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Bliss
Quiet Letters (2003)
15 DICIEMBRE 2008
Los grupos escandinavos han sido desde hace un tiempo, referente indispensable en cuanto a tendencias y modas en el mundo de la música. Recordemos a Sugarcubes, Bjork, Sigur Ros, Koop, Royksoop, The Hives o Raveonettes, por mencionar algunos. Afincados en Dinamarca, el grupo Bliss, los daneses Marc-George Andersen (teclados) y Steffen Aaskoven (programación), la sueca Alexandra Hamnede (voz) y el ghanés Salvador “Tchando” Embalo (voz, guitarra y percusión), han sabido forjarse un sonido difícilmente clasificable (new age, world music, electrónica, música clásica...), digamos que se encuentran entre Johann Sebastián Bach y Brian Eno. Su álbum debut Afterlife (2001), repleto de voces fascinantes, percusión apacible y una vital orquestación, fijó los nuevos estándares para la música étnica, mezclando influencias occidentales, africanas y clásicas. Su segundo trabajo. Quiet Letters (2003), fue calificado por el prestigioso DJ Ravin, del club Buddha Bar, como el trabajo más importante de la década y en él nos retrotraía a gente como Sade, Enya, Norah Jones y en ocasiones al gran Ennio Morricone, todo ello flambeado con unas gotas de alma escandinava. Sus trabajos no terminan ahí, pues han colaborado en la música de la serie de televisión C.S.I. y han compuesto la tremenda banda sonora de They Made History (2005), un documental de 9 episodios del periodista Steffen Kretz, así como diversos spots publicitarios para Carlsberg, Lundbeck y Zendium, entre otros. Además han sabido rodearse de importantes colaboraciones, como la cantante de Zero 7, Sophie Barker, el veterano percusionista, Jacob Andersen o el estupendo bajista de jazz, Mads Vinding. La historia de Bliss crece día a día, su música habla por ellos, sobran las palabras. © epdlp
Mercan Dede
Nefes (2006)
01 DICIEMBRE 2008
La flauta de bambú, también llamada “ney", es un instrumento rebelde, pues dicen los que han intentado manejarlo que se tarda un año en sacar una nota clara de él. Este instrumento tiene un papel importante en el sufismo y en la danza de los derviches. Antiguamente, bailaban para alcanzar un estado de trance, pero hoy en día, estos bailes se celebran sobre todo para los turistas ya que los numerosos monasterios sufíes han cerrado sus puertas. Virtuoso del “ney”, el compositor turco afincado en Canadá, Mercan Dede empezó pinchando vinilo en el año 1993 bajo el seudónimo de Arkin Allen. También estuvo vinculado al desaparecido grupo Laço Tayfa. Tres años más tarde fundó el Mercan Dede Ensemble, culminación de su experiencia musical tanto en Turquía como en Canadá. Desde entonces la carrera de éste paradigma de lo sagrado (el ritual sufí) y lo profano (el espectáculo), no ha hecho si no mejorar. Sufi Dreams (1997), fue su primer trabajo de estudio. A éste siguieron, Journey Of A Derbis (1998), Sufi traveler (1999), la obra teatral Seyahatname (2001), Fusion Monster (2004), éste último como Arkin Allen y finalmente su trilogía sobre la fusión instrumental tradicional (cítara, darbuka, flauta) y electrónica (teclados, loops, efectos), los álbumes Nar (Fuego, 2002), Su (Agua, 2005) y Nefes (Aire, 2006). En directo el grupo de Mercan Dede, Secret Tribe, ofrece un espectáculo que va más allá de la pura actuación musical, una dramática e intensa representación visual, en dónde la bailarina Mira Burke realiza una fantástica puesta en escena de las tradicionales danzas sufíes. Mercan Dede es tan hábil con la flauta como con los ordenadores y su virtuosismo se engrandece hasta convertirse en uno de esos faros que iluminan las nuevas músicas a lo largo del globo. Un viaje a lo eterno donde pasado, presente y futuro te traspasan sintetizados en una simple nota orgánica y carnal. Como los finales de sus conciertos, en dónde Mercan Dede abraza a su derviche, la cubre con su túnica sagrada, empaqueta su altar tecnológico y directamente nos prende fuego con el recuerdo de una experiencia inolvidable. © epdlp
Cocteau Twins
Milk & Kisses (1996)
03 NOVIEMBRE 2008
Banda emblemática del denominado dream pop, el grupo escocés Cocteau Twins fue fundado en 1981 por Robin Guthrie (guitarra), Elizabeth Fraser (cantante) y Will Heggie, éste último sustituido en 1984 por Simon Raymonde (ex - bajista de la banda Drowning Craze). En sus diecisiete años de carrera, en 1998 el grupo se desintegró, consiguieron quebrarnos con su música con la ayuda de ocho álbumes de culto, Garlands (1982), Head Over Heels (1983), Treasure (1984), Victorialand (1986), Blue Bell Knoll (1988), Heaven or Las Vegas (1990), Four-Calendar Café (1993) y Milk & Kisses (1996). En todo eso ayudó la voz inquietante de Elizabeth Fraser, una de las voces más representativas de la escena underground inglesa, la guitarra de Robin Guhtrie creando atmósferas lúdicas y etéreas (quien dijo que la guitarra no es erótica ni tiene forma femenina), y finalmente un elemento impresionista que juega con las texturas, borda los ambientes y recrea sensaciones. Tras su separación Simon Raymonde editó su primer trabajo en solitario, Blame Someone Else (1997), Robin Guthrie hace dos años elaboró una obra majestuosa, Imperial (2003) y Elizabeth Fraser ha colaborado en los álbumes de Massive Attack y ha puesto su voz en la saga cinematográfica de El señor de los anillos. Muy de vez en cuando, cuando empieza a correr el viento de la tarde y el cielo se pone rojo, es necesario sacar a los Cocteau Twins a pasear y dejar que el mundo gire escuchándolos. No hace falta más que eso. Quizá éste año estemos de enhorabuena, pues parece que los Cocteau Twins volverán a los escenarios, concretamente en el Festival de Música de Coachella. No sabemos si ésta reaparición será momentánea o definitivamente su retorno como grupo está cercana. Todos deseamos que el post punk gótico que trajeron consigo, siga siendo un referente lúdico y luminoso que continúe avanzando por esos cables invisibles que nos lleven a cierto lugar donde siempre quisimos estar. © epdlp
Lila Downs
Shake Away (2008)
27 OCTUBRE 2008
