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       Música - Todos los álbumes de la semana 
 
    
 

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   De-Phazz
   Days Of Twang (2007)

   31 DICIEMBRE 2012

   De-Phazz es la abreviatura de Destination Future Jazz. Esta agrupación germana, residentes en Heidelberg y fundada por el compositor y productor Pit Baumgartner, está compuesta principalmente por cuatro músicos curtidos y versátiles. Los cantantes y compositores Karl Frierson, Pat Appleton y Barbara Lahr, junto a Pit Baumgartner (guitarra y samplers), ejecutan pequeñas perlas de ingeniería lounge, mezclada con easy listening, electrónica-orgánica, dancehall y lo que se les ponga por delante. Al trío les acompaña un bongo itinerante, en el que destacan, Jan Fride (batería), Roy Randolf (percusión), Joo Kraus (trompeta), Eckes Malz (teclados) y Otto Engelhardt (trombón). Detunized gravity (1997), Godsdog (1999), Death by Chocolate (2001), Daily Lama (2002), Plastic Love Memory (2002), Natural Fake (2005), Days Of Twang (2007) y Lala 2.0 (2010), son sus ocho álbumes de estudio que los colocan, junto a Saint Germain y Jazzanova, en esa punta imaginaria de un iceberg llamado nu-jazz. La aparición de su canción ¿Something special?, incluida en el cd Death by Chocolate, en un anuncio de tv, aumentó notablemente su popularidad, comparándolos con bandas como Combustible Edison o Pink Martín en versión digital, aunque todo el mundo sabe que son mucho más que eso. Las portadas de sus trabajos, obra del diseñador Olaf Becker, acentúan esa iconografía chic de la que el grupo hace gala. De-Phazz crean un cóctel vigoroso de música de salón que bebe del jazz moderno y el dance más cool, infinidad de gotas de elixir con gusto a glamour y elegancia demodé, todo ello aderezado con buen gusto, nivel instrumental y un estilismo retro de lo más fashion. Un combinado, más batido que agitado, dónde la libertad creativa es su gran baza, el último invento anti-estrés que hace que en tu discoteca por fin brille el sol.  © epdlp




   M83
   Hurry Up, We're Dreaming (2011)

   24 DICIEMBRE 2012

   El Shoegazing (en inglés, "shoe" (zapato) y "gazing", del verbo gaze, que significa mirar fijamente a alguien o algo), es un estilo musical conformado por sonidos de guitarras fuertemente distorsionados, efectos de pedal y delays que “ensucian” un poco el sonido. Surgió a finales de los años ochenta en Inglaterra, permaneciendo hasta mediados de los años noventa. Los grupos más importantes de ésta corriente fueron My Bloody Valentine, Ride, Slowdive, The Boo Radleys y The Verve, en sus comienzos. Una década después el estilo ha vuelto a resurgir con nuevos grupos orientados más a la música electrónica, pero que recogen los aspectos característicos del género. Bandas como, The Pains of Being Pure at Heart, The Raveonettes, Friendly Fires y Cut Copy, serían sus abanderados, aunque los mejores son M83, una formación francesa fundada por Anthony González y Nicolás Fromageau (éste último abandonó el grupo en el 2004), y compuesta además por Jordan Lawlor (voz y guitarra), Morgan Kibby (voz, teclados y cello) y Loïc Maurin (percusión). Han publicado seis álbumes de estudio, M83 (2001), Dead Cities, Red Seas & Lost Ghosts (2003), Before the Dawn Heals Us (2005), Digital Shades Vol.1 (2007), Saturdays = Youth (2008) y Hurry Up, We're Dreaming (2011). El nombre de la banda fue inspirado en la galaxia espiral Messier 83, también llamada Molinillo Austral. Durante años, M83 había sido la galaxia en la que se habían descubierto más supernovas y según confirmó el científico que la descubrió en 1781, Charles Messier, uno sólo podrá verla si tiene una gran capacidad de concentración. Quizá la música de M83, intente acercarse a esa capacidad de concentración que toda composición importante y emotiva intenta transmitir.  © epdlp




   Afro Celt Sound System
   Capture (2010)

   10 DICIEMBRE 2012

   Afro Celt Sound System, son un grupo afro-irlandés formado por Simon Emmerson (guitarrista y productor), James McNally (multiinstrumentista), Iarla Ó Lionáird (voz) y Martin Russell (teclados, programación e ingeniero de sonido), verdadero artífice del sonido del grupo, además de Johnny Kalsi (percusión), N'Faly Kouyate (instrumentos étnicos), Emer Mayoc (gaitas) y Moussa Sissokho (percusión). Aunque Simon Emmerson lo había formado como banda en 1991, no fue hasta el año 1996 cuando se dieron a conocer en el festival Womad, dónde tuvieron un éxito extraordinario. A partir de esa fecha su nivel de calidad e innovación subió en la misma medida que editaban sus cinco álbumes de estudio, Sound Magic (1996), Release (1999), Further In Time (2001), Seed (2003) y Anatomic (2005). En éstos trabajos además han disfrutado de las colaboraciones de músicos de la talla de Robert Plant, Sinéad O'Connor, Davy Spillane, Liam O'Flynn y Peter Gabriel, entre otros. Este último, fundador del festival Womad y propietario de la discográfica Real World, sello que ha publicado todos los álbumes del grupo. Han participado asimismo en películas tales como Hotel Rwanda, Stigmata, Gangs of New York y Nikita. Los ACSS fusionan la música dance y electrónica en general, con ritmos celtas y africanos, sintetizando la ideología del Womad: mezclar culturas, presumir de contemporáneos -trabajan con ordenadores- y cuidar el aspecto visual, especialmente la danza. Su repertorio incluye partituras de hace 600 años y piezas actuales como el jungle y el house. Esta mezcla perfecta de sonidos antiguos y contemporáneos, eso que ellos llaman global dance, los ha situado en la vanguardia indiscutible de la World Music. Capture (2010), es un doble recopilatorio de sus cinco discos en estudio reprogramados y con nuevas mezclas.  © epdlp




   Laika
   Wherever I am, I am what is missing (2003)

   03 DICIEMBRE 2012

   Laika es una banda de Londres formada por Margaret Fiedler y John Frenett (cantante y ex-bajista de Moonshake, respectivamente), el ingeniero de sonido y productor Guy Fixsen (que había trabajado con Moonshake, The Breeders, Throwing Muses y My Bloody Valentine) y el batería Lou Ciccotelli. Su álbum de debut Silver Apples of the Moon (1994), calificado como un enlace perdido entre el avant funk de Can y el ambient jungle escuchado en London's pirates, los llevaron a compartir un tour por Estados Unidos junto a Tricky. Su segundo trabajo Sounds of the Satellites (1997), más melódico que su predecesor, cargado de psicosis urbana y una tensión rítmica fluida, les permitió una gira por el Reino Unido junto a Radiohead. Good Looking Blues (2000) y Wherever I am, I am what is missing (2003), sus dos últimos álbumes hasta la fecha, trajeron conjuntamente todo lo que Laika ama; grooves de baterías, bajos melódicos, letras blues/rap, melodías folk, instrumentación jazz/hip hop, clarinetes, trompetas y turntables. Laika fusiona material programado y ejecución en vivo para crear un sorprendente híbrido de pop experimental, crea música a un plano no-rock, buscando inspiración en los grooves hip-hop, techno, dub y jungle. Ritmos abrumadores, temas atemporales que buscan la eternidad, un intento consciente de parar el tiempo a través de susurros, de elegantes efectos de guitarra y bajos contundentes, de sobrios ritmos y percusiones.  © epdlp




   Andreas Vollenweider
   Air (2009)

   26 NOVIEMBRE 2012

   El arpa es posiblemente el instrumento más antiguo que produce su sonido mediante el punteo digital de unas cuerdas en tensión. Tuvo una aceptación extraordinaria en la edad media, antes de ser destronada en el siglo XV por el laúd y renacer de sus cenizas en el siglo XX. El suizo Andreas Vollenweider es de los pocos compositores que tocan el arpa en la música popular. Además fue el primero que los expertos calificaron como hacedor de música new age. Hijo de uno de los mejores organistas europeos, creció rodeado de un ambiente creativo, aprendiendo a tocar por su cuenta varios instrumentos, hasta que en 1975 encontró el que más se adaptaba a sus posibilidades y a su estilo. Modificó el arpa hasta adecuarla a sus necesidades y la convirtió en electroacústica. Formó parte originalmente del grupo Music and Poetry con el que grabó tres discos, para más tarde y ya en solitario editar 13 álbumes de estudio, Eine Art Suite (1979), Behind the Gardens (1981), Caverna Magica (1982), White Winds (1984), Down to the Moon (1986), Dancing with the Lion (1988), Traumgarten (1990), Book of Roses (1991), Eolian Minstrel (1993), Kryptos (1997), Cosmopoly (1999), The Essential (2001) y Vox (2004). En estos años en el mundo de la música, ha vendido más de diez millones de discos con unas melodías que emanan sosiego pero también conmueven. Además de éste instrumento también toca guitarras e instrumentos de aire, así como la kora africana y la gu-cheng (arpa china). Escucharle interpretar es toda una aventura, pues no utiliza bajo, sino que las notas de bajas frecuencias las da con las cuerdas largas del arpa. Su último trabajo, Air (2009), que utiliza instrumentos que antes usó raramente como el piano, la guitarra española o su propia voz, está dirigido a conciencias agitadas, a las que propone un ambiente ideal para la introspección, una auténtica odisea para un viajero imaginario en busca de emociones inexploradas.  © epdlp




   Jóhann Jóhannsson
   Englaborn (2002)

   19 NOVIEMBRE 2012

   Jóhann Jóhannsson es uno de los más activos compositores de la nueva escena musical islandesa. Antes llegaron Bjork, Gus Gus, Sigur Rós, Múm pero quizás con él hemos llegado a un lugar sin retorno, el de la entrega sin condiciones a todo lo que suena islandés. Fundador del sello y colectivo artístico Kitchen Motors, miembro de la Apparat Organ Quarter, ha sido productor de entre otros, Marc Almond, Hafler Trio, Barry Adamson y Pan Sonic. Su discografía la componen auténticas joyas del neoclasicismo electrónico, Englaborn (2002), Dis (2004), IBM 1401, A User's Manual (2006), Forlandia (2008) y And In The Endless Pause There Came The Sound Of Bees (2009), además de músicas para teatro, documentales y bandas sonoras. Jóhann Jóhannsson, poderosamente influenciado por la música de Arvo Pärt, Henryk Górecki y Dmitri Shostakovich, combina cuarteto de cuerda, piano, órgano o percusión con delicados tratamientos electrónicos y manipulaciones sintéticas, como una sucesión de letanías y armonías robóticas.  © epdlp




   Yello
   The Eye (2003)

   22 OCTUBRE 2012

   Yello es un dúo suizo compuesto por Boris Blank y Dieter Meier. Sus inicios en 1979 fueron como trío, Carlos Perón era el tercer componente, aunque abandonó el grupo en 1983. De sus obras destacan Solid Pleasure (1980), Stella (1985), One Second (1987), Flag (1988), Essential (1992), Zebra (1994), Hands on Yello (1995), Pocket Universe (1997), Motion Picture (1999), The Eye (2003) y Touch (2009), su último álbum. Su música es una fusión electrónica de techno y ambient, con ritmos calientes, principalmente del Caribe y Brasil. Gracias al apoyo de la técnica de tape-loops y más tarde de los muestreadores, consiguen un sonido personal e inimitable, que va más allá del electro-pop. Imagínate en una playa, recostado en la arena, mirando hacia el cielo por el que transita un globo aerostático, eso es Yello y su música.  © epdlp




   Brendan Perry
   Eye of the Hunter (1999)

   15 OCTUBRE 2012

   Los australianos Lisa Gerrard y Brendan Perry eran Dead Can Dance. De origen anglo-irlandés, compartieron una visión original y diferente del mundo que les rodeaba, atreviéndose con un concepto musical totalmente innovador y de altísima calidad, pletórico de sonidos percusivos. Sus ocho trabajos de estudio, llenos de influencias procedentes del Renacimiento y sus estéticas musicales, Dead Can Dance (1984), Spleen and Ideal (1985), Within the realm od the dying sun (1987), The Serpent's Egg (1989), Aion (1990), Into the Labyrinth (1993), Toward the Within (1994) y Spiritchaser (1996), conformaron su especial forma de entender la música, una mezcla inteligente de toques étnicos, rock tradicional y también estilos antiguos. Aclamados por la crítica, Dead Can Dance reinan ya en su particular tierra musical. Desde entonces las vidas de ambos músicos han seguido carreras distintas, Gerrard vive en Australia, componiendo bandas sonoras y álbumes en solitario y Perry en Irlanda, manteniendo ese espíritu musical inspirado en la sabiduría milenaria. La carrera de Brendan Perry desde sus separación ha sido ecléctica, pues a pesar de que ha colaborado en innumerables trabajos de otros músicos, sólo ha editado dos álbumes de estudio con su nombre, Eye of the hunter (1999) y Ark (2010), dos monumentos a la belleza perdida, la eterna meta humana de lograr una existencia significante.  © epdlp




   Bliss
   No One Built This Moment (2009)

   08 OCTUBRE 2012

   Los grupos escandinavos han sido desde hace un tiempo, referente indispensable en cuanto a tendencias y modas en el mundo de la música. Recordemos a Sugarcubes, Bjork, Sigur Ros, Koop, Royksoop, The Hives o Raveonettes, por mencionar algunos. Afincados en Dinamarca, el grupo Bliss, los daneses Marc-George Andersen (teclados) y Steffen Aaskoven (programación), la sueca Alexandra Hamnede (voz) y el ghanés Salvador “Tchando” Embalo (voz, guitarra y percusión), han sabido forjarse un sonido difícilmente clasificable (new age, world music, electrónica, música clásica...), digamos que se encuentran entre Johann Sebastián Bach y Brian Eno. Su álbum debut Afterlife (2001), repleto de voces fascinantes, percusión apacible y una vital orquestación, fijó los nuevos estándares para la música étnica, mezclando influencias occidentales, africanas y clásicas. Su segundo trabajo. Quiet Letters (2003), fue calificado por el prestigioso DJ Ravin, del club Buddha Bar, como el trabajo más importante de la década y en él nos retrotraía a gente como Sade, Enya, Norah Jones y en ocasiones al gran Ennio Morricone, todo ello flambeado con unas gotas de alma escandinava. Sus trabajos no terminan ahí, pues han colaborado en la música de la serie de televisión C.S.I. y han compuesto la tremenda banda sonora de They Made History (2005), un documental de 9 episodios del periodista Steffen Kretz, así como diversos spots publicitarios para Carlsberg, Lundbeck y Zendium, entre otros. En No One Built This Moment (2009), su penúltimo álbum, supieron rodearse de importantes colaboraciones, como la cantante de Zero 7, Sophie Barker, la ya habitual Lisbeth Scott, el veterano percusionista, Jacob Andersen, el estupendo bajista de jazz, Mads Vinding o el cantante Boy George. So Many Of Us (2013) es su último trabajo. La historia de Bliss crece día a día, su música habla por ellos, sobran las palabras.  © epdlp




   Beth Orton
   Sugaring Season (2012)

