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       Música - 455 álbumes 
 
    
 

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   Jori Hulkkonen
   Different (2002)

   20 DICIEMBRE 2010

   El finlandés Jori Hulkkonen creció durante los años 80 escuchando pop tradicional finlandés, new wave, electro, detroit techno y ritmos electrónicos de las radios vecinas suecas, hasta que en 1993, y junto a Ari Ruiokamo, creó el sello independiente Lumi Records. Su primer álbum Selkäsaari Tracks (1996), era una original mezcla de sonidos electrónicos de Detroit con ritmos de Chicago. Sus siguientes álbumes Let Me Luv U (1997), The Spirits Inside Me (1998), When no one is watching, we are invisible (2000), Different (2002) y Dualizim (2005), serían alabados por los mejores críticos de todo el mundo. Ha participado en los más prestigiosos festivales, clubes y eventos de música electrónica del mundo como, el Roskilde y el Sónar. Jori Hulkkonen es la calidez del house, su música está cargada de percusión de principio a fin, de ritmos tribales, sonido trance adaptado a una visión claramente house, el fenómeno llamado dream-house o deep house elegante, recorridos de menos a más por los resquicios de la mejor electrónica que se baila.  © epdlp




   Natalia Lafourcade
   Hu Hu Hu (2009)

   13 DICIEMBRE 2010

   Dicen que los músicos siempre buscan esa codiciada libertad creativa que los sellos discográficos les dificultan, siempre con la excusa de que lo más importante es la reiterada y supuesta comercialidad. La mexicana Natalia Lafourcade ha creído en sí misma, y por eso es libre como un tigre (aludiendo al diseño artístico de su disco Hu hu hu), para componer pop verdaderamente orgánico, casi como un juego y casi como un cuento mágico. Natalia Lafourcade (2002) fue su primer álbum, preferentemente acústico y acompañado de su banda La Forquetina, originalmente integrada por Poncho Degert (guitarra), César Chanona (bajo), Yunuen Viveros (teclados) y Alonso Cortés (batería). El segundo, Casa (2005), producido por el que sería a partir de entonces su ?protector? de éste y sus siguientes discos, Emmanuel del Real (Meme), de Café Tacuba. Emmanuel del Real influyó notablemente en el cambio radical de la cantante hacia el rock electrónico. El tercer trabajo, Las 4 Estaciones del Amor (2007), fue un disco instrumental de sólo cuatro temas, en colaboración con la Orquesta Sinfónica Juvenil del Estado de Veracruz. Hu Hu Hu (2009), fue su propuesta más consolidada en un viaje a la experimentación sin complejos. Mujer Divina - Homenaje A Agustín Lara (2012) y Hasta la Raíz (2015), son sus últimos trabajos. Con una voz educada y en ocasiones con rasgos felinos que la separa definitivamente de su madrina Julieta Venegas, acercándola definitivamente al pop orquestal de corte elitista. Natalia Lafourcade, que es colaboradora habitual de la banda People Project, tiene una gran influencia de músicos como la cantante canadiense Leslie Feist o el cantautor norteamericano Sufjan Stevens y sus composiciones se asemejan vitalmente a las de la cantante londinense Lily Allen y a las de la islandesa Bjork.  © epdlp




   Chicane
   Somersault (2007)

   22 NOVIEMBRE 2010

   Sabio conocedor de los sonidos de Ibiza, puros ritmos chill-out y el trance melódico, sensación de los clubes ingleses y uno de los dj's más desconcertantes de los últimos tiempos, el inglés Nick Bracegirdle, más conocido como Chicane, ha conseguido sublimar las virtudes de la música de baile, transformándola en techno melancólico. Educado en las lides de la música clásica, olvidó el ambiente de conservatorio el día que decidió comprarse dos teclados análogos y experimentar con lo que podía salir de las mezclas en el estudio. Sus álbumes de estudio, Far From The Maddening Crowds (1997), Behind The Sun (2000), Easy To Assemble (2003), Somersault (2007), Giants (2010), Thousand Mile Stare (2012) y Than The Sum Of Its Parts (2014), funcionan bien si deseas escucharlos tomando un café un atardecer en cualquier playa relajante del Mediterráneo o el Pacífico Sur, así como también funciona como música para un bar de estilo lounge. Nick Bracegirdle sabe cómo crear inmejorables paisajes y momentos de intensa emoción.  © epdlp




