendo a formas más libres del jazz, para acabar en un frenesí de arco alternando con pizzicato. Friesen explica en ocasiones que con sus creaciones pretende imitar el sonido de instrumentos, punteando el suyo con ambas manos. Con esta forma de ejecutar crea en cada una de sus actuaciones atmósferas inigualables, con un estilo propio e inconfundible lleno de matices. Sus preludios instrumentales y poderosos, han escrito una página de lectura obligada en la historia del jazz y la música improvisada. Estamos en el siglo XXI, un siglo en que las artes, los límites, las definiciones y los convencionalismos se irán rompiendo sistemáticamente. En ese momento echaremos un vistazo al siglo pasado y allí estará el cello de Eugene Friesen mirando pasar el tiempo, con su mismo traje de gala, mientras nuestro entorno continúa su incansable revuelo.  © epdlp




   Etro Anime
   Spreading Silence (2010)

   20 MAYO 2013

   Lissette Alea (voz), Ted Birkey (teclados), David Fisher (trompeta, saxo y programación), Tom Welsch (bajo) y Shambo Pfaff (batería) son Etro Anime, el proyecto neoyorquino que pretende hacerse un hueco entre los grandes del trip-hop. Antes de fundar el grupo, Ted Birkey, genio del piano con sólo siete años, participó en una banda de jazz latino y en dos proyectos de hip-hop underground, Guru y Krashman. En sus planes pronto cayeron, la diva Lissette Alea que colaboró en sus comienzos con el niño prodigio de la electrónica Alex Kide, y el especialista en metales David Fisher, un cerebro de la programación, que en pocos meses se convertiría en el "maquinista" de la tropa. Todos ellos, con la inclusión de un bajista y un percusionista, debutaron con un primer álbum sorprendente, See The Sound (2004). Decir que Etro Anime (que significa ser infinito: con el espíritu y en movimiento), amplían horizontes sería una obviedad. Deberíamos describir su fusión de estilos construido sobre bases de deep y latin house pero con un gran rango de influencias, desde lounge, funk, rythm&blues, rock, ambiente dub, aderezados con diversos tipos de jazz, dan como resultado un trip-hop funky jazzy, con resonancias de drum'n'bass destilado. Además la tórrida y delicada voz de Lissette Alea, con su encantador toque brasileño ayuda a que la música suene siempre soleada y elegante y que nos traigan a la memoria el magnífico álbum debut de Weekend Players con Andy Cato de Groove Armada. Etro Anime son la música hecha arte conceptual, un compromiso donde las emociones están bien moduladas, un intento de forjar imágenes en la imaginación del que los escucha.  © epdlp




   Dirty Vegas
   One (2004)

   13 MAYO 2013

   El grupo británico Dirty Vegas está compuesto por el teclista y productor Paul Harris, el cantante y percusionista Steve Smith y el guitarrista Ben Harris. El trío hace una fusión híbrida de rock y música electrónica, lo que ellos mismos llaman electro-soft-rock. Mezclando esas tendencias crearon un tema para un spot de Mitsubishi, que les llevó en poco tiempo a darse a conocer mundialmente. Sus tres trabajos hasta la fecha, Dirty Vegas (2002), One (2004) y Electric Love (2011), atraen tanto a fanáticos del rock que no les gusta mucho el dance, como a los seguidores de la música electrónica que nunca pensaron que cantarían y bailarían con un vocalista y guitarras incluidas. Tomando como referente a multitud de grupos, firman temas de lo más variopinto y ahí está su gran virtud. Dirty Vegas combina ritmos hipnóticos y bailables, acompañados por voz y guitarra, dándoles un toque retro-experimental. Convierten su música en una propuesta ambiciosa y prometedora, una parafernalia house poseedora de todas las emociones que podríamos encontrar en el rock.  © epdlp




   Karl Hyde
   Edgeland (2013)

