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Alex Martin Ensemble
Join the Band (1997)
03 DICIEMBRE 2007
Con una sólida carrera a sus espaldas, Alex Martín, prolífico productor y compositor barcelonés pasa por ser un nombre imprescindible dentro de la escena electrónica española y uno de los artistas españoles más internacionales en lo que respecta a música de club. Ha explorado la música más bailable, tech house, breaks electrónicos irresistibles, detroit techno atmosférico....donde la electrónica flirtea con el jazz en un ejercicio inaudito. Para tal fin Alex Martín crea un Ensemble imaginario, en el mas puro estilo de las formaciones clásicas de jazz. En sus dos álbumes hasta la fecha, Join the band (1997) y Tres (2001) pisa terreno virgen, llevando más allá esa exquisita fusión entre música electrónica y jazz, y otorgando cada vez mayor importancia a la incorporación de instrumentos reales a unas composiciones de por si inspiradas, que rezuman elegancia cool por todas partes. Su música es un viaje con escalas en Rio, New York, Detroit, Londres y Barcelona, que seduce al oyente fundiendo con naturalidad jazz, bossa, soul, downtempo, breaks, drum'n'bass y electrónica de forma exhuberante y sensual. © epdlp
Black Star Liner
Bengali Bantam Youth Experience (1999)
26 NOVIEMBRE 2007
El "asian underground" ha demostrado en la actualidad, junto con el "brazilectro", que la música tradicional se puede fusionar y encajar perfectamente con la música electrónica y darle un nuevo sabor a la sopa que se intenta preparar. Chogue Hosein (líder y alma mater del grupo), Chris Harrop y Tom Salmon son el trío británico Black Star Liner. En la onda de los colectivos globales de etno-dub como Shri & Badmarsh, Transglobal Underground o Asian Dub Foundation, se dieron a conocer en Leeds en 1994 con su single Smoke the Prophets, un sencillo que combinaba instrumentación tradicional con bajos profundos, trance y bastantes influencias asiáticas. Su álbum debut Yemen Cutta Connection (1996) llamó la atención de todo el colectivo periodístico aclamándolo como de los mejores de 1996. En el segundo Bengali Bantam Youth Experience (1999), se mantuvo la tónica de toda la producción de la banda: trip-hop ligero con ciertas melodías de carácter, pero con la tónica ambiental asiática muy reposada. BSL integran la música de baile, la electrónica, la fusión étnica y alguna que otra sutileza, quizá porque están convencidos que la tecnología es una especie de anticipación de las virtudes raciales. Una esmerada labor de unificación entre el ritmo, la atmósfera y la melodía. © epdlp
Anna Maria Jopek
Upojenie (2002)
05 NOVIEMBRE 2007
Anna Maria Jopek es una cantante y compositora polaca que ha revolucionado las raíces del jazz. Licenciada en Filosofía y defensora de la no-violencia, debutó como pianista con sólo 14 años con la orquesta Filarmónica Nacional de Varsovia y en 1989 como cantante. Grabó su primer trabajo en 1997, Alejestem. Sus dos siguientes no hicieron sino acrecentar su talento, Szeptem (1998) y Jasnoslyszenie (1999). Con su cuarto álbum, Bosa-Barefoot (2000), se da a conocer internacionalmente en todo el mundo y le permite ser telonera del concierto que Sting da en la ciudad de Katowice en marzo de ese año. Considerada como la reina del jazz polaco, apreciada por su voz envolvente y sensual, su estilo de música étnica y popular inspirada en el jazz trata de abrir caminos vírgenes y buscar nuevos horizontes. Ese firmamento culmina en Upojenie (2002), un disco extraordinario en el que la colaboración de Pat Metheny logra colocar a Anna Maria Jopek en la cima del utópico y deseado país de la armonía musical. © epdlp
Thievery Corporation
The Mirror Conspiracy (2000)
15 OCTUBRE 2007
El dúo Thievery Corporation se formó en el año 1995, cuando los norteamericanos Eric Milton y Rob Garza decidieron unirse para crear el sello Eighteenth Street Lounge Records. Se hicieron famosos cuando el dúo austriaco Kruder & Dorfmeister, parecidos en muchos aspectos a ellos, incluyeron uno de sus temas en una de sus mezclas. Su álbum de debut, Sounds From the Thievery hi-fi (1996), fue una mezcla inconfundible de música de baile y acid house con downtempo, reagge jamaicano y dub, todo ello condimentado con samplers brasileños que hizo las delicias de los círculos undergrounds. Su segundo trabajo The Mirror Conspiracy (2000), álbum clásico y elegante de música electrónica accesible, con aires de bossanova, jazzfunk latino, easy listening, dub, reagge, aderezado con bases hip-hop. Los Thievery Corporation hacen música dance abstracta e instrumental, a medio camino entre el trip-hop y el acid-jazz,, un viaje musical con paradas en Brasil e India principalmente, incorporando los sonidos característicos de estos lugares a su propia manera de entender la música, aportando una buena dosis de hedonismo y vitalidad que nunca es mal recibida. © epdlp
Zuco 103
Outro Lado (2000)
08 OCTUBRE 2007
Amsterdam es la ciudad donde está radicado el proyecto Zuco 103, fusión de tres personalidades, el holandés Stefan Kruger (batería y percusiones), el alemán Stefan Schmid (teclados) y la brasileña Lilian Vieira (cantante), que llegó a los Países Bajos en 1989. El trío unió sus fuerzas por primera vez al realizar una serie de temas para la ecléctica y electro jazzística formación holandesa SfeQ. Beco Dranoff, el cazatalentos de la compañía discográfica Ziriguiboom, el sello de Crammed dedicado a la música brasileña, les produjo su primer trabajo Outro Lado (2000). Desde el lanzamiento de Outro Lado la música de Zuco 103 ha sido reconocida como una de las más excitantes mezclas entre la música electrónica y la brasileña, jamás realizadas. En su segundo álbum Tales Of High Fever (2003), dejan volar su inspiración rítmica brasileña, para ser al mismo tiempo sofisticados y explosivos, bailables y también escuchables, sedosos y violentos, innovadores y pegadizos. La seductora voz de Lilian Vieira determina su estilo, una mezcla de bosanova, samba, drum'n'bass, hiphop, funk y dub, intentando dejar atrás todas sus influencias, descubriendo continuamente nuevos sonidos.
Exploradores del arte de la samba y la bosanova, enriquecidos con la sensualidad del funk sobre las bases techno y drum'n'bass, su minimalismo ascético y total perfeccionismo está a la vanguardia de una nueva generación de artistas que son musical y étnicamente multiculturales y que son capaces de unir los sonidos propios de las músicas étnicas con los ritmos más occidentales. © epdlp
Rinôçérôse
Installation Sonore (1999)
17 SEPTIEMBRE 2007
Originarios de una de las bandas indie más conocidas de Montpellier, los franceses Jean Philippe Freu (guitarra y percusión) y Patou Carrie (bajo y teclados), ambos psicólogos de profesión, decidieron que iban a intentar crear música house usando sólo guitarras. Un concepto imposible dada la naturaleza tecnológica del género. Pronto el dúo se dio cuenta de que necesitaban un programador para darle más ritmo a las canciones, aquí es donde entra en escena Jonny Palumbo (programación), con todo un arsenal de instrumentos electrónicos y un profundo amor por todo lo relacionado con el dub. En esta aventura les acompañan, Remi Saboul (guitarra), Florian Brinker (guitarra), Fred Pace (percusión) y Franck Gautheir (flauta). Sus comienzos fueron puramente experimentales y siempre han dicho que tocan por placer. De este modo en 1996, firman por la multinacional Pias que lanza su ep Le Mobilier, poniéndoles en órbita. Sus dos discos de estudio, Installation Sonore (1999) y Music Kills Me (2001), les han convertido a su vez en una gran banda en directo que recibe todo tipo de elogios allí donde toca.
Rinôçérôse, que significa interpretación psicotrópica de los rinocerontes, es una fusión explosiva entre el dance, el jazz y la música rock, con destellos de downtempo y organic house. De alguna manera se enfrentan con su propia sociedad, revelándose contra los códigos preestablecidos. Son la euforia del sonido, un profundo placer y relajamiento post-coito a partes iguales. © epdlp
Ojos de Brujo
Bari (2002)
10 SEPTIEMBRE 2007
Ojos de Brujo es la gran revelación del rock mestizo. Si nos sorprendieron con su primer álbum Vengue (2000), hip-hop flamenco de gran frescura, ahora vuelven con su segundo trabajo Bari (2002). El éxito de sus directos en toda Europa ha ido confirmando sus enormes posibilidades como banda. Ojos de Brujo mezclan flamenco con hip-hop, funk, rap, reagee, son cubano y ragga. Estas influencias se fusionan con canciones que parten de palos tradicionales del flamenco : tangos, colombianas, bulerías, tanguillos, etc…invitándote a descubrir con ellos la fuerza de un cajón flamenco, el peso de un bajo, el compás de la guitarra, los colores de la percusión latina y el soniquete de jaleos y palmas, junto a la rítmica voz del ragga, el scratching. Venidos de tierras distintas pero afincados en Barcelona, Ojos de Brujo está formado por Marina Abad (cantante), Ramón Giménez (guitarra), Juanlu Leprevost (bajo), Dj Panko (scratching, samplers, guitarra y percusión), Max Wright, Xavi Turull y Sergio Ramos (percusiones), con colaboraciones de otros músicos de bandas como Macaco y Dusminguet. Artistas que practican el mestizaje como forma de expresión, beben de todo y asimilan lo que vale para su propuesta, que aparte de original y combativa es todo un ejercicio musical. Para oír y a la vez remover conciencias aletargadas. Bari es sin duda el disco más esperado de este año y el trabajo que consolidará a Ojos de Brujo como una de las mejores bandas del panorama nacional. © epdlp
Gotan Project
La revancha del tango (2001)
27 AGOSTO 2007
En los confines de la música argentina (Tango, Milonga...) y la música electrónica se ha creado de una forma casi artesanal un nuevo concepto llamado Gotan Project, desarrollado por Philippe Cohen Solal, Christoph H. Mueller y Eduardo Makaroff. Gotan Project está apoyado por un gran número de Dj's alrededor del mundo, como Gilles Peterson, Thievery Corporation, Peter Kruder, Raphael Sebbag, y Toshio Matsuura de UFO, Paolo Scotti (Studio Uno), Jazzanova, Rainer Trüby, Les Gammas, Herbert, Mr.Scruff, Jason Bentley (Bossa Nova Club L.A.).
La revancha del tango fue uno de los trabajos más esperados del año 2001. Desde el lanzamiento de los primeros 10", la música de este trio ha tomado parte en más de 25 recopilatorios distribuidos en todo el mundo por algunos de los mejores sellos como: Compost, Guidance, Mercury, entre otros.
Gotan Project utiliza la voz, el bandoneón,la guitarra, el piano o el violín tomando protagonismo sobre bases sintéticas. Ha sabido construir un hermoso puente entre el sentimiento de la música argentina y la energía y magnetismo de la música electrónica. Un nuevo concepto ha nacido: la electrauthentica. © epdlp
Nitin Sawhney
Prophesy (2001)
20 AGOSTO 2007
Nitin Sawhney es un músico anglo-hindú que fusiona tradición y electrónica. Nació en Rochester, Kent, Inglaterra. Con Talvin Singh, otro de los grandes nombres del asian underground, fundó Tihai Trio, proyecto creado tras la disolución de su primera banda The Jazztones. Sus 5 álbumes hasta la fecha, Spirit dance, Migration, Displacing the priest, Beyond skin y Prophesy, son un impecable ejemplo de como delimitar el presente sin renunciar a la memoria. Nitin Sawhney ha estado enseñando al mundo por dónde va la música del siglo XXI. La diferencia entre lo que él hace y lo que surge de otros artistas contemporáneos suyos no es una cuestión de estilo, sino de talento. Un viaje alrededor del mundo conocido, con el que es imposible no identificarse dentro de una civilización globalizadora como la que vivimos actualmente. En su música se dan la mano, el canto musulmán de llamada a la oración y la rumba mediterránea, los ecos jazzísticos y el espíritu del Ganges. Demuestra que la música contemporánea pierde sus fronteras en bien de la creación y que cualquier herencia es buena si se sabe utilizar con criterio y si se adquiere de ella lo que mejor puede aportar al estilo propio del compositor.
Sawhney no crea para turistas, sino que expone su música como un retrato cromático de la sociedad que refleja. © epdlp
Jazzanova
In Between (2002)
13 AGOSTO 2007
Jazzanova editaron su primer maxi "Fedtime's Flight" en el año 1997. Con el devenir de los años, y los sucesivos maxis, en los que entremezclaban covers y remixes con temas propios, la espectación por su álbum de debut crecía de modo exponencial. In Between es el nuevo (y paradójicamente) álbum debut de Jazzanova. Un trabajo que ha implicado dos años de trabajo en estudio y mucha presión por la popularidad que han brindado sus remezclas por todo el mundo. Muy en la línea musical de otros grandes monstruos de la fusión electrónica-jazzística-ambiental como De-Phazz o 4 Hero, su música predominantemente vocal, ritmos combinados de drum'n'bass, break'n'beat interpretados como lo haría el mismísimo Alvin Queen, pianos y marimbas de ensueño, downtempo funky y coros envolventes...no en vano el disco se rodea de una extraordinaria plantilla de artistas invitados: el soulman del momento Vikter Duplaix, la reina de la palabra hablada Ursula Rucker, el londinense Rob Gallaguer (Galliano) y David Friedman, el hombre de las cuerdas conocido por su trabajo junto a Tim Buckley, entre otros... todos los elementos necesarios para crear acogedores ambientes donde poder recrearse en la intimidad de sus positivas intenciones letrístico-conceptuales. El colectivo conocido como Jazzanova, formado por seis elementos de muy distinta procedencia y cultura musical, Jürgen von Knoblauch,
Alexander Barck,
Claas Brieler,
Axel Reinemer,
Stefan Leisering y
Rosko Kretschmann, han conseguido convertirse en clásicos, en verdadero puntal de referencia de esto que ha dado en llamarse nu-jazz. © epdlp
Faithless
Outrospective (2001)
30 JULIO 2007
El grupo Faithless nació en el año 1993, y estaba formado inicialmente por Sister Bliss (pianista, violinista y famosa productora de música house, considerada con todo merecimiento la DJ femenina número 1 del mundo), Maxi Jazz (ex--The Soul Food Café Band y líder del grupo), Rollo Armstrong (cantante), Jamie Catto, y el guitarrista Dave Randall. Estos dos últimos abandonaron la banda a finales de 1999, después de editar su segundo trabajo Sunday 8pm (1998). Antes habían publicado el primero Reverence (1995), cuyas canciones consiguieron un tremendo impacto y una gran influencia en el sonido de la música dance contemporánea. Outrospective (2001) y No Roots (2004), fueron sus dos siguientes álbumes. En To All New Arrivals (2006), su último trabajo hasta la fecha, se sumergen en la melancolía y los sentimientos y el resultado es un disco impresionante capaz de alterar positivamente todos nuestros esquemas. Faithless combina gran variedad de ritmos, house, blues, soul, rap y folk, todo ello aderezado con los temas electrónicos más contundentes, que son los que en directo adquieren mejor dimensión. Han luchado por ser una banda de directo y brillar en el escenario al igual que en el estudio y se han convertido en uno de los grupos de culto más reputados de la escena dance mundial. © epdlp
Carl Craig
More Songs About Food And Revolutionary Art (1997)
23 JULIO 2007
Carl Craig es un compositor y productor estadounidense, figura mítica del sonido Detroit-techno. Sus primeros pasos fueron junto a Derrick May a finales de los 80, creando los sellos RetroActive y Planet E y desarrollando más tarde una vertiginosa carrera musical. Es autor de varios discos de remezclas, entre ellos Abstract funk theory (2002), y de dos discos de estudio, Landcruising (1995) y More songs about food and revolutionary art (1997). Ha abierto caminos como productor, el free jazz con Innerzone Orchestra, el drum'n'bass con Bug In The Bassbin y el house con Paperclip People. Es director del DEMF (Detroit Electronic Music Festival), que reúne cada año y durante tres días la friolera de un millón y medio de personas. Carl Craig escenifica una electrónica tranquila y sosegada, espacial y contemplativa.
Su música, más adecuada para un chill-out que para una pista de baile, fusiona el techno, el jazz y el funk, sin perder el groove. Electrónica triste y melancólica, pura magia rítmica. © epdlp
The Future Sound of London
Dead Cities (1996)
09 JULIO 2007
The Future Sound of London (FSOL), que a veces firman sus discos como Amorphous Androgynous, es un dúo británico formado por Brian Dougans y Gary Cobain. Los dos, junto al ingeniero de sonido Yage y al artista gráfico Buddy Riphead, autor de las extraordinarias imágenes que acompañan sus discos, conforman un concepto musical que rompe con las etiquetas establecidas. Sus primeras creaciones se centran en el trance, el house y el techno, elementos que sintetizaron en su primer disco, Accelerator (1992). Su siguiente álbum Lifeforms (1994), se sumergió en la electrónica etérea, con paisajes sonoros que recordaban a Tangerine Dream o a Brian Eno, pero con una sensibilidad moderna. Más tarde editaron ISDN (1995) y al año siguiente Dead Cities (1996), compendio de la música electrónica más arriesgada de los noventa, con breakbeats, ritmos martilleantes, techno de muchos quilates, ambient introspectivo donde todo tiene cabida. El álbum está considerado como el máximo exponente de la modernidad musical. La música de FSOL demuestra que, a pesar del apático panorama actual del techno, todavía se puede enriquecer y transformar el sonido, descubrir otras realidades musicales, abrir un nuevo camino de exploración sonora. Un juego entre el realismo y el surrealismo, entre los recuerdos de un pasado aún feliz y las profecías acerca de un futuro de incertidumbre y desesperanza. Dead Cities, es una aterradora alegoría sobre el decadente presente y el sombrío futuro de la urbe moderna, y por extensión de la civilización del siglo XXI. Nos transmite imágenes de caos post-apocalíptico y al mismo tiempo de recuerdos agridulces, pero cada vez más lejanos de un pasado que se revive con nostalgia. Nos presenta un mundo arrinconado en un callejón sin salida, sin esperanza, sin futuro. © epdlp
Madredeus
Electrónico (2002)
25 JUNIO 2007
El germen de Madredeus se produjo en el año 1985, cuando Pedro Ayres, bajista de Herois do Mar y Rodrigo Leao, bajista de Sétima Legiao, se unen para ensayar algunos repertorios para guitarra. Junto a la cantante Teresa Salgueiro, un acordeonista y un violoncelista terminan ensayando en el convento de Madre de Deus, en Xabregas. De ahí viene su nombre.
Su primer trabajo "Os Dias da Madredeus" (1987), se convierte en una referencia obligada de la música portuguesa. Tres años después graban por primera vez en un estudio su álbum "Existir" (1990) y en 1991 su primer trabajo en directo, "Lisboa".
En 1994 se edita "Espírito da Paz". Un año después Rodrigo Leao deja el grupo para dedicarse a su carrera en solitario y es sustituido por Carlos María Trindade. En 1998 graban en directo "O Paraíso" un viaje a lo largo de su carrera musical, a continuación "Antología" (2000) y "Movimento" (2001). Son autores de la banda sonora de la película Historia de Lisboa, de Wim Wenders. En su último trabajo "Electrónico" (2002), someten su música a los más diversos experimentos de remezcla y recreación por parte de distintos exponentes de la música electrónica europea, una preciosa joya de down-beats, chill-out y ambient. La música de Madredeus son imágenes de momentos, instantáneas de emociones, construidas sobre sueños y paisajes, esperanzas y añoranzas. © epdlp
Jori Hulkkonen
When No One...Invisible (2000)
18 JUNIO 2007
El finlandés Jori Hulkkonen creció durante los años 80 escuchando pop tradicional finlandés, new wave, electro, detroit techno y ritmos electrónicos de las radios vecinas suecas, hasta que en 1993, y junto a Ari Ruiokamo, creó el sello independiente Lumi Records. Su primer álbum Selkäsaari Tracks (1996), era una original mezcla de sonidos electrónicos de Detroit con ritmos de Chicago. Sus siguientes álbumes Let Me Luv U (1997), The Spirits Inside Me (1998), When no one is watching, we are invisible (2000) y Different (2002), serían alabados por los mejores críticos de todo el mundo. Ha participado en los más prestigiosos festivales, clubes y eventos de música electrónica del mundo como, el Roskilde y el Sónar. Jori Hulkkonen es la calidez del house, su música está cargada de percusión de principio a fin, de ritmos tribales, sonido trance adaptado a una visión claramente house, el fenómeno llamado dream-house o deep house elegante, recorridos de menos a más por los resquicios de la mejor electrónica que se baila. © epdlp
Röyksopp
Melody A.M. (2001)
04 JUNIO 2007
Torbjorn Brundtland y Svein Berge son el dúo Royksopp, última sensación surgida en Noruega. Influenciados por Erik Satie y por el compositor de bandas sonoras Francis Lai, Röyksopp utiliza líneas de bajo muy similares, aunque menos sugerentes y más encauzadas a crear tensión rítmica. Los dos nacieron en Tromso, cuna de uno de los personajes más importantes del pop de este país, Geir Jenssen, miembro fundador del grupo Bel Canto y alma mater del proyecto Biosphere. Precisamente Geir Jenssen fue el que los animó a grabar su primer trabajo, cuando todavía eran un cuarteto y se llamaban Aedena Cycle, junto a Gaute Barlindhaug y Kolbjorn Lyslo en el año 1994. Más tarde Torbjorn Brundtland junto a Rune Lindboek y con el nombre de Those Norwegians, publica el álbum Karminsky Park (1997), un acercamiento al house más ambiental. En 2001 y ya como dúo Röyksopp, debutan con Melody A.M., trabajo que vio la luz en la prestigiosa discográfica Wall Of Sound, y que recibió las mayores alabanzas de publicaciones como DJ Magazine o Muzik. Su faceta como productores es también remarcable, pues han producido a artistas como Boy George, Felix Da Housecat y el recopilatorio de Bel Canto. Fueron teloneros en sus comienzos de Moby, además de actuar junto a Basement Jaxx, Orbital y Pulp y de participar en numerosos festivales como The Big Chill o Glastonbury. Sus conciertos en directo son una tormenta de ritmos bailables, de aires pop que les llevan a ser comparados con Erasure y The Orb de igual manera. En su segundo y último trabajo, The Understanding (2005), un álbum que cuenta con acompañamientos vocales notables, como los de Chelonis Jones, Karin Dreijer y Kate Havnevik, definitivamente se instalan en las sombras del mainstream. Royksopp crean música ambient con combinaciones de música lounge y funk electrónico con bandas de sonido de películas y ritmos que se escuchan en los clubes, consiguiendo captar la atención tanto de clubbers como de fans del pop-rock. Una invitación al baile o a la escucha pausada y con auriculares. Quizá sea Tromso, el punto de confluencia de Noruega, Suecia y Finlandia y distante unos 600 kilómetros del Círculo Polar Artico, ese lugar del mundo en el que Otto y Ana (los protagonistas del film de Julio Medem), viajaron para comprobar que su propia vida estaba a punto de extinguirse, el causante de esos sonidos etéreos, la música nacida bajo el signo de un existencialismo trágico y supersticioso. © epdlp
Yello
Pocket Universe (1997)
21 MAYO 2007
Yello es un dúo suizo compuesto por Boris Blank y Dieter Meier. Sus inicios en 1979 fueron como trío, Carlos Perón era el tercer componente, aunque abandonó el grupo en 1983. De sus obras destacan Solid Pleasure (1980), Stella (1985), One Second (1987), Flag (1988), Essential (1992), Zebra (1994), Hands on Yello (1995), Pocket Universe (1997), Motion Picture (1999)y The Eye (2003), su último álbum. Su música es una fusión electrónica de techno y ambient, con ritmos calientes, principalmente del Caribe y Brasil. Gracias al apoyo de la técnica de tape-loops y más tarde de los muestreadores, consiguen un sonido personal e inimitable, que va más allá del electro-pop. Imagínate en una playa, recostado en la arena, mirando hacia el cielo por el que transita un globo aerostático, eso es Yello y su música. © epdlp
Tab Two
Hip Jazz (1994)
30 ABRIL 2007
Pioneros del acid-jazz alemán, el dúo formado por Hellmut Hattler (bajo) y Joo Kraus (trompeta) fueron Tab Two. Hablamos en pasado porque su brillante carrera terminó en el año 2001, después de obsequiarnos con ocho álbumes repletos de sonidos sofisticados y elegantes. Mind Movie (1991), Space Case (1992), Hip Jazz (1994), Flagman Ahead (1995), Belle Affaire (1996), Sonic Tools (1997), Between Us (1999) y Zzzipp! (2000) fueron sus perlas. Su música, que ellos mismos denominaron Hip-Jazz, siempre fue difícil de clasificar, pues los innegables ecos de Miles Davis los acompañaban con arriesgadas bases programadas. Hellmut Hattler, fue componente de una las bandas alemanas de rock progresivo más influyentes de los setenta, Kraan. Joo Kraus, bastante más joven que Hattler, le dio con su trompeta ese ritmo relajado con toques smooth y swing que hizo célebre al dúo. Tras su separación Joo Kraus acompañó al grupo De-Phazz en su álbum Death by chocolate y en el 2005 ha editado su primer trabajo en solitario, Public jazz lounge (2005), un cd influenciado por la música sinfónica, recuperando material de Freddie Hubard, Joe Zawinul y Sting y que le logra situar a la altura de los grandes trompetistas actuales de éste estilo, Chris Botti, Till Bronner y Michael “Patches” Stewart. Por su parte Hellmut Hattler, al mismo nivel de gurús del bajo como Ken Taylor y Alphonso Johnson, ha publicado tres discos, No Eats Yes (2001), Mallberry Moon (2003) y Bass Cuts (2004). Tab Two facturaron un jazz de cara amable, de nítida estructura e impecable racionalidad que entre ocasionales rapeados y pequeñas dosis de funk blanco, parecieron entenderse a las mil maravillas con las formas contemporáneas del nu jazz. © epdlp
Talvin Singh
Ha (2001)
23 ABRIL 2007
El compositor, multi-instrumentista y productor Talvin Singh, es el gran renovador de la estética de los clubes londinenses. Nacido en Londres, a los 15 años decidió marcharse a la India, donde consiguió contar con el apoyo de Ustaad Laxman Singh, creador de un estilo muy especial de percusión llamado Punjabi Gharana. Muy pronto se convirtió en uno de los productores y percusionistas más famosos del momento, iniciando su carrera comercial en 1996 en el cibercafé Calcuta, un lugar para que músicos y DJ's pudieran investigar con sesiones acústicas y electrónicas y pudieran plasmar ese trabajo en sesiones dominicales en el Vibe Bar del East End de Londres. Espíritu y esencia de los sonidos del Asia underground, los llamados Anokha, ha desarrollado en sus dos discos en solitario, Ok (1998) y Ha (2001), una imaginería y espiritualidad que une Oriente y Occidente, el pasado y el presente, un intrincado viaje desde la antigüedad a la modernidad en el que lleva consigo la herencia de sus antepasados. Singh juega con la polirritmia y la sutileza-con-pegada, un éxtasis avanzado y turbadoramente bello. © epdlp
Zero 7
When It Falls (2004)
16 ABRIL 2007
El estilo downtempo es una de las tendencias más peligrosas de la electrónica, pues más de uno que se las prometía muy felices, acabó bajo la órbita ibicenca más petarda. No es el caso de Zero 7, proyecto de dos productores/ingenieros ingleses relacionados con los abanderados de la música británica. Sam Hardaker ha trabajado para James, Pet Shop Boys, New Order y Therapy, y Henry Binns para Radiohead y Bark Psychosis. Conocer los lugares de moda, las personas correctas, tener un oído muy fino y sobre todo por un aclamado primer álbum, Simple Things (2001), pop etéreo envuelto en brumosas bases electrónicas, sonidos orquestales, jazz y funk, les llevó a actuar en los mejores clubes y festivales del mundo. Los siguientes trabajos, When It Falls(2004) y The Garden (2006), inciden en ese trabajo reposado y elegantemente esnob, melodías dulces y canciones post-trip hop. Sam Hardaker y Henry Binns saben lo que hacen, quizás es la falta de riesgo dónde reside el secreto de su éxito, sencillez y buen hacer lleno de matices para disfrutar en una terraza y en buena compañía. Zero 7 toman acid-jazz, soul, electrónica, voces femeninas, trip hop y arreglos de cuerdas y terminan dando vida a una colección de temas ideales para guardar. Inevitable alquimia para los que aman el placer de la electrónica emocional. © epdlp
Hooverphonic
A New Stereophonic Sound Spectacular (1996)
09 ABRIL 2007
Hooverphonic son un trío belga que en sus comienzos bebieron las fuentes de Massive Attack y Portishead y que se han convertido con el tiempo, en el más reconfortante grupo del pop centroeuropeo. Calificados como hacedores de pop ambiental, Geike Arnaert (voz), Alex Callier (bajo y teclados) y Raymond Geerts (guitarra), consiguen una música original y enérgica, ideal para conmover y suscitar emociones, un sonido distinto, extraordinario y evocador. En 1997 editaron su primer álbum A New Stereophonic Sound Spectacular, con Frank Duchêne y la cantante Liesje Sadonius, que luego abandonarían el grupo. A éste siguieron, Blue Wonder Power Milk (1998), realizando una gira por todo el mundo junto a sus almas gemelas Massive Attack y más tarde junto a Moloko, Kid Loco y Divine Comedy. Como Liz Fraser en los Cocteau Twins o Tracey Horn en EBTG, la voz frágil pero intensa de Geike Arnaert se adapta perfectamente a los temas poco ortodoxos e hipnotizantes de Hooverphonic. Su evocadora voz, casi de otro mundo, es como la de una sirena que invita al oyente a visitar tierras inexploradas. En The Magnificent Tree (2000) y Jackie Cane (2002), sus dos últimos álbumes, mantienen y amplían su base de seguidores absolutamente fieles y añaden a su sonido violines, cuernos franceses, laúdes, mandolinas y tambores espectrales. Hooverphonic no tiene conciencia de las tendencias y esa actitud junto a su afortunada combinación de melodías antiguas con sonidos y ritmos casi futuristas les confiere una calidad intemporal. © epdlp
Bjork
Vespertine (2001)
02 ABRIL 2007
Bjork Gudmundsdottir nacida en Reykjavik el 21 de noviembre de 1965, creció en una comunidad hippie y aprendió a tocar la flauta y el piano. Apasionada por la música clásica, su talento hace que sus profesores se fijen en ella y con tan sólo 12 años, grabe un disco, Björk (1977). A partir de ese momento comienza una historia musical plagada de éxitos, primero con los grupos Exodus, Tappi Tikarass y Kukl. Más tarde y junto a sus compañeros en Kukl, Einar Orn y Siggi Baldursson, formó Sugarcubes (1986-1992), sexteto nacido a partir de un colectivo anarco-cultural llamado Bad Taste Ltd., dedicado a editar poemarios y discos de artistas marginales. En 1992 Bjork siguió su carrera en solitario. Nelle Hooper, responsable de la producción de varios de los clásicos del llamado sonido Bristol, será el encargado de hacer de Debut (1993), su memorable primer disco que la catapulta hacia el estrellato pop. En el segundo, Post (1995), la acompañaron, aparte de Hooper, el entonces emergente Howie B, Graham Murria, componente de los 808 State y Tricky, a quien devolvería el favor participando en su proyecto Nearly God. Homogenic (1997), es un álbum de temas preciosos y dramáticos que nos hablan de estados de ánimos difíciles de definir, con incursiones en el trip-hop y el jungle. Ese mismo año lanza un disco de remezclas titulado, Telegram (1997) y tres años más tarde Selmasongs (2000), banda sonora de la película de Lars Von Trier, Bailar en la oscuridad. Con Vespertine (2001), la intrincada estética musical de la artista, alcanza un nuevo nivel de madurez e independencia. Música tranquila, introvertida, llena de susurros y de improvisación, en definitiva una oda a la melancolía. Bjork, la mujer de la voz sulfurosa, es la cantante islandesa más popular del mundo occidental, cultivando una imagen pública que la describe como una dulce y talentosa freak, de pensamiento sagaz y una fuerte personalidad, vinculada desde siempre al arte. Muestra la diversidad de sus influencias musicales, su habilidad para mezclar elementos del rock, punk, techno y jazz, con ritmos clásicos. Pero además abarca otros estilos, desde el pop más simple hasta el trip-hop, pasando por la big band music. Combina lo mejor de lo acústico y lo más intenso de la electrónica. Una fusión que Bjork ha sabido colorear con sus propios tintes, y con ese toque sutil de ternura e inocencia que la hace única. © epdlp
Tracey Thorn
Out Of The Woods (2007)
26 MARZO 2007
Tracey Thorn, estudiante de la Universidad de Hull, formó en 1982 junto a Ben Watt el dúo Everything But The Girl. Tomaron su nombre de una señal colocada en la ventana de una tienda de muebles local que exhibía "Para el dormitorio de sus sueños, vendemos todo menos a la chica". En el momento de su formación, Tracey Thorn (componente de las Marine Girls), y el cantante multi-instrumentista Ben Watt (que había publicado varios singles y colaborado con Robert Wyatt), firmaron con el sello independiente Cherry Red. Debutaron con una interpretación de la samba de Cole Porter "Night and Day" que fue un éxito en las listas independientes del Reino Unido. En 1992 Ben Watt enfermó debido al Síndrome de Churg-Strauss, una extraña enfermedad del sistema inmunológico que lo llevó al borde de la muerte. Después de un año en recuperación, escribió varias nuevas canciones que el dúo grabó para su incorporación en "Home Movies", una colección de singles de 1993. En 1994, colaboraron con los innovadores del dub-trance "Massive Attack" en su álbum "Protection". Sus trabajos de estudio son, Eden (1984), Love not money (1985), Baby, The Star Shine Bright (1986), Idlewide (1988), The language of life (1990), Worldwide (1991) y Amplified Heart (1994). En Temperamental (1999) su noveno trabajo de estudio, profundizaron la fusión de su pasado pop con las corrientes más actuales de la música de baile, un camino que iniciaron en 1995 con la remezcla innovadora de Todd Terry en "Missing" y que afianzaron en su penúltimo álbum Walking Wounded (1996), los placeres del drum'n'bass. Las influencias del dúo, fruto del contacto con lo más granado de la música dance, y la experiencia que Ben Watt ha ido acumulando a los platos de Lazy Dog (su club en pleno corazón de Londres), configuran actualmente su música. En ella están presentes todas las últimas tendencias del universo electrónico, resaltadas por la sensibilidad y calidez humana de la voz de Tracey Thorn. Esta en solitario ha publicado dos trabajos, A Distant Shore (2001) y Out Of The Woods (2007). Los EBTG son poseedores de un particular sonido, que sabe mezclar magistralmente corrientes como el jazz, el pop y la electrónica, y con el paso del tiempo se han convertido en un grupo de referencia a la hora de hablar de música popular en clave vanguardista o de electrónica sofisticada y elegante. © epdlp
Saint Etienne
Finisterre (2002)
19 MARZO 2007
Saint Etienne es un trío británico formado por Sarah Cracknell, Pete Wiggs y Bob Stanley. Su fórmula se reinventa constantemente en un refrescante ir y venir de reminiscencias y referentes que cobran sentido en unas melodías que siempre suenan actuales. Álbumes como Foxbase Alpha (1990), So Tough (1992), Tiger Bay (1994), Good Humour (1998), The Sound Of Water (2000) o Tales From Tumpike House (2005) son, cada uno a su manera y medida, oportunos muestrarios de la orfebrería a la que nos tienen acostumbrados. Saint Etienne forma parte del oxígeno de la escena del pop mundial. Finisterre (2002) es una mirada retrospectiva hacia el pop de mitad de los 90, con colaboraciones como Wildflower, mujer en la élite del hip hop británico. Para Saint Etienne, el contexto ha sido siempre cambiante, de un lado para el otro, dejando al oyente la capacidad de interpretación. Vampiros glamourosos de los escenarios y científicos de estudio, su música mezcla de dub, house, northern soul, romanticismo, y electro-pop, sirve para elaborar pequeñas instantáneas de melancolía o entusiasmo contenido. © epdlp
Dirty Vegas
Dirty Vegas (2002)
05 MARZO 2007
El grupo británico Dirty Vegas está compuesto por el teclista y productor Paul Harris, el cantante y percusionista Steve Smith y el guitarrista Ben Harris. El trío hace una fusión híbrida de rock y música electrónica, lo que ellos mismos llaman electro-soft-rock. Mezclando esas tendencias crearon un tema para un spot de Mitsubishi, que les llevó en poco tiempo a darse a conocer mundialmente. Sus dos trabajos hasta la fecha, Dirty Vegas (2002) y One (2004), atraen tanto a fanáticos del rock que no les gusta mucho el dance, como a los seguidores de la música electrónica que nunca pensaron que cantarían y bailarían con un vocalista y guitarras incluidas. Tomando como referente a multitud de grupos, firman temas de lo más variopinto y ahí está su gran virtud. Dirty Vegas combina ritmos hipnóticos y bailables, acompañados por voz y guitarra, dándoles un toque retro-experimental. Convierten su música en una propuesta ambiciosa y prometedora, una parafernalia house poseedora de todas las emociones que podríamos encontrar en el rock. © epdlp
Goldie
Timeles (1995)
26 FEBRERO 2007
Clifford Price con su sobrenombre de Goldie es el rey de la jungla, el gran maestro del drum´n´bass. En los años 80 fue un apasionado del hip-hop y un consumado artista de graffittis en su ciudad natal de Walsall (Inglaterra). Comenzó su trayectoria discográfica en 1993, lanzando su primer maxi como Rufige Kru (nombre que todavía sigue utilizando) en una onda darkside. La escena hardcore en Inglaterra fue una gran oportunidad para él, comienza a ayudar significativamente en el trabajo de arte en una de los sellos más importantes de ese momento, Reinforced. Su primera aportación fue Kellermufin. Sin embargo su primer álbum realmente significativo fue Terminator grabado bajo el seudónimo de Metalheadz. Posee su propio sello Metalheadz y esparce su ciencia polirrítmica y su espíritu aventurero en sus impactantes sets. Con Timeless (1995), su primer álbum, inventó el sonido jungle. Tomando un estilo clásico contemporáneo, con su musica basada en loops electrónicos, voces celestiales y orquesta añadida, Goldie es definitivamente uno de los mas claros y sinceros exponentes del drum'n'bass del mundo. No es de extrañar que Björk, los Janes Adiction y Noel Gallagher, entre otros, se quedaran prendidos por su forma de interpretar este lenguaje musical contemporáneo, que ya está dejando de ser de plástico. © epdlp
Massive Attack
Mezanine (1998)
19 FEBRERO 2007
Massive Attack eran tres adolescentes de Bristol que, infectados por el gusanillo del hip hop montaron el sound system The Wild Bunch. Padrinos del trip-hop, Robert “3D” del Naja, Grant "Daddy G" Marshall y Adrian “Mushroom” Vowles (que abandonó el grupo en 1999), habían editado 3 discos en 12 años. Eran tres tipos de la calle preocupados por el arte y la alienación urbana, que en 1991 sacaron su primer álbum, Blue lines, que se archiva en el apartado de clásicos. Protection (1994) fue el segundo y Mezanine (1998) el tercero. Massive Attack no sólo han forjado una carrera más que interesante, sino que también han, directa o indirectamente, impulsado otras, como las de Tricky, Nicolette, Portishead, por nombrar algunos. En 100th Window (2003), su esperado cuarto álbum, su música cobra nitidez desde la primera hasta la última canción. Neil Davidge, cerebro multiusos que apareció en escena durante la gestación del Mezzanine, se ha convertido ahora en el fiel escudero de las nuevas aventuras sonoras de 3D, principal responsable del grupo en la actualidad. La música de Massive Attack es un sinuoso viaje por un mar de petróleo formado por paranoias, relaciones terminales e hiperrealismo depresivo. Música melancólica que transmite sentimientos ocultos. © epdlp
Republica
Republica (1996)
05 FEBRERO 2007
República fueron algo así como la respuesta “alternativa” a los británicos Garbage. Sus raíces surgieron de grupos como Prodigy, The Chemical Brothers, Luz y Phish y sus canciones fueron ideales para levantar a un muerto. La banda estuvo formado por el ex - Flowered Up, Tim Dorney (teclados), Johnny Male (guitarra), Andy Todd (teclados), Pete Riley (batería) y por encima de todos ellos su cantante, la exótica Saffron (Samantha Sprackling), artista importante de la escena brit-pop nacida en Nigeria, y en la que su tono capilar combinaba con su nombre, Azafrán. Su voz derivó hacia terrenos punks, mostrándonos todo su poder vocal listo para comenzar un bombardeo de ritmos electrizantes. Republica (1996) y Speed Ballds (1998), fueron sus dos álbumes de estudio y en ellos trituraron el techno, el dance, el pop y el rock alternativo, en unas melodías trepidantes que nos dejaron sin habla. En la actualidad poco se sabe de sus componentes, salvo que Saffron parece que tiene un nuevo proyecto llamado Swarm. © epdlp
GusGus
This Is Normal (1999)
29 ENERO 2007
GusGus es junto a los desaparecidos post-punk Sugarcubes, el grupo más importante de Islandia y el colectivo musical más ecléctico de los últimos años. Estuvo formado inicialmente por nueve miembros unidos casualmente cuando dos de sus componentes buscaban un reparto para realizar un corto. Cuando la filmación se pospuso, se propusieron grabar un álbum. Así nació Polydistortion (1996). En 1997 hicieron una gira por todo el mundo junto a los grupos Cornershop y Lamb. Tienen su propia casa discográfica, Elf 19 y crean sus propias tendencias de moda. A pesar de su música experimental y letras a menudo inusuales, la música dance es integral a su sonido así como las influencias de Carl Craig, Masters at Work y Prince. Los líderes de la banda son a día de hoy, Biggi Thorarinsson (programación) y y Stephan Stephensen (bajo, President Bongo), aunque también pertenecieron a ella nombres de la talla de Magnus Gudmundsson (DJ, Buckmaster de la Cruz) y Urdur Hakonardottir (cantante). Han editado siete álbumes, Polydistortion (1996), This Is Normal (1999), Gus Gus vs. T-World (2000), Attention (2002), Forever (2007), 24.7 (2009) y Arabian Horse (2011). GusGus mezcla varios estilos, hip-hop, funk, electro, techno y house, demostrando que se puede hacer trip-hop fuera de Bristol. Su sonido tiene una calidad etérea, combinando el drum'n' bass en sus orígenes y el uso inteligente de la tecnología en la actualidad. Han desarrollado un estilo personal e innovador, accesible y desafiante. © epdlp
Laika
Sound of the Satellites (1997)
22 ENERO 2007
Laika es una banda de Londres formada por Margaret Fiedler y John Frenett (cantante y ex-bajista de Moonshake, respectivamente), el ingeniero de sonido y productor Guy Fixsen (que había trabajado con Moonshake, The Breeders, Throwing Muses y My Bloody Valentine) y el batería Lou Ciccotelli. Su álbum de debut Silver Apples of the Moon (1994), calificado como un enlace perdido entre el avant funk de Can y el ambient jungle escuchado en London's pirates, los llevaron a compartir un tour por Estados Unidos junto a Tricky. Su segundo trabajo Sounds of the Satellites (1997), mas melódico que su predecesor, cargado de psicosis urbana y una tensión rítmica fluida, les permitió una gira por el Reino Unido junto a Radiohead. Good Looking Blues (2000), su último álbum hasta la fecha, trajo conjuntamente todo lo que Laika ama; grooves de baterías, bajos melódicos, letras blues/rap, melodías folk, instrumentación jazz/hip hop, clarinetes, trompetas y turntables. Laika fusiona material programado y ejecución en vivo para crear un sorprendente híbrido de pop experimental, crea música a un plano no-rock, buscando inspiración en los grooves hip-hop, techno, dub y jungle. Ritmos abrumadores, temas atemporales que buscan la eternidad, un intento consciente de parar el tiempo a través de susurros, de elegantes efectos de guitarra y bajos contundentes, de sobrios ritmos y percusiones. © epdlp
Pat Metheny Group
Imaginary Day (1997)
15 ENERO 2007
Pat Metheny ha sido músico profesional casi la mitad de su vida. Incluso por separado, sin su grupo Pat Metheny Group, las credenciales del guitarrista son impresionantes. Fue profesor tanto en la Universidad de Miami como en el Berklee College of Music, en Boston, cuando aún era un adolescente. A los diecinueve años se unió a la banda de Gary Burton y permaneció con ellos durante tres años (1974-1977). Ha tocado y grabado con algunos de los más innovadores músicos de las pasadas dos décadas: Gary Burton, Sonny Rollins, Paul Motian, Roy Haynes, Miroslav Vitous, Jack DeJohnette, Michael Brecker, Charlie Haden, Ornette Coleman, Milton Nascimento, Herbie Hancock y Steve Reich, entre otros. Su primer disco fue Bright Size Life (1976) con el sello ECM, junto a Jaco Pastorius (bajo eléctrico) y Bob Moses (batería). En él ya presenta las composiciones unidas y comprometidas del líder y su concepto único de lo instrumental. A éste siguieron Water Colors (1977) en el cual grabó por primera vez con Lyle Mays y Danny Gottlieb. Más tarde Pat Metheny Group (1978), New Chatauqua (1979), American Garage (1980), 80/81 (1980), As Falls Wichita, So Falls Wichita Falls (1981), Offramp (1982) su primera grabación con sintetizador de guitarra; Travels (1983), Rejoicing (1983), First Circle (1984), Song X (1986) junto a Ornette Coleman, el revolucionario saxofonista y compositor de free jazz; Still Life Talking (1987), Letter From Home (1989) su trabajo de mayor éxito hasta ese momento, conciso, con fuerza, inequívocamente melodioso y conmemorativo; Letter From Home es un mensaje de madurez y logros de un grupo en plena forma. Question and Answer (1990), Secret Story (1993), una de sus creaciones más personales, con su factor emocional, crecido como compositor, culminación de lo que había hecho hasta la fecha; The Road to You (1994), We Live Here (1995), Beyond The Missouri Sky (1997), Imaginary Day (1997), Speaking of Now (2002) y The Way Up (2005). Su grupo está formado normalmente por Lyle Mays (teclados), Steve Rodby (bajo), Richard Bonna (voz y guitarra), Antonio Sánchez (batería), David Samuels (percusión) y Cong Vu (voz y trompeta). Son escasos los artistas que improvisan y que logran interesar a una creciente cantidad de público sin que por ello se vea afectado su arte. Más extraño aún es encontrar un artista que pueda ver cómo su público se desarrolla al mismo tiempo que lo hace su visión musical. Pat Metheny, considerado el mejor guitarrista de jazz del mundo, compositor polifacético, productor innovador y pionero con el sintetizador y la guitarra, se encuentra en una posición inigualable, principalmente el resultado de una inteligencia musical insaciable y una energía aparentemente inagotable. © epdlp
Everything But The Girl
Walking Wounded (1996)
08 ENERO 2007
EBTG fue fundado en 1982 por los estudiantes de la Universidad de Hull, Tracey Thorn y Ben Watt. El dúo tomó su nombre de una señal puesta en la ventana de una tienda de muebles local que exhibía "Para el dormitorio de sus sueños, vendemos todo menos a la chica". En el momento de su formación, Tracey Thorn (componente de las Marine Girls), y el cantante multi-instrumentista Ben Watt (que había publicado varios singles y colaborado con Robert Wyatt), firmaron con el sello independiente Cherry Red. Debutaron con una interpretación de la samba de Cole Porter "Night and Day" que fue un éxito en las listas independientes del Reino Unido. En 1992 Ben Watt enfermó debido al Síndrome de Churg-Strauss, una extraña enfermedad del sistema inmunológico que lo llevó al borde de la muerte. Después de un año en recuperación, escribió varias nuevas canciones que el dúo grabó para su incorporación en "Home Movies", una colección de singles de 1993. En 1994, colaboraron con los innovadores del dub-trance "Massive Attack" en su álbum "Protection". Sus trabajos de estudio son, Eden (1984), Love not money (1985), Baby, The Star Shine Bright (1986), Idlewide (1988), The language of life (1990), Worldwide (1991) y Amplified Heart (1994). En Temperamental (1999) su noveno trabajo de estudio, profundizan la fusión de su pasado op con las corrientes más actuales de la música de baile, un camino que iniciaron en 1995 con la remezcla innovadora de Todd Terry en "Missing" y que afianzaron en su penúltimo álbum Walking Wounded (1996), los placeres del drum'n'bass. Las influencias del dúo, fruto del contacto con lo más granado de la música dance, y la experiencia que Ben Watt ha ido acumulando a los platos de Lazy Dog (su club en pleno corazón de Londres), configuran actualmente su música. En ella están presentes todas las últimas tendencias del universo electrónico, resaltadas por la sensibilidad y calidez humana de la voz de Tracey Thorn. Poseedores de un particular sonido, que sabe mezclar magistralmente corrientes como el jazz, el pop y la electrónica, con el paso del tiempo se han convertido en un grupo de referencia a la hora de hablar de música popular en clave vanguardista o de electrónica sofisticada y elegante.
© epdlp
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