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       Música - 451 álbumes 
 
    
 

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   Maneesh de Moor
   Sadhana (2006)

   19 DICIEMBRE 2011

   Nacido en Holanda, Maneesh de Moor, es de esos raros compositores que ha sabido sintetizar el arte del sonido electrónico con el arte del sonido escultórico. De formación clásica, cada uno de sus trabajos es una plasmación de étnias tradicionales y de atmósferas y de surcos contemporáneos, califiquémoslo como un viaje al ethno-ambient. Hasta la fecha ha editado dos trabajos de estudio con su nombre, Lovers Lounge (2001) y Sadhana (2006), aunque durante años ha estado colaborando con infinidad de músicos de alrededor del globo, Sudha, Praful, Bahramji, Deva Primal & Miten, Prem Joshua, son sólo algunos de sus nombres y sus Cd’s más destacados con ellos, Call Of The Mystic (con Bahramji, 2005) y Sharanam - Sacred Chants Of Devotion (con Sudha, 2007). Además ha participado como pianista y teclista en infinidad de conciertos y acontecimientos acompañando a diversas formaciones por Suecia, Inglaterra, Costa Rica, Japón, EEUU, India, Alemania, Austria, Bélgica, Australia, etc. A medida que Occidente se hunde bajo el peso de su propia corrupción moral, Oriente pretende deleitarnos con las balsámicas palabras de sabios y filántropos que vienen quizá a socorrernos. Maneesh de Moor, es europeo, pero aún así es poseedor de una inestimable sabiduría musical, concentrada mayormente en música turca de inspiración Sufi, tocando entre otros el Santoor persa, y creando una música mágica que induce a la meditación y que da una visión moderna del misticismo.  © epdlp




   Blu Mar Ten
   Natural History (2009)

   12 DICIEMBRE 2011

   Estar a la sombra de Daniel Williamson (LTJ Bukem) siempre es un motivo para dar rienda suelta a la creatividad y para sentirse protegidos por esa especie de halo mágico que el compositor y productor británico siempre ha tenido. Blu Mar Ten, Leo Wyndham y Chris Marigold, a los que luego se les unió, Michael Tognarelli, son unos privilegiados en ese aspecto, pues son los niños mimados del gran gurú y dueño del sello Good Locking Records. Aunque desde 1995 editaban pequeños trabajos y numerosas colaboraciones, no fue hasta el año 2002 cuando debutaron con su primer álbum, Producer (2002), el tercer disco de la serie homónima que ésta discográfica lanzaba al mercado y que llevó a ser reconocidos en el mercado mundial a gente como PFM (Mike Bolton), Tayla (Travis Edwards), Seba (Sebastian Ahrenberg), Big Bud (R. O'Reilly) y hasta el propio Bukem. En su segundo trabajo, The Six Million Names Of God (2003), continuaron esa línea marcada con paso firme, música arriesgada con poderosos ambientes electrónicos, largos desarrollos instrumentales y una rítmica contenida. Esa pequeña obra de ingeniería downbeat, tuvo las colaboraciones de prestigiosos productores británicos, Blame (720° Recordings/Charged), Nor Elle (Plastic City) y Fink (Ninja Tune), y era la antesala de metas más importantes que el trio británico llegaría a conseguir con sus siguientes trabajos, Black Water (2007), Natural History (2009), Love Is The Devil (2011) y Famous Lost Words (2013). Blu Mar Ten adopta el sonido, en el más estricto sentido paternal, volviendo al lugar de una niñez perdida para recuperar los recuerdos, una forma primitiva de construirse un refugio para defenderse del mundo exterior.  © epdlp




   Gotan Project
   Tango 3.0 (2010)

   28 NOVIEMBRE 2011

   En los confines de la música argentina (Tango, Milonga...) y la música electrónica, se ha creado de una forma casi artesanal, un nuevo concepto llamado Gotan Project. Desarrollado por Philippe Cohen Solal, Christoph H. Mueller y Eduardo Makaroff, está apoyado por un gran número de músicos alrededor del mundo, como Gilles Peterson, Thievery Corporation, Peter Kruder, Raphael Sebbag, Toshio Matsuura de UFO, Paolo Scotti (Studio Uno), Jazzanova, Rainer Trüby, Les Gammas, Herbert, Mr.Scruff, Jason Bentley (Bossa Nova Club L.A.). Su primer álbum, La revancha del tango fue uno de los trabajos más esperados del año 2001. Desde el lanzamiento de los primeros 10", la música de este trio ha tomado parte en más de 25 recopilatorios distribuidos en todo el mundo por algunos de los mejores sellos como: Compost, Guidance, Mercury, entre otros. Gotan Project utiliza la voz, el bandoneón, la guitarra, el piano o el violín tomando protagonismo sobre bases sintéticas. Con sus siguientes álbumes, Inspiración - Espiración (2004), Lunático (2006) y Tango 3.0 (2010), siguen construyendo ese hermoso puente entre el sentimiento de la música argentina y la energía y magnetismo de la música electrónica. Un nuevo concepto ha nacido: la electrauthentica.  © epdlp




   Chicane
   Far From The Maddening Crowds (1997)