Lila Downs es una artista que está marcando el pulso de la nueva aldea global. Nacida en un pequeño pueblo de Oaxaca (México), hija de una cantante de cabaret y de un profesor de cine norteamericano de ascendencia escocesa, creció en Minnesota, de donde son los sioux, el grupo étnico predominante en esa región. Con catorce años inició sus estudios de canto en la ciudad de Los Angeles y más tarde antropología social en la Universidad de Minnesota. Durante el año 1993, actuó en clubs de jazz de Filadelfia y Oaxaca, y en 1994 grabó su disco debut, Ofrenda. Paralelamente, participó en una película sobre la vida de Pancho Villa dirigida por Edward James Olmos. Desde entonces se ha convertido en una de las voces femeninas con más proyección en la escena de la world music internacional. Su música es un recorrido por la tradición musical mexicana (el mixteco, zapoteco, maya y náhuatl), fundida con otras influencias que incluyen el jazz, el folk norteamericano, la cumbia y el bolero. Ofrenda (1994), La sandunga (1999), Tree of life (2000), Border (2001), One Blood (2004), La cantina (2006) y Shake Away (2008), son sus siete trabajos de estudio hasta la fecha. En ellos han colaborado artistas de la talla de Brian Lynch, Eddie Palmieri, el grupo Luar Na Lubre, La Mari (cantante de Chambao), Enrique Bunbury, Ixaya Mazatzin (Café Tacuba) y Mercedes Sosa (La Negra). Unida sentimentalmente al saxofonista norteamericano Paul Cohen, co-autor de la mayoría de sus canciones, emocionante y exaltada, contemporánea y ancestral, neofronteriza y vital, Lila Downs consigue con su música que a todos nos den ganas de tener un buen caballito de tequila o mezcal, mientras saboreamos sus melodías. Unas canciones que cantan al amor, al licor, a la ranchera, al dolor y a la esperanza, una mezcla explosiva de la que algunos ya nombran heredera de Chavela Vargas. © epdlp
Underworld
Beaucoup Fish (1999)
20 OCTUBRE 2008
Aunque desde el año 1981 editaban discos con el nombre de Freur, el grupo se formó en el año 1987 cuando dos músicos ingleses, el frontman-vocalista y guitarrista Karl Hyde y el virtuoso programador Rick Smith editan su primer single, en un principio totalmente pop. En el año 1990, un joven DJ llamado Darren Emerson, entraba a formar parte del grupo. Pero es en 1991 cuando Rick y Karl deciden fundar junto a otros amigos, el colectivo de arte Tomato, que se convirtió en una referencia indiscutible en el mundo del arte audio-visual. Fue desde entonces cuando empezaron a aparecer sus temas mas aclamados. Su álbum de debut Dubnobasswithmyheadman (1994) convirtieron al trío en el primer gran grupo electrónico de masas capaz de llenar estadios enteros en los años 90. Posteriores éxitos como Born Slippy, todo un auténtico himno gracias a la película Trainspotting, o su segundo trabajo Second Toughest In The Infants (1996) no hicieron más que consagrarles. En 1999, apareció su tercer álbum Beaucoup Fish, un año antes de que Darren Emerson abandonara el grupo. Desde entonces Rick y Karl han seguido en solitario trabajando en sus dos siguientes trabajos, A Hundred Days Off (2002) y Oblivion With Bells (2007). Underworld combina el house de Chicago, el techno de Detroit y la música ácida de Londres con guitarras de rock tradicionales y un tratamiento vocal surreal y saturante, creando un comprimido sonoro único, frente al cual el zarandeo de cuerpos y de estilos musicales es inevitable. Aunque la música de baile tiene raíces inherentemente hedonistas, Underworld posee un claro sentido ético al respecto. Ellos re-delimitan los alcances de la música electrónica, elevando las sensaciones hasta niveles totalmente imprevisibles, absolutamente deslumbrantes, recreando la quintaesencia del próximo siglo. Grupo imprescindible para comprender la música actual y para comenzar a entender la música del futuro, el rock del siglo 21, el paso definitivo del rock con guitarras al rock electrónico. © epdlp
Karen Ramírez
Distant Dreams (1998)
13 OCTUBRE 2008
Karen Ramírez es una cantante londinense de raíces en Trinidad Y Tobago. Se ha relacionado con la música desde la infancia, su padre era percusionista y su madre profesora de piano. De voz suave y sedosa, que recuerda a Sade, Anita Baker y Erykah Badu en una sola persona, y con un sonido dance accesible, sus dos álbums Distant Dreams (1998) y Bees In The Trees (2006), tienen ciertas semejanzas con Everything But the Girl. Su música, mezcla de soul, latin o jazz, funciona como una maquinaria de relojería. Sabor latino en inglés, melodía funky-pop y hasta drum'n'bass, melancolía profunda y significativa. © epdlp
Organic Audio
Last One Home (2000)
06 OCTUBRE 2008
Organic Audio es el alias del compositor británico Andy Spence. Su visión de la música, mezcla de funk bailable y world music, deja al descubierto hermosas decoraciones de beat acelerado y groove empapado de batucadas y ritmos brasileños. Sus conciertos en vivo, acompañado de dos percusionistas y una cantante, son simplemente apabullantes y significa un acercamiento real a la nueva electrónica. Organic Audio es junto a Groove Armada, una de las estrellas del personalísimo sello Tummy Touch. Sus dos discos hasta la fecha, Back To My Roots (1996) y Last One Home (2000), demuestran su desparpajo. Toques brasileños, house, breakbeats y ritmos arrolladores, muchas percusiones y electrizantes bajos estomacales. Música sensible y contundente. © epdlp
Babble
Ether (1996)
29 SEPTIEMBRE 2008
Los británicos Alannah Currie y Tom Bailey son Babble. El dúo son los supervivientes de la banda Thompson Twins, que antes de perderse en el tiempo, se convirtió en uno de los grupos más populares de los ochenta. Tiempo después la agrupación británica sufrió la pérdida de alguno de sus miembros, y en 1993 llegaría su separación definitiva. Tres años después, Currie y Bailey publican Ether (1996), su primer y único álbum. En él fabrican un pop bailable, completamente new wave, semejante al de Human League, pero con más fuerza y calidad. Tom Bailey produjo el primer álbum funk-rock de Underworld en 1989 y actualmente es componente del dúo Internacional Observer, junto a Rakai Karaitiana. En él dibuja los nuevos caminos del dub, con raíces muy jamaicanas, generando fantásticas atmósferas que sorprenden. © epdlp
Chicane
Behind the sun (2000)
22 SEPTIEMBRE 2008