   Lali Puna
   Faking the Books (2004)

   18 OCTUBRE 2010

   Lali Puna son un cuarteto alemán que mezcla el pop y la electrónica con resultados sorprendentes. El grupo empezó como un proyecto personal de Valerie Trebeljahr (coreana de nacimiento, infancia portuguesa, y alemana de adopción), al que después se sumaron Markus Acher, Christoph Brander y Florian Zimmer, que dejó el grupo en el año 2003. Todos ellos tienen grupos paralelos como Console, Notwist y Tied & Tickled Trio. Sus cuatro trabajos de estudio, Tridecoder (1999), Scary World Theory (2001), Faking the Books (2004) y Our Inventions (2010), les han hecho pasar de ser prácticamente unos desconocidos a convertirse en un grupo de culto. Su música es de raíces indie con aderezos electrónicos, aunque no son ese tipo de banda cool que lo único que hace es apretar un botón. Ellos aprietan todos los botones y tocan todos los palos, mezclan las guitarras con los bajos groovy, el clubpop, el lounge y los ritmos 4x4 con lo mejor de Astrud Gilberto, Stereolab, Aphex Twin y Land of the Loops. Un cóctel explosivo que a medida que el tiempo pasa y tenemos más tiempo de adentrarnos en su clima uptempo, descubrimos su adictiva belleza. Electrónica minimalista con envoltorio pop -lo que algunos han etiquetado como indie tech-, percusiones en primer plano, un manto de guitarras envolvente, sonidos de laptop y sintetizadores amorfos, y en primer plano la voz susurrante de Valerie Trebeljahr colándose como un líquido por entre las rendijas de tu imaginación.  © epdlp




   Underworld
   Barking (2010)

   13 SEPTIEMBRE 2010

   Aunque desde el año 1981 editaban discos con el nombre de Freur, el dúo Underworld se formó en el año 1987 cuando los músicos ingleses, el frontman-vocalista y guitarrista Karl Hyde y el virtuoso programador Rick Smith editan su primer single, en un principio totalmente pop. En el año 1990, un joven DJ llamado Darren Emerson, entraba a formar parte del grupo. Pero es en 1991 cuando Rick y Karl deciden fundar junto a otros amigos, el colectivo de arte Tomato, que se convirtió en una referencia indiscutible en el mundo del arte audio-visual. Fue desde entonces cuando empezaron a aparecer sus temas más aclamados. Su álbum de debut Dubnobasswithmyheadman (1994), convirtió al trío en el primer gran grupo electrónico de masas capaz de llenar estadios enteros en los años 90. Posteriores éxitos como Born Slippy, todo un auténtico himno gracias a la película Trainspotting, o su segundo trabajo Second Toughest In The Infants (1996), no hicieron más que consagrarles. En 1999, apareció su tercer álbum Beaucoup Fish, un año antes de que Darren Emerson abandonara el grupo. Desde entonces Rick y Karl han seguido en solitario trabajando en sus siguientes trabajos, A Hundred Days Off (2002), Oblivion With Bells (2007), Barking (2010) y Barbara Barbara, we face a shining future (2016). Underworld combina el house de Chicago, el techno de Detroit y la música ácida de Londres con guitarras de rock tradicionales y un tratamiento vocal surreal y saturante, creando un comprimido sonoro único, frente al cual el zarandeo de cuerpos y de estilos musicales es inevitable. Aunque la música de baile tiene raíces inherentemente hedonistas, Underworld posee un claro sentido ético al respecto. Ellos re-delimitan los alcances de la música electrónica, elevando las sensaciones hasta niveles totalmente imprevisibles, absolutamente deslumbrantes. Grupo imprescindible para comprender la música actual y para comenzar a entender la música del futuro, el rock del siglo 21, el paso definitivo del rock con guitarras al rock electrónico.  © epdlp