   21 NOVIEMBRE 2011

   Sabio conocedor de los sonidos de Ibiza, puros ritmos chill-out y el trance melódico, sensación de los clubes ingleses y uno de los dj's más desconcertantes de los últimos tiempos, el inglés Nick Bracegirdle, más conocido como Chicane, ha conseguido sublimar las virtudes de la música de baile, transformándola en techno melancólico. Educado en las lides de la música clásica, olvidó el ambiente de conservatorio el día que decidió comprarse dos teclados análogos y experimentar con lo que podía salir de las mezclas en el estudio. Sus álbumes de estudio, Far From The Maddening Crowds (1997), Behind The Sun (2000), Easy To Assemble (2003), Somersault (2007), Giants (2010), Thousand Mile Stare (2012) y Than The Sum Of Its Parts (2014), funcionan bien si deseas escucharlos tomando un café un atardecer en cualquier playa relajante del Mediterráneo o el Pacífico Sur, así como también funciona como música para un bar de estilo lounge. Nick Bracegirdle sabe cómo crear inmejorables paisajes y momentos de intensa emoción.  © epdlp




   Juno Reactor
   Gods And Monsters (2008)

   14 NOVIEMBRE 2011

   Maestro de la música electrónica, el inglés Ben Watkins es Juno Reactor. Su proyecto, en un principio en la onda cyberdelia, derivó con el tiempo en el estilo que le ha hecho célebre, el goa trance. El trance surge de la unión entre el house y la música ambient (término inventado por Brian Eno), que al distorsionarse con sonidos agudos, da lugar a otros estilos, entre ellos, acid house, trip hop y goa. Juno Reactor en sus siete álbumes hasta la fecha, Transmissions (1993), Beyond the infinite (1995), Samurai (1996), Bible of dreams (1997), Shango (2000), Labyrinth (2004) y Gods And Monsters (2008), nos regala sus temas épicos con niveles de frenesí extremo, con continuos acelerones del ritmo y espectaculares crescendos. Música cristalina y contundente, con momentos vocales de corte étnico, dónde la percusión se desvela como el complemento perfecto para guiarnos en los primeros pasos hacia el desenlace de una imaginaria profecía.  © epdlp




   London Elektricity
   Syncopated City (2008)

   24 OCTUBRE 2011

   Fusionar un sub-estilo de ghetto con otros más populares, es siempre tarea difícil y complicada. Tony Colman es el mejor exponente del verdadero sonido soulfull drum'n'bass. Junto a Chris Goss fundó Elektric Productions en 1996 y más tarde el sello Hospital Records (imprescindibles sus recopilatorios bajo el nombre Weapons Of Mass Distraction), formando al mismo tiempo proyectos paralelos llamados Future Homosapiens, Dwarf Electro y Orkestra Galactica. Su estreno como London Elektricity fue el aclamado álbum Pull the plug (1998), una poderosa amalgama de sonido soulfull de alto voltaje, donde voces masculinas y femeninas se enlazaban con enérgicos bajos y característicos ritmos del jungle. Cuatro años más tarde Chris Goss abandona el dúo para dedicarse en exclusiva a su sello discográfico Hospital Records. Ya en solitario, Tony Colman, que en ese periodo de tiempo remezcló a gente como The Headhunters, Nitin Sawnhey y UFO, edita su segundo trabajo, Billion Dollar Gravy (2003), un clásico que sigue las pautas heredadas del progressive, con tracas de diversos colores y excelentes vocalistas a punto de explotar. En Power Ballads (2005), su tercer trabajo en el que participan las voces de MC Wrec y la leyenda del jazz Liane Carroll, continúa con su línea melódica bien sujeta, el bajo donde debe estar y el eficaz contrapunto rítmico para que se te muevan los pies. Syncopated City (2008), Yikes! (2011) y Are We There Yet? (2015), son sus últimos trabajos. En sus conciertos en directo, Tony Colman y su banda no utilizan ningún tipo de hardware, ni existe el playback. Únicamente verás a unos músicos concentrados en sus instrumentos y unos vocalistas con el alma entre las cuerdas vocales, algo sorprendente y meritorio en un grupo electrónico. London Elektricity ejecuta un drum'n'bass orgánico y asimilable para aquellos que huyen de la pista con el rabo entre las piernas en cuanto el hard-step hace acto de presencia. Música vital con un aura de neblina, que crea espacios de formas obsesivas.  © epdlp




   Bjork
   Biophilia (2011)