Sabio conocedor de los sonidos de Ibiza, puros ritmos chill-out y el trance melódico, sensación de los clubes ingleses y uno de los dj's más desconcertantes de los últimos tiempos, el inglés Nick Bracegirdle, más conocido como Chicane, ha conseguido sublimar las virtudes de la música de baile, transformándola en techno melancólico. Educado en las lides de la música clásica, olvidó el ambiente de conservatorio el día que decidió comprarse dos teclados análogos y experimentar con lo que podía salir de las mezclas en el estudio. Sus dos trabajos, Far From The Maddening Crowds (1997) y Behind The Sun (2000), funcionan bien si deseas escucharlos tomando un café un atardecer en cualquier playa relajante del Mediterráneo o el Pacífico Sur, así como también funciona como música para un bar de estilo lounge. Nick Bracegirdle sabe como crear inmejorables paisajes y momentos de intensa emoción. Esa conmoción que a algunos les provoca amar el otoño gracias a canciones como éstas. © epdlp
Pat Metheny
Speaking of Now (2002)
08 SEPTIEMBRE 2008
Pat Metheny ha sido músico profesional casi la mitad de su vida. Incluso por separado, sin su grupo Pat Metheny Group, las credenciales del guitarrista son impresionantes. Fue profesor tanto en la Universidad de Miami como en el Berklee College of Music, en Boston, cuando aún era un adolescente. A los diecinueve años se unió a la banda de Gary Burton y permaneció con ellos durante tres años (1974-1977). Ha tocado y grabado con algunos de los más innovadores músicos de las pasadas dos décadas: Gary Burton, Sonny Rollins, Paul Motian, Roy Haynes, Miroslav Vitous, Jack DeJohnette, Michael Brecker, Charlie Haden, Ornette Coleman, Milton Nascimento, Herbie Hancock y Steve Reich, entre otros. Su primer disco fue Bright Size Life (1976) con el sello ECM, junto a Jaco Pastorius (bajo eléctrico) y Bob Moses (batería). En él ya presenta las composiciones unidas y comprometidas del líder y su concepto único de lo instrumental. A éste siguieron Water Colors (1977) en el cual grabó por primera vez con Lyle Mays y Danny Gottlieb. Más tarde Pat Metheny Group (1978), New Chatauqua (1979), American Garage (1980), 80/81 (1980), As Falls Wichita, So Falls Wichita Falls (1981), Offramp (1982) su primera grabación con sintetizador de guitarra; Travels (1983), Rejoicing (1983), First Circle (1984), Song X (1986) junto a Ornette Coleman, el revolucionario saxofonista y compositor de free jazz; Still Life Talking (1987), Letter From Home (1989) su trabajo de mayor éxito hasta ese momento, conciso, con fuerza, inequívocamente melodioso y conmemorativo; Letter From Home es un mensaje de madurez y logros de un grupo en plena forma. Question and Answer (1990), Secret Story (1993), una de sus creaciones más personales, con su factor emocional, crecido como compositor, culminación de lo que había hecho hasta la fecha; The Road to You (1994), We Live Here (1995), Beyond The Missouri Sky (1997), Imaginary Day (1997), Speaking of Now (2002) y The Way Up (2005). Su grupo está formado normalmente por Lyle Mays (teclados), Steve Rodby (bajo), Richard Bonna (voz y guitarra), Antonio Sánchez (batería), David Samuels (percusión) y Cong Vu (voz y trompeta). Son escasos los artistas que improvisan y que logran interesar a una creciente cantidad de público sin que por ello se vea afectado su arte. Más extraño aún es encontrar un artista que pueda ver cómo su público se desarrolla al mismo tiempo que lo hace su visión musical. Pat Metheny, considerado el mejor guitarrista de jazz del mundo, compositor polifacético, productor innovador y pionero con el sintetizador y la guitarra, se encuentra en una posición inigualable, principalmente el resultado de una inteligencia musical insaciable y una energía aparentemente inagotable. © epdlp
Llorca
New Comer (2001)
01 SEPTIEMBRE 2008
Sumergido durante su juventud por el funk y la música de baile e influenciado por su madre, adicta a la música negra-americana, Ludovic Llorca forma parte de esos primeros músicos-analistas-programadores franceses, que enamorado de las máquinas nos acerca esa cadencia fresca y vital, que pocos sastres del sonido pueden confeccionar. Sus primeras composiciones fueron para juegos de video, con un Commodore 64 y con sólo 14 años, participa en su elaboración junto a pioneros como Jens-Chris Huus, Maniacs of Noise o Rob Hubbard. En la década de los noventa funda junto a David Duriez el sello Brique Rouge y el dúo de productores Les Maçons de la Musique. En 1997, el discípulo aventajado de la escuela de Ludovic Navarre, se estrena con tres Eps para la compañía de Laurent Garnier y Eric Morand, F Communications, antes de debutar con su primer y único álbum hasta la fecha, New Comer (Recién llegado, 2001). Si intentáramos definir la música de Llorca, podríamos decir por ejemplo, que es una mezcla de música electrónica y acústica inspirada por la herencia de la música negra afro-americana, aderezado con toques de blues y jazz (la sal) y el soul y el techno (la pimienta). Sus conciertos en directo son libertad e improvisación, potenciando la faceta más festiva de la música dance y buscando en todo momento que el público se divierta. La receta es sencilla, un poco de jazz primitivo, con swing y ritmo generoso, un poco de cool fácil de samplear y algo de proselitismo arrebatador, una forma de profundizar y descubrir que el soul habita más allá de sus raíces orgánicas. © epdlp
Koop
Island Blues (2006)
25 AGOSTO 2008
Koop es una formación sueca apasionada por el jazz y con unos intereses musicales que van desde el hard bop y los clásicos, hasta el hip-hop y el techno de Detroit. Con base en Estocolmo, el dúo formado por Magnus Zingmark y Oscar Simonsson, mezcla libremente elementos de jazz tradicional y música latina con electrónica de última generación. Su primer trabajo, Sons of Koop (1997), no era música electrónica con un toque de jazz, si no jazz frugalmente atado con un poco de electrónica. Percibiendo el jazz como ritmo y forma más que la idea ortodoxa de ser mera improvisación, Koop se las ingenió para escapar de la falta de variedad musical en la programación electrónica y de las grabaciones contemporáneas de jazz de sonido limpio. Su segundo y tercer álbum Waltz for Koop (2001) y Island Blues (2006), son un ejemplo de respeto por las tradiciones jazzísticas por un lado y un espíritu aventurero por otro. En éstos dos últimos, cuentan con invitados como la leyenda del soul Terry Callier, el extravagante Earl Zinder y las debutantes Cecilia Stalin y Yukimi Nagano (con un registro vocal muy cercano al de Astrud Gilberto). Koop han intentado capturar la elegancia, convirtiendo la club-music en el jazz de nuestros días. © epdlp
