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       Música - 516 álbumes 
 
    
 


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Álbumes
 

   Joan Dausà
   Jo mai, mai (2012)

   15 JULIO 2019

   Dicen que hablar del desamor y de la cotidianeidad no son los mejores caminos para conseguir grandes cosas. Joan Dausà, músico, actor y sobre todo cantante de inconfundible voz, sería la excepción que confirma que quizá es importante seguir esas sendas para llegar a un objetivo, el de la satisfacción personal. Su infancia no fue fácil, pues su madre murió al poco tiempo de dar a luz, a causa de una enfermedad que, a pesar de saber que se podía agravar con el embarazo, decidió sacarlo adelante. Sintiéndose un afortunado por haber podido vivir, se lanzó a lo que más le apasionaba, la música. En sus comienzos formó el grupo Na'fent y más tarde grabó su primer álbum en solitario, Jo mai mai (2012), rodeándose de músicos tan importantes como Arnau Vallvé y Martí Maymó del grupo Manel, Axel Pi de Sidonie, Carol Duran de La Carrau y Miqui Puig, todos ellos con el sobrenombre de “Joan Dausà i els Tipus d'Interès”. En su segundo trabajo, On Seràs Demà? (2014), al formato de piano y voz, junto a una banda de cinco músicos, se les sumó el acompañamiento de lujo de un cuarteto de cuerda. Ara Som Gegants (2018), es la culminación de una carrera ascendente, donde ha buscado el apadrinamiento de la gente que admira, y donde presenta el resultado de un viaje interior que indaga la exigencia musical y la conexión emocional con el público en un trabajo épico.  © epdlp




   Blaumut
   El primer arbre del bosc (2015)

   08 JULIO 2019

   Abanderados del pop-folk catalán, el quinteto Blaumut ha sabido mezclar diversos géneros musicales, acercándose en ocasiones al clasicismo. En la primera década del siglo XXI, Xavi de la Iglesia y Vassil Lambrinov comenzaron a experimentar con diversas sonoridades hasta encontrar un estilo propio. A ellos se unieron en el año 2009 sus tres restantes componentes y comenzaron a actuar en pequeños escenarios de Barcelona. Dos años después la firma de un contrato con la discográfica Picap, les permite la publicación de su primer álbum, El turista (2012), un proyecto que combinaba el pop con instrumentos de cuerda, con la canción catalana de autor. Su segundo trabajo, El primer arbre del bosc (2015), que ellos mismos se autoeditaron, fue la confirmación de su propio universo, marcado por unas letras conmovedoras. Blaumut lo forman Xavi de la Iglesia (voz y guitarra), Oriol Aymat (violonchelo), Vassil Lambrinov (violín), Manuel Krapovickas (bajo y contrabajo) y Manel Pedrós (batería). Equilibri (2017), su tercer disco de estudio, producido por Marc Parrot y editado por Música Global, es la culminación de ese viaje elegante y evocador, con aderezos de cuerda más sofisticados y arreglos electrónicos, revelando un sonido más enérgico y contundente. Los críticos siempre han destacado su espectacular directo, en el que los músicos "revolotean" con natural entusiasmo llenando teatros, auditorios y festivales. Los asombrosos videoclips que acompañan algunas de sus canciones están fabricados por reconocidos directores audiovisuales como Pep Oriol, Ibon Landa o Joe Delahunty. Blaumut, que significa en castellano "azul mudo", tiene su origen en la canción Islandia de su primer álbum, que habla del perfume de una isla en donde no quema el cielo de noche. Esa enigmática oscuridad que se traduce en una cualidad de entender la vida y en una manera errante de vivirla. © epdlp




   Craig Armstrong
   Sun On You (2018)

   01 JULIO 2019

   Craig Armstrong es un compositor y pianista escocés que ha desarrollado una notable carrera como compositor de bandas sonoras para el cine. Con 19 años se trasladó a la capital londinense, donde estudió en la Royal Academy of Music, junto a grandes maestros como Cornelius Cardew y Malcolm MacDonald. Más tarde se convirtió en el compositor más influyente del Tron Theatre de Glasgow, donde conoció al director Peter Mullan, para el que musicó algunos films. Entre 1994 y 2002, la Royal Shakespeare Company le encargó que escribiera la música para las obras teatrales The Broken Heart y The Tempest. Desde mediados de los noventa ha creado música para películas de Hollywood y también para el cine independiente. También ha colaborado con grandes nombres del mundo de la música como Massive Attack, Madonna, Bjork, la London Sinfonietta, Suede, U2, Barbican o Ryuichi Sakamoto. Su carrera está repleta de premios cinematográficos, entre los que destacan dos Bafta por Romeo + Julieta (1997) y Moulin Rouge (2001), banda sonora que también consiguió el Globo de Oro de ese año. Paralelamente ha editado en ese tiempo cuatro discos en solitario, en los que ha ejercitado su faceta más creativa y experimental, The Space Between Us (1997), publicado por el sello discográfico de Massive Attack, Melankolic; As If To Nothing (2002), considerado su mejor álbum y que cuenta con la participación de Evan Dando, Paul Buchanan, Bono y Wendy Stubs; It's Nearly Tomorrow (2014), con colaboraciones de Paul Buchanam, James Grant, Chris Botti y Brett Anderson, líder de Suede, y Sun on you (2018), su último trabajo hasta la fecha. Según sus propias palabras, “La vida es demasiado breve como para perder el tiempo en cuestiones que no te interesen. Que te amen o te odien es un riesgo que debes asumir cada vez que diriges una película o compones un disco. No importan tanto los instrumentos que uses como la emoción que haya detrás de cada nota”. Craig Armstrong, mago de las orquestaciones y compositor descomunal nos emociona con melodías apabullantes, como esas mantas que quizá no tapan lo suficiente, pero que nos protegen del frío y la lluvia. Sentimiento a flor de piel, cuando el calor es más emocional que físico.  © epdlp




   Dhafer Youssef
   Sounds Of Mirrors (2018)