   10 OCTUBRE 2011

   La islandesa Bjork Gudmundsdottir, creció en una comunidad hippie y aprendió a tocar la flauta y el piano. Apasionada por la música clásica, su talento hace que sus profesores se fijen en ella y con tan sólo 12 años, grabe un disco, Björk (1977). A partir de ese momento comienza una historia musical plagada de éxitos, primero con los grupos Exodus, Tappi Tikarass y Kukl. Más tarde y junto a sus compañeros en Kukl, Einar Orn y Siggi Baldursson, formó Sugarcubes (1986-1992), sexteto nacido a partir de un colectivo anarco-cultural llamado Bad Taste Ltd., dedicado a editar poemarios y discos de artistas marginales. En 1992 Bjork siguió su carrera en solitario. Nelle Hooper, responsable de la producción de varios de los clásicos del llamado sonido Bristol, será el encargado de hacer de Debut (1993), su memorable primer disco que la catapulta hacia el estrellato pop. En el segundo, Post (1995), la acompañaron, aparte de Hooper, el entonces emergente Howie B, Graham Murria, componente de los 808 State y Tricky, a quien devolvería el favor participando en su proyecto Nearly God. Homogenic (1997), es un álbum de temas preciosos y dramáticos que nos hablan de estados de ánimos difíciles de definir, con incursiones en el trip-hop y el jungle. Ese mismo año lanza un disco de remezclas titulado, Telegram (1997) y tres años más tarde Selmasongs (2000), banda sonora de la película de Lars Von Trier, Bailar en la oscuridad. Con Vespertine (2001) y recientemente con Volta (2007), Biophilia (2011) y Vulnicura (2015), la intrincada estética musical de la artista, alcanza nuevos niveles de madurez e independencia. Música tranquila, introvertida, llena de susurros y de improvisación, en definitiva verdaderas odas a la melancolía. Bjork, la mujer de la voz sulfurosa, es la cantante islandesa más popular del mundo occidental, cultivando una imagen pública que la describe como una dulce y talentosa freak, de pensamiento sagaz y una fuerte personalidad. Vinculada desde siempre al arte, muestra la diversidad de sus influencias musicales, su habilidad para mezclar elementos del rock, punk, techno y jazz, con ritmos clásicos. Pero además abarca otros estilos, desde el pop más simple hasta el trip-hop, pasando por la big band music, combinando lo mejor de lo acústico y lo más intenso de la electrónica. Una fusión que Bjork ha sabido colorear con sus propios tintes, y con ese toque sutil de ternura e inocencia que la hace única.  © epdlp




   Mo Horizons
   Sunshine Today (2007)

   05 SEPTIEMBRE 2011

   Grandes figuras de la llamada música downtempo, los alemanes Ralf Droesemeyer y Mark Wetzler, son dos músicos y productores, trotamundos sin fronteras, que fusionan lo exótico y lo mundano en igual medida. Procedentes del downtown de Hannover, se desenvuelven en el campo de los ritmos sosegados con toques de jazz, blues, dub y guiños a la bossanova, un ingrediente básico a la hora de confeccionar un completo menú chill out. Con sus cinco discos de estudio, Come Touch The Sun (1999), Remember Tomorrow (2001), And The New Bohemians Freedom (2003), Sunshine Today (2007) y Mo' Horizons And The Banana Soundsystem (2011), se han convertido en grupo de referencia del emblemático sello Stereo de Luxe. Una música rebosante de calidad de la primera a la última canción, unos ritmos pausados, una producción cuidadísima, una perfecta combinación de temas vocales e instrumentales, un nuevo concepto de libre creación artística que no se deja encasillar. World lounge provocador de adicciones, esa extraña atracción por la melancolía y la lluvia gris que preceden a un día soleado.  © epdlp




   Telefon Tel Aviv
   Immolate Yourself (2009)

   22 AGOSTO 2011

   Telefon Tel Aviv es la historia de dos amigos de Nueva Orleans, que de la música clásica saltaron sin escalas a las laptop. Su debut, Fahrenheit Fair Enough (2001) deslumbró a la crítica entendida, que calificó sus paisajes sonoros ambientados con guitarras estridentes y pianos melancólicos, como el primer gran disco de pop electrónico del siglo XXI. Josh Eustis y Charles Cooper, han habilitado una especie de puente entre el post-rock y la electrónica (indietrónica), uniendo ritmos y glitches con una instrumentación orgánica. Niños mimados del sello Hefty (el que le hace la competencia en Estados Unidos a Morr Music) y con una música paralela a la de Mark Van Hoen (Locust), This Mortal Coil, Polygon Window, Lali Puna o Ian Masters, echaron el resto en un segundo trabajo que les consagró. Map of What Is Effortless (2004), continúa siendo abstracto, pero tiene el toque épico que hace que sus canciones entren con mayor facilidad en los oídos. Telefon Tel Aviv consiguió el álbum más preciosista y orquestado de ese año. Immolate Yourself (2009), es su último y paradójicamente definitivo trabajo del dúo, pues uno de sus componentes Charles Cooper, murió en Enero de ese mismo año. Telefon Tel Aviv han confeccionado a lo largo de su corta carrera, música electrónica emocional con hits potenciales, lo que llamaríamos tecno para llorar, toques soul con muchas detonaciones (glitches, clicks, cuts) para transportarte sin esfuerzo por parajes idílicos, encandilarte con la conjunción de sonidos y con la muestra de beats en esencia. Quizá las cosas más valiosas en el mundo no tengan precio, Telefon Tel Aviv supo que la búsqueda de la sencillez construida con orquesta de cámara y ruido electrónico, convirtieron a su música en esbozos de amor y desolación.  © epdlp




   Beth Orton
   Comfort of Strangers (2006)

   25 JULIO 2011

   La inglesa Beth Orton ha llevado a cabo la extraña tarea de popularizar la música de influencia folk entre los clubes de la última década del siglo XX. Sus aspiraciones se dirigían a ser actriz, pero el afamado compositor y productor William Orbit la contrató para grabar unos textos recitados para su proyecto Strange Cargo. El éxito del proyecto la llevó a grabar su primer disco Superpinkymandy (1993), un disco poco convencional solamente para el mercado japonés, que le abrió las puertas a colaboraciones junto a Red Snapper, Chemical Brothers, Primal Scream, Ben Watt (EBTG), Johnny Marr (Smiths) y Ryan Adams. Sus siguientes álbumes, Trailer Park (1996), Central Reservation (1999), Daybreaker (2002) y Comfort of Strangers (2006), la consagraron como esa cantautora universal que lejos de estilos (folk, pop, country, electrónica, etc) toca todos los palos con elegancia y sencillez, creando canciones brillantes, sencillas y que perduran en el tiempo. Sus conciertos en directo destilan unos sonidos llenos de matices, intensos y hermosos, sobre el que sobresale su espléndida voz, momentos álgidos de emoción desbocada. Beth Orton la niña mimada del pop británico se disfraza de Joni Mitchell, Natalie Merchant y Suzzane Vega, y al final acaba pareciéndose a Bjork y a Sade. Un viaje en torno a las relaciones personales, con sus canciones como análisis del mundo a través de sus ojos, describiendo la naturaleza de las cosas desde un punto de vista en el que la esperanza, el amor, la expectación y el paso del tiempo se expresan naturalmente. Entre la caída, la salvación y la supervivencia, Beth Orton nos recuerda el cielo de cemento que se nos cae encima.  © epdlp