   06 MAYO 2013

   Aunque desde el año 1981 editaban discos con el nombre de Freur, el duo Underworld se formó en el año 1987 cuando dos músicos ingleses, el frontman-vocalista y guitarrista Karl Hyde y el virtuoso programador Rick Smith editan su primer single, en un principio totalmente pop. En el año 1990, un joven DJ llamado Darren Emerson, entraba a formar parte del grupo. Pero es en 1991 cuando Rick y Karl deciden fundar junto a otros amigos, el colectivo de arte Tomato, que se convirtió en una referencia indiscutible en el mundo del arte audio-visual. Fue desde entonces cuando empezaron a aparecer sus temas más aclamados. Su álbum de debut Dubnobasswithmyheadman (1994) convirtieron al trío en el primer gran grupo electrónico de masas capaz de llenar estadios enteros en los años 90. Posteriores éxitos como Born Slippy, todo un auténtico himno gracias a la película Trainspotting, o su segundo trabajo Second Toughest In The Infants (1996) no hicieron más que consagrarles. En 1999, apareció su tercer álbum Beaucoup Fish, un año antes de que Darren Emerson abandonara el grupo. Desde entonces Rick y Karl han seguido en solitario trabajando en sus siguientes trabajos, A Hundred Days Off (2002), Oblivion With Bells (2007) y Barking (2010). Desde entonces la carera de ambos ha sido bastante ecléctica. Se encargaron junto a Danny Boyle de parte de la banda sonora de la ceremonia de apertura de los Juegos Olímpicos de Londres 2012 y más tarde Rick Smith compuso la BSO de Trance, la última película de este director. Por su parte Karl Hyde, ha sacado al mercado, Edgeland (2013), el debut en solitario del 50% de Underworld, un monumental trabajo de desolada electrónica paisajística.  © epdlp




   Manel
   Atletes, baixin de l'escenari (2013)

   29 ABRIL 2013

   Considerada como la banda que explica mejor que ninguna el actual pop en idioma catalán, Mishima, Els Amics de les Arts y Antonia Font, serían las otras; ha logrado en sólo seis años de carrera, acceder a esa posición privilegiada que únicamente consiguen las bandas despolitizadas y locales, pero que al mismo tiempo son desacomplejadas y globales. El grupo está compuesto por Guillem Gisbert (voz, guitarra y ukelele), Roger Padilla (guitarra y programación), Martí Maymó (bajo) y Arnau Vallvé (batería y percusión). Han editado tres álbumes hasta la fecha, Els millors professors europeus (2008), un trabajó extraordinariamente considerado por la crítica especializada, mejor disco pop-rock del año (Enderrock), tercer mejor disco del año (Rockdelux) y séptimo mejor disco del año (MondoSonoro); 10 milles per veure una bona armadura (2011), un trabajo que hace referencia a una frase que pronunciaba el actor y director Kenneth Branagh en el film basado en la obra de William Shakespeare, Mucho ruido y pocas nueces. El disco consiguió ser número uno en las listas de ventas de toda España. Posición a la que sólo habían llegado cantautores como Joan Manel Serrat o Lluís Llach y que un grupo de pop cantando en catalán jamás había conseguido. Atletes, baixin de l'escenari (2013), es su último trabajo. Su música extiende un pop-folk que camina protegido con extraordinarios arreglos de viento, un sonido reposado que impregna felicidad regada de melancolía. © epdlp




   Afro Celt Sound System
   Seed (2003)

   22 ABRIL 2013

   Afro Celt Sound System, actualmente llamados Afro Celts, son un grupo afro-irlandés formado por Simon Emmerson (guitarrista y productor), James McNally (multiinstrumentista), Iarla Ó Lionáird (voz) y Martin Russell (teclados, programación e ingeniero de sonido), verdadero artífice del sonido del grupo, además de Johnny Kalsi (percusión), N'Faly Kouyate (instrumentos étnicos), Emer Mayoc (gaitas) y Moussa Sissokho (percusión). Aunque Simon Emmerson lo había formado como banda en 1991, no fue hasta el año 1996 dónde se dieron a conocer en el festival Womad, dónde tuvieron un éxito extraordinario. A partir de esa fecha su nivel de calidad e innovación subió en la misma medida que editaban sus cinco álbumes de estudio, Sound Magic (1996), Release (1999), Further In Time (2001), Seed (2003) y Anatomic (2005). En éstos trabajos además han disfrutado de las colaboraciones de músicos de la talla de Robert Plant, Sinéad O'Connor, Davy Spillane, Liam O'Flynn y Peter Gabriel, entre otros. Este último, fundador del festival Womad y propietario de la discográfica Real World, sello que ha publicado todos los álbumes del grupo. Han participado asimismo en películas tales como Hotel Rwanda, Stigmata, Gangs of New York y Nikita. Los ACSS fusionan la música dance y electrónica en general, con ritmos celtas y africanos, sintetizando la ideología del Womad: mezclar culturas, presumir de contemporáneos -trabajan con ordenadores- y cuidar el aspecto visual, especialmente la danza. Su repertorio incluye partituras de hace 600 años y piezas actuales como el jungle y el house. Esta mezcla perfecta de sonidos antiguos y contemporáneos, eso que ellos llaman global dance, los ha situado en la vanguardia indiscutible de la World Music.  © epdlp