   24 JUNIO 2019

   El oud, o laúd árabe, es un instrumento fabricado en madera de caja de resonancia redondeada con forma de pera, un mástil más corto y carece de trastes. Su sonido le ha convertido en uno de los instrumentos más populares de Egipto. El compositor y cantante tunecino Dhafer Youssef, es el intérprete más importante de éste instrumento en su faceta jazzística. Su intención de explorar nuevos horizontes, le llevó a Viena, donde el multiculturalismo de ésta ciudad le cambió su forma de entender la música. En Viena publicó su primer álbum, Musafer (El viajero en árabe, 1996), al que siguieron Malak (1998) y Electric Sufi (2001). En éste último muestra por primera vez su interés por la ondulación, la experimentación de la voz y la utilización de ésta como un instrumento. Más tarde editaría Digital Prophecy (2003), Divine Shadows (2005) y Abu Nawas Rhapsody (2010). En Birds Requiem (2013), estuvo acompañado de gente tan importante como el trompetista Nils Petter Molvaer, el pianista Kristjan Randalu, el guitarrista Eivind Aarset y el maestro del kanun (salterio) Aytaç Dogan; y en su último trabajo, Diwan Of Beauty And Odd (2016), que significa Diván de la belleza y lo extraño, del pianista Aaron Parks, del bajista Ben Williams, del trompetista Ambrose Akinmusire y del batería Mark Giuliana. Todos ellos colaboran en estas descomunales sinfonías árabes-jazzísticas, que se apoderan de la fortaleza de la tecnología para colorear una variedad de sonidos tan antiguos como la propia humanidad. En realidad Dhafer Youssef podría haber nacido hace dos mil años y haber detenido el tiempo, su voz que parte en un susurro y se encumbra hasta unos quejidos intensos y ancestrales, finaliza en una catarsis de refrescante desconcierto.  © epdlp




   Ben Folds
   So There (2015)

   17 JUNIO 2019

   Ben Folds Five, eran una banda norteamericana de raíces jazzisticas y poperas, que tuvieron una influencia notable en la década de los noventa. Sus canciones imbuidas de letras inteligentes, fueron toda una alternativa a los grupos grunge e Indie de aquella época. Logró algunos éxitos notables con sus tres discos de estudio, Ben Folds Five (1995), Whatever and Ever Amen (1997) y The Unauthorized Biography of Reinhold Messner (1999). Su disolución en el año 2000, llevó a su líder el pianista y cantante Ben Folds a iniciar una difícil carrera en solitario, en la que nos ha mostrado su visión del mundo a través de historias exclusivas que el convierte en esenciales. Sus cuatro álbumes así lo atestiguan, Rockin' the Suburbs (2001), Songs for Silverman (2005), Way to Normal (2008) y Lonely Avenue (2010). En éste último trabajo tiene la aportación extraordinaria del prestigioso escritor británico Nick Hornby, autor de las excelsas novelas "Fiebre en las gradas", "Alta Fidelidad", “31 canciones” y "Érase una vez un padre" y creador asimismo de la totalidad de las letras de las canciones. Uno compone la música y el otro escribe canciones brillantes para que Ben las cante. Además el disco cuenta con los arreglos de Paul Buckmaster, uno de los mejores arreglistas de cuerdas del mundo. David Bowie, Leonard Cohen o Elton John, así lo refrendan. El resultado final es un trabajo memorable compuesto de once paraísos sonoros atiborrados de sensibilidad y de elegante pop orquestal. Nick Hornby por fin ha conseguido lo que siempre anhelaba, que sus palabras sean melodía fuera de sus libros, al fin y al cabo, él siempre representó a la gente que no tenía voz.  © epdlp




   Macaco
   Civilizado como los animales (2019)

   10 JUNIO 2019

   Macaco es el apodo con que se conoce al músico catalán Dani Carbonell. Sus composiciones ejemplifican como pocas el mestizaje y la fusión en el mundo de la música, dotándolas de una fuerza y vitalidad difícilmente superables en el panorama nacional. Su mezcla de sonidos latinos, brasileños y africanos unidos al hip-hop, el ska y la rumba catalana convierten a Dani Macaco y su banda de argentinos, colombianos, brasileños y españoles, en estandarte de la Barcelona más globalizada y multicultural. Dani Carbonell proporcionó su voz y energía a las aventuras de gente como Dusminguet, Magia Animal, Dr. No, Ojos de Brujo, Amparanoia y Los de Abajo, antes de publicar su primer álbum, El mono en el ojo del tigre (1999), proyecto hijo del boom de mestizaje latino provocado por Manu Chao con su Clandestino. A éste siguieron, Rumbo submarino (2001), Entre raíces y antenas (2004), Ingravitto (2006), Puerto Presente (2009), El Murmullo Del Fuego (2012), Historias Tattooadas (2015) y Civilizado como los animales (2019). Macaco hace de cada tema una fiesta del ritmo con letras muy cercanas a besar el intelecto y el corazón, su multisonoridad y desparpajo en los escenarios comunican fácilmente con el público, haciéndolo estallar con ritmos que le hacen sucumbir ante el baile. Un intento de tender puentes entre la globalización de raíz y los sonidos contemporáneos, músicas cruzadas y mensajes de vocación universal con el mar como protagonista.  © epdlp




   Anne Clark
   The Smallest Acts Of Kindness (2008)

   03 JUNIO 2019

   La británica Anne Clark dejó la escuela a los 16 años al descubrir que su universo eran los libros y la música. En el Warehouse Theatre se relacionó con poetas, músicos y actores. Después de componer y crear música durante varios años, debutó junto a Depeche Mode en el Cabaret Futura de Richard Strange, el cerebro en la sombra de la banda de culto The Doctors of Madness. Más tarde ganó un concurso de jóvenes escritores que la llevaron a publicar un libro con la editorial Hard Lines. En su primer trabajo, The Sitting Room, colaboró gente tan importante como This Mortail Coil, Breathless o Dominic Appleton. Sus siguientes álbumes fueron Changing Places (1983), Joined Up Writing (1984), Pressure Points (1985), Hopeless Cases (1987), Unstill Life (1991), The Law Is An Anagram Of Wealth (1993), To Love And Be Loved (1995) y The Smallest Acts Of Kindness (2008). El viaje musical de la vida de la compositora y poeta Anne Clark en los últimos 36 años (su primer álbum data de 1982), la han llevado por muchos caminos, muchas confluencias y sobre todo colaboraciones con destacados músicos y compositores. Homage The Silence Inside (2018) junto al compositor alemán Thomas Rückoldt, es el último capítulo de ese itinerario, una obra llena de sensibilidad que se convierte en un homenaje a la música y a la erudición. En ella Anne Clark nos recita poemas de grandes nombres de la literatura universal como E.E. Cummings, Rainer Maria Rilke, Alice Oswald, W.B. Yeats y Rumi, entre otros, sumergiéndonos en ese viaje de sabiduría y tristeza, y al que nos invita a acompañarla.  © epdlp