   Underworld
   Frankenstein Music From The Play (2011)

   04 JULIO 2011

   Aunque desde el año 1981 editaban discos con el nombre de Freur, el dúo Underworld se formó en el año 1987 cuando los músicos ingleses, el frontman-vocalista y guitarrista Karl Hyde y el virtuoso programador Rick Smith editan su primer single, en un principio totalmente pop. En el año 1990, un joven DJ llamado Darren Emerson, entraba a formar parte del grupo. Pero es en 1991 cuando Rick y Karl deciden fundar junto a otros amigos, el colectivo de arte Tomato, que se convirtió en una referencia indiscutible en el mundo del arte audio-visual. Fue desde entonces cuando empezaron a aparecer sus temas más aclamados. Su álbum de debut Dubnobasswithmyheadman (1994), convirtió al trío en el primer gran grupo electrónico de masas capaz de llenar estadios enteros en los años 90. Posteriores éxitos como Born Slippy, todo un auténtico himno gracias a la película Trainspotting, o su segundo trabajo Second Toughest In The Infants (1996), no hicieron más que consagrarles. En 1999, apareció su tercer álbum Beaucoup Fish, un año antes de que Darren Emerson abandonara el grupo. Desde entonces Rick y Karl han seguido en solitario trabajando en sus siguientes trabajos, A Hundred Days Off (2002), Oblivion With Bells (2007), Barking (2010) y Barbara Barbara, we face a shining future (2016). Underworld combina el house de Chicago, el techno de Detroit y la música ácida de Londres con guitarras de rock tradicionales y un tratamiento vocal surreal y saturante, creando un comprimido sonoro único, frente al cual el zarandeo de cuerpos y de estilos musicales es inevitable. Aunque la música de baile tiene raíces inherentemente hedonistas, Underworld posee un claro sentido ético al respecto. Ellos re-delimitan los alcances de la música electrónica, elevando las sensaciones hasta niveles totalmente imprevisibles, absolutamente deslumbrantes. Grupo imprescindible para comprender la música actual y para comenzar a entender la música del futuro, el rock del siglo 21, el paso definitivo del rock con guitarras al rock electrónico. Frankenstein Music From The Play (2011), es la música que compusieron para la adaptación teatral que de la obra de Mary Shelley, llevó a los escenarios el director Danny Boyle y que se estrenó ese año en el National Theatre londinense.  © epdlp




   Nitin Sawhney
   Migration (1995)

   27 JUNIO 2011

   Nitin Sawhney es un músico anglo-hindú que fusiona tradición y electrónica. Nació en Rochester, Kent, Inglaterra. Con Talvin Singh, otro de los grandes nombres del asian underground, fundó Tihai Trio, proyecto creado tras la disolución de su primera banda The Jazztones. Sus 10 álbumes hasta la fecha, Spirit dance (1994), Migration (1995), Displacing the priest (1996), Beyond skin (1999), Prophesy (2001), Human (2003), Philtre (2005), London Undersound (2008), Last Days Of Meaning (2011) y Dystopian Dream (2015), son un impecable ejemplo de cómo delimitar el presente sin renunciar a la memoria. Nitin Sawhney ha estado enseñando al mundo por dónde va la música del siglo XXI. La diferencia entre lo que él hace y lo que surge de otros artistas contemporáneos suyos no es una cuestión de estilo, sino de talento. En su música se dan la mano, el canto musulmán de llamada a la oración y la rumba mediterránea, los ecos jazzísticos y el espíritu del Ganges, demostrando que la música contemporánea pierde sus fronteras en bien de la creación y que cualquier herencia es buena si se sabe utilizar con criterio y si se adquiere de ella lo que mejor puede aportar al estilo propio del compositor. Nitin Sawhney no crea para turistas, sino que expone su música como un retrato cromático de la sociedad que refleja.  © epdlp




   Bel Canto
   Rush (1998)