   David Sylvian
   Gone to Earth (1986)

   30 AGOSTO 2010

   Ser un cantautor de vanguardia es contradictorio en si mismo, menos en el caso de David Sylvian, artista integral y músico de cabecera de miles corazones rotos. Cantante y compositor británico, comenzó a tocar la guitarra a la edad de 12 años y con 16 fundó la banda Japan, grupo que en 8 años de vida (1974-1982), consiguió elevar el art-pop a su máxima expresión artística. Fiel a su propuesta de ediciones de alto valor estético, David Sylvian se comprometió a partir de ese año, a dar el primer paso en una evolución musical que abandonaba el synth-pop post-glam de Japan y encaminándose a un ambiente poético generosamente texturado. Brilliant Trees (1984), su primer trabajo en solitario, fue una obra redonda e iniciadora de la senda que él buscaba. A éste siguieron otras obras de culto, Alchemy (1985), Gone To Earth (1986), Secrets Of The Beehive (1987), Plight & Premonition (1988), con Holger Czukay; Flux + Mutability (1989), The First Day (1993), con Robert Fripp; Dead Bees On A Cake (1999), Everything And Nothing (2000), Damage (2001), de nuevo con Robert Fripp; Camphor (2002), Blemish (2003) y Manafon (2009). En 1991 reunió a los ex componentes de Japan para grabar un único disco de homónimo título, Rain the Crown. Aparte de los mencionados, ha colaborado junto a músicos de la categoría de Bill Frisell, Jon Hassell, Marc Ribot, Steve Tibbetts, Ryuchi Sakamoto y Kenny Wheeler. David Sylvian, que entre otras cosas es propietario del sello Samadhisound, no pretende ser didáctico, aunque advierte que sus canciones deben actuar como un detonante de nuestro subconsciente, con abundantes alusiones a la pérdida de la inocencia y al paso del tiempo. En el año 2005 y con el nombre de Nine Horses, editó un trabajo junto a su hermano el batería Steve Jansen (también ex-Japan) y Burnt Friedmann, gurú del chill out y la electrónica en formaciones como Drome, Flanger o Non Place Urban Field. David Sylvian mensajero de lo críptico y de la pasión analógica en un entorno digital, intenso, minucioso y un punto enigmático, sigue a pesar de todo siendo un optimista, acentuando la oscuridad para poder apreciar mejor la luz, digiriendo el veneno para desarrollar una cierta inmunidad.  © epdlp




   Faithless
   The Dance (2010)

   12 JULIO 2010

   El grupo Faithless nació en el año 1993, y estaba formado inicialmente por Sister Bliss (pianista, violinista y famosa productora de música house, considerada con todo merecimiento la DJ femenina número 1 del mundo), Maxi Jazz (ex-The Soul Food Café Band y líder del grupo), Rollo Armstrong (cantante), Jamie Catto, y el guitarrista Dave Randall. Estos dos últimos abandonaron la banda a finales de 1999, después de editar su segundo trabajo Sunday 8pm (1998). Antes habían publicado el primero Reverence (1995), cuyas canciones consiguieron un tremendo impacto y una gran influencia en el sonido de la música dance contemporánea. Outrospective (2001), No Roots (2004), To All New Arrivals (2006) y The Dance (2010) son sus últimos trabajos. Faithless combina gran variedad de ritmos, house, blues, soul, rap y folk, todo ello aderezado con los temas electrónicos más contundentes, que son los que en directo adquieren mejor dimensión. Han luchado por ser una banda de directo y brillar en el escenario al igual que en el estudio y se han convertido en uno de los grupos de culto más reputados de la escena dance mundial.  © epdlp




   Jóhann Jóhannsson
   And in the endless pause there came... (2009)