   Lars Danielsson
   Vagabond (con Ulf Wakenius) (2012)

   27 MAYO 2019

   Integrar la improvisación del jazz con una orquesta demanda una estructura estricta para la orquesta y una mayor disposición en el grupo jazzístico. Lars Danielsson es un excelente bajista y violonchelista sueco con una fuerte inclinación lírica y un sonido vigoroso que ubicado en medio de una orquesta poderosa, como las que habitualmente le acompañan, convierten sus composiciones en algo mágico y fascinante. Ha dedicado sus estudios al aprendizaje del chelo, un instrumento que nunca ha abandonado. Dejó en sus inicios varios álbumes notables junto a su banda, Lars Danielsson Cuarteto, sin olvidar múltiples colaboraciones con orquestas sinfónicas y otras bandas, que le han hecho acreedor del cuádruple status de músico, compositor, arreglista y productor. Su carrera en solitario se circunscribe a nueve álbumes, New Hands (1986), Fresh Enough (1992), Continuation (1994), European Voices (1995), Libera Me (2004), junto a los noruegos Nils Petter Molvaer (trompeta) y Jon Christensen (batería), y la vocalista Caecilie Norby, un disco brutal donde la orquesta elabora un protagonismo esencial, creando un telón de fondo simple pero exuberante que trata a las canciones con su textura y paisaje adecuado; Tarantella (2009), Liberetto (2012), Liberetto II (2014) y Liberetto III (2017). Ha colaborado con músicos excepcionales de la talla de Randy y Michael Brecker, John Scofield, Jack DeJohnette, Trilok Gurtu y Mike Stern, así como otros menos conocidos pero de igual calidad como, los pianistas Anders Persson, Bugge Wesseltoft y Joey Calderazzo, el guitarrista Ulf Wakenius, el trompetista Eric Vloeimans, los saxofonistas David Liebman y Céline Bonacina, o los bateristas Wolfgang Haffner y Peter Erskine, entre otros. Lars Danielsson, uno de los músicos más prestigiosos del jazz escandinavo, ejercita una huida constante hacia adelante evitando que ciertos hábitos contaminantes del firmamento musical le alcancen, intenta ser poseído por esa meta utópica que une de alguna forma sus ciudades sonoras, sus idiomas interpretativos y sus recuerdos.  © epdlp




   Omar Sosa
   Aguas (con Yilian Cañizares) (2018)

   20 MAYO 2019

   El compositor y pianista cubano Omar Sosa, es un maestro de la fusión inspirada en las raíces africanas y en sus ancestros, que colorea magistralmente con el universo del folclore cubano. Virtuoso del piano, debutó con Omar Omar (1996), al que siguieron una veintena de álbumes en solitario o acompañado de reputados músicos como Jorge Pardo, Paolo Fresu, Gregg Landau, Jaques Morelenbaum o Dhafer Youssef. Gran admirador del pianista fundador del bebop, Thelonious Monk, ha tocado también como él bajo el influjo del jazz modal y el hard bop. Por su parte decir que Paolo Fresu, es el mejor trompetista lírico de Italia, no sería descabellado. Consolidado como uno de los músicos de jazz consagrados de la escena europea, ha colaborado con infinidad de músicos de todo el mundo, Gerry Mulligan, Dave Holland, John Zorn, John Abercrombie, Ralph Towner, Richard Galliano, Michel Portal y Trilok Gurtu, entre ellos, aportando con su inagotable diálogo sonoro ese punto de magia que trasciende las fronteras del jazz. Alma (2011), fue la cima de estos dos extraordinarios músicos, una amalgama de composiciones que recuerdan a Cuba, a la región sarda de donde es originario Fresu y al África más septentrional. Como regalo adicional, el cellista brasileño Jaques Morelenbaum, colabora en el álbum, proporcionando su experiencia al lado de gente tan importante como Antonio Carlos Jobim, Caetano Veloso, Gal Costa, Gilberto Gil, Maria Bethania, Milton Nascimento y Chico Buarque. Eros (2016), es la segunda colaboración de esta amalgama de artistas, a los que se une en esta ocasión la cantante Natacha Atlas. La apuesta por la belleza, la sensualidad y la sofisticación, son la guinda de unos trabajos que te atrapan para dejarte fascinado por su música, que es a la vez oscura y luminosa. Aguas (2018) es la culminación de un trabajo redondo junto a la violinista cubana Yilian Cañizares.  © epdlp




   Bill Laurance
   Cables (2019)

   13 MAYO 2019

   Bill Laurance es un pianista, arreglista y compositor inglés. De formación clásica, ha trabajado como músico profesional desde los catorce años, acompañando como pianista, teclista, compositor, productor y arreglista a artistas de la talla de Morcheeba, Salif Keita, Bobby McFerrin, Susana Baca, Laura Mvula, Jacob Collier, Chris Potter y David Crosby, entre otros. Componente de la macro banda Snarky Puppy, que en ocasiones reúne a más de treinta miembros, inició su carrera en solitario en el año 2014, aunque eso no sería del todo cierto, pues le acompañan en todos los conciertos un trío de primer orden formado por Felix Higginbottom (percusión), Chris Hyson (bajo y y sintetizador) y Joshua Blackmore (batería). Decir que su música es visualmente evocadora, sería quedarse cortos, pues Bill Laurance es un maestro en la fabricación de piezas que suenan como las puntuaciones de una película memorable, mezcladas con grooves de jazz y el funk más adictivo. Flint (2014), Swift (2015), grabado junto al cuarteto de cuerda y trompa francés Heritage, Aftersun (2016) y Cables (2019), son sus cuatro álbumes de estudio. Sus conciertos en directo son un verdadero acontecimiento del jazz más contemporáneo, en el que la impecable y apasionada fusión de piano, teclados y percusión, alcanzan su verdadero desenlace. Establecerse como una identidad en solitario, mientras que formas parte de una banda tan grande como Snarky Puppy es una invocación difícil, aunque Bill Laurance lo consigue de una forma lúdica, celebrando la diversidad, la pluralidad y las contigencias de la vida, porque afortunadamente, y él los representa, los árboles duermen de pie.  © epdlp