   06 JUNIO 2011

   Tras la desaparición o hibernación de Cocteau Twins y Dead Can Dance, los noruegos Bel Canto son la única de estas tres leyendas que se mantiene generando música sublime para el deleite de nuestros sentidos. Con más de 17 años de trayectoria musical, el dúo que anteriormente era un trío (Geir Jenssen lo dejó para encargarse del proyecto electrónico Biosphere), compuesto por Anneli Drecker (voz) y Nils Johansen (teclados, guitarra y violín), elaboran una música ecléctica con acordes melancólicos y tristes llena de luminosidad. La inigualable interpretación vocal de Anneli Drecker, en ocasiones evocando los tribales cantos joikk de Noruega, mezcla antiguos enigmas junto a la sofisticación moderna, lo que al final produce una experiencia mágica. Hasta la fecha han editado seis álbumes de estudio, White Out Conditions (1987), Birds of Pasage (1990), Shimering, Warm & Bright (1992), Magic Box (1996), Images (1999) y Dorothy's Victory (2002). Fueron los encargados de crear la música original de los Juegos Olímpicos de invierno en Lillehammer. Paralelamente Anneli Drecker ha publicado dos cds en solitario, Tundra (2001) y Frolic (2005), mientras que Nils Johansen ha grabado dos discos en solitario, Cho Oyu 8201m – Field Recordings From Tibet (2006) y la banda sonora de Im Schatten [2012]. Bel Canto, pioneros de la expansión de la música electrónica europea, incluidos en los géneros del world beat, ambient y el dark ethereal, viajan en el tiempo cada vez que crean e interpretan su música.  © epdlp




   Manel
   10 milles per veure una bona armadura (2011)

   09 MAYO 2011

   Considerada como la banda que explica mejor que ninguna el actual pop en idioma catalán, Mishima, Els Amics de les Arts y Antonia Font, serían las otras; ha logrado en sólo seis años de carrera, acceder a esa posición privilegiada que únicamente consiguen las bandas despolitizadas y locales, pero que al mismo tiempo son desacomplejadas y globales. El grupo está compuesto por Guillem Gisbert (voz, guitarra y ukelele), Roger Padilla (guitarra y programación), Martí Maymó (bajo) y Arnau Vallvé (batería y percusión). Han editado cuatro álbumes hasta la fecha, Els millors professors europeus (2008), un trabajó extraordinariamente considerado por la crítica especializada, mejor disco pop-rock del año (Enderrock), tercer mejor disco del año (Rockdelux) y séptimo mejor disco del año (MondoSonoro); 10 milles per veure una bona armadura (2011), un trabajo que hace referencia a una frase que pronunciaba el actor y director Kenneth Branagh en el film basado en la obra de William Shakespeare, Mucho ruido y pocas nueces. El disco consiguió ser número uno en las listas de ventas de toda España. Posición a la que sólo habían llegado cantautores como Joan Manel Serrat o Lluís Llach y que un grupo de pop cantando en catalán jamás había conseguido. Atletes, baixin de l'escenari (2013) y Jo competeixo (2016), son sus últimos trabajos. Su música extiende un pop-folk que camina protegido con extraordinarios arreglos de viento, un sonido reposado que impregna felicidad regada de melancolía.  © epdlp




   Jóhann Jóhannsson
   IBM 1401, A Users Manual (2006)

   02 MAYO 2011

   El IBM 1401 fue el primer ordenador personal que en 1964 llegó a Europa y el primero fabricado en masa para los negocios. El músico aficionado Jóhann Gunnarsson fue el ingeniero jefe de mantenimiento de este ordenador y se dedicó también a hacer pruebas de sonido con él. El método era programar la memoria, ya que emitía grandes ondas electromagnéticas, y luego con un receptor de radio recogerlas. Variando la programación llegaba a reproducir sonidos melancólicos y delicados. Jóhann Jóhannsson, hijo de aquél músico aficionado, ha fabricado un inolvidable homenaje a su padre, al primer ordenador de masas y a la música en general, con éste memorable trabajo titulado IBM 1401, A Users Manual. Jóhann Jóhannsson es uno de los más activos compositores de la nueva escena musical islandesa, antes llegaron Bjork, Gus Gus, Sigur Rós, Múm… pero quizás con él hemos llegado a un lugar sin retorno, el de la entrega sin condiciones a todo lo que suena islandés. Fundador del sello y colectivo artístico Kitchen Motors, miembro de la Apparat Organ Quarter, ha sido productor de entre otros, Marc Almond, Hafler Trio, Barry Adamson y Pan Sonic. Su discografía la componen cinco auténticas joyas del neoclasicismo electrónico, Englaborn (2002), Dis (2004), IBM 1401, A User's Manual (2006), Forlandia (2008) y And In The Endless Pause There Came The Sound Of Bees (2009), además de músicas para teatro, documentales y bandas sonoras. Jóhann Jóhannsson, poderosamente influenciado por la música de Arvo Pärt, Henryk Górecki y Dmitri Shostakovich, combina cuarteto de cuerda, piano, órgano o percusión con delicados tratamientos electrónicos y manipulaciones sintéticas, como una sucesión de letanías y armonías robóticas. Música para dejarse estremecer por lo hermoso e intensamente triste.  © epdlp




   Matthew Herbert
   Scale (2006)