   21 JUNIO 2010

   Jóhann Jóhannsson es uno de los más activos compositores de la nueva escena musical islandesa, antes llegaron Bjork, Gus Gus, Sigur Rós, Múm pero quizás con él hemos llegado a un lugar sin retorno, el de la entrega sin condiciones a todo lo que suena islandés. Fundador del sello y colectivo artístico Kitchen Motors, miembro de la Apparat Organ Quarter, ha sido productor de entre otros, Marc Almond, Hafler Trio, Barry Adamson y Pan Sonic. Su discografía la componen cinco auténticas joyas del neoclasicismo electrónico, Englaborn (2002), Dis (2004), IBM 1401, A User's Manual (2006), Forlandia (2008) y And In The Endless Pause There Came The Sound Of Bees (2009), además de músicas para teatro, documentales y bandas sonoras. Jóhann Jóhannsson, poderosamente influenciado por la música de Arvo Pärt, Henryk Górecki y Dmitri Shostakovich, combina cuarteto de cuerda, piano, órgano o percusión con delicados tratamientos electrónicos y manipulaciones sintéticas, como una sucesión de letanías y armonías robóticas.  © epdlp




   Underworld
   Oblivion With Bells (2007)

   14 JUNIO 2010

   Aunque desde el año 1981 editaban discos con el nombre de Freur, el dúo Underworld se formó en el año 1987 cuando los músicos ingleses, el frontman-vocalista y guitarrista Karl Hyde y el virtuoso programador Rick Smith editan su primer single, en un principio totalmente pop. En el año 1990, un joven DJ llamado Darren Emerson, entraba a formar parte del grupo. Pero es en 1991 cuando Rick y Karl deciden fundar junto a otros amigos, el colectivo de arte Tomato, que se convirtió en una referencia indiscutible en el mundo del arte audio-visual. Fue desde entonces cuando empezaron a aparecer sus temas más aclamados. Su álbum de debut Dubnobasswithmyheadman (1994), convirtió al trío en el primer gran grupo electrónico de masas capaz de llenar estadios enteros en los años 90. Posteriores éxitos como Born Slippy, todo un auténtico himno gracias a la película Trainspotting, o su segundo trabajo Second Toughest In The Infants (1996), no hicieron más que consagrarles. En 1999, apareció su tercer álbum Beaucoup Fish, un año antes de que Darren Emerson abandonara el grupo. Desde entonces Rick y Karl han seguido en solitario trabajando en sus siguientes trabajos, A Hundred Days Off (2002), Oblivion With Bells (2007), Barking (2010) y Barbara Barbara, we face a shining future (2016). Underworld combina el house de Chicago, el techno de Detroit y la música ácida de Londres con guitarras de rock tradicionales y un tratamiento vocal surreal y saturante, creando un comprimido sonoro único, frente al cual el zarandeo de cuerpos y de estilos musicales es inevitable. Aunque la música de baile tiene raíces inherentemente hedonistas, Underworld posee un claro sentido ético al respecto. Ellos re-delimitan los alcances de la música electrónica, elevando las sensaciones hasta niveles totalmente imprevisibles, absolutamente deslumbrantes. Grupo imprescindible para comprender la música actual y para comenzar a entender la música del futuro, el rock del siglo 21, el paso definitivo del rock con guitarras al rock electrónico.  © epdlp




   Afro Celt Sound System
   Further in Time (2001)