   Steve Jansen
   Tender Extinction (2016)

   06 MAYO 2019

   Steve Jansen es el seudónimo de Stephen Batt, músico británico nacido en Beckenham. Con 15 años se integró en la banda Japan como batería, grupo que había formado su hermano David Sylvian (David Alan Batt, voz y guitarra), junto a Robert Dean (guitarra), Richard Barbieri (teclados) y Mick Karn (Andonis Michaelides, bajo y saxo), que falleció en 2011. Japan consiguió en 8 años de vida (1974-1982), elevar el art-pop a su máxima expresión artística. Después de cinco álbumes de estudio, Adolescent Sex (1978), Obscure Alternatives (1978), Quiet Life (1979), Gentlemen Take Polaroids (1980) y Tin Drum (1981), y cuando su popularidad estaba mejorando "dramáticamente" (según ellos), gracias a su imagen andrógina y al empuje de un nuevo movimiento llamado New Romantics, la banda se separó debido a desacuerdos entre Sylvian y Karn, y sus miembros emprendieron carreras individuales. Cuatro de sus componentes, menos el guitarrista Robert Dean, se reunieron en 1991 para grabar un único álbum con el nombre de Rain Tree Crow. Steve Jansen ha editado cuatro álbumes con su nombre, Slope (2007), Tender Extinction (2016), The Extinct Suite (2017) y Corridor (2018), además de otros trabajos en colaboración, Changing Hands (1997), con Richard Barbieri, su antiguo compañero en Japan y el Dj Nobukazu Takemura; Kinoapparatom (2001), junto a Claudio Chianura; A Secret Life (2009), con el teclista Steve D'Agostino y John Foxx (Dennis Leigh), uno de los primeros solistas de música electrónica de Inglaterra, así como el primer cantante de la banda Ultravox, y Neither Present Nor Absent (2019) junto a la libanesa Maiya Hershey, poderosa ejecutora de música ambient. Durante su tiempo en Japan, incursionó en la fotografía, documentando la banda y su estilo de vida transitorio, y realizando posteriormente exposiciones fotográficas a pequeña escala en Tokio y Londres. Steve Jansen que ha trabajado como músico de sesión y en colaboración con una amplia gama de artistas internacionales, es percusionista, compositor, multiinstrumentista y productor, por lo que obviamente es mucho más que un baterista, los sonidos orgánicos de sus composiciones nos transportan a ambientes electrónicos impregnados de un sutil minimalismo. Alguien expresó que ser joven tiene sus ventajas y quién dijo que la cámara nunca engaña mentía, Steve Jansen sabe que capturar la luz natural es el elemento más importante en la fotografía, ya que recuerda el entorno y el ambiente del lugar y, de hecho, puede realzarla simplemente por la forma en que la película analógica reacciona a la luz de manera diferente a nuestros ojos. Su música es la plasmación de ese razonamiento introspectivo.  © epdlp




   Lamb
   The Secret Of Letting Go (2019)

   29 ABRIL 2019

   Mientras Portishead y Massive Attack, emblemas del movimiento trip-hop, todavía no saben cómo salir de la oscuridad en la que se han metido, Lamb (los ingleses Louise Rhodes y Andy Barlow), han trabajado en silencio su receta para combinar los adrenalíticos sonidos del drum'n'bass con la serenidad del downtempo. Su dulce desesperación nos deja impávidos y sumidos en esa letanía que producen las cosas bellas y con sentimiento. Lamb (1996), Fear of Fours (1999), What Sound (2001), Between darkness & wonder (2003), 5 (2011), Backspace Unwind (2014) y The Secret Of Letting Go (2019), son sus siete álbumes, cuyo fin último es formar parte de la enciclopedia del amor y la melancolía. El dúo Lamb no ha venido a cambiar el trip-hop o a inventar un nuevo estilo musical, sino a descubrir lo mejor de la belleza que se genera cuando hay pasión y entusiasmo por la música, y sobre todo cuando lo que más se quiere es reflejar estados de ánimo. Sus actuaciones en directo demuestran su virtuosismo como banda, en la que destaca la figura de Louise Rhodes (descalza y bebiendo té como una descosida), una voz llena de fuerza y compasión, que genera tranquilidad y desesperación. El sonido de Lamb explora la oscuridad salvaje, las conversaciones privadas intensas y cautivadoras que se convierten en poesía. Todo un recorrido por la fragilidad, tristeza y soledad humana.  © epdlp




   Claudia Brücken
   Beginn (con Jerome Froese) (2018)

   22 ABRIL 2019

   Propaganda fue un grupo alemán de synth-pop formado a mediados de los 80 y que estuvo formado principalmente por Michael Mertens (guitarra), Susanne Freytag (voz), Ralf Dörper (teclados), Claudia Brücken (voz), Derek Forbes (bajo), Brian McGee (batería) y Betsi Miller (voz). La banda editó tres álbumes de estudio, que alcanzaron gran repercusión mediática, A Secret Wish (1985), considerado como uno de los mejores trabajos de esa década y una obra maestra de la incipiente música electrónica, con canciones intrigantes e intimistas cantadas con una pasión gélida y un impasible esplendor por Claudia Brücken; Wishful Thinking (1985) y 1234 (1990), que fue el punto y final de la banda. El grupo se disolvió ocho años después, aunque más tarde se han unido los cuatro primeros componentes para algunos conciertos o grabaciones puntuales. Claudia Brücken fue igualmente componente del dúo Act, junto al músico británico Thomas Leer, y del que se separó poco después de la edición de su primer álbum, Laughter, Tears and Rage en 1988. Cofundadora del sello discográfico There, desde 1996 estuvo actuando con Paul Humphreys, miembro del grupo Orchestral Manoeuvres in the Dark (OMD), y en 2004, con el nombre de Onetwo. Ha editado con su nombre tres álbumes, Love: And A Million Other Things (1990); el disco de versiones, The Lost Are Found (2012), y Where Else... (2014). Claudia Brücken ha desarrollado intensamente su propia estética electrónica personal sin concesiones a la galería. Sus colaboraciones con Jimmy Somerville, Martin Gore de Depeche Mode, Glenn Gregory de Heaven 17 y Andy Bell de Erasure, entre otros, ponderaron su especial identidad como distinguido y respetuoso ícono de la música electrónica europea. Además ha publicado dos trabajos más en colaboración, Another Language (2004), junto al pianista Andrew Poppy, y Beginn (2018), un descomunal trabajo con el ex-componente de Tangerine Dream, Jerome Froese, hijo del fundador del grupo, Edgar Froese, y en el que también colabora Suzanne Freytag, su antigua compañera en Propaganda. Escuchar el álbum nos retrotrae a esos años iniciáticos de la música electrónica, en los que Propaganda fue uno de esos muelles de paso donde atracaban las ideas y que con el tiempo han configurado los matices de la música actual.  © epdlp