   18 ABRIL 2011

   Genio de la electrónica, gurú del microhouse y concienciado azote del capitalismo, el inglés Matthew Herbert ha sobrepasado en riesgo e inventiva a muchos de los artistas de su generación. Propietario de los sellos discográficos Lifelike, Accidental y Soundslike, es uno de los músicos más prolíficos e influyentes de la escena electrónica actual. Con su nombre de pila o como Doctor Rockit, Wishmountain, Radio Boy o Herbert, todos sus álbumes son, sin excepción, objeto de culto para los amantes de la electrónica antidogmática y alejada de clichés. Protagonista de una carrera brillante y arriesgada a lo largo de la década de los noventa, su música es capaz de hacer de una bolsa de patatas, tenedores, lámparas, una puerta chirriante o un retortijón de barriga instrumentos tan elegantes como el piano, el violín o el clarinete. Aunque para Herbert ese es un simple medio, no un fin. Sorprendió con Around The House (1998), un disco que exploraba la idea de la música de club en un entorno doméstico. Con Bodily Functions (2001), Herbert alcanzó la plenitud artística. Acompañado por la italoamericana Dani Siciliano, su vocalista de terciopelo y musa gastronómica, dio vida a unos seres que encerraban en sí mismos una reflexión acerca de la identidad y las relaciones humanas, envueltos en un entorno digital de una vitalidad hasta entonces desconocida. Teniendo como premisa la utilización de sonidos corporales suyos y de sus compañeros, Bodily Functions fue el primer disco grabado bajo los estatutos del PCCOM (Contrato Personal Para la Composición de Música), una especie de manifiesto creado por Herbert en el que rechaza la utilización de sonidos previamente creados o sampleados en la creación de música nueva a favor de la originalidad. Con el siguiente álbum Goodbye Swingtime (2003), le devolvió un poco a sus orígenes como músico en una big band de jazz, una oportunidad única para comprobar cómo se puede llevar a Duke Ellington y Cole Porter al corazón del siglo XXI. A éste siguieron, Plat du jour (2005), Scale (2006), Score (2007), la trilogía One (Club, One y Pig), RA.EX032 (2011), The End of Silence (2013), The Recording (2014) y The Shakes (2015). Matthew Herbert, bicho raro de la música experimental, el deep house, el electro y el jazz, desnuda la belleza y la viste de una elegante sobriedad formal llena de erotismo y ternura.  © epdlp




   Lamb
   Between Darkness & Wonder (2003)

   28 MARZO 2011

   Mientras Portishead y Massive Attack, emblemas del movimiento trip-hop, todavía no saben cómo salir de la oscuridad en la que se han metido, Lamb (los ingleses Louise Rhodes y Andy Barlow), han trabajado en silencio su receta para combinar los adrenalíticos sonidos del drum'n'bass con la serenidad del downtempo. Su dulce desesperación nos deja impávidos y sumidos en esa letanía que producen las cosas bellas y con sentimiento. Lamb (1996), Fear of Fours (1999), What Sound (2001) y Between darkness & wonder (2003), son sus cuatro álbumes, cuyo fin último es formar parte de la enciclopedia del amor y la melancolía. El dúo Lamb no ha venido a cambiar el trip-hop o a inventar un nuevo estilo musical, sino a descubrir lo mejor de la belleza que se genera cuando hay pasión y entusiasmo por la música, y sobre todo cuando lo que más se quiere es reflejar estados de ánimo. Sus actuaciones en directo demuestran su virtuosismo como banda, en la que destaca la figura de Louise Rhodes (descalza y bebiendo té como una descosida), una voz llena de fuerza y compasión, que genera tranquilidad y desesperación. El sonido de Lamb explora la oscuridad salvaje, las conversaciones privadas intensas y cautivadoras que se convierten en poesía. Todo un recorrido por la fragilidad, tristeza y soledad humana.  © epdlp




   Pat Metheny Group
   Letter From Home (1989)

   21 MARZO 2011

   Pat Metheny ha sido músico profesional casi la mitad de su vida. Incluso por separado, sin su grupo Pat Metheny Group, las credenciales del guitarrista son impresionantes. Fue profesor tanto en la Universidad de Miami como en el Berklee College of Music, en Boston, cuando aún era un adolescente. A los diecinueve años se unió a la banda de Gary Burton y permaneció con ellos durante tres años (1974-1977). Ha tocado y grabado con algunos de los más innovadores músicos de las pasadas dos décadas: Gary Burton, Sonny Rollins, Paul Motian, Roy Haynes, Miroslav Vitous, Jack DeJohnette, Michael Brecker, Charlie Haden, Ornette Coleman, Milton Nascimento, Herbie Hancock y Steve Reich, entre otros. Su primer disco fue Bright Size Life (1976) con el sello ECM, junto a Jaco Pastorius (bajo eléctrico) y Bob Moses (batería). En él ya presenta las composiciones unidas y comprometidas del líder y su concepto único de lo instrumental. A éste siguieron Water Colors (1977) en el cual grabó por primera vez con Lyle Mays y Danny Gottlieb. Más tarde Pat Metheny Group (1978), New Chatauqua (1979), American Garage (1980), 80/81 (1980), As Falls Wichita, So Falls Wichita Falls (1981), Offramp (1982) su primera grabación con sintetizador de guitarra; Travels (1983), Rejoicing (1983), First Circle (1984), Song X (1986) junto a Ornette Coleman, el revolucionario saxofonista y compositor de free jazz; Still Life Talking (1987), Letter From Home (1989) su trabajo de mayor éxito hasta ese momento, conciso, con fuerza, inequívocamente melodioso y conmemorativo; Letter From Home es un mensaje de madurez y logros de un grupo en plena forma. Question and Answer (1990), Secret Story (1993), una de sus creaciones más personales, con su factor emocional, crecido como compositor, culminación de lo que había hecho hasta la fecha; The Road to You (1994), We Live Here (1995), Beyond The Missouri Sky (1997), Imaginary Day (1997), Speaking of Now (2002) y The Way Up (2005). Su grupo está formado normalmente por Lyle Mays (teclados), Steve Rodby (bajo), Richard Bonna (voz y guitarra), Antonio Sánchez (batería), David Samuels (percusión) y Cong Vu (voz y trompeta). Son escasos los artistas que improvisan y que logran interesar a una creciente cantidad de público sin que por ello se vea afectado su arte. Más extraño aún es encontrar un artista que pueda ver cómo su público se desarrolla al mismo tiempo que lo hace su visión musical. Pat Metheny, considerado el mejor guitarrista de jazz del mundo, compositor polifacético, productor innovador y pionero con el sintetizador y la guitarra, se encuentra en una posición inigualable, principalmente el resultado de una inteligencia musical insaciable y una energía aparentemente inagotable.  © epdlp