   31 MAYO 2010

   Afro Celt Sound System son un grupo afro-irlandés formado por Simon Emmerson (guitarrista y productor), James McNally (multiinstrumentista), Iarla Ó Lionáird (voz) y Martin Russell (teclados y programación), verdadero artífice del sonido del grupo, además de Johnny Kalsi (percusión), N'Faly Kouyate (instrumentos étnicos), Emer Mayoc (gaitas) y Moussa Sissokho (percusión). Aunque Simon Emmerson había formado la banda en 1991, no fue hasta el año 1996 dónde se dieron a conocer en el festival Womad, en el que tuvieron un éxito extraordinario. A partir de esa fecha su nivel de calidad e innovación subió en la misma medida que editaban sus seis álbumes de estudio, Sound Magic (1996), Release (1999), Further In Time (2001), Seed (2003), Anatomic (2005) y The Source (2016). En éstos trabajos además han disfrutado de las colaboraciones de músicos de la talla de Robert Plant, Sinéad O'Connor, Davy Spillane, Liam O'Flynn y Peter Gabriel, entre otros. Este último, fundador del festival Womad y propietario de la discográfica Real World, sello que ha publicado todos los álbumes del grupo. Han participado asimismo en películas tales como Hotel Rwanda, Stigmata, Gangs of New York y Nikita. Los ACSS fusionan la música dance y electrónica en general, con ritmos celtas y africanos, sintetizando la ideología del Womad: mezclar culturas, presumir de contemporáneos -trabajan con ordenadores- y cuidar el aspecto visual, especialmente la danza. Su repertorio incluye partituras de hace 600 años y piezas actuales como el jungle y el house. Esta mezcla perfecta de sonidos antiguos y contemporáneos, eso que ellos llaman global dance, los ha situado en la vanguardia indiscutible de la World Music. © epdlp




   Vinodelfin
   Seres Unicos (2009)

   26 ABRIL 2010

   Hay grupos que siguen recomendando motivos para acercarse a la felicidad, que vuelven a las raíces y se manchan con la tierra. Vinodelfin era una de esas bandas que hacen de la emoción un himno y de la combinación de palabras sugerentes una eterna sabiduría. Aunque tres años antes ya existían como grupo, no fue hasta el año 2006 cuando editaron su primer álbum, Perfecto en la locura. El quinteto barcelonés formado por argentinos y españoles y capitaneado por Marcos Andrés (voz y guitarra), estaba compuesto por Alberto González (guitarra y percusión), Matías Luna (bajo), Paco Lacolla (batería) y Fluren Ferrer (teclados). Este último reputado productor de entre otros, el grupo Sidonie. Sus directos sorprendentes hicieron suyos los patrones más contundentes del pop-rock en castellano, formato acústico en el desarrollo del lenguaje, influencias del flamenco, el pop y del jazz, complementados con un contenido poético de sus letras. En Perfecto en la locura, producido por Nathan James en Jigsaw Sound en Nueva York y en el que colaboran entre otros, Shuarma, ex-vocalista de Elefantes, el castellano flota sobre melodías en las que podemos encontrar aires británicos y flamencos perfectamente combinados, y en donde la garra del piano o la fuerza de unas guitarras, crean el mejor pop pulido y vanguardista. Seres Únicos (2009), fue su segundo y último trabajo antes de separarse en el 2010. Cuatro años después su líder Marcos Andrés editó su primer trabajo en solitario, Frida (2014), con el nombre artístico de El Circo de las Mariposas.  © epdlp




   Röyksopp
   Junior (2009)