David Sylvian
Camphor (2002)
11 AGOSTO 2008
Ser un cantautor de vanguardia es contradictorio en si mismo, menos en el caso de David Sylvian, artista integral y músico de cabecera de miles corazones rotos. Cantante y compositor británico, comenzó a tocar la guitarra a la edad de 12 años y con 16 fundó la banda Japan, grupo que en 8 años de vida (1974-1982), consiguió elevar el art-pop a su máxima expresión artística. Fiel a su propuesta de ediciones de alto valor estético, David Sylvian se comprometió a partir de ese año, a dar el primer paso en una evolución musical que abandonaba el synth-pop post-glam de Japan y encaminándose a un ambiente poético generosamente texturado. Brilliant Trees (1984), su primer trabajo en solitario, fue una obra redonda e iniciadora de la senda que él buscaba. A éste siguieron otras obras de culto, Alchemy (1985), Gone To Earth (1986), Secrets Of The Beehive (1987), Plight & Premonition (1988), con Holger Czukay; Flux + Mutability (1989), The First Day (1993), con Robert Fripp; Dead Bees On A Cake (1999), Everything And Nothing (2000), Damage (2001), de nuevo con Robert Fripp; Camphor (2002) y Blemish (2003). En 1991 reunió a los ex componentes de Japan para grabar un único disco de homónimo título, Rain the Crown. Aparte de los mencionados, ha colaborado junto a músicos de la categoría de Bill Frisell, Jon Hassell, Marc Ribot, Steve Tibbetts, Ryuchi Sakamoto y Kenny Wheeler. David Sylvian, que entre otras cosas es propietario del sello Samadhisound, no pretende ser didáctico, aunque advierte que sus canciones deben actuar como un detonante de nuestro subconsciente, con abundantes alusiones a la pérdida de la inocencia y al paso del tiempo. En el año 2005 y con el nombre de Nine Horses, editó un último trabajo junto a su hermano el batería Steve Jansen (también ex-Japan) y Burnt Friedmann, gurú del chill out y la electrónica en formaciones como Drome, Flanger o Non Place Urban Field. David Sylvian mensajero de lo críptico y de la pasión analógica en un entorno digital, intenso, minucioso y un punto enigmático, sigue a pesar de todo siendo un optimista, acentuando la oscuridad para poder apreciar mejor la luz, digiriendo el veneno para desarrollar una cierta inmunidad. © epdlp
Bent
Intercept! (2006)
04 AGOSTO 2008
Abanderados del chill-out británico y diseñadores del pop del futuro, el dúo Bent (Simon Mills y Neil Tolliday) ha insuflado aires renovados a la escena musical de los beats amables y ralentizados. Radicados en Nottingham, su primer y aclamado trabajo Programmed to Love (2001), una recopilación de sus Eps, ya nos descubrió su maestría en utilizar más instrumentos "naturales" que sus contemporáneos, arpas, guitarras más o menos eléctricas y todo lo que haga su sonido más atractivo y cercano. Ambient/lounge con imaginación y sentido de humor, retro-pop orquestal con tintes futuristas, electrónica de diván, capaces de mezclar un adagio con bases electrónicas, violines, flautas traveseras y sonidos oníricos. Sus siguientes trabajos, The Everlastic Blink (2003), Ariels (2004) e Intercept! (2006), son la demostración que aún podemos disfrutar escuchando música fascinante, un difícil equilibrio de fuerzas que logra introducirte en un mundo gemelo al de Alicia en el País de las Maravillas. © epdlp
Massive Attack
Protection (1994)
21 JULIO 2008
Massive Attack eran tres adolescentes de Bristol que, infectados por el gusanillo del hip hop montaron el sound system The Wild Bunch. Padrinos del trip-hop, Robert “3D” del Naja, Grant "Daddy G" Marshall y Adrian “Mushroom” Vowles (que abandonó el grupo en 1999), habían editado 3 discos en 12 años. Eran tres tipos de la calle preocupados por el arte y la alienación urbana, que en 1991 sacaron su primer álbum, Blue lines, que se archiva en el apartado de clásicos. Protection (1994) fue el segundo y Mezanine (1998) el tercero. Massive Attack no sólo han forjado una carrera más que interesante, sino que también han, directa o indirectamente, impulsado otras, como las de Tricky, Nicolette, Portishead, por nombrar algunos. En 100th Window (2003), su esperado cuarto álbum, su música cobra nitidez desde la primera hasta la última canción. Neil Davidge, cerebro multiusos que apareció en escena durante la gestación del Mezzanine, se ha convertido ahora en el fiel escudero de las nuevas aventuras sonoras de 3D, principal responsable del grupo en la actualidad. La música de Massive Attack es un sinuoso viaje por un mar de petróleo formado por paranoias, relaciones terminales e hiperrealismo depresivo. Música melancólica que transmite sentimientos ocultos. © epdlp
Lamb
Fear of Fours (1999)
30 JUNIO 2008
Mientras Portishead y Massive Attack, emblemas del movimiento trip-hop, todavía no saben cómo salir de la oscuridad en la que se han metido, Lamb (los ingleses Louise Rhodes y Andy Barlow), han trabajado en silencio su receta para combinar los adrenalíticos sonidos del drum'n'bass con la serenidad del downtempo. Su dulce desesperación nos deja impávidos y sumidos en esa letanía que producen las cosas bellas y con sentimiento. Lamb (1996), Fear of Fours (1999), What Sound (2001) y Between darkness & wonder (2003), son sus cuatro álbumes, cuyo fin último es formar parte de la enciclopedia del amor y la melancolía. El dúo Lamb no ha venido a cambiar el trip-hop o a inventar un nuevo estilo musical, sino a descubrir lo mejor de la belleza que se genera cuando hay pasión y entusiasmo por la música, y sobre todo cuando lo que más se quiere es reflejar estados de ánimo. Sus actuaciones en directo demuestran su virtuosismo como banda, en la que destaca la figura de Lou Rhodes (descalza y bebiendo té como una descosida), una voz llena de fuerza y compasión, que genera tranquilidad y desesperación. El sonido de Lamb explora la oscuridad salvaje, las conversaciones privadas intensas y cautivadoras que se convierten en poesía. Todo un recorrido por la fragilidad, tristeza y soledad humana. © epdlp
dZihan & Kamien
Fakes (2005)
23 JUNIO 2008
El dúo vienés dZihan & Kamien se dieron a conocer en 1996 con el single Der Buch, aunque no es hasta cuatro años después que editan su primer álbum Freaks & Icons (2000). Vlado dZihan, nativo de Sarajevo y el alemán Mario Kamien se conocieron cuando estudiaban en Viena. La unión de estas culturas musicales se funden en una adaptación con elementos electrónicos que le dan a sus trabajos un equilibrio que se podría comparar con los primeros trabajos de Kruder & Dormeister, Thievery Corporation o Tosca, y con el down-tempo y el soulful house de Jazznova o Naked Music. Propietarios del sello Couch Records, sus siguientes trabajos Gran Riserva (2002) y Fakes (2005), son verdaderos cantos a la sobriedad y la elegancia, combinando el trip-hop, el ambient o el nu-jazz, con referencias diversas, desde el funky más groovy, a los arreglos orientales, pasando por las ensoñaciones puramente electrónicas y sintéticas. Evocadores de elementos sonoros de marcada influencia multicultural, dZihan y Kamien son, entre los creadores de música electrónica, uno de los proyectos más creativos e importantes de la escena europea. Su sonido persigue la mística del sonido analógico usando tecnología punta, colocándonos (en el sentido etílico del término) en un universo electrónico en el que no hay gravedad y transfigurando su música en un meticuloso puzzle retrofuturista. © epdlp
Art of Noise
The Ambient Collection (1990)
02 JUNIO 2008
Art of Noise es una banda imaginativa, pionera de la música electrónica de fines de los 80. Bajo una formación en apariencia fantasmal, sus miembros nunca se fotografían para la autopromoción, forjaron su reputación a raíz del disco Who's Afraid of? The Art of Noise (1983), considerado hoy en día una de las biblias del sampleo. Su música tenía la particularidad de que descontextualizaba elementos tan dispares como ruidos de coches y voces de diversa procedencia, con música clásica o de vanguardia. El grupo lo fundaron los músicos ingleses Steve Horn, Anne Dudley (actualmente prestigiosa creadora de bandas sonoras) y J.J. Jeczalik. Horn, ex integrante de Buggles, músico y productor que ha trabajado con grupos en su mayoría versados en el tecno-pop, ha impulsado bandas como ABC, Propaganda, Frankie goes to Hollywood, Seal, Malcolm McClaren y colaboró en el famoso Slave to the Rythm de la rugiente Grace Jones (1985), junto a David Gilmour de Pink Floyd. También son recordadas sus colaboraciones con Duane Eddy, Max Headroom y la popular versión de Kiss, a cargo de Tom Jones. El nombre del grupo es una aproximación genealógica a la música que, un grupo de artistas a comienzos del siglo XX empezó a experimentar con composiciones inspiradas en el devenir mecánico y eléctrico de la ciudad. Construyendo cajas caseras a las que incorporaban diferentes sonidos de la urbe, este grupo de artistas futuristas comenzó a hacer algo parecido al tecno, pero todavía sin la incorporación de beats, los golpes que delimitan el tiempo rítmico en la nueva música electrónica. Art Of Noise lo componen actualmente, Lol Creme (vocal, guitarra, teclados), Anne Dudley (vocal, piano, teclados), Trevor Horn (vocal, teclados, bajo) y Paul Morley (vocal, teclados). The Art of Noise toma su música de varias fuentes, hip hop, jazz, R&B, pop, drum'n'bass, sonidos, y todo lo que crea su estilo experimental y post-futurista. Algunos consideran que su último disco The Seduction Of Claude Debussy (1999), es el trabajo más importante de fin de siglo de música electrónica.
© epdlp
New Order
Waiting For The Sirens Call (2005)
26 MAYO 2008
Lo que los Sex Pistols iniciaron en 1976 no era solo rock sino algo mucho más sombrío. Joy Division (1977-1980) estuvo directamente inspirado por los Sex Pistols, al iniciar uno de los viajes más oscuros de la historia de la música. Hicieron pedazos el reino del rock componiendo música a un tiempo potente y sutil, pero cargada de dolor. Ian Curtis era su líder, el idealista iluminado que apoyado por los otros miembros de la banda, Bernard Sumner (voz y guitarra), Peter Hook (bajo) y Stephen Morris (batería) se impulsaban hacia lo desconocido. La muerte prematura de Ian Curtis en 1980 precipitó que los otros tres componentes, junto a la teclista Gillian Gilbert incorporada unos meses después, fundaran New Order. Desde entonces, el grupo pop de pasado oscuro se convertiría en una de las mejores bandas de los ochenta, una banda que, al igual que Joy Division, abrió caminos y se constituyó en un referente obligado para la mayor parte de los grupos que aparecieron después. Movement (1981), Power, Corruption & Lies (1983), Low-Life (1985), Brotherhood (1986), Technique (1989), Republic (1993) y Get Ready (2001), fueron sus siete trabajos de estudio. Además todos los componentes tuvieron proyectos paralelos, Sumner junto a Johnny Marr (ex guitarrista de los Smiths) formó Electronic; Hook junto a David Potts creó Revenge y posteriormente Monaco, y Gilbert y Morris grabaron solos con el nombre de The Other Two & You. New Order mezcla la música electrónica, el rock, el dance y el punk, con un particular aire romántico, que aglutina públicos heterogéneos, rockeros, ravers, indies, modernos y nostálgicos. En Waiting For The Sirens Call (2005) su última producción, se sumergen en el nuevo milenio con su sonido de siempre, melodías lúgubres y pegadizas, enérgica presencia del bajo, inclasificable sonido de los teclados, un sorprendente optimismo y frescura que enseña al resto del mundo cómo debe ser hecha la música pop. © epdlp
Dreadzone
Once Upon A Time (2005)
19 MAYO 2008
Dreadzone son un grupo inglés formado por Greg Roberts, Leo Williams y Tim Bran, los dos primeros ex componentes de BAD (Big Audio Dynamite), escisión de la banda de punk The Clash. Propietarios del club nocturno londinense Dubwiser, son un ejemplo luminoso de los magníficos resultados de unir la frialdad de los instrumentos electrónicos con el calor de sonidos como el reggae. Hasta la fecha han publicado cinco álbumes de estudio, 360 Degrees (1993), Second Light (1995), Biological Radio (1997), Sound (2002) y Once Upon A Time (2005). En ellos incorporan su arriesgada apuesta por un sonido espectacular, en ocasiones cercano a la worldmusic, junto a sonidos clásicos más sobrios, más oscuros y dramáticos que incitan al baile. La combinación abrasiva de batería, bajo y diversos instrumentos electrónicos, junto a influencias completamente sorprendentes y un nivel de superación estético sólo comparable a un lienzo a punto de ser plasmado, los convierte en un conjunto audaz que crea el dub más sofisticado que puedas escuchar. La representación máxima del baile como forma de vida, la realidad última de lo visible y lo invisible, el triunfo del ritmo sobre la razón. © epdlp
Blu Mar Ten
Black Water (2007)
12 MAYO 2008
Estar a la sombra de Daniel Williamson (LTJ Bukem) siempre es un motivo para dar rienda suelta a la creatividad y para sentirse protegidos por esa especie de halo mágico que el compositor y productor británico siempre ha tenido. Blu Mar Ten (Leo Wyndham y Chris Marigold), son unos privilegiados en ese aspecto, pues son los niños mimados del gran gurú y dueño del sello Good Locking Records. Aunque desde 1995 editaban pequeños trabajos y numerosas colaboraciones, no fue hasta el año 2002 cuando debutaron con su primer álbum, Producer (2002), el tercer disco de la serie homónima que ésta discográfica lanzaba al mercado y que llevó a ser reconocidos en el mercado mundial a gente como PFM (Mike Bolton), Tayla (Travis Edwards), Seba (Sebastian Ahrenberg), Big Bud (R. O'Reilly) y hasta el propio Bukem. En su segundo trabajo, The Six Million Names Of God (2003), continúan esa línea marcada con paso firme, música arriesgada con poderosos ambientes electrónicos, largos desarrollos instrumentales y una rítmica contenida. Esta pequeña obra de ingeniería downbeat, tiene las colaboraciones de prestigiosos productores británicos, Blame (720° Recordings/Charged), Nor Elle (Plastic City) y Fink (Ninja Tune), y es la antesala de su último trabajo, Black Water (2007). Blu Mar Ten adopta el sonido, en el más estricto sentido paternal, volviendo al lugar de una niñez perdida para recuperar los recuerdos, una forma primitiva de construirse un refugio para defenderse del mundo exterior. © epdlp
Zuco 103
Whaa (2005)
28 ABRIL 2008
Amsterdam es la ciudad donde está radicado el proyecto Zuco 103, fusión de tres personalidades, el holandés Stefan Kruger (batería y percusiones), el alemán Stefan Schmid (teclados) y la brasileña Lilian Vieira (cantante), que llegó a los Países Bajos en 1989. El trío unió sus fuerzas por primera vez al realizar una serie de temas para la ecléctica y electro jazzística formación holandesa SfeQ. Beco Dranoff, el cazatalentos de la compañía discográfica Ziriguiboom, el sello de Crammed dedicado a la música brasileña, les produjo su primer trabajo Outro Lado (2000). Desde el lanzamiento de Outro Lado la música de Zuco 103 ha sido reconocida como una de las más excitantes mezclas entre la música electrónica y la brasileña, jamás realizadas. En sus siguientes álbumes Tales Of High Fever (2003) y Whaa (2005), dejan volar su inspiración rítmica brasileña, para ser al mismo tiempo sofisticados y explosivos, bailables y también escuchables, sedosos y violentos, innovadores y pegadizos. La seductora voz de Lilian Vieira determina su estilo, una mezcla de bosanova, samba, drum'n'bass, hiphop, funk y dub, intentando dejar atrás todas sus influencias, descubriendo continuamente nuevos sonidos.
Exploradores del arte de la samba y la bosanova, enriquecidos con la sensualidad del funk sobre las bases techno y drum'n'bass, su minimalismo ascético y total perfeccionismo está a la vanguardia de una nueva generación de artistas que son musical y étnicamente multiculturales y que son capaces de unir los sonidos propios de las músicas étnicas con los ritmos más occidentales.
© epdlp
Bob Holroyd
A different space (2000)
21 ABRIL 2008
Bob Holroyd está situado en primera linea entre los músicos más innovadores de la escena actual. Su música electrónica abstracta, cercana a la world-music, tiene sus influencias en compositores tan variados como Peter Gabriel, David Sylvian, Arvo Part, Ryuichi Sakamoto. Steve Reich, XTC o David Byrne. Es el fundador en el año 1987 de la compañía Soundscape Music, y hasta la fecha ha publicado tres álbumes de estudio, Fluidity & structure (1991), Stages (1996) y A different space (2000). Bob Holroyd combina la música ambient con ritmos intensos de todo el mundo, calidad e imaginación que busca la emoción del que la escucha. © epdlp
Björk
Volta (2007)
14 ABRIL 2008
Bjork Gudmundsdottir nacida en Reykjavik el 21 de noviembre de 1965, creció en una comunidad hippie y aprendió a tocar la flauta y el piano. Apasionada por la música clásica, su talento hace que sus profesores se fijen en ella y con tan sólo 12 años, grabe un disco, Björk (1977). A partir de ese momento comienza una historia musical plagada de éxitos, primero con los grupos Exodus, Tappi Tikarass y Kukl. Más tarde y junto a sus compañeros en Kukl, Einar Orn y Siggi Baldursson, formó Sugarcubes (1986-1992), sexteto nacido a partir de un colectivo anarco-cultural llamado Bad Taste Ltd., dedicado a editar poemarios y discos de artistas marginales. En 1992 Bjork siguió su carrera en solitario. Nelle Hooper, responsable de la producción de varios de los clásicos del llamado sonido Bristol, será el encargado de hacer de Debut (1993), su memorable primer disco que la catapulta hacia el estrellato pop. En el segundo, Post (1995), la acompañaron, aparte de Hooper, el entonces emergente Howie B, Graham Murria, componente de los 808 State y Tricky, a quien devolvería el favor participando en su proyecto Nearly God. Homogenic (1997), es un álbum de temas preciosos y dramáticos que nos hablan de estados de ánimos difíciles de definir, con incursiones en el trip-hop y el jungle. Ese mismo año lanza un disco de remezclas titulado, Telegram (1997) y tres años más tarde Selmasongs (2000), banda sonora de la película de Lars Von Trier, Bailar en la oscuridad. Con Vespertine (2001) y recientemente con Volta (2007), la intrincada estética musical de la artista, alcanza nuevos niveles de madurez e independencia. Música tranquila, introvertida, llena de susurros y de improvisación, en definitiva verdaderas odas a la melancolía. Bjork, la mujer de la voz sulfurosa, es la cantante islandesa más popular del mundo occidental, cultivando una imagen pública que la describe como una dulce y talentosa freak, de pensamiento sagaz y una fuerte personalidad, vinculada desde siempre al arte, muestra la diversidad de sus influencias musicales, su habilidad para mezclar elementos del rock, punk, techno y jazz, con ritmos clásicos. Pero además abarca otros estilos, desde el pop más simple hasta el trip-hop, pasando por la big band music, combinando lo mejor de lo acústico y lo más intenso de la electrónica. Una fusión que Bjork ha sabido colorear con sus propios tintes, y con ese toque sutil de ternura e inocencia que la hace única. © epdlp