   Emilie Nicolas
   Like I'm A Warrior (2014)

   15 ABRIL 2019

   Emilie Nicolas es una cantautora noruega nacida en Bærum, un suburbio de Oslo, en la región de Sandvika, paraje conocido por la gran cantidad de personalidades del arte y la cultura que han nacido o vivido en ese lugar. Entre ellos los escritores, Herman Bang, Finn Alnæs y Kjell Hallbing, y los pintores, Eilif Peterssen, Harriet Backer, Erik Werenskiold y Claude Monet, que permaneció en Sandvika por dos meses durante el invierno de 1895. El recorrido sonoro de Emilie Nicolas responde a una consistente formación jazzística aprendida en el conservatorio de Trondheim. Su álbum debut fue, Like I'm A Warrior (2014), a través de Mourchiouse Music, la filial de Sony Music en Noruega. El videoclip de una de las canciones, Pstereo, es una verdadera obra de arte, una plácida evocación que dirigió el gran Emile Rafael. Su siguiente trabajo, Tranquille Emile (2018), vino después de un período difícil de su vida, donde tuvo que recuperarse de un tumor cerebral. Después de pasar por ese momento tan delicado, decidió dejar la composición de sus canciones hasta que se sintiera completamente lista para regresar. La canción Feel Fine, del álbum Tranquille Emile, fue nominada en la categoría Canción del año de los premios P3 Gull, los más importantes de su país. También ha colaborado con distintos artistas, como el bajista Dan Peter Sundland en su trabajo Elevenette (2013), con el grupo femenino de jazz contemporáneo GURLS (Ellen Andrea Wang, Hanna Paulsberg y Rohey Taalah), en su álbum titulado Run Boy, Run (2018), así como es la autora de la banda sonora de la serie de televisión Stemmene i hodet (2017), de gran repercusión en su país de origen. Emilie Nicolas elabora un electropop muy cercano al trip-hop, aunque no excluye guiños al jazz y al ambient minimalista. Su música se refleja en las canciones que ama, en particular su conexión con el canto y la intimidad del proceso de composición. Quizá deberíamos ponernos en la piel de Johannes, el personaje protagonista de la novela Victoria del gran autor y premio Nobel Knut Hamsun, noruego como Emilie Nicolas, y recordar un fragmento que dice así, "Todos los árboles que bordeaban el sendero le eran familiares. En la primavera les extraía la savia y en el invierno era para ellos como un pequeño padre, les quitaba la nieve para ayudarlos a que sus ramas se enderezaran. De mayor quería ser buzo. Eso era lo que quería ser, descender hasta las profundidades del mar desde la cubierta de un barco y llegar a reinos desconocidos, donde se mecían grandes y extraños bosques y en cuyo fondo habría un palacio hecho de coral. Y la princesa (quizás Emilie Nicolas) le haría señas con la mano desde una ventana diciéndole: ¡Entra!".  © epdlp




   The Cinematic Orchestra
   To Believe (2019)

   08 ABRIL 2019

   The Cinematic Orchestra es una de las bandas nu-jazz más interesantes del panorama actual en su género. El grupo londinense estaba formado en sus inicios por Jason Swinscoe (producción y guitarra), Phil France (bajo), Luke Flowers (batería), Tom Chant (saxo y clarinete), Nick Ramm (teclados y piano) y Stuart McCallum (guitarra). Además de los miembros “oficiales”, en la banda han participado gente como Grey Reverend, Heidi Vogel, T. Daniel Howard, Alex James, Mihlay Biggs, Steve Brown, Jamie Coleman, Stella Page y John Ellis; y fuera del grupo, únicamente con colaboraciones, Fontella Bass, Patrick Watson, Roots Manuva, Lou Rhodes, Ricki Rankin, Kiesha Jonson, Eska Mtungwazi y Niara Scarlett, entre otros. Jason Swinscoe, considerado líder del grupo, formó en 1990 una banda llamada Crabladder, lanzando un único single tres años después y con su propio sello, Power Tool. En 1994, ejerció como DJ en Heart FM, una estación de radio pirata en el sur de Londres. El álbum debut de la formación fue Motion (1999), que editó el sello Ninja Tune, la discográfica independiente británica fundada por Matt Black y Jonathan More, el dúo de DJs conocido como Coldcut. El éxito de crítica del álbum hizo que se les invitara a la ceremonia de los Director's Guild Awards, lugar en el que otorgaron el premio de honor al director Stanley Kubrick, poco antes de su muerte. A éste siguieron, Every Day (2002), Man With A Movie Camera (2003), creado como una nueva partitura para el clásico de Dziga Vertov, El Hombre de la Cámara, la película muda de 1929, y Ma Fleur (2007). Además han compuesto la banda sonora de la película Le Mystère Des Flamants (2008) de la factoría Disney. En el año 2010 crearon su propio sello discográfico independiente, Motion Audio. Cinematic Orchestra pretende crear una banda sonora sin la exigencia de unas imágenes que la muestren, desplazándose en la mayoría de los temas en el terreno instrumental, con las voces vistas como un elemento más, que en ocasiones dan sentido a muchas de sus piezas. To Believe (2019), es el reencuentro de Jason Swinscoe como The Cinematic Orchestra doce años después, ésta vez junto a Dominic Smith. En el álbum han colaborado diferentes artistas, algunos con los que ya había trabajado, entre ellos Moses Sumney, Roots Manuva, Heidi Vogel, Grey Reverend, Dorian Concept, Tawiah y Miguel Atwood-Ferguson. The Cinematic Orchestra, que en sus actuaciones en directo se presenta con no menos de diez miembros, ejecuta una música desgarradoramente luminosa, una colección de canciones exquisitamente ensambladas que parecen delicadas desde la distancia antes de revelar su fuerza en el núcleo cercano, la banda sonora ideal para una película imaginaria. © epdlp