   Alpha
   Come From Heaven (1997)

   15 ABRIL 2013

   La ciudad de Bristol es conocida por ser la cuna del trip-hop. El dúo bristoliano Alpha, Corin Dingley y Andy Jenks, hacen honor al lugar dónde nacieron. Con un estilo más homogéneo que el de sus pares, Massive Atack, Portishead y Tricky, logran que sus discos se consuman lentamente y casi sin darnos cuenta, sin distinción en el cambio entre canción y canción, es decir logrando una completa sinfonía del trip-hop. Andy Jenks fue fundador del efímero grupo Statik Sound System en 1996. Un año después junto a Corin Dingley y ya como Alpha, firmaron un contrato con Melankolic Records. El sello discográfico les venía que ni pintado, pues su música era eso, pura melancolía. Con ellos editaron su primer trabajo, Come From Heaven (1997), una brillante muestra de slow pop ralentizado, evocador y delicado con el que trataron de reivindicarse como grupo. A éste siguieron The Impossible Thrill (2001) y Stargazing (2003), siempre acompañados de un estupendo cuarteto de voces, Wendy Stubbs, Martin Barnard, Helen White y Kelvin Swaybe (ésta última ha colaborado sólo en su último trabajo). Tienen además un proyecto paralelo llamado Vacant, con el cual editan música orientada hacia las pistas de baile. Las etiquetas sirven en un momento dado para catalogar las cosas. Decir a estas alturas que Alpha son una banda de trip-hop creemos que ya no convence a nadie, pues el carácter atípico de su música, los hace sentirse como un grano de arena en la playa de una isla desierta. Ritmos intimistas y majestuosos, delicados y a punto de quebrarse, transitando en el terreno del easy listening, donde podrán no ser los primeros pero si los más tristes, música evocativa con cadencias jazzísticas, ambientales y orgánicas que nos emocionan y sobrevuelan cualquier etiqueta.  © epdlp




   The 3rd And The Mortal
   Painting On Glass (1996)

   08 ABRIL 2013

   3rd And The Mortal es una particular banda noruega de dark/gothic-metal, que ha sabido captar el ambiente y los sonidos de la naturaleza de la península escandinava, para plasmarlos en su personal visión musical. El grupo fue fundado en 1992 por Rune Hoemsnes, Finn Olav Holthe, Geir Nilssen, Trond Engum y Kari Rueslatten (voz). Esta última dejó el grupo tras grabar su primer álbum, Tears laid in Herat (1993), considerado una gema del estilo gothic doom. Painting on glass (1996) e In this room (1997), fueron los dos siguientes, unidos a la voz de Ann-Mari Edvardsen. Tuvieron que pasar 5 años para que los fanáticos de esta banda noruega de culto pudiesen volver a escuchar sus vertiginosos sonidos. Memoirs (2002) ya con una nueva vocalista Kirsti Huke, tiene la misión de unir sus ideas e impulsos anteriores para crear un sonido diferente. Incluidos entre los grupos metálicos oscuros y ralentizados con base doom o goth, con desviaciones hacia resonancias sinfónicas o progresivas, su música es una mezcla de sonidos analógicos y digitales, aderezados con percusiones intensas y guitarras iniciadoras de secuencias suaves. Cada tema tiene su propio espíritu, su propio estilo y su propio sentimiento. Música melancólica e intensa para escuchar bajo una tormenta de fuego.  © epdlp




   Ivan Lins
   The Metropole Orchestra (2009)