Lemon Jelly
64-95 (2005)
07 ABRIL 2008
Fred Dreakin (compositor y diseñador gráfico) y el jardinero frustrado Nick Franglen (teclados y programación), éste último acompañante de Primal Scream, Björk y Pulp, forman el dúo anglosajón Lemon Jelly, una formación que parece salida del país de la felicidad. Su primer trabajo Lemonjelly.ky (2000) consistió en una compilación de 3 eps de edición limitada, y con un arte gráfico realmente impresionante. El producto musical recibió las mejores críticas por parte de las revistas Muzik, Echoes, Melody Maker y NME. Gilles Peterson llegó a decir que tienen "el sonido del futuro en el mundo". Lo primero que desprende la música de Lemon Jelly es optimismo. Y eso se contagia en el ánimo de quien la escucha, porque cuando te habitúas a ella es muy fácil de identificar y reconocer al escucharla en cualquier sitio. Comparados con bandas como Zero 7 o Groove Armada, aunque con un sonido más atemporal, calificados como una de las cocteleras electrónicas más brillantes, sorprendentes y refrescantes de la escena inglesa, hacen honor a su nombre (Lemon Jelly: La gelatina que utilizaban los prisioneros de Colditz para duplicar sus planes de escapada). En Lost Horizons (2002) y 64-95 (2005) sus siguientes trabajos, perfeccionaron esas melodías de juguete en technicolor, perfectas para escuchar en un chill-out o en el sofá de casa, entre la acústica y la tecnología más feroz. Clímax elegante, envolvente y refrescante cubierto por una manta de intriga, que transmite estados de preocupación, bocanadas de optimismo y aventura en los límites de lo desconocido. Una recreación de un mundo donde lo digital y lo orgánico se dan la mano para crear algo que poco tiene que ver con el mundo del día a día. © epdlp
Recoil
SubHuman (2007)
24 MARZO 2008
Recoil es un proyecto creado en 1985 por el británico Alan Wilder, ex-teclista de Depeche Mode. Antes de integrarse en la banda perteneció a varios grupos de pop-rock como The Dragons, Daphne and the Tenderspots, The Hit Men o Real To Real. Iniciado en el piano y la flauta, en 1981 ingresó en DM sustituyendo a Vince Clarke, que se fue de la banda para formar Yazoo y Erasure. Para las actuaciones en vivo DM requerían la presencia de un experto en sintetizadores y Alan Wilder fue el elegido. En principio los acompañó solamente en sus giras, aunque dos años después su inclusión como miembro oficial fue definitiva con su tercer álbum, Construction time again (1983). Martin Gore, Dave Gahan y Andy Fletcher encontraron en Alan Wilder, el “suplemento” ideal para desarrollar su estilo tecno sintético de carácter accesible, significando un paso hacia la madurez para un grupo que hasta entonces había sido una especie de reunión de amigos. Con Alan en el grupo, el resto no tuvieron que preocuparse prácticamente por el proceso de grabación. Obsesionado por la perfección técnica y por la experimentación sin límites, Alan Wilder ha volcado en su proyecto paralelo llamado Recoil, todas las locuras radicales imposibles de incluir en una banda mayoritaria como DM. En su primer trabajo Hydrology and 1 + 2 (1988), usó sonidos ambientales, repeticiones minimalistas y samplers de ruidos cotidianos para completar un trabajo sombrío y amenazador. En el siguiente Bloodline (1992), una obra de ingeniería con melodías y ritmos cercanos a la Electronic Body Music, fue sin duda su mejor álbum y el más accesible. En 1995 dejó el grupo definitivamente y se consagró a la composición de sus dos siguientes álbumes, Unsound Methods (1997) y Liquid (2000). Vegetariano convencido y un gran admirador de Kraftwerk, Smiths, PIL, Philip Glass y Talk Talk, Alan Wilder sabe, todos nosotros también lo sabemos, que DM desde su marcha no ha vuelto a levantar cabeza. Él era la música y la tecnología en el grupo, el talento que afortunadamente ha volcado en Recoil, un proyecto de expresión sin términos, con innumerables estilos e instrumentación, que se aproxima, en muchas formas, a un sentimiento puro y transparente. En Subhuman (2007) nos demuestra definitivamente que su música nos enseña a vivir, quizás a morir, a través de una herida abierta. © epdlp
Paul Mounsey
The Days Flash Past (2005)
10 MARZO 2008
Si el futuro de la música étnica está en la fusión y la experimentación, el de la música celta está en la innovación y el vanguardismo. Varios nombres sobresalen en ésta última, Stone Age, Ashley MacIsaac, Talitha MacKenzie y destacando sobre todos ellos dos figuras cruciales, el tristemente desaparecido Martín Bennett y el escocés residente durante dos décadas en Brasil, Paul Mounsey. Antiguo guitarrista de rock, Paul Mounsey abandonó ese estilo musical para dedicarse a estudiar la música de la tierra de sus orígenes, Escocia, la cual mezcla con estilos más actuales, principalmente electrónicos. Bicho raro de la música gaélica, comenzó su carrera colaborando con músicos de la talla de Michael Nyman, Etta James, Chico Buarque, Jimmy Cliff y Antonio Carlos Jobim, para años después editar su primer álbum de estudio, Nahoo (1994), un collage de estilos étnicos y ritmos de baile que abrió caminos hasta entonces inexplorados. Sus siguientes trabajos, Nahoo too (1997), Nahoo 3: notes from the republic (1999) y City Of Walls (2003), consiguieron que esa senda desconocida y hasta entonces impenetrable, se convirtiera en un vergel frondoso y vital. Paul Mounsey ejecuta en una mezcla fascinante, las raíces gaélicas y los ritmos tradicionales del noreste de Brasil, sobre todo a nivel de percusión, todo ello aderezado con pinceladas noruegas, gallegas, portuguesas y hasta norteamericanas, desafiando cualquier definición o idea preconcebida. En su último trabajo, The Days Flash Past (2005), logra reunir las voces de Alyth McCormack, Anna Murray, Christine Primrose, Ishbel MacAskill, Kevin MacNeil, Mary Smith y las hermanas MacKenzie, en una obra fascinante que sorprende por su rotundidad y que se concentra en su labor únicamente de compositor. Paul Mounsey construye sus discos como si fueran un enorme retal de elementos étnicos en el que todo cuadra, un viaje cosmopolita en el que finalmente el espíritu celta impone su impronta y en el que el compositor ejerce de arqueólogo del futuro.