   Underworld
   Drift Episode 2 "Atom" (2019)

   01 ABRIL 2019

   Aunque desde el año 1981 editaban discos con el nombre de Freur, el dúo Underworld se formó en el año 1987 cuando los músicos ingleses, el frontman-vocalista y guitarrista Karl Hyde y el virtuoso programador Rick Smith editan su primer single, en un principio totalmente pop. En el año 1990, un joven DJ llamado Darren Emerson, entraba a formar parte del grupo. Pero es en 1991 cuando Rick y Karl deciden fundar junto a otros amigos, el colectivo de arte Tomato, que se convirtió en una referencia indiscutible en el mundo del arte audio-visual. Fue desde entonces cuando empezaron a aparecer sus temas más aclamados. Su álbum de debut Dubnobasswithmyheadman (1994), convirtió al trío en el primer gran grupo electrónico de masas capaz de llenar estadios enteros en los años 90. Posteriores éxitos como Born Slippy, todo un auténtico himno gracias a la película Trainspotting, o su segundo trabajo Second Toughest In The Infants (1996), no hicieron más que consagrarles. En 1999, apareció su tercer álbum Beaucoup Fish, un año antes de que Darren Emerson abandonara el grupo. Desde entonces Rick y Karl han seguido en solitario trabajando en sus siguientes trabajos, A Hundred Days Off (2002), Oblivion With Bells (2007), Barking (2010) y Barbara Barbara, we face a shining future (2016). Underworld combina el house de Chicago, el techno de Detroit y la música ácida de Londres con guitarras de rock tradicionales y un tratamiento vocal irreal y saturante, creando un comprimido sonoro único, frente al cual el zarandeo de cuerpos y de estilos musicales es inevitable. Aunque la música de baile tiene raíces inherentemente hedonistas, Underworld posee un claro sentido ético al respecto. Ellos re-delimitan los alcances de la música electrónica, elevando las sensaciones hasta niveles totalmente imprevisibles, absolutamente deslumbrantes. Grupo imprescindible para comprender la música actual y para comenzar a entender la música del futuro, el rock del siglo 21, el paso definitivo del rock con guitarras al rock electrónico.  © epdlp




   Mount Florida
   Arrived Phoenix (2001)

   25 MARZO 2019

   Mount Florida son un dúo escocés compuesto por los multiinstrumentistas Keith McIvor y Mike Lancaster. Eclécticos y algo minimalistas, muy semejantes a Fridge, This Mortal Coil y Orb (con el que colaboraron en sus primeros trabajos), debutaron en 1999 con el EP Stealth, que les llevó a presentarse en directo en el legendario club Glasgow Barrowlands, con el apoyo inestimable del upsetter (trastornado) jamaicano Lee Scratch Perry. A éste siguieron los singles Storm y Strut al año siguiente, que les permitieron grabar su primer cd de estudio Arrived Phoenix (2001). Arrived Phoenix es una intrigante joya de pop-ambiental con raíces post-rock en la que entre otros, aparece la voz del escritor Noam Chomsky para subrayar una melancolía siempre latente. Mount Florida son la música contemplativa e introspectiva, para sentir no para bailar, pop horizontal en estado puro para dias tristes.  © epdlp




   Nils Petter Molvaer
   ER (2005)

   18 MARZO 2019

   El jazz menos académico se ha configurado como uno de los ingredientes más habituales de la música de club y la electrónica downtempo. El trompetista y compositor noruego Nils Petter Molvaer es una de las figuras más importantes de esta nueva corriente sin prejuicios que combina jazz y electrónica en busca de una nueva creatividad contemporánea. Considerado el padre del electro jazz, factura un jazz híbrido con poso orgánico que tiende vínculos entre el Miles Davis más abstracto y vanguardista y los flirteos con la electrónica de Bugge Wesseltoft, Erik Truffaz y Marc Moulin. A final de la década de 1980, fue parte de uno de los mejores grupos del jazz escandinavo, Masqualero. Y desde que publicara en 1997 su disco Khmer, un trabajo que ha sido tomado como modelo por muchos artistas y que figura en todas las selecciones de los mejores discos de jazz de los últimos tiempos, dejó sentadas las bases de su sonido, una base jungle, una guitarra punzante y el timbre y el fraseo apasionadamente melancólico de su trompeta. Sus siguientes trabajos, Solid Ether (2000), NP3 (2002), ER (2005), Hamada (2009), Baboon Moon (2011) y 1/1 (2013), con el multinstrumentista alemán Moritz von Oswald, no hacen sino realzar esa sensibilidad excepcional que lo ha llevado a ser uno de los músicos más solicitados e innovadores del mapa musical contemporáneo. Nils Peter Molvaer sabe que una pieza musical nunca está realmente acabada, y que la producción y la composición son procesos en constante evolución, por eso ha incorporado al jazz el potencial liberador de la música de baile, mezclando la improvisación jazzística con el techno, el house, el downtempo, el breakbeat, el ambient o el drum'n'bass, en una línea renovadora con resultados espectaculares. Su música habla por sí misma.  © epdlp




   Afro Celt Sound System
   Flight (2018)