   01 ABRIL 2013

   El brasileño Ivan Lins ha visto influenciada su carrera por diversos géneros musicales como el soul, el jazz y la bossa nova. Cuando en 1963 y con sólo 18 años emprendió su carrera de pianista, nunca pensó 40 años después que su nivel de popularidad seguiría estando en la cima. En 1965 se unió a un baterista y a un contrabajista para formar el "Alfa Trio", donde tocaban jazz y bossa nova. Más tarde formó una agrupación llamada "Quarteto Piramidal" con Aldir Blanc, Luiz Cachaça y Cesario Alvim, tocando en fiestas familiares y salas de baile. Poco tiempo después funda junto a quince intérpretes, compositores y músicos, el M.A.U. (Movimiento Artístico Universitario) con el propósito de abrir un nuevo mercado de trabajo que fuera una alternativa para los festivales de música producidos por las televisiones de Brasil. Su primer trabajo fue, Ahora (1970). Desde entonces ha lanzado incontables discos, algunos de ellos de temática política, Deja El Tren Seguir (1971), Modo Libre (1974), Los Días de Hoy (1978), Nuevo Tiempo (1980), De aquello Que Yo Sé (1981), Tras los Temporales (1983), Juntos (1984), Manos (1987), Love Baile (1988), Amar Así (1989), Ángel de Mí (1995), Un Nuevo Tiempo (1999), Jobiniando (2001) y Acariocando (2006). Sus canciones han sido reinterpretadas por músicos de la talla de Quincy Jones, George Benson, Ella Fitzgerald, Sarah Vaughan, Carmen MacRae y Barbra Streisand, entre otros. Asimismo ha compuesto melodías para artistas consagrados como Elis Regina, Simone y Gal Costa. En 1991 fundó la discográfica Velas, una tentativa para promocionar cantantes brasileños al resto del mundo. The Metropole Orchestra (2009), es el último trabajo de Ivan Lins, una obra grabada en directo en el Muziekgebouw de Amsterdam en el año 2008, emocionante y majestuosa, que recuerda antiguos éxitos de su carrera, todos ellos arreglados por el prestigioso compositor de jazz Vince Mendoza y en el que se hace acompañar por una orquesta de 30 músicos. Ivan Lins posee una cualidad que solo dominan los maestros, pues ha absorbido las influencias de la bossa nova, mezclándola con elementos líricos que aparecieron más tarde en la música brasileña actual.  © epdlp




   Blu Mar Ten
   The Six Million Names Of God (2003)

   25 MARZO 2013

   Estar a la sombra de Daniel Williamson (LTJ Bukem) siempre es un motivo para dar rienda suelta a la creatividad y para sentirse protegidos por esa especie de halo mágico que el compositor y productor británico siempre ha tenido. Blu Mar Ten, Leo Wyndham y Chris Marigold, a los que luego se les unió, Michael Tognarelli, son unos privilegiados en ese aspecto, pues son los niños mimados del gran gurú y dueño del sello Good Locking Records. Aunque desde 1995 editaban pequeños trabajos y numerosas colaboraciones, no fue hasta el año 2002 cuando debutaron con su primer álbum, Producer (2002), el tercer disco de la serie homónima que ésta discográfica lanzaba al mercado y que llevó a ser reconocidos en el mercado mundial a gente como PFM (Mike Bolton), Tayla (Travis Edwards), Seba (Sebastian Ahrenberg), Big Bud (R. O'Reilly) y hasta el propio Bukem. En su segundo trabajo, The Six Million Names Of God (2003), continuaron esa línea marcada con paso firme, música arriesgada con poderosos ambientes electrónicos, largos desarrollos instrumentales y una rítmica contenida. Esa pequeña obra de ingeniería downbeat, tuvo las colaboraciones de prestigiosos productores británicos, Blame (720° Recordings/Charged), Nor Elle (Plastic City) y Fink (Ninja Tune), y era la antesala de metas más importantes que el trio británico llegaría a conseguir con sus siguientes trabajos, Black Water (2007), Natural History (2009), Love Is The Devil (2011) y Famous Lost Words (2013). Blu Mar Ten adopta el sonido, en el más estricto sentido paternal, volviendo al lugar de una niñez perdida para recuperar los recuerdos, una forma primitiva de construirse un refugio para defenderse del mundo exterior.  © epdlp




   Bent
   Programmed To Love (2000)

   18 MARZO 2013

   Abanderados del chill-out británico y diseñadores del pop del futuro, el dúo Bent (Simon Mills y Neil Tolliday) ha insuflado aires renovados a la escena musical de los beats amables y ralentizados. Radicados en Nottingham, su primer y aclamado trabajo Programmed to Love (2000), una recopilación de sus Eps, ya nos descubrió su maestría en utilizar más instrumentos "naturales" que sus contemporáneos, arpas, guitarras más o menos eléctricas y todo lo que haga su sonido más atractivo y cercano. Ambient/lounge con imaginación y sentido de humor, retro-pop orquestal con tintes futuristas, electrónica de diván, capaces de mezclar un adagio con bases electrónicas, violines, flautas traveseras y sonidos oníricos. Sus siguientes trabajos, The Everlastic Blink (2003), Ariels (2004) e Intercept! (2006), son la demostración de que todavía podemos disfrutar escuchando música fascinante, un difícil equilibrio de fuerzas que logra introducirte en un mundo gemelo al de Alicia en el País de las Maravillas.  © epdlp