   Natacha Atlas
   Mish Maoul (2006)

   14 MARZO 2011

   Natacha Atlas nació en Bruselas, aunque su ascendencia es egipcia y ha vivido mucho tiempo en Inglaterra. Colaboradora habitual del grupo multi-cultural Transglobal Underground, ha contribuido además con su técnica del raq sharki (danza del vientre) que había aprendido de joven. Tras su larga gira por Europa en el año 99, Natacha regresó a El Cairo, ciudad en la que ha vivido durante los últimos diez años. Sus composiciones abren las puertas a un mundo de emoción elevada, con colores e imágenes cautivadores que expresan paisajes de ensueño y una imposible tristeza, con una intensidad que sólo puede conseguir su profunda y poderosa voz. Así lo demuestran sus álbumes en solitario, Diaspora (1995), Halim (1997), Gedida (1999), Ayeshteni (2001), Something Dangerous (2003), Mish Maoul (2006) y Mounqaliba - In A State Of Reversal (2010). Música intensa, con intrincados arreglos de percusión, con claras influencias del dub, sumergiéndose en el shabbi (el blues-pop autóctono egipcio), una amalgama de exotismo rítmico y tribal. Al escucharlo, uno tiene la sensación de que el secreto más increíble le ha sido susurrado de la forma más confesional.  © epdlp




   Lisa Gerrard
   Black Opal (2009)

   07 MARZO 2011

   De origen anglo-irlandés, la australiana Lisa Gerrard comparte una visión original y diferente del mundo que le rodea. Junto a Brendan Perry y como Dead Can Dance, lanzaron al mercado ocho trabajos de estudio llenos de influencias procedentes del Renacimiento y sus estéticas musicales, una especial forma de entender la música, una mezcla inteligente de toques étnicos, rock tradicional y también estilos antiguos. Aclamados por la crítica, Dead Can Dance reina ya en su particular tierra musical. Actualmente su carrera va por otros derroteros, compositora de bandas sonoras, El niño de la luna (1988), Baraka (1992), El dilema (1999), Gladiator (2000), Whale Rider (2002) y una carrera paralela en solitario con notables trabajos de estudio, The Mirror Pool (1995), Duality (1998) con Pieter Bourke, Whale Rider (2003), Immortal Memory (2004) con Patrick Cassidy, The Silver Tree (2006) y Black Opal (2009). Aprovechando que los caprichos de los músicos son ventanas hacia su intimidad, hay un elemento que es siempre fiel reflejo del tamaño de un compositor. Así como a los árboles se les mide la edad contando el número de círculos que tienen en el tronco, Lisa Gerrard es un árbol centenario, porque su música es el origen de la sabiduría milenaria. Su meta es buscar la belleza perdida, la eterna meta humana de lograr una existencia significante.  © epdlp




   The Dining Rooms
   Numero Deux (2001)

   28 FEBRERO 2011

   Dining Rooms son un dúo italiano compuesto por Stefano Ghittoni y Cesare Malfatti, ex miembro de la banda post-blues La Crus. Formados en 1998, al año siguiente editaron su primer trabajo, Subterranean Modern (1999), caraterizado por el uso de ritmos hip-hop y funk, bajo un manto de melancólicas guitarras. En el segundo, Numero Deux (2001), y ya con el sello Guidance Records de Chicago, penetraron en los sonidos atmosféricos del jazz y el soul minimalista. En Tre (2003) y en Ink (2007), consiguieron reunir a varios colaboradores de lujo que dieron realce y “carácter” al grupo, los vocalistas Sean Martin y Anna Clementi, el batería Leziero Rescigno, el bajista Marcello Testa y Vincent Dalschaert (piano), junto al talento de Maria Arena, autora de los videos que acompañan sus actuaciones. Lonesome Traveller (2011) y Do Hipsters Love Sun (Ra)? (2015), fueron sus últimos álbums. Stefano Ghittoni tiene un grupo paralelo llamado Double Beat, junto a Marco Rigamonti, orientado a la música africana, al funk y al house. Apasionados por el cine, y especialmente de la nouvelle vague francesa, The Dining Rooms, que también han editado algún disco con el nombre de Noorda, hacen trip hop, ambient y downtempo, todo eso reciclado y condimentado con gotas del jazz más actual. Atmósferas nocturnas, estética musical llena de energía e imaginación, serenatas de fragancia con sabor a club privado, una galería de emociones y sensaciones sin tregua que los ha convertido en el grupo de referencia del future jazz y de la escena post electrónica europea. © epdlp




   Nils Petter Molvaer
   Re-Vision (2008)