   11 MARZO 2019

   Afro Celt Sound System son un grupo afro-irlandés formado por Simon Emmerson (guitarrista y productor), James McNally (multiinstrumentista), Iarla Ó Lionáird (voz) y Martin Russell (teclados y programación), verdadero artífice del sonido del grupo, además de Johnny Kalsi (percusión), N'Faly Kouyate (instrumentos étnicos), Emer Mayoc (gaitas) y Moussa Sissokho (percusión). Aunque Simon Emmerson había formado la banda en 1991, no fue hasta el año 1996 dónde se dieron a conocer en el festival Womad, en el que tuvieron un éxito extraordinario. A partir de esa fecha su nivel de calidad e innovación subió en la misma medida que editaban sus siete álbumes de estudio, Sound Magic (1996), Release (1999), Further In Time (2001), Seed (2003), Anatomic (2005), The Source (2016) y Flight (2018). En éstos trabajos además han disfrutado de las colaboraciones de músicos de la talla de Robert Plant, Sinéad O'Connor, Davy Spillane, Liam O'Flynn y Peter Gabriel, entre otros. Este último, fundador del festival Womad y propietario de la discográfica Real World, sello que ha publicado todos los álbumes del grupo. Han participado asimismo en películas tales como Hotel Rwanda, Stigmata, Gangs of New York y Nikita. Los ACSS fusionan la música dance y electrónica en general, con ritmos celtas y africanos, sintetizando la ideología del Womad: mezclar culturas, presumir de contemporáneos -trabajan con ordenadores- y cuidar el aspecto visual, especialmente la danza. Su repertorio incluye partituras de hace 600 años y piezas actuales como el jungle y el house. Esta mezcla perfecta de sonidos antiguos y contemporáneos, eso que ellos llaman global dance, los ha situado en la vanguardia indiscutible de la World Music. © epdlp




   Blaumut
   Equilibri (2017)

   04 MARZO 2019

   Abanderados del pop-folk catalán, el quinteto Blaumut ha sabido mezclar diversos géneros musicales, acercándose en ocasiones al clasicismo. En la primera década del siglo XXI, Xavi de la Iglesia y Vassil Lambrinov comenzaron a experimentar con diversas sonoridades hasta encontrar un estilo propio. A ellos se unieron en el año 2009 sus tres restantes componentes y comenzaron a actuar en pequeños escenarios de Barcelona. Dos años después la firma de un contrato con la discográfica Picap, les permite la publicación de su primer álbum, El turista (2012), un proyecto que combinaba el pop con instrumentos de cuerda, con la canción catalana de autor. Su segundo trabajo, El primer arbre del bosc (2015), que ellos mismos se autoeditaron, fue la confirmación de su propio universo, marcado por unas letras conmovedoras. Blaumut lo forman Xavi de la Iglesia (voz y guitarra), Oriol Aymat (violonchelo), Vassil Lambrinov (violín), Manuel Krapovickas (bajo y contrabajo) y Manel Pedrós (batería). Equilibri (2017), su tercer disco de estudio, producido por Marc Parrot y editado por Música Global, es la culminación de ese viaje elegante y evocador, con aderezos de cuerda más sofisticados y arreglos electrónicos, revelando un sonido más enérgico y contundente. Los críticos siempre han destacado su espectacular directo, en el que los músicos "revolotean" con natural entusiasmo llenando teatros, auditorios y festivales. Los asombrosos videoclips que acompañan algunas de sus canciones están fabricados por reconocidos directores audiovisuales como Pep Oriol, Ibon Landa o Joe Delahunty. Blaumut, que significa en castellano "azul mudo", tiene su origen en la canción Islandia de su primer álbum, que habla del perfume de una isla en donde no quema el cielo de noche. Esa enigmática oscuridad que se traduce en una cualidad de entender la vida y en una manera errante de vivirla.  © epdlp




   Craig Armstrong
   The Space Between Us (1997)

   25 FEBRERO 2019

   Craig Armstrong es un compositor y pianista escocés que ha desarrollado una notable carrera como compositor de bandas sonoras para el cine. Con 19 años se trasladó a la capital londinense, donde estudió en la Royal Academy of Music, junto a grandes maestros como Cornelius Cardew y Malcolm MacDonald. Más tarde se convirtió en el compositor más influyente del Tron Theatre de Glasgow, donde conoció al director Peter Mullan, para el que musicó algunos films. Entre 1994 y 2002, la Royal Shakespeare Company le encargó que escribiera la música para las obras teatrales The Broken Heart y The Tempest. Desde mediados de los noventa ha creado música para películas de Hollywood y también para el cine independiente. También ha colaborado con grandes nombres del mundo de la música como Massive Attack, Madonna, Bjork, la London Sinfonietta, Suede, U2, Barbican o Ryuichi Sakamoto. Su carrera está repleta de premios cinematográficos, entre los que destacan dos Bafta por Romeo + Julieta (1997) y Moulin Rouge (2001), banda sonora que también consiguió el Globo de Oro de ese año. Paralelamente ha editado en ese tiempo cuatro discos en solitario, en los que ha ejercitado su faceta más creativa y experimental, The Space Between Us (1997), publicado por el sello discográfico de Massive Attack, Melankolic; As If To Nothing (2002), considerado su mejor álbum y que cuenta con la participación de Evan Dando, Paul Buchanan, Bono y Wendy Stubs; It's Nearly Tomorrow (2014), con colaboraciones de Paul Buchanam, James Grant, Chris Botti y Brett Anderson, líder de Suede, y Sun on you (2018), su último trabajo hasta la fecha. Según sus propias palabras, “La vida es demasiado breve como para perder el tiempo en cuestiones que no te interesen. Que te amen o te odien es un riesgo que debes asumir cada vez que diriges una película o compones un disco. No importan tanto los instrumentos que uses como la emoción que haya detrás de cada nota”. Craig Armstrong, mago de las orquestaciones y compositor descomunal nos emociona con melodías apabullantes, como esas mantas que quizá no tapan lo suficiente, pero que nos protegen del frío y la lluvia. Sentimiento a flor de piel, cuando el calor es más emocional que físico.  © epdlp




   Aurora
   Infections Of A Different Kind (Step 1) (2018)