   David Sylvian
   Dead bees on a cake (1999)

   11 MARZO 2013

   Ser un cantautor de vanguardia es contradictorio en si mismo, menos en el caso de David Sylvian, artista integral y músico de cabecera de miles corazones rotos. Cantante y compositor británico, comenzó a tocar la guitarra a la edad de 12 años y con 16 fundó la banda Japan, grupo que en 8 años de vida (1974-1982), consiguió elevar el art-pop a su máxima expresión artística. Fiel a su propuesta de ediciones de alto valor estético, David Sylvian se comprometió a partir de ese año, a dar el primer paso en una evolución musical que abandonaba el synth-pop post-glam de Japan y encaminándose a un ambiente poético generosamente texturado. Brilliant Trees (1984), su primer trabajo en solitario, fue una obra redonda e iniciadora de la senda que él buscaba. A éste siguieron otras obras de culto, Alchemy (1985), Gone To Earth (1986), Secrets Of The Beehive (1987), Plight & Premonition (1988), con Holger Czukay; Flux + Mutability (1989), The First Day (1993), con Robert Fripp; Dead Bees On A Cake (1999), Everything And Nothing (2000), Damage (2001), de nuevo con Robert Fripp; Camphor (2002), Blemish (2003) y Manafon (2009). En 1991 reunió a los ex componentes de Japan para grabar un único disco de homónimo título, Rain the Crown. Aparte de los mencionados, ha colaborado junto a músicos de la categoría de Bill Frisell, Jon Hassell, Marc Ribot, Steve Tibbetts, Ryuchi Sakamoto y Kenny Wheeler. David Sylvian, que entre otras cosas es propietario del sello Samadhisound, no pretende ser didáctico, aunque advierte que sus canciones deben actuar como un detonante de nuestro subconsciente, con abundantes alusiones a la pérdida de la inocencia y al paso del tiempo. En el año 2005 y con el nombre de Nine Horses, editó un trabajo junto a su hermano el batería Steve Jansen (también ex-Japan) y Burnt Friedmann, gurú del chill out y la electrónica en formaciones como Drome, Flanger o Non Place Urban Field. David Sylvian mensajero de lo críptico y de la pasión analógica en un entorno digital, intenso, minucioso y un punto enigmático, sigue a pesar de todo siendo un optimista, acentuando la oscuridad para poder apreciar mejor la luz, digiriendo el veneno para desarrollar una cierta inmunidad.  © epdlp




   LTJ Bukem
   Journey Inwards (2000)

   04 MARZO 2013

   LTJ Bukem es el seudónimo de Danny Williamson, una de las mentes más originales de la música jungle. Comenzó a estudiar música gracias a las clases de piano que le pagaban sus padres durante su infancia. La música clásica se convirtió en su banda sonora, ya que además de las clases de piano, sus padres eran verdaderos amantes de Rachmaninov y de Tchaikovsky. Gracias a uno de sus profesores de música, Nigel Crouch, le introdujo en el mundo del jazz-fussion, un estilo que ha influenciado su trabajo desde el principio. Abrió caminos en el año 91 con su pionero Demon´s Theme y creó toda una escuela dentro del drum & bass con Music en el 93 y Horizons en el 94. Ese año coincidiría con la apertura del club Speed en el Mars Bar en el centro de Londres, que se convertiría en el centro del drum & bass y el jungle más importante del mundo. Creador del sello discográfico Good Looking Records, dirigido desde una pequeña oficina en Harlesden (un barrio al norte de Londres), mezcla el soul, el jazz, el funk, con nuevos sonidos de extraordinaria originalidad, que lo sitúan en primera fila del panorama musical contemporáneo. Revelar a Danny Williamson nunca será innecesario y carente de utilidad para aquellos a los que todavía les queda el descubrir y paladear el inefable placer que produce su música.  © epdlp




   Thomas Feiner
   The Opiates - Revised (2008)

   28 FEBRERO 2013

   Un opiáceo es una especie de conjura para ahuyentar la melancolía. Se le consideró siempre como una medicación casi milagrosa, llegando Paracelso a considerarlo como la piedra de la inmortalidad. Algo parecido le ocurre a Thomas Feiner, compositor sueco nacido en Goteborg, que en 1989 inició una prometedora carrera junto a su banda Anywhen. El grupo formado por el propio Thomas Feiner (voz), Mikael Andersson Tigerström (bajo), Kalle Thorslund (batería) y Jan Sandahl (guitarra), publicó dos álbumes As We Know It (1993) y Anywhen (1996), hasta que en 1999, dos años antes de la publicación de The Opiates (2001), la banda empezó a difuminarse hasta quedar con vida sólo la persona del cantante. La revisión de éste trabajo en el año 2008, gracias a David Sylvian y a su sello SamadhiSound, ha supuesto el redescubrimiento de éste barítono desengañado con voz cavernosa que una vez se vio reflejado en el agua cristalina de su propia desesperación. La Radio Symphony Orchestra de Varsovia acompaña a los disueltos Anywhen y a la voz de Thomas Feiner en éste álbum retocado titulado The Opiates (Revised), que contiene dos nuevas canciones y que oscila entre lo intimo y lo épico en una obra imprescindible por su fuerza, matices y profundidad. Hay que destacar la colaboración del prestigioso diseñador gráfico Aubo Lessi, autor de uno de los video-clips que acompañan el disco, absolutamente imprescindible y el diseño general de Chris Bigg, con imágenes de Jean Cocteau y Marcel Khill, fotografiadas por Cecil Beaton. Su reedición hace justicia a uno de los mejores discos de la década.  © epdlp




   Animal Collective
   Merriweather Post Pavilion (2009)

   25 FEBRERO 2013

   Eclipsar a los cabezas de cartel del Festival Sónar 2009, el grupo electrónico Orbital y la cantante Grace Jones, no es nada fácil. Eso es lo que consiguieron en ese año el grupo Animal Collective. El pop del futuro (AC) contra la electrónica de los noventa (Orbital). Oriundos de Baltimore (EEUU), el trío compuesto por Noah Lennox (Panda Bear), Dave Portner (Avey Tare) y Brian Weitz (Geologist), ha conseguido elaborar una música que conmueve, un sonido que es ejecutado sin fisuras y una musicalidad que sabe ser de vanguardia sin renunciar a estilos conocidos y asimilables. Siendo un grupo que toca la electrónica como medio y no como fin, clasificados bajo la etiqueta del psych folk o noise rock, sus canciones se convierten en himnos hedonistas bajo electrónica de arte y ensayo. Hasta la fecha han editado cinco trabajos de estudio, Here Comes The Indian (2003), Sung Tongs (2004), Hollinndagain (2006), Strawberry Jam (2007) y Merriweather Post Pavilion (2009). Son fundadores del sello discográfico Paw Tracks, en el que han publicado parte de su material. Varios medios periodísticos, calificaron su trabajo como el mejor disco de 2009, sin embargo, las cifras de ventas y las escuchas de la banda son un poco decepcionantes, aunque existen infinidad de grupos que se han convertido en clásicos sin conseguir grandes ventas, Joy Division o My Bloody Valentine son algunos ejemplos. La música de AC es experimental, aunque no creemos que quede un indie en el mundo sin saber que AC han sacado un disco este año. AC es a la música, lo que Lars Von Trier al cine, ambos hacen lo más parecido a un trance (musical y cinematográfico) y a la vez son endiosados por la crítica, lo que convierte a sus seguidores en entes de lo más sofisticado.  © epdlp




   The Durutti Column
   Keep Breathing (2006)

   11 FEBRERO 2013

   La Columna Durruti fue una columna de milicias populares anarquistas, que participó en el año 1936 en la Guerra Civil Española, luchando contra Franco. Estuvo comandada por Buenaventura Durruti durante los primeros meses. Vini Reilly, líder de la banda homónima, vio ese título en el póster de un grupo político situacionista inglés, y decidió dar ese nombre al grupo que acabada de formar en Manchester (Inglaterra) en 1978, junto a los productores Anthony H. Wilson y Alan Erasmus, fundadores del sello discográfico Factory Records. Sin embargo, pronto se convirtió en un proyecto en solitario de Vini Reilly. The Durutti Column no son exactamente un grupo, son un concepto de banda, porque Vini Reilly es el germen de un estilo totalmente personal, que no cabe en ninguna clasificación. Componen la banda en la actualidad, Vini Reilly (guitarra), Bruce Mitchell (batería), Laurie Laptop (programación) y Pete Crookes (bajo). Han editado entre otros los siguientes álbumes de estudio, The Return Of The Durutti Column (1980), LC (1981), Another Setting (1983), Circuses & Bread (1986), Obey The Time (1990) y Sex And Death (1994), todos ellos bajo el sello de sus fundadores Factory Records y más tarde, Rebellion (2001), Tempus Fugit (2004), Keep Breathing (2006), Love In The Time Of Recession (2009) y Chronicle (2011). Decir que Vini Reilly construye jazz, rock, folk o clásica sería temerario, quizá lo más apropiado sería relacionarlo con reminiscencias de los 60, que los entendidos enlazan con piezas de danza moderna, aunque su verdadera clasificación sería de entronizador del post-punk y de la new wave. Con el sonido característico de su guitarra, se situó en un "no man's land" (tierra de nadie) que desde entonces, hace más de treinta años, no ha hecho más que acrecentar su figura y porqué Vini Reilly convierte cada una de sus canciones en descomunales epopeyas vestidas de pequeñas sinfonías.  © epdlp