   21 FEBRERO 2011

   El jazz menos académico se ha configurado como uno de los ingredientes más habituales de la música de club y la electrónica downtempo. El trompetista y compositor noruego Nils Petter Molvaer es una de las figuras más importantes de esta nueva corriente sin prejuicios que combina jazz y electrónica en busca de una nueva creatividad contemporánea. Considerado el padre del electro jazz, factura un jazz híbrido con poso orgánico que tiende vínculos entre el Miles Davis más abstracto y vanguardista y los flirteos con la electrónica de Bugge Wesseltoft, Erik Truffaz y Marc Moulin. A final de la década de 1980, fue parte de uno de los mejores grupos del jazz escandinavo, Masqualero. Y desde que publicara en 1997 su disco Khmer, un trabajo que ha sido tomado como modelo por muchos artistas y que figura en todas las selecciones de los mejores discos de jazz de los últimos tiempos, dejó sentadas las bases de su sonido, una base jungle, una guitarra punzante y el timbre y el fraseo apasionadamente melancólico de su trompeta. Sus siguientes trabajos, Solid Ether (2000), NP3 (2002), ER (2005), Hamada (2009), Baboon Moon (2011) y 1/1 (2013), con el multistrumentista alemán Moritz von Oswald, no hacen sino realzar esa sensibilidad excepcional que lo ha llevado a ser uno de los músicos más solicitados e innovadores del mapa musical contemporáneo. Nils Peter Molvaer sabe que una pieza musical nunca está realmente acabada, y que la producción y la composición son procesos en constante evolución, por eso ha incorporado al jazz el potencial liberador de la música de baile, mezclando la improvisación jazzística con el techno, el house, el downtempo, el breakbeat, el ambient o el drum'n'bass, en una línea renovadora con resultados espectaculares. Su música habla por sí misma.  © epdlp




   Rinôçérôse
   Futurino (2009)

   31 ENERO 2011

   Originarios de una de las bandas indie más conocidas de Montpellier, los franceses Jean Philippe Freu (guitarra y percusión) y Patou Carrie (bajo y teclados), ambos psicólogos de profesión, decidieron que iban a intentar crear música house usando sólo guitarras. Un concepto imposible dada la naturaleza tecnológica del género. Pronto el dúo se dio cuenta de que necesitaban un programador para darle más ritmo a las canciones, aquí es donde entra en escena Jonny Palumbo (programación), con todo un arsenal de instrumentos electrónicos y un profundo amor por todo lo relacionado con el dub. En esta aventura les acompañan, Remi Saboul (guitarra), Florian Brinker (guitarra), Fred Pace (percusión) y Franck Gautheir (flauta). Sus comienzos fueron puramente experimentales y siempre han dicho que tocan por placer. De este modo en 1996, firman por la multinacional Pias que lanza su ep Le Mobilier, poniéndoles en órbita. Sus tres discos de estudio, Installation Sonore (1999), Music Kills Me (2001) y Futurino (2009), les han convertido a su vez en una gran banda en directo que recibe todo tipo de elogios allí donde toca. Rinôçérôse, que significa interpretación psicotrópica de los rinocerontes, es una fusión explosiva entre el dance, el jazz y la música rock, con destellos de downtempo y organic house. De alguna manera se enfrentan con su propia sociedad, revelándose contra los códigos preestablecidos. Son la euforia del sonido, un profundo placer y relajamiento post-coito a partes iguales.  © epdlp




   Oystein Sevag
   The Red Album (2010)

   24 ENERO 2011

   El multiinstrumentista noruego Oystein Sevag creció en una familia que le daba un valor muy alto a la creatividad. Su padre, etnólogo musical, junto a la belleza de los parajes naturales de Noruega fueron desde entonces una de sus principales fuentes de inspiración. Comenzó a tocar el piano a los 5 años y a los 12 la guitarra. Con 19 compuso su primera obra Eplevalsen (El vals de la manzana), con arreglos para gran banda de jazz, que fue interpretada en varios conciertos. Formó parte de varios conjuntos, Craff, Noahs Ark e Ischjazz (junto a su amigo Lakki Patey), así como colaboraciones con el grupo Celeste (banda integrada por Erik Wøllo, Bendik Hofseth, Jan Erik Salater e Inge Forum) y los principales músicos noruegos, Nils Petter Molvær, Paolo Vinaccia, Eivind Aarset y Audun Erlien. En 1989 editó con su propia compañía Siddhartha Records, su primer disco compacto en solitario, Close Your Eyes and See, proclamado disco del año por el Gavin Report Magazine de San Francisco. Oystein Sevag fue el primer artista europeo en firmar un contrato discográfico con Windham Hill Records y a partir de ese momento su música sería comercializada en el mundo entero. Más tarde llegaron Link (1993) y Global House (1995), producción pluricultural en la que amplió el número de instrumentos de proyectos anteriores, incluyendo entre otros el didjeridoo australiano, la percusión del cubano Sergio González y un cuarteto de cuerda; Visual (1996), junto a Lakki Patey, Bridge (1997), grabado junto a la Philharmonic Orchestra en los Estudios Abbey Road de Londres, Caravan (2005) y Space For A Crowded World (2012). Ha escrito la música del documental sobre la vida del pintor noruego Edvard Munch titulado Dance of life. Oystein Sevag, máximo representante de las nuevas músicas, ha tocado todos los palos dentro de este estilo, sobre todo en los aspectos relacionados con el jazz y la fusión, aunque últimamente ha evolucionado a un sonido más acústico, de corte clasicista. Su maestría para crear ambientes y paisajes sonoros evocadores a partir de un material muy simple es notoria, se trata de llegar a un resultado complejo a partir de elementos sencillos.  © epdlp




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