   19 ABRIL 2010

   Torbjorn Brundtland y Svein Berge son el dúo Royksopp, última sensación surgida en Noruega. Influenciados por Erik Satie y por el compositor de bandas sonoras Francis Lai, Röyksopp utiliza líneas de bajo muy similares, aunque menos sugerentes y más encauzadas a crear tensión rítmica. Los dos nacieron en Tromso, cuna de uno de los personajes más importantes del pop de este país, Geir Jenssen, miembro fundador del grupo Bel Canto y alma mater del proyecto Biosphere. Precisamente Geir Jenssen fue el que los animó a grabar su primer trabajo, cuando todavía eran un cuarteto y se llamaban Aedena Cycle, junto a Gaute Barlindhaug y Kolbjorn Lyslo en el año 1994. Más tarde Torbjorn Brundtland junto a Rune Lindboek y con el nombre de Those Norwegians, publica el álbum Karminsky Park (1997), un acercamiento al house más ambiental. En 2001 y ya como dúo Röyksopp, debutan con Melody A.M., trabajo que vio la luz en la prestigiosa discográfica Wall Of Sound, y que recibió las mayores alabanzas de publicaciones como DJ Magazine o Muzik. Su faceta como productores es también remarcable, pues han producido a artistas como Boy George, Felix Da Housecat y el recopilatorio de Bel Canto. Fueron teloneros en sus comienzos de Moby, además de actuar junto a Basement Jaxx, Orbital y Pulp y de participar en numerosos festivales como The Big Chill o Glastonbury. Sus conciertos en directo son una tormenta de ritmos bailables, de aires pop que les llevan a ser comparados con Erasure y The Orb de igual manera. En sus siguientes trabajos, The Understanding (2005), un álbum que cuenta con acompañamientos vocales notables, como los de Chelonis Jones, Karin Dreijer y Kate Havnevik, Junior (2009) y Senior (2010), definitivamente se instalan en las sombras del mainstream. Royksopp crean música ambient con combinaciones de música lounge y funk electrónico con bandas de sonido de películas y ritmos que se escuchan en los clubes, consiguiendo captar la atención tanto de clubbers como de fans del pop-rock. Quizá sea Tromso, el punto de confluencia de Noruega, Suecia y Finlandia y distante unos 600 kilómetros del Círculo Polar Artico, ese lugar del mundo en el que Otto y Ana (los protagonistas del film de Julio Medem), viajaron para comprobar que su propia vida estaba a punto de extinguirse, el causante de esos sonidos etéreos, la música nacida bajo el signo de un existencialismo trágico y supersticioso.  © epdlp




   Perry Blake
   Still Life (1999)

   22 MARZO 2010

   Dicen las malas lenguas que parecerse a Leonard Cohen, Nick Drake, David Sylvian, Scott Walker, Tim Buckley, Brendan Perry (Dead Can Dance) y Jay Jay Johanson, es venenoso para el corazón. Si existe un crooner, en ocasiones con voz de falsete, capaz de aglutinar el espíritu de esas siete leyendas de la música, ese es el cantante y pianista Perry Blake. Nacido en Irlanda en 1970, muy pronto formó su primera banda "The Rubber Clothing Co" a pesar de que su madre pensaba que "Superband" era más apropiado. Años más tarde publica su primer trabajo, Perry Blake (1998), el debut discográfico en solitario de un irlandés capaz de destilar la más bella melancolía pop. A éste siguieron, Still Life (1999), una sincera reflexión alrededor de los temas universales, el amor, el paso del tiempo, el recuerdo y el olvido, y en el que contó con las colaboraciones de Francoise Hardy, Bryan Ferry y del batería del grupo Japan, Steve Jansen. El tercero, California (2002), un disco grabado en Bélgica en tan sólo 12 días y producido por Marco Sabiu, es un viaje hacia las entrañas del soul, con orquestaciones cálidas a lo Marvin Gaye o Barry White. Entre ellos, un ejercicio extraordinario grabado en directo en el Cirque Royal de Bruselas, Broken Statues (2001). En el cuarto, Songs for someone (2004), Perry Blake se aleja de la imagen de cantante atormentado, y emprende de nuevo un viaje (una vez más), a la búsqueda de un lugar que no existe, la visión utópica de un lugar físico utilizado como metáfora de un estado al que queremos llegar. Su quinto álbum, The Crying Room (2006), es un simple tratado de tristeza, distinción y categoría, dónde la frontera entre la felicidad y la tragedia es un escaso hilo de seda. Canyon Songs (2007), su último trabajo hasta la fecha, es un acercamiento al pop y al country con las aportaciones de Steve Wickham (The Waterboys), Neil Conti (Prefab Sprout) y Kathy Jordan (Dervish). Junto al también irlandés Glen Garrett, tiene un proyecto paralelo llamado, Electro Sensitive Behaviour, con el que editaron un álbum, Modern Love (2015). Es autor además de la BSO del film Presque Rien (Primer Verano, 2000), dirigida por Sébastien Lifshitz. Perry Blake que reconoce que sufre una obsesión enfermiza por los bosques, y que si fuese David Bowie, otra figura a la que también se parece, se encontraría en su etapa berlinesa, mezcla géneros como el folk, el soul e incluso el trip-hop, con comprometidas dosis de tragedia y melancolía. Eso es mucho más de lo que puede pedirse a un artista que parecía destinado a quedarse encasillado en los falsetes y en la exhibición de emociones prestadas. Perry Blake demuestra que ser crooner o baladista puede tener todavía sentido después de rebasado el siglo XXI y que sus canciones sirven para acompañar una tarde de invierno o quizá toda una vida.  © epdlp