   Shazz
   Beautiful (2004)

   04 FEBRERO 2013

   Dentro del paisaje de la música electrónica francesa Eric Morand, más conocido como Shazz, productor y compositor, es uno de los nombres más prestigiosos. Debutó en 1992 editando su primer maxi, Moonflower. A éste siguieron otros con diferentes seudónimos, Soofle et Ln’s (con Ludovic Navarre), Choice (con Laurent Garnier) y definitivamente como Shazz en 1998. Pionero de la escena electrónica en Francia, su música siempre ha buscado la levitación. Sus álbumes de estudio, Shazz (1998), The Luz (2001) y Beautiful (2004), le sitúan a la altura de propuestas musicales similares como Saint Germain y Llorca, su groovy house teñido de bossa, funk, soul y jazz, incita al ritmo leve y refinado. Electro-jazz, lounge music, french Touch, el nuevo jazz del siglo XXI.  © epdlp




   Matthew Herbert
   Bodily Functions (2001)

   28 ENERO 2013

   Genio de la electrónica, gurú del microhouse y concienciado azote del capitalismo, el inglés Matthew Herbert ha sobrepasado en riesgo e inventiva a muchos de los artistas de su generación. Propietario de los sellos discográficos Lifelike, Accidental y Soundslike, es uno de los músicos más prolíficos e influyentes de la escena electrónica actual. Con su nombre de pila o como Doctor Rockit, Wishmountain y Radio Boy, todos sus álbumes son, sin excepción, objeto de culto para los amantes de la electrónica antidogmática y alejada de clichés. Protagonista de una carrera brillante y arriesgada a lo largo de la década de los noventa, su música es capaz de hacer de una bolsa de patatas, tenedores, lámparas, una puerta chirriante o un retortijón de barriga instrumentos tan elegantes como el piano, el violín o el clarinete. Aunque para Herbert ese es un simple medio, no un fin. Sorprendió con Around The House (1998), un disco que exploraba la idea de la música de club en un entorno doméstico. Con Bodily Functions (2001), Herbert alcanza la plenitud artística. Acompañado por la ítaloamericana Dani Siciliano - su vocalista de terciopelo y musa gastronómica-, da vida a unos seres que encierran en sí mismos una reflexión acerca de la identidad y las relaciones humanas, envueltos en un entorno digital de una vitalidad hasta entonces desconocida. Teniendo como premisa la utilización de sonidos corporales suyos y de sus compañeros, Bodily Functions es el primer disco grabado bajo los estatutos del PCCOM (Contrato Personal Para la Composición de Música), una especie de manifiesto creado por Herbert en el que rechaza la utilización de sonidos previamente creados o sampleados en la creación de música nueva a favor de la originalidad. Con el siguiente álbum Goodbye Swingtime (2003) le devuelve un poco a sus orígenes como músico en una big band de jazz, una oportunidad única para comprobar cómo se puede llevar a Duke Ellington y Cole Porter al corazón del siglo XXI. Matthew Herbert, bicho raro de la música experimental, el deep house, el electro y el jazz, desnuda la belleza y la viste de una elegante sobriedad formal llena de erotismo y ternura. © epdlp




   Layo & Bushwacka
   Low Life (1998)