   01 OCTUBRE 2012

   La inglesa Beth Orton ha llevado a cabo la extraña tarea de popularizar la música de influencia folk entre los clubes de la última década del siglo XX. Sus aspiraciones se dirigían a ser actriz, pero el afamado compositor y productor William Orbit la contrató para grabar unos textos recitados para su proyecto Strange Cargo. El éxito del proyecto la llevó a grabar su primer disco Superpinkymandy (1993), un disco poco convencional solamente para el mercado japonés, que le abrió las puertas a colaboraciones junto a Red Snapper, Chemical Brothers, Primal Scream, Ben Watt (EBTG), Johnny Marr (Smiths) y Ryan Adams. Sus siguientes álbumes, Trailer Park (1996), Central Reservation (1999), Daybreaker (2002) y Comfort of Strangers (2006), la consagraron como esa cantautora universal que lejos de estilos (folk, pop, country, electrónica, etc) toca todos los palos con elegancia y sencillez, creando canciones brillantes, sencillas y que perduran en el tiempo. Sus conciertos en directo destilan unos sonidos llenos de matices, intensos y hermosos, sobre el que sobresale su espléndida voz, momentos álgidos de emoción desbocada. Beth Orton la niña mimada del pop británico se disfraza de Joni Mitchell, Natalie Merchant y Suzzane Vega, y al final acaba pareciéndose a Bjork y a Sade. Sugaring Season (2012), es su último álbum. Un viaje en torno a las relaciones personales, con sus canciones como análisis del mundo a través de sus ojos, describiendo la naturaleza de las cosas desde un punto de vista en el que la esperanza, el amor, la expectación y el paso del tiempo se expresan naturalmente. Entre la caída, la salvación y la supervivencia, Beth Orton nos recuerda el cielo de cemento que se nos cae encima.  © epdlp




   Transglobal Underground
   Moonshout (2007)

   24 SEPTIEMBRE 2012

   Productores y músicos británicos de origen indo-pakistaní, Transglobal Underground son una unión perfecta para intentar traducir sobre el escenario las emociones propias de las pistas de baile. Su interés en la construcción de atmósferas que matizan su música y la llevan más allá del territorio recreativo, unido a todo un muestrario de elementos pop, ambient, house y dub, tamizan su eclecticismo bien entendido. Formado por una decena de personas, sus principales componentes son Tim Whelan y Hamilton Lee (compositores capitales). El resto de sus miembros es bastante difícil de adivinar, pues van y vienen dependiendo del disco que presenten, aunque de todos ellos destacan las colaboraciones de la cantante Natacha Atlas y del rapper Coleridge. Grabaron su primer single "Temple Head" para Nation Records, un sello creado específicamente para fusionar la música de baile occidental con los ritmos árabes, asiáticos y africanos. Su primer álbum, Dream of one hundred nations (1993), en el que participaron multitud de raperos, percusionistas y cantantes, fue el mejor trampolín para su sonido pluricultural. A éste siguieron, Internacional Times (1995), Psychic Karaoke (1997), Rejoice, Rejoice (1998), Yes Boos Food Corner (2001), Impossible Broadcasting (2004), Moonshout (2007) y The Stone Turntable (2011). Transglobal Underground ralentizan el hip-hop y aceleran el dub, fusionan la música clásica hindú, reggae, bhangra, hip hop y pop de los 80, con una acusada tendencia a lo lúdico. Su labor de integración entre el ritmo, la atmósfera y la melodía culmina con una amalgama de formas que envuelven secretos y sabiduría.  © epdlp




   The Durutti Column
   Rebelion (2001)

   17 SEPTIEMBRE 2012

   La Columna Durruti fue una columna de milicias populares anarquistas, que participó en el año 1936 en la Guerra Civil Española, luchando contra Franco. Estuvo comandada por Buenaventura Durruti durante los primeros meses. Vini Reilly, líder de la banda homónima, vio ese título en el póster de un grupo político situacionista inglés, y decidió dar ese nombre al grupo que acabada de formar en Manchester (Inglaterra) en 1978, junto a los productores Anthony H. Wilson y Alan Erasmus, fundadores del sello discográfico Factory Records. Sin embargo, pronto se convirtió en un proyecto en ?solitario? de Vini Reilly. The Durutti Column no son exactamente un grupo, son un concepto de banda, porque Vini Reilly es el germen de un estilo totalmente personal, que no cabe en ninguna clasificación. Componen la banda en la actualidad, Vini Reilly (guitarra), Bruce Mitchell (batería), Laurie Laptop (programación) y Pete Crookes (bajo). Han editado entre otros los siguientes álbumes de estudio, The Return Of The Durutti Column (1980), LC (1981), Another Setting (1983), Circuses & Bread (1986), Obey The Time (1990) y Sex And Death (1994), todos ellos bajo el sello de sus fundadores Factory Records y más tarde, Rebellion (2001), Tempus Fugit (2004), Keep Breathing (2006), Love In The Time Of Recession (2009) y Chronicle (2011). Decir que Vini Reilly construye jazz, rock, folk o clásica sería temerario, quizá lo más apropiado sería relacionarlo con reminiscencias de los 60, que los entendidos enlazan con piezas de danza moderna, aunque su verdadera clasificación sería de entronizador del post-punk y de la new wave. Con el sonido característico de su guitarra, se situó en un ?no man's land? (tierra de nadie) que desde entonces, hace más de treinta años, no ha hecho más que acrecentar su figura y porqué Vini Reilly convierte cada una de sus canciones en descomunales epopeyas vestidas de pequeñas sinfonías.  © epdlp




   Nils Petter Molvaer
   Baboon Moon (2011)

   10 SEPTIEMBRE 2012

   El jazz menos académico se ha configurado como uno de los ingredientes más habituales de la música de club y la electrónica downtempo. El trompetista y compositor noruego Nils Petter Molvaer es una de las figuras más importantes de esta nueva corriente sin prejuicios que combina jazz y electrónica en busca de una nueva creatividad contemporánea. Considerado el padre del electro jazz, factura un jazz híbrido con poso orgánico que tiende vínculos entre el Miles Davis más abstracto y vanguardista y los flirteos con la electrónica de Bugge Wesseltoft, Erik Truffaz y Marc Moulin. A final de la década de 1980, fue parte de uno de los mejores grupos del jazz escandinavo, Masqualero. Y desde que publicara en 1997 su disco Khmer, un trabajo que ha sido tomado como modelo por muchos artistas y que figura en todas las selecciones de los mejores discos de jazz de los últimos tiempos, dejó sentadas las bases de su sonido, una base jungle, una guitarra punzante y el timbre y el fraseo apasionadamente melancólico de su trompeta. Sus siguientes trabajos, Solid Ether (2000), NP3 (2002), ER (2005), Hamada (2009) y Baboon Moon (2011), no hacen sino realzar esa sensibilidad excepcional que lo ha llevado a ser uno de los músicos más solicitados e innovadores del mapa musical contemporáneo. Nils Peter Molvaer sabe que una pieza musical nunca está realmente acabada, y que la producción y la composición son procesos en constante evolución, por eso ha incorporado al jazz el potencial liberador de la música de baile, mezclando la improvisación jazzística con el techno, el house, el downtempo, el breakbeat, el ambient o el drum'n'bass, en una línea renovadora con resultados espectaculares. Su música habla por sí misma.  © epdlp




   De-Phazz
   Daily Lama (2002)

   03 SEPTIEMBRE 2012

   De-Phazz es la abreviatura de Destination Future Jazz. Esta agrupación germana, residentes en Heidelberg y fundada por el compositor y productor Pit Baumgartner, está compuesta principalmente por cuatro músicos curtidos y versátiles. Los cantantes y compositores Karl Frierson, Pat Appleton y Barbara Lahr, junto a Pit Baumgartner (guitarra y samplers), ejecutan pequeñas perlas de ingeniería lounge, mezclada con easy listening, electrónica-orgánica, dancehall y lo que se les ponga por delante. Al trío les acompaña un bongo itinerante, en el que destacan, Jan Fride (batería), Roy Randolf (percusión), Joo Kraus (trompeta), Eckes Malz (teclados) y Otto Engelhardt (trombón). Detunized gravity (1997), Godsdog (1999), Death by Chocolate (2001), Daily Lama (2002), Plastic Love Memory (2002), Natural Fake (2005), Days Of Twang (2007) y Lala 2.0 (2010), son sus ocho álbumes de estudio que los colocan, junto a Saint Germain y Jazzanova, en esa punta imaginaria de un iceberg llamado nu-jazz. La aparición de su canción ¿Something special?, incluida en el cd Death by Chocolate, en un anuncio de tv, aumentó notablemente su popularidad, comparándolos con bandas como Combustible Edison o Pink Martín en versión digital, aunque todo el mundo sabe que son mucho más que eso. Las portadas de sus trabajos, obra del diseñador Olaf Becker, acentúan esa iconografía chic de la que el grupo hace gala. De-Phazz crean un cóctel vigoroso de música de salón que bebe del jazz moderno y el dance más cool, infinidad de gotas de elixir con gusto a glamour y elegancia demodé, todo ello aderezado con buen gusto, nivel instrumental y un estilismo retro de lo más fashion. Un combinado, más batido que agitado, dónde la libertad creativa es su gran baza, el último invento anti-estrés que hace que en tu discoteca por fin brille el sol.  © epdlp




   Telefon Tel Aviv
   Fahrenheit Fair Enough (2001)

   27 AGOSTO 2012

   Telefon Tel Aviv es la historia de dos amigos de Nueva Orleans, que de la música clásica saltaron sin escalas a las laptop. Su debut, Fahrenheit Fair Enough (2001) deslumbró a la crítica entendida, que calificó sus paisajes sonoros ambientados con guitarras estridentes y pianos melancólicos, como el primer gran disco de pop electrónico del siglo XXI. Josh Eustis y Charles Cooper, han habilitado una especie de puente entre el post-rock y la electrónica (indietrónica), uniendo ritmos y glitches con una instrumentación orgánica. Niños mimados del sello Hefty (el que le hace la competencia en Estados Unidos a Morr Music) y con una música paralela a la de Mark Van Hoen (Locust), This Mortal Coil, Polygon Window, Lali Puna o Ian Masters, echaron el resto en un segundo trabajo que les consagró. Map of What Is Effortless (2004), continúa siendo abstracto, pero tiene el toque épico que hace que sus canciones entren con mayor facilidad en los oídos. Además cuenta con las colaboraciones de Damon Aaron, Lindsay Anderson (ex-Stockholm Monsters) y actualmente cantante del grupo L'Altra, así como la participación de una orquestra de 30 personas. Telefon Tel Aviv consiguió el álbum más preciosista y orquestado de ese año. Música electrónica emocional con hits potenciales, lo que llamaríamos techno para llorar, toques soul con muchas detonaciones (glitches, clicks, cuts) para transportarte sin esfuerzo por parajes idílicos, encandilarte con la conjunción de sonidos y con la muestra de beats en esencia. Quizá las cosas más valiosas en el mundo no tengan precio, Telefon Tel Aviv sabe que la búsqueda de la sencillez construida con orquesta de cámara y ruido electrónico, convierte a su música en esbozos de amor y desolación.  © epdlp




   Chicane
   Thousand Mile Stare (2012)

   20 AGOSTO 2012

   Sabio conocedor de los sonidos de Ibiza, puros ritmos chill-out y el trance melódico, sensación de los clubes ingleses y uno de los dj's más desconcertantes de los últimos tiempos, el inglés Nick Bracegirdle, más conocido como Chicane, ha conseguido sublimar las virtudes de la música de baile, transformándola en techno melancólico. Educado en las lides de la música clásica, olvidó el ambiente de conservatorio el día que decidió comprarse dos teclados análogos y experimentar con lo que podía salir de las mezclas en el estudio. Sus cinco trabajos, Far From The Maddening Crowds (1997), Behind The Sun (2000), Somersault (2007), Giants (2010) y Thousand Mile Stare (2012), funcionan bien si deseas escucharlos tomando un café un atardecer en cualquier playa relajante del Mediterráneo o el Pacífico Sur, así como también funciona como música para un bar de estilo lounge. Nick Bracegirdle sabe como crear inmejorables paisajes y momentos de intensa emoción.  © epdlp




   Nitin Sawhney
   Human (2003)

   13 AGOSTO 2012

   Nitin Sawhney es un músico anglo-hindú que fusiona tradición y electrónica. Nació en Rochester, Kent, Inglaterra. Con Talvin Singh, otro de los grandes nombres del asian underground, fundó Tihai Trio, proyecto creado tras la disolución de su primera banda The Jazztones. Sus álbumes, Spirit dance (1994), Migration (1995), Displacing the priest (1996), Beyond skin (1999), Prophesy (2001), Human (2003) y Philtre (2005), son un impecable ejemplo de como delimitar el presente sin renunciar a la memoria. Nitin Sawhney ha estado enseñando al mundo por dónde va la música del siglo XXI. La diferencia entre lo que él hace y lo que surge de otros artistas contemporáneos suyos no es una cuestión de estilo, sino de talento. Un viaje alrededor del mundo conocido, con el que es imposible no identificarse dentro de una civilización globalizadora como la que vivimos actualmente. En su música se dan la mano, el canto musulmán de llamada a la oración y la rumba mediterránea, los ecos jazzísticos y el espíritu del Ganges. Demuestra que la música contemporánea pierde sus fronteras en bien de la creación y que cualquier herencia es buena si se sabe utilizar con criterio y si se adquiere de ella lo que mejor puede aportar al estilo propio del compositor. Sawhney no crea para turistas, sino que expone su música como un retrato cromático de la sociedad que refleja.  © epdlp




   Paul Mounsey
   City Of Walls (2003)

   06 AGOSTO 2012

   Si el futuro de la música étnica está en la fusión y la experimentación, el de la música celta está en la innovación y el vanguardismo. Varios nombres sobresalen en ésta última, Stone Age, Ashley MacIsaac, Talitha MacKenzie y destacando sobre todos ellos dos figuras cruciales, el tristemente desaparecido Martín Bennett y el escocés residente durante dos décadas en Brasil, Paul Mounsey. Antiguo guitarrista de rock, Paul Mounsey abandonó ese estilo musical para dedicarse a estudiar la música de la tierra de sus orígenes, Escocia, la cual mezcla con estilos más actuales, principalmente electrónicos. Bicho raro de la música gaélica, comenzó su carrera colaborando con músicos de la talla de Michael Nyman, Etta James, Chico Buarque, Jimmy Cliff y Antonio Carlos Jobim, para años después editar su primer álbum de estudio, Nahoo (1994), un collage de estilos étnicos y ritmos de baile que abrió caminos hasta entonces inexplorados. Sus siguientes trabajos, Nahoo too (1997), Nahoo 3: notes from the republic (1999) y City Of Walls (2003), consiguieron que esa senda desconocida y hasta entonces impenetrable, se convirtiera en un vergel frondoso y vital. Paul Mounsey ejecuta en una mezcla fascinante, las raíces gaélicas y los ritmos tradicionales del noreste de Brasil, sobre todo a nivel de percusión, todo ello aderezado con pinceladas noruegas, gallegas, portuguesas y hasta norteamericanas, desafiando cualquier definición o idea preconcebida. En su último trabajo, Pasan los días veloces (2005), logra reunir las voces de Alyth McCormack, Anna Murray, Christine Primrose, Ishbel MacAskill, Kevin MacNeil, Mary Smith y las hermanas MacKenzie, en una obra fascinante que sorprende por su rotundidad y que se concentra en su labor únicamente de compositor. Paul Mounsey construye sus discos como si fueran un enorme retal de elementos étnicos en el que todo cuadra, un viaje cosmopolita en el que finalmente el espíritu celta impone su impronta y en el que el compositor ejerce de arqueólogo del futuro.  © epdlp




   Underworld
   Isles of Wonder (2012)

   30 JULIO 2012

   Aunque desde el año 1981 editaban discos con el nombre de Freur, el duo Underworld se formó en el año 1987 cuando dos músicos ingleses, el frontman-vocalista y guitarrista Karl Hyde y el virtuoso programador Rick Smith editan su primer single, en un principio totalmente pop. En el año 1990, un joven DJ llamado Darren Emerson, entraba a formar parte del grupo. Pero es en 1991 cuando Rick y Karl deciden fundar junto a otros amigos, el colectivo de arte Tomato, que se convirtió en una referencia indiscutible en el mundo del arte audio-visual. Fue desde entonces cuando empezaron a aparecer sus temas mas aclamados. Su álbum de debut Dubnobasswithmyheadman (1994) convirtieron al trío en el primer gran grupo electrónico de masas capaz de llenar estadios enteros en los años 90. Posteriores éxitos como Born Slippy, todo un auténtico himno gracias a la película Trainspotting, o su segundo trabajo Second Toughest In The Infants (1996) no hicieron más que consagrarles. En 1999, apareció su tercer álbum Beaucoup Fish, un año antes de que Darren Emerson abandonara el grupo. Desde entonces Rick y Karl han seguido en solitario trabajando en sus siguientes trabajos, A Hundred Days Off (2002), Oblivion With Bells (2007) y Barking (2010). Underworld combina el house de Chicago, el techno de Detroit y la música ácida de Londres con guitarras de rock tradicionales y un tratamiento vocal surreal y saturante, creando un comprimido sonoro único, frente al cual el zarandeo de cuerpos y de estilos musicales es inevitable. Aunque la música de baile tiene raíces inherentemente hedonistas, Underworld posee un claro sentido ético al respecto. Ellos re-delimitan los alcances de la música electrónica, elevando las sensaciones hasta niveles totalmente imprevisibles, absolutamente deslumbrantes, recreando la quintaesencia del próximo siglo. Grupo imprescindible para comprender la música actual y para comenzar a entender la música del futuro, el rock del siglo 21, el paso definitivo del rock con guitarras al rock electrónico. Underworld han sido los directores musicales de la ceremonia inaugural de los Juegos Olímpicos de éste año. Isle of Wonder (2012), es la plasmación musical del evento que ha maravillado a todo el mundo.  © epdlp




   Sigur Ros
   Meo suo i eyrum vio spilum endalaust (2008)

   23 JULIO 2012

   Formada en 1994, la banda islandesa Sigur Ros ha creído conveniente buscar nuevos rumbos a la música que se hace en su país. Su primer álbum Von (1997), no tuvo el éxito esperado, pero eso no les amilanó en su afán de romper esquemas. El encuentro con Ken Thomas, productor de los Sugarcubes, en su segundo trabajo Agaetis Byrjun (1999), los proyectó dónde ellos querían. Los críticos fueron unánimes al aclamar el disco, que fue también un gran éxito comercial en Islandia. La mano de éste productor orientó su sonido hacia otros caminos, dando como resultado el disco más desnudo del grupo, ( ) (2002) y más tarde Takk (2005). Með suð í eyrum við spilum endalaust (2008), es su último trabajo. Sigur Ros está formado por el ex Bee Spiders, Jonsi Birgisson (voz y guitarra), Kjartan Sveinsson (teclado), Georg Holm (bajo) y Orri Pall Dyrason (batería). Si la música de Sigur Ros tuviera que ser etiquetada, el término post-rock sería sin duda el primero en aparecer y también la de grupo "emocional". Sus composiciones son aparentemente simples, aunque al mismo tiempo, auténticas y sinceras. Tratan de explorar el lado oscuro de la música, como un niño que descubre el mundo por primera vez.  © epdlp




   Bel Canto
   Dorothy's Victory (2002)

   02 JULIO 2012

   Tras la desaparición o hibernación de Cocteau Twins y Dead Can Dance, los noruegos Bel Canto son la única de estas tres leyendas que se mantiene generando música sublime para el deleite de nuestros sentidos. Con más de 17 años de trayectoria musical, el dúo que anteriormente era un trío (Geir Jenssen lo dejó para encargarse del proyecto electrónico Biosphere), compuesto por Anneli Drecker (voz) y Nils Johansen (teclados, guitarra y violín), elaboran una música ecléctica con acordes melancólicos y tristes llena de luminosidad. La inigualable interpretación vocal de Anneli Drecker, en ocasiones evocando los tribales cantos joikk de Noruega, mezcla antiguos enigmas junto a la sofisticación moderna, lo que al final produce una experiencia mágica. Hasta la fecha han editado seis álbumes de estudio, White Out Conditions (1987), Birds of Pasage (1990), Shimering, Warm & Bright (1992), Magic Box (1996), Images (1999) y Dorothy's Victory (2002). Fueron los encargados de crear la música original de los Juegos Olímpicos de invierno en Lillehammer. Paralelamente Anneli Drecker ha publicado dos cds en solitario, Tundra (2001) y Frolic (2005), mientras que Nils Johansen ha grabado dos discos en solitario, Cho Oyu 8201m – Field Recordings From Tibet (2006) y la banda sonora de Im Schatten [2012]. Bel Canto, pioneros de la expansión de la música electrónica europea, incluidos en los géneros del world beat, ambient y el dark etereal, viajan en el tiempo cada vez que crean e interpretan su música.  © epdlp




   Weekend Players
   Weekend Players (2005)

   25 JUNIO 2012

   Hace algún tiempo, el compositor y productor Andy Cato (Andrew Derek Cocup), que a pesar de no ir a ninguna escuela de música tocaba diversos instrumentos, incluidos el trombón, los teclados y el bajo, conoció al trompetista Tom Findlay y juntos montaron un club de baile. El éxito espectacular de sus sesiones en la sala, los llevó a crear su propio grupo musical, de igual nombre que el club, Groove Armada. Desde entonces Groove Armada ha exhibido una carrera de cinco álbumes, quizás con algunos altibajos, en los que han demostrado una sorprendente sinergia entre dos espíritus musicales afines. Por su parte Raquel Foster, una cantante de Nottingham con experiencia en los circuitos del jazz, ex - cantante del grupo Shod Collective y con una voz clónica de la cantante Sade, es el contrapunto adecuado a las composiciones de Andy Cato, uno de los productores de música electrónica más importantes del mundo. El debut del duo británico Weekend Players, Andy Cato y Raquel Foster, fué Pursuit Of Happiness (2003) y su segundo Weekend Players (2005). Los dos álbumes son un homenaje a la posteridad con letras mayúsculas, una especie de coctelera entre el jazz, el soul y la electrónica, un compendio de sonidos elegantes y bailables. Música disco del presente que sabe mirar al futuro sin complejos.  © epdlp




   Hooverphonic
   The Night Before (2010)

   11 JUNIO 2012

   Hooverphonic son un trío belga que en sus comienzos bebieron las fuentes de Massive Attack y Portishead y que se han convertido con el tiempo, en el más reconfortante grupo del pop centroeuropeo. Calificados como hacedores de pop ambiental, Geike Arnaert (voz), Alex Callier (bajo y teclados) y Raymond Geerts (guitarra), consiguen una música original y enérgica, ideal para conmover y suscitar emociones, un sonido distinto, extraordinario y evocador. En 1997 editaron su primer álbum A New Stereophonic Sound Spectacular, con Frank Duchêne y la cantante Liesje Sadonius, que luego abandonarían el grupo. A éste siguieron, Blue Wonder Power Milk (1998), realizando una gira por todo el mundo junto a sus almas gemelas Massive Attack y más tarde junto a Moloko, Kid Loco y Divine Comedy; The Magnificent Tree (2000) y The President Of The LSD Golf Club (2007). Como Liz Fraser en los Cocteau Twins o Tracey Horn en EBTG, la voz frágil pero intensa de Geike Arnaert se adaptó perfectamente en todos éstos álbumes a los temas poco ortodoxos e hipnotizantes de Hooverphonic. Su evocadora voz, casi de otro mundo, fue como la de una sirena que invitaba al oyente a visitar tierras inexploradas. En su último trabajo The Night Before (2010), la cantante Noémie Wolfs ha sustituido a Geike Arnaert, que ha abandonado el grupo definitivamente, iniciando una prometedora carrera en solitario. Hooverphonic no tiene conciencia de las tendencias y esa actitud junto a su afortunada combinación de melodías antiguas con sonidos y ritmos casi futuristas les confiere una calidad intemporal.  © epdlp




   Koop
   Waltz for Koop (2001)

   28 MAYO 2012

   Koop es una formación sueca apasionada por el jazz y con unos intereses musicales que van desde el hard bop y los clásicos, hasta el hip-hop y el techno de Detroit. Con base en Estocolmo, el dúo formado por Magnus Zingmark y Oscar Simonsson, mezcla libremente elementos de jazz tradicional y música latina con electrónica de última generación. Su primer trabajo, Sons of Koop (1997), no era música electrónica con un toque de jazz, sino jazz frugalmente atado con un poco de electrónica. Percibiendo el jazz como ritmo y forma más que la idea ortodoxa de ser mera improvisación, Koop se las ingenió para escapar de la falta de variedad musical en la programación electrónica y de las grabaciones contemporáneas de jazz de sonido limpio. Su segundo y tercer álbum Waltz for Koop (2001) e Island Blues (2006), son un ejemplo de respeto por las tradiciones jazzísticas por un lado y un espíritu aventurero por otro. En estos dos últimos, cuentan con invitados como la leyenda del soul Terry Callier, el extravagante Earl Zinder y las debutantes Cecilia Stalin y Yukimi Nagano (con un registro vocal muy cercano al de Astrud Gilberto). Koop han intentado capturar la elegancia, convirtiendo la club-music en el jazz de nuestros días.  © epdlp




   Memory Tapes
   Player Piano (2011)

   14 MAYO 2012

   El Chillwave (también llamado Glo-Fi), es una revisión del pop con sintetizadores de antaño que mira al futuro. Las bandas Maps, Fever Ray, Neon Indian, The XX, The Big Pink y Appaloosa, serían sus ejemplos. El estilo toma como influencias a grupos como Depeche Mode o New Order y tiene como abanderado a Dayve Hawk. Memory Tapes, es el seudónimo de Dayve Hawk, multinstrumentista estadounidense afincado en New Jersey que anteriormente había editado trabajos como Memory Cassette y Weird Tapes. Autodescrito como un niño raro, dice que no sabe conducir y no tiene teléfono, no escucha mucha música actual y no está para nada en onda con la escena de los DJs. Seek Magic (2009) es su primer álbum, una obra melódica dedicada a la contemplación, con beats etéreos que van desde el ambient hasta el lounge, desde lo denominado synthPop hasta la música experimental. Los bajos toman el primer plano y si bien el ritmo es infernal, los sintetizadores le dan un aire casi iluminado. Player Piano (2011) es su último trabajo.  © epdlp




   GusGus
   Arabian Horse (2011)

   30 ABRIL 2012

   GusGus es junto a los desaparecidos post-punk Sugarcubes, el grupo más importante de Islandia y el colectivo musical más ecléctico de los últimos años. Estuvo formado inicialmente por nueve miembros unidos casualmente cuando dos de sus componentes buscaban un reparto para realizar un corto. Cuando la filmación se pospuso, se propusieron grabar un álbum. Así nació Polydistortion (1996). En 1997 hicieron una gira por todo el mundo junto a los grupos Cornershop y Lamb. Tienen su propia casa discográfica, Elf 19 y crean sus propias tendencias de moda. A pesar de su música experimental y letras a menudo inusuales, la música dance es integral a su sonido así como las influencias de Carl Craig, Masters at Work y Prince. Los líderes de la banda son a día de hoy, Biggi Thorarinsson (programación) y y Stephan Stephensen (bajo, President Bongo), aunque también pertenecieron a ella nombres de la talla de Magnus Gudmundsson (DJ, Buckmaster de la Cruz) y Urdur Hakonardottir (cantante). Han editado siete álbumes, Polydistortion (1996), This Is Normal (1999), Gus Gus vs. T-World (2000), Attention (2002), Forever (2007), 24.7 (2009) y Arabian Horse (2011). GusGus mezcla varios estilos, hip-hop, funk, electro, techno y house, demostrando que se puede hacer trip-hop fuera de Bristol. Su sonido tiene una calidad etérea, combinando el drum'n' bass en sus orígenes y el uso inteligente de la tecnología en la actualidad. Han desarrollado un estilo personal e innovador, accesible y desafiante.  © epdlp




   Dead Can Dance
   The Serpent's Egg (1989)

   23 ABRIL 2012

   Los australianos Lisa Gerrard y Brendan Perry son Dead Can Dance. De origen anglo-irlandés, comparten una visión original y diferente del mundo que les rodea, atreviéndose con un concepto musical totalmente innovador y de altísima calidad, pletórico de sonidos percusivos. Sus ocho trabajos de estudio, llenos de influencias procedentes del Renacimiento y sus estéticas musicales, Dead Can Dance (1984), Spleen and Ideal (1985), Within the realm od the dying sun (1987), The Serpent's Egg (1989), Aion (1990), Into the Labyrinth (1993), Toward the Within (1994) y Spiritchaser (1996), conforman su especial forma de entender la música, una mezcla inteligente de toques étnicos, rock tradicional y también estilos antiguos. Aclamados por la crítica, Dead Can Dance reina ya en su particular tierra musical, aunque el futuro se muestra incierto por la separación física de sus dos componentes, Perry vive en Irlanda y Gerrard en Australia, y por sus respectivos trabajos en solitario. Aprovechando que los caprichos de los músicos son ventanas hacia su intimidad, hay un elemento que es siempre fiel reflejo del tamaño de una banda. Así como a los árboles se les mide la edad contando el número de círculos que tienen en el tronco, Dead can Dance es un árbol centenario, porque su música es el origen de la sabiduría milenaria. Su meta es buscar la belleza perdida, la eterna meta humana de lograr una existencia significante.  © epdlp




   London Elektricity
   Yikes! (2011)

   16 ABRIL 2012

   Fusionar un sub-estilo de ghetto con otros más populares, es siempre tarea difícil y complicada. Tony Colman es el mejor exponente del verdadero sonido soulfull drum'n'bass. Junto a Chris Goss fundó Elektric Productions en 1996 y más tarde el sello Hospital Records (imprescindibles sus recopilatorios bajo el nombre Weapons Of Mass Distraction), formando al mismo tiempo proyectos paralelos llamados Future Homosapiens, Dwarf Electro y Orkestra Galactica. Su estreno como London Elektricity fue el aclamado álbum Pull the plug (1998), una poderosa amalgama de sonido soulfull de alto voltaje, donde voces masculinas y femeninas se enlazaban con enérgicos bajos y característicos ritmos del jungle. Cuatro años más tarde Chris Goss abandona el dúo para dedicarse en exclusiva a su sello discográfico Hospital Records. Ya en solitario, Tony Colman, que en ese periodo de tiempo remezcló a gente como The Headhunters, Nitin Sawnhey y UFO, edita su segundo trabajo, Billion Dollar Gravy (2003), un clásico que sigue las pautas heredadas del progressive, con tracas de diversos colores y excelentes vocalistas a punto de explotar. En Power Ballads (2005), su tercer trabajo en el que participan las voces de MC Wrec y la leyenda del jazz Liane Carroll, continúa con su línea melódica bien sujeta, el bajo donde debe estar y el eficaz contrapunto rítmico para que se te muevan los pies. Syncopated City (2008) y Yikes! (2011) son sus últimos trabajos. En sus conciertos en directo, Tony Colman y su banda no utilizan ningún tipo de hardware, ni existe el playback. Únicamente verás a unos músicos concentrados en sus instrumentos y unos vocalistas con el alma entre las cuerdas vocales, algo sorprendente y meritorio en un grupo electrónico. London Elektricity ejecuta un drum'n'bass orgánico y asimilable para aquellos que huyen de la pista con el rabo entre las piernas en cuanto el hard-step hace acto de presencia. Música vital con un aura de neblina, que crea espacios de formas obsesivas.  © epdlp




   LTJ Bukem
   Producer (2001)

   12 MARZO 2012

   LTJ Bukem es el seudónimo de Danny Williamson, una de las mentes más originales de la música jungle. Comenzó a estudiar música gracias a las clases de piano que le pagaban sus padres durante su infancia. La música clásica se convirtió en su banda sonora, ya que además de las clases de piano, sus padres eran verdaderos amantes de Rachmaninov y de Tchaikovsky. Gracias a uno de sus profesores de música, Nigel Crouch, le introdujo en el mundo del jazz-fussion, un estilo que ha influenciado su trabajo desde el principio. Abrió caminos en el año 91 con su pionero Demon´s Theme y creó toda una escuela dentro del drum & bass con Music en el 93 y Horizons en el 94. Ese año coincidiría con la apertura del club Speed en el Mars Bar en el centro de Londres, y que se convertiría en el centro del drum & bass y el jungle más importante del mundo. Creador del sello discográfico Good Looking Records, dirigido desde una pequeña oficina en Harlesden (un barrio al norte de Londres), mezcla el soul, el jazz, el funk, con nuevos sonidos de extraordinaria originalidad, que lo sitúan en primera fila del panorama musical contemporáneo. Revelar a LTJ Bukem nunca será innecesario y carente de utilidad para aquellos a los que todavía les queda el descubrir y paladear el inefable placer que produce su música.  © epdlp




   Joe Zawinul
   Stories Of The Danube (1996)

   05 MARZO 2012

   Pocos músicos en activo pueden presumir de aparecer en un sello de correos. Austria anunciaba recientemente que emitiría el sello oficial de Joe Zawinul para honrar a su ilustre compatriota por sus grandes logros en el terreno de la música. Leyenda del jazz y padre de la world music, el teclista y compositor austriaco Joe Zawinul fue uno de los últimos representantes de la generación de músicos que tuvieron el privilegio de relacionarse con algunos de los más grandes maestros del jazz de todos los tiempos. Con 27 años emigró a los Estados Unidos con una beca del Conservatorio de Música de Viena y en poco tiempo entró a formar parte de la banda del trompetista Maynard Ferguson, más tarde de la vocalista Dinah Washington y finalmente del saxofonista Cannonball Adderley con el que permaneció durante 9 años. Más tarde formó parte de la banda de Miles Davis, componiendo el tema "In A Silent Way", titulo del disco que marcó el debut de Miles Davis en el campo eléctrico. En 1970, Joe Zawinul formó junto al saxofonista habitual de Miles Davis, Wayne Shorter, el bajista Miroslav Vitous (sustituido más tarde por Jaco Pastorius), el percusionista Airto Moreira y el batería Alphonse Mouzon, la legendaria banda Weather Report (1970-1985), grupo paradigma de la fusión entre el jazz y el rock de la época. Durante esa etapa fue considerado innumerables veces mejor pianista de jazz y a su grupo Mejor banda en directo del año. Después del año 1985, Joe Zawinul se dedicó a editar trabajos en solitario o junto a su banda Zawinul Syndicate, Money In The Pocket (1966), The Rise And Fall Of The Third Stream (1967), Zawinul (1970), éstos tres anteriores a su etapa en Weather Report; Dialects (1985), The Immigrants (1988), Black Water (1989), Lost Tribes (1992), Stories Of The Danube (1996), My People (1996), World Tour (1997) y Faces & Places (2002). Colaboró además en los álbumes de Salif Keita, Amen (1991) y Trilok Gurtu, Crazy Saints (1993). Propietario del club de jazz Birdland de Viena, Joe Zawinul fue merecedor del gran reconocimiento mundial que posee por ser el pionero en combinar los elementos tradicionales de diferentes etnias, con el pop, rock y el jazz, fusión que se denomina actualmente world music. Por el Zawinul Syndicate han pasado infinidad de músicos extraordinarios, entre ellos podriamos destacar a Amit Chatterjee y Alegre Correa (guitarra), Linley Marthe (bajo), Manolo Badrena y Arto Tuncboyaciyan (percusión), Stephane Galland (batería) y Sabine Kabongo (voz). Joe Zawinul cambió la forma de la canción tradicional, utilizando un enfoque sonoro totalmente diferente. Sus composiciones fueron una absoluta improvisación que más tarde transcribía directamente, sin ningún cambio ni reorganización para los músicos. Debido a la longitud de las improvisaciones, obviamente se veía obligado a editarlas. La música de Joe Zawinul es una maquinaria perfectamente engrasada, suministrada bajo el componente de un salvaje abandono.  © epdlp




   Hybrid
   Wide Angle (1999)

   27 FEBRERO 2012

   Hybrid es un grupo inglés formado por Mike Truman y Chris Healings. Anteriormente era un trio, pero Lee Mullin el tercer componente, abandonó el grupo después del primer trabajo. Han orientado sus habilidades de producción en las pistas al servicio de artistas tan variados como Jazzy Jeff, Carl Cox y Alanis Morissette. Con Wide Angle (1999), su disco debut, sorprendieron a la crítica inglesa con su música creadora, imaginativa y vanguardista. En Morning Sci-Fi (2003) y I Choose Noise (2006), sus siguientes trabajos, nos sumerjen en una amplia gama de estilos musicales, los dibujan y los utilizan para crear nuevos sonidos. Sus discos están plagados de notables colaboraciones, la cantante Julee Cruise, Chrissie Hynde del grupo Pretenders, Perry Farrell de los Jane's Addiction, Judie Tzuke, Kirsty Hawkshaw y Peter Hook de New Order. Hybrid ha demostrado que su música es realmente innovadora, un break beat acelerado a la máxima potencia sólo comparable al que ejecuta BT (Brian Wayne Transeau), fusión de breaks y poderosa orquesta con calidad cinematográfica.  © epdlp




   Underworld
   A Hundred Days Off (2002)

   20 FEBRERO 2012

   Aunque desde el año 1981 editaban discos con el nombre de Freur, el grupo se formó en el año 1987 cuando dos músicos ingleses, el frontman-vocalista y guitarrista Karl Hyde y el virtuoso programador Rick Smith editan su primer single, en un principio totalmente pop. En el año 1990, un joven DJ llamado Darren Emerson, entraba a formar parte del grupo. Pero es en 1991 cuando Rick y Karl deciden fundar junto a otros amigos, el colectivo de arte Tomato, que se convirtió en una referencia indiscutible en el mundo del arte audio-visual. Fue desde entonces cuando empezaron a aparecer sus temas mas aclamados. Su álbum de debut Dubnobasswithmyheadman (1994) convirtieron al trío en el primer gran grupo electrónico de masas capaz de llenar estadios enteros en los años 90. Posteriores éxitos como Born Slippy, todo un auténtico himno gracias a la película Trainspotting, o su segundo trabajo Second Toughest In The Infants (1996) no hicieron más que consagrarles. En 1999, apareció su tercer álbum Beaucoup Fish, un año antes de que Darren Emerson abandonara el grupo. Desde entonces Rick y Karl han seguido en solitario trabajando en el que ya es su nuevo trabajo, A Hundred Days Off (2002). Underworld combina el house de Chicago, el techno de Detroit y la música ácida de Londres con guitarras de rock tradicionales y un tratamiento vocal surreal y saturante, creando un comprimido sonoro único, frente al cual el zarandeo de cuerpos y de estilos musicales es inevitable. Aunque la música de baile tiene raíces inherentemente hedonistas, Underworld posee un claro sentido ético al respecto. Ellos re-delimitan los alcances de la música electrónica, elevando las sensaciones hasta niveles totalmente imprevisibles, absolutamente deslumbrantes, recreando la quintaesencia del próximo siglo. Grupo imprescindible para comprender la música actual y para comenzar a entender la música del futuro, el rock del siglo 21, el paso definitivo del rock con guitarras al rock electrónico.  © epdlp




   Organic Audio
   Lovelight (2003)

   13 FEBRERO 2012

   Organic Audio es el alias del compositor británico Andy Spence. Su visión de la música, mezcla de funk bailable y world music, deja al descubierto hermosas decoraciones de beat acelerado y groove empapado de batucadas y ritmos brasileños. Sus conciertos en vivo, acompañado de dos percusionistas y una cantante, son simplemente apabullantes y significa un acercamiento real a la nueva electrónica. Organic Audio es junto a Groove Armada, una de las estrellas del personalísimo sello Tummy Touch. Sus tres discos hasta la fecha, Back To My Roots (1996), Last One Home (2000) y Lovelight (2003), demuestran su desparpajo. Toques brasileños, house, breakbeats y ritmos arrolladores, muchas percusiones, electrizantes bajos estomacales. Música contundente, sensible y arrolladora.  