   Jóhann Jóhannsson
   Fordlandia (2008)

   08 MARZO 2010

   Jóhann Jóhannsson es uno de los más activos compositores de la nueva escena musical islandesa, antes llegaron Bjork, Gus Gus, Sigur Rós, Múm… pero quizás con él hemos llegado a un lugar sin retorno, el de la entrega sin condiciones a todo lo que suena islandés. Fundador del sello y colectivo artístico Kitchen Motors, miembro de la Apparat Organ Quarter, ha sido productor de entre otros, Marc Almond, Hafler Trio, Barry Adamson y Pan Sonic. Su discografía la componen cinco auténticas joyas del neoclasicismo electrónico, Englaborn (2002), Dis (2004), IBM 1401, A User's Manual (2006), Forlandia (2008) y And In The Endless Pause There Came The Sound Of Bees (2009), además de músicas para teatro, documentales y bandas sonoras. Jóhann Jóhannsson, poderosamente influenciado por la música de Arvo Pärt, Henryk Górecki y Dmitri Shostakovich, combina cuarteto de cuerda, piano, órgano o percusión con delicados tratamientos electrónicos y manipulaciones sintéticas, como una sucesión de letanías y armonías robóticas. Fordlandia es un intenso trabajo con estructura y vida propia, que abrirá una profunda herida en el corazón de todo aquél que se atreva a descubrirlo.  © epdlp




   Lisa Gerrard
   The Silver Tree (2006)

   01 MARZO 2010

   De origen anglo-irlandés, la australiana Lisa Gerrard comparte una visión original y diferente del mundo que le rodea. Junto a Brendan Perry y como Dead Can Dance, lanzaron al mercado ocho trabajos de estudio llenos de influencias procedentes del Renacimiento y sus estéticas musicales, una especial forma de entender la música, una mezcla inteligente de toques étnicos, rock tradicional y también estilos antiguos. Aclamados por la crítica, Dead Can Dance reina ya en su particular tierra musical. Actualmente su carrera va por otros derroteros, compositora de bandas sonoras, El niño de la luna (1988), Baraka (1992), El dilema (1999), Gladiator (2000), Whale Rider (2002) y una carrera paralela en solitario con notables trabajos de estudio, The Mirror Pool (1995), Duality (1998) con Pieter Bourke, Whale Rider (2003), Immortal Memory (2004) con Patrick Cassidy, The Silver Tree (2006) y Black Opal (2009). Aprovechando que los caprichos de los músicos son ventanas hacia su intimidad, hay un elemento que es siempre fiel reflejo del tamaño de un compositor. Así como a los árboles se les mide la edad contando el número de círculos que tienen en el tronco, Lisa Gerrard es un árbol centenario, porque su música es el origen de la sabiduría milenaria. Su meta es buscar la belleza perdida, la eterna meta humana de lograr una existencia significante.  © epdlp




   Pat Metheny
   Orchestrion (2010)