   21 ENERO 2013

   La historia de Layo & Bushwacka comenzó en el año 1988, una adolescencia en la que frecuentaban las fiestas acid de Clink Street o utilizaban piezas de música clásica para desarrollar en la escena hardcore. Con su espíritu ecléctico que daba forma a sus sesiones, bien en su hogar espiritual, el londinense The End, en una playa de Brasil o en los clubs más importantes de Ibiza o Argentina. Mientras Layo modifica sin compasión sonidos y frecuencias, Bushwacka machaca el crossfade, convirtiendo el indescriptible armamento breakbeat en un compulsivo collage de cortes y ritmos. Refugiados del underground, han pasado su tiempo apoyando el underground británico cuando los demás hacían oídos sordos. Layo Pashkin abriendo The End, un club con el propósito de descubrir nuevos valores a los vampiros nocturnos. Matthew "Bushwacka" Benjamin con su lucrativa carrera como Dj de raves, cogiendo de las nuevas corrientes del techno, tech-house, electro y breakbeat, forzándolos junto al blues, música clásica y bandas sonoras del último siglo para crear el nuevo sonido del siglo XXI. A mediados de los 90, cuando Layo and Bushwacka comenzaron su andadura juntos, la música dance estaba en proceso de cambio. La escena hardcore de la que Matthew había sido parte integral, ahora estaba cambiando hacia el drum&bass, mientras que los nuevos híbridos, más tarde etiquetados como tech-house y breakbeat, estaban emergiendo de los clubes como el The End. Matthew había creado su propio sello, Plank records, y creaba y pinchaba lo que él mismo definía como "buena música de calidad para salir y bailar", lo que más tarde sería el estilo Bushwacka. En 1998 Layo and Bushwacka editaron su primer disco Low Life, suave colección de electro, techno, underground, house y old skool breakbeat, pero filtrados a través del blues del delta y del dub reggae, creando un brillante disco de sonidos breakbeat atmosférico y downtempo. Los siguientes trabajos Night Works (2002) y Feels Closer (2006), muestran cómo su paleta de colores ha aumentado proporcionalmente al tamaño del lienzo utilizado. Como bien dicen los dos: "Les gustaría mucho más que el disco tuviera buenas críticas que el hecho de vender muchos discos. Algo que puedas escuchar dentro de unos años y que todavía conserve su dignidad y frescura".  © epdlp




   Lamb
   What Sound (2001)

   14 ENERO 2013

   Mientras Portishead y Massive Attack, emblemas del movimiento trip-hop, todavía no saben cómo salir de la oscuridad en la que se han metido, Lamb (los ingleses Louise Rhodes y Andy Barlow), han trabajado en silencio su receta para combinar los adrenalíticos sonidos del drum'n'bass con la serenidad del downtempo. Su dulce desesperación nos deja impávidos y sumidos en esa letanía que producen las cosas bellas y con sentimiento. Lamb (1996), Fear of Fours (1999), What Sound (2001) y Between darkness & wonder (2003), son sus cuatro álbumes, cuyo fin último es formar parte de la enciclopedia del amor y la melancolía. El dúo Lamb no ha venido a cambiar el trip-hop o a inventar un nuevo estilo musical, sino a descubrir lo mejor de la belleza que se genera cuando hay pasión y entusiasmo por la música, y sobre todo cuando lo que más se quiere es reflejar estados de ánimo. Sus actuaciones en directo demuestran su virtuosismo como banda, en la que destaca la figura de Lou Rhodes (descalza y bebiendo té como una descosida), una voz llena de fuerza y compasión, que genera tranquilidad y desesperación. El sonido de Lamb explora la oscuridad salvaje, las conversaciones privadas intensas y cautivadoras que se convierten en poesía. Todo un recorrido por la fragilidad, tristeza y soledad humana.  © epdlp




   Frou Frou
   Details (2002)

   07 ENERO 2013

   En algunas ocasiones, la popularidad y el reconocimiento llegan por los caminos más extraños. El dúo británico Frou Frou (la cantante Imogen Heap y el compositor y productor Guy Sigsworth), se dieron a conocer mundialmente al incluir una versión de la canción "Holding out for a hero" de Bonnie Tyler, en la banda sonora de Shrek 2. Desde entonces el dúo que más ha dado que hablar en el ambiente del electro pop en los últimos dos años, disfruta de un sitio privilegiado. Antes de unir sus destinos musicales como dúo, Imogen Heap había iniciado su carrera en solitario cuatro años antes con, I-Megaphone (1998) y dos años después editaron su primer y único álbum hasta la fecha, Details (2002). Frou Frou, son pop electrónico, mezclado con rock alternativo, a mitad de camino del espacio musical que creó Portishead hace algunos años y que Bjork se encargó de llevar al primer plano. Su destino es explorar las fronteras del pop rock electrónico, un buen ejemplo de lo que la mezcla de un criterio musical adecuado y una voz portentosa pueden siempre conseguir.  © epdlp




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