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Telefon Tel Aviv
Map of What Is Effortless (2004)
11 FEBRERO 2008
Telefon Tel Aviv es la historia de dos amigos de Nueva Orleans, que de la música clásica saltaron sin escalas a las laptop. Su debut, Fahrenheit Fair Enough (2001) deslumbró a la crítica entendida, que calificó sus paisajes sonoros ambientados con guitarras estridentes y pianos melancólicos, como el primer gran disco de pop electrónico del siglo XXI. Josh Eustis y Charles Cooper, han habilitado una especie de puente entre el post-rock y la electrónica (indietrónica), uniendo ritmos y glitches con una instrumentación orgánica. Niños mimados del sello Hefty (el que le hace la competencia en Estados Unidos a Morr Music) y con una música paralela a la de Mark Van Hoen (Locust), This Mortal Coil, Polygon Window, Lali Puna o Ian Masters, echaron el resto en un segundo trabajo que les consagró. Map of What Is Effortless (2004), continúa siendo abstracto, pero tiene el toque épico que hace que sus canciones entren con mayor facilidad en los oídos. Además cuenta con las colaboraciones de Damon Aaron, Lindsay Anderson (ex-Stockholm Monsters) y actualmente cantante del grupo L'Altra, así como la participación de una orquestra de 30 personas. Telefon Tel Aviv consiguió el álbum más preciosista y orquestado de ese año. Música electrónica emocional con hits potenciales, lo que llamaríamos techno para llorar, toques soul con muchas detonaciones (glitches, clicks, cuts) para transportarte sin esfuerzo por parajes idílicos, encandilarte con la conjunción de sonidos y con la muestra de beats en esencia. Quizá las cosas más valiosas en el mundo no tengan precio, Telefon Tel Aviv sabe que la búsqueda de la sencillez construida con orquesta de cámara y ruido electrónico, convierte a su música en esbozos de amor y desolación. © epdlp
Dead Can Dance
Aion (1990)
04 FEBRERO 2008
Los australianos Lisa Gerrard y Brendan Perry son Dead Can Dance. De origen anglo-irlandés, comparten una visión original y diferente del mundo que les rodea, atreviéndose con un concepto musical totalmente innovador y de altísima calidad, pletórico de sonidos percusivos. Sus ocho trabajos de estudio, llenos de influencias procedentes del Renacimiento y sus estéticas musicales, Dead Can Dance (1984), Spleen and Ideal (1985), Within the realm od the dying sun (1987), The Serpent's Egg (1989), Aion (1990), Into the Labyrinth (1993), Toward the Within (1994) y Spiritchaser (1996), conforman su especial forma de entender la música, una mezcla inteligente de toques étnicos, rock tradicional y también estilos antiguos. Aclamados por la crítica, Dead Can Dance reina ya en su particular tierra musical, aunque el futuro se muestra incierto por la separación física de sus dos componentes, Perry vive en Irlanda y Gerrard en Australia, y por sus respectivos trabajos en solitario. Aprovechando que los caprichos de los músicos son ventanas hacia su intimidad, hay un elemento que es siempre fiel reflejo del tamaño de una banda. Así como a los árboles se les mide la edad contando el número de círculos que tienen en el tronco, Dead can Dance es un árbol centenario, porque su música es el origen de la sabiduría milenaria. Su meta es buscar la belleza perdida, la eterna meta humana de lograr una existencia significante. © epdlp
O'2L
O'2L (2003)
14 ENERO 2008
O'2L es la extraordinaria colaboración de dos músicos neoyorquinos, la pianista Jane Mangini (apasionada por el blues y el rock experimental, y ex-componente de Trans Siberian Orchestra) y el guitarrista Al Pitrelli (componente de las bandas de Alice Cooper y Megadeth, entre otros). Su primer trabajo llamado como ellos O'2L (2003), es una mezcla de ritmos eclécticos y arreglos originales que generan un disco redondo. Con una destreza que rompe límites, han creado un estilo definido como techno-acústico de alta energía. Mangini es claramente el motor del dúo, pues es la compositora de todos los temas, mientras que Pitrelli proporciona los fuegos artificiales con sus acordes tórridos y fluidos, proporcionando un borde arenoso a esos pedazos cristalinos que Jane Mangini compone. Electrónica, jazz y new age son el condimento perfecto para este viaje musical por un sonido distinto que O'2L te proponen. Un sensual vuelo en el aire acompañado de melodías suntuosas. © epdlp
Mo Horizons
Come Touch The Sun (1999)
07 ENERO 2008
Grandes figuras de la llamada música downtempo, los alemanes Ralf Droesemeyer y Mark Wetzler, son dos músicos y productores, trotamundos sin fronteras, que fusionan lo exótico y lo mundano en igual medida. Procedentes del downtown de Hannover, se desenvuelven en el campo de los ritmos sosegados con toques de jazz, blues, dub y guiños a la bossanova, un ingrediente básico a la hora de confeccionar un completo menú chill out. Con sus tres discos de estudio, Come Touch The Sun (1999), Remember Tomorrow (2001) y And The New Bohemians Freedom (2003), se han convertido en grupo de referencia del emblemático sello Stereo de Luxe. Una música rebosante de calidad de la primera a la última canción, unos ritmos sosegados, una producción cuidadísima, una perfecta combinación de temas vocales e instrumentales, un nuevo concepto de libre creación artística que no se deja encasillar. World lounge provocador de adicciones, esa extraña atracción por la melancolía y la lluvia gris que preceden a un día soleado. © epdlp
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