   22 FEBRERO 2010

   Pat Metheny ha sido músico profesional casi la mitad de su vida. Incluso por separado, sin su grupo Pat Metheny Group, las credenciales del guitarrista son impresionantes. Fue profesor tanto en la Universidad de Miami como en el Berklee College of Music, en Boston, cuando aún era un adolescente. A los diecinueve años se unió a la banda de Gary Burton y permaneció con ellos durante tres años (1974-1977). Ha tocado y grabado con algunos de los más innovadores músicos de las pasadas dos décadas: Gary Burton, Sonny Rollins, Paul Motian, Roy Haynes, Miroslav Vitous, Jack DeJohnette, Michael Brecker, Charlie Haden, Ornette Coleman, Milton Nascimento, Herbie Hancock y Steve Reich, entre otros. Su primer disco fue Bright Size Life (1976) con el sello ECM, junto a Jaco Pastorius (bajo eléctrico) y Bob Moses (batería). En él ya presenta las composiciones unidas y comprometidas del líder y su concepto único de lo instrumental. A éste siguieron Water Colors (1977) en el cual grabó por primera vez con Lyle Mays y Danny Gottlieb. Más tarde Pat Metheny Group (1978), New Chatauqua (1979), American Garage (1980), 80/81 (1980), As Falls Wichita, So Falls Wichita Falls (1981), Offramp (1982) su primera grabación con sintetizador de guitarra; Travels (1983), Rejoicing (1983), First Circle (1984), Song X (1986) junto a Ornette Coleman, el revolucionario saxofonista y compositor de free jazz; Still Life Talking (1987), Letter From Home (1989) su trabajo de mayor éxito hasta ese momento, conciso, con fuerza, inequívocamente melodioso y conmemorativo; Letter From Home es un mensaje de madurez y logros de un grupo en plena forma. Question and Answer (1990), Secret Story (1993), una de sus creaciones más personales, con su factor emocional, crecido como compositor, culminación de lo que había hecho hasta la fecha; The Road to You (1994), We Live Here (1995), Beyond The Missouri Sky (1997), Imaginary Day (1997), Speaking of Now (2002), The Way Up (2005) y Orchestrion (2010). Su grupo está formado normalmente por Lyle Mays (teclados), Steve Rodby (bajo), Richard Bonna (voz y guitarra), Antonio Sánchez (batería), David Samuels (percusión) y Cong Vu (voz y trompeta). Son escasos los artistas que improvisan y que logran interesar a una creciente cantidad de público sin que por ello se vea afectado su arte. Más extraño aún es encontrar un artista que pueda ver cómo su público se desarrolla al mismo tiempo que lo hace su visión musical. Pat Metheny, considerado el mejor guitarrista de jazz del mundo, compositor polifacético, productor innovador y pionero con el sintetizador y la guitarra, se encuentra en una posición inigualable, principalmente el resultado de una inteligencia musical insaciable y una energía aparentemente inagotable.  © epdlp




   Massive Attack
   Heligoland (2010)

   15 FEBRERO 2010

   Massive Attack eran tres adolescentes de Bristol que, infectados por el gusanillo del hip hop montaron el sound system The Wild Bunch. Padrinos del trip-hop, Robert 3D del Naja, Grant "Daddy G" Marshall y Adrian “Mushroom” Vowles (que abandonó el grupo en 1999), habían editado 3 discos en 12 años. Eran tres tipos de la calle preocupados por el arte y la alienación urbana, que en 1991 sacaron su primer álbum, Blue lines, que se archiva en el apartado de clásicos. Protection (1994) fue el segundo y Mezanine (1998) el tercero. Massive Attack no sólo han forjado una carrera más que interesante, sino que también han, directa o indirectamente, impulsado otras, como las de Tricky, Nicolette, Portishead, por nombrar algunos. En 100th Window (2003) y Heligoland (2010), su cuarto y quinto álbum, su música cobra nitidez desde la primera hasta la última canción. Neil Davidge, cerebro multiusos que apareció en escena durante la gestación del Mezzanine, se ha convertido ahora en el fiel escudero de las nuevas aventuras sonoras de 3D, principal responsable del grupo en la actualidad. La música de Massive Attack es un sinuoso viaje por un mar de petróleo formado por paranoias, relaciones terminales e hiperrealismo depresivo. Música melancólica que transmite sentimientos ocultos.  © epdlp




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