   Lamb
   5 (2011)

   06 FEBRERO 2012

   Mientras Portishead y Massive Attack, emblemas del movimiento trip-hop, todavía no saben cómo salir de la oscuridad en la que se han metido, Lamb (los ingleses Louise Rhodes y Andy Barlow), han trabajado en silencio su receta para combinar los adrenalíticos sonidos del drum'n'bass con la serenidad del downtempo. Su dulce desesperación nos deja impávidos y sumidos en esa letanía que producen las cosas bellas y con sentimiento. Lamb (1996), Fear of Fours (1999), What Sound (2001) y Between darkness & wonder (2003), son sus cuatro álbumes, cuyo fin último es formar parte de la enciclopedia del amor y la melancolía. El dúo Lamb no ha venido a cambiar el trip-hop o a inventar un nuevo estilo musical, sino a descubrir lo mejor de la belleza que se genera cuando hay pasión y entusiasmo por la música, y sobre todo cuando lo que más se quiere es reflejar estados de ánimo. Sus actuaciones en directo demuestran su virtuosismo como banda, en la que destaca la figura de Lou Rhodes (descalza y bebiendo té como una descosida), una voz llena de fuerza y compasión, que genera tranquilidad y desesperación. El sonido de Lamb explora la oscuridad salvaje, las conversaciones privadas intensas y cautivadoras que se convierten en poesía. Todo un recorrido por la fragilidad, tristeza y soledad humana. 5 (2011), es su último álbum después de ochos años sin editar ningún trabajo de estudio.  © epdlp




   Dominique A
   La Musique (2009)

   30 ENERO 2012

   La nueva chanson es una expresión utilizada para englobar a los músicos surgidos en Francia a partir de los años 90 que recuperan el legado de la canción tradicional de su país, combinándolo con pop y rock contemporáneo de origen anglosajón. Son herederos de los clásicos franceses como Jacques Brel, Léo Ferré, Serge Gainsbourg y Françoise Hardy, a los que suman otras influencias de grupos contemporáneos de pop y rock alternativo. Existen varios iconos representativos de ésta tendencia, Yann Tiersen, Benjamín Biolay, Carla Bruni, Phillipe Katerine, Bertrand Bestch, el grupo Autor de Lucie, pero sobre todo Dominique A. Dominique Ané, que así es su verdadero nombre, comenzó su carrera en el año 1991, componiendo canciones minimalistas sumergidas en un rock de vanguardia. Con el paso de los años evolucionó hacia la experimentación de los sonidos volcándose en formas más exuberantes y menos minimalistas. Ha colaborado a lo largo de su carrera con diferentes artistas, principalmente poniendo su voz, entre ellos cabría destacar a Vincent Delerm Kensington Square, Keren Ann, Jeanne Balibar, Jane Birkin y su ex compañera Françoiz Breut. Sus trabajos de estudio son La fossette (1992), Si je connais Harry (1993), La mémoire neuve (1995), Remué (1999), Auguri (2001), Tout sera comme avant (2004), L'horizon (2006) y La Musique (2009). Los cinco últimos con su propia producción discográfica. Dominique A, gigante del escenario de la música francesa, intelectual, laberíntico y conmovedor, reconoce que sus gustos son menos pop y que su fin principal al componer es intentar encontrar siempre la atmósfera de una canción y no su melodía. Esa atmósfera de la inteligencia, que es a su vez imaginativa, y que convierte las convulsiones de sus notas en verdaderas revelaciones.  © epdlp




   Paul Mounsey
   Nahoo 3: notes from the republic (1999)

   23 ENERO 2012

   Si el futuro de la música étnica está en la fusión y la experimentación, el de la música celta está en la innovación y el vanguardismo. Varios nombres sobresalen en ésta última, Stone Age, Ashley MacIsaac, Talitha MacKenzie y destacando sobre todos ellos dos figuras cruciales, el tristemente desaparecido Martín Bennett y el escocés residente durante dos décadas en Brasil, Paul Mounsey. Antiguo guitarrista de rock, Paul Mounsey abandonó ese estilo musical para dedicarse a estudiar la música de la tierra de sus orígenes, Escocia, la cual mezcla con estilos más actuales, principalmente electrónicos. Bicho raro de la música gaélica, comenzó su carrera colaborando con músicos de la talla de Michael Nyman, Etta James, Chico Buarque, Jimmy Cliff y Antonio Carlos Jobim, para años después editar su primer álbum de estudio, Nahoo (1994), un collage de estilos étnicos y ritmos de baile que abrió caminos hasta entonces inexplorados. Sus siguientes trabajos, Nahoo too (1997), Nahoo 3: notes from the republic (1999) y City Of Walls (2003), consiguieron que esa senda desconocida y hasta entonces impenetrable, se convirtiera en un vergel frondoso y vital. Paul Mounsey ejecuta en una mezcla fascinante, las raíces gaélicas y los ritmos tradicionales del noreste de Brasil, sobre todo a nivel de percusión, todo ello aderezado con pinceladas noruegas, gallegas, portuguesas y hasta norteamericanas, desafiando cualquier definición o idea preconcebida. En su último trabajo, Pasan los días veloces (2005), logra reunir las voces de Alyth McCormack, Anna Murray, Christine Primrose, Ishbel MacAskill, Kevin MacNeil, Mary Smith y las hermanas MacKenzie, en una obra fascinante que sorprende por su rotundidad y que se concentra en su labor únicamente de compositor. Paul Mounsey construye sus discos como si fueran un enorme retal de elementos étnicos en el que todo cuadra, un viaje cosmopolita en el que finalmente el espíritu celta impone su impronta y en el que el compositor ejerce de arqueólogo del futuro.  © epdlp




   Anneli Drecker
   Tundra (2000)

   09 ENERO 2012

   Deciamos la semana pasada que los noruegos Bel Canto eran, tras la desaparición o hibernación de Cocteau Twins y Dead Can Dance, las únicas de estas tres leyendas que se mantenían generando música sublime para el deleite de nuestros sentidos. La aseveración no es del todo exacta, pues la pareja hace ya 7 años que no edita ningún trabajo conjunto y las trayectorias del dúo están más dedicadas a sus propias carreras en solitario y a colaboraciones diversas, que a las del propio Bel Canto. Editaron seis álbumes de estudio, White Out Conditions (1987), Birds of Pasage (1990), Shimering, Warm & Bright (1992), Magic Box (1996), Rush (1998) y Dorothy's Victory (2002), siendo además los encargados de crear la música original de los Juegos Olímpicos de invierno en Lillehammer. A partir de entonces Nils Johansen se ha centrado en su proyecto Vajas, junto al violinista Ande Somby y la cantante Kristin Mellem, mientras que Anneli Drecker ha publicado dos cds en solitario, Tundra (2000) y Frolic (2005). Esta semana presentamos el primer trabajo en solitario de esta última, una obra maestra de ingenieria tecnológica, emotiva y romántica, con numerosas evocaciones a los tribales cantos joikk de Noruega y que tiene la colaboración inestimable de la Orquesta Filarmónica de la Ciudad de Praga.  © epdlp




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