   18 FEBRERO 2019

   Aurora Aksnes es una cantante, pianista y compositora noruega que ha dinamizado la escena indie de su país. Alcanzó popularidad cuando puso música a un spot navideño de la tienda John Lewis, haciendo una versión de la canción Half the World Away de la banda británica Oasis. Referencia del electro-pop nórdico, debutó con All My Demons Greeting Me As A Friend (2016), un memorable álbum de 17 canciones, una de ellas la escribió con 9 años, en el que destacó su fragilidad y su voz etérea y donde exploró el folk de su Noruega natal mezclándolo con vivificantes momentos pop, notoriamente influenciados por Kate Bush o Tori Amos. Aunque también se la asocia con artistas como Björk, Enya o Florence Welch. Infections Of A Different Kind – Step 1 (2018), es la primera parte de un trabajo que completará en el año 2020 y en el que por primera vez incluye referencias a cuestiones políticas y sociales como la libertad sexual. En una de las canciones del álbum, Aurora susurra que “Los desamparados son mis leones, los silenciosos son mi coro, las mujeres serán mis soldados, con el peso de la vida sobre sus hombros”, asentando la bandera del feminismo y prometiendo un mundo nuevo y más justo. El álbum tiene las colaboraciones de la arpista Ruth Potter, un cuarteto de chelos y el coro de 32 hombres llamado The Oslo Faggottkor. En sus composiciones con reminiscencias pop, techno y new wave, suenan beats y sonidos atmosféricos, marimbas electrónicas y percusión étnica, pero sobre todo se nota la finalidad de construir algo complejo y sofisticado, con la frescura de una voz impactante. Aurora Aksnes que compone sus canciones en inglés, ha descrito su música como folk-pop oscuro, aunque esa penumbra se convierte en transparente fulgor cuando la oyes cantar. Quizá deberíamos volver la vista atrás y recordar aquella escena del film La Gran Belleza, donde un centenar de cigüeñas se alojan en la terraza del protagonista, descansando de su vuelo migratorio, y solo reanudan su viaje cuando una misteriosa mujer sopla en su dirección. Quizá Aurora Aksnes sea la reencarnación de esa mujer, en una mezcla de surrealismo y encantamiento, la que nos dirige a nuestro ansiado destino.  © epdlp




   Llorca
   The Garden (2017)

   11 FEBRERO 2019

   Sumergido durante su juventud por el funk y la música de baile e influenciado por su madre, adicta a la música negra-americana, Ludovic Llorca forma parte de esos primeros músicos-analistas-programadores franceses, que enamorado de las máquinas nos acerca esa cadencia fresca y vital, que pocos sastres del sonido pueden confeccionar. Sus primeras composiciones fueron para juegos de video, con un Commodore 64 y con sólo 14 años, participa en su elaboración junto a pioneros como Jens-Chris Huus, Maniacs of Noise o Rob Hubbard. En la década de los noventa funda junto a David Duriez el sello Brique Rouge y el dúo de productores Les Maçons de la Musique. En 1997, el discípulo aventajado de la escuela de Ludovic Navarre, se estrena con tres Eps para la compañía de Laurent Garnier y Eric Morand, F Communications, antes de debutar con su primer álbum, New Comer (Recién llegado, 2001). The Garden (2017), fue su segundo trabajo. Si intentáramos definir la música de Llorca, podríamos decir por ejemplo, que es una mezcla de música electrónica y acústica inspirada por la herencia de la música negra afro-americana, aderezado con toques de blues y jazz (la sal) y el soul y el techno (la pimienta). Sus conciertos en directo son libertad e improvisación, potenciando la faceta más festiva de la música dance y buscando en todo momento que el público se divierta. La receta es sencilla, un poco de jazz primitivo, con swing y ritmo generoso, un poco de cool fácil de samplear y algo de proselitismo arrebatador, una forma de profundizar y descubrir que el soul habita más allá de sus raíces orgánicas.  © epdlp




   Melody Gardot
   My One And Only Thrill (2009)

   04 FEBRERO 2019

   Máxima representante del soul-jazz, la norteamericana Melody Gardot ocupa ya un lugar de privilegio en el mundo de la música. Poseedora de una mezcla de sofisticación y talento natural, su voz es portentosa y sus composiciones intensas, incursiona en el jazz, el blues y el rhythm and blues de una manera personalísima. Comenzó en la música por casualidad, cuando fue atropellada por un coche cuando iba en bicicleta. Tenía diecinueve años, y el accidente la mantuvo postrada durante un año en una habitación de hospital. Tuvo que aprender a hacerlo todo de nuevo, leer, andar y hablar, fue entonces cuando descubrió en la música una forma de relacionarse con el mundo, por eso canta a través del dolor. Después de editar un EP titulado Some Lessons (2005), sacó a la luz su primer álbum, Worrisome Heart (2007), un trabajo de incontestable seducción, que recordaba a las otras voces del jazz del siglo XXI, Fiona Apple, Norah Jones y Diana Krall. A éste siguieron, My One And Only Thrill (2009) y The Absence (2012). Currency Of Man (2015), es su más reciente ejercicio de belleza, un álbum preciosista producido por el gran Larry Klein, el mismo que su anterior trabajo con el que llegó a vender más de millón y medio de copias en todo el mundo, y que tiene las colaboraciones de tres músicos de primera línea, el guitarrista Dean Parks, el pianista Larry Goldings, así como uno de los mejores bateristas del mundo, Vinnie Colaiuta. Según sus propias palabras, Currency of Man es un trabajo basado en una proclamación social con un sentido muy profundo, "Quería un álbum que fluyera como un sueño, desde el principio hasta el final. Queríamos entrelazar los sonidos del mundo en las canciones, para recordar todos los lugares y reflejar realmente las situaciones. Este álbum está formado por historias sobre gente que conoce lo que son los tiempos difíciles, personas que luchan para superarlos, y eso es algo que resuena profundamente en mí. Es imposible ignorarlo". Melody Gardot construye su música con la delicadeza de un orfebre, ese artesano que habla obsesivamente del pasado, de ciertos recuerdos y de la interiorización de un imaginario no vivido e intensamente anhelado.  © epdlp




   Rudimental
   Toast to our Differences (2019)

   28 ENERO 2019

   Rudimental es un cuarteto inglés afincado en Londres, compuesto por el ingeniero de sonido Amir Izadkhah (alias Amir Amor), el disc-jockey Leon Rolle (alias DJ Locksmith), Kesi Dryden y Piers Aggett, todos ellos compositores y productores. En el año 2012 editaron el single Feel the love, que llegó al número 1 de las listas británicas. Su álbum debut, Home (2013), con colaboraciones tan importantes como la cantante de soul y R&B Emeli Sandé, descubre a una buena cantidad de vocalistas más que interesantes, Sinead Harnett, Ella Eyre, John Newman y MNEK, todos con un futuro esplendoroso. Empapados de la cultura underground de Londres, su directo que tiene fama de contundente, hasta 12 personas en escena, tuvo su máximo apogeo en el Festival Sónar de ese año, donde eclipsaron a los cabezas de cartel del evento, Massive Attack y Nile Rodgers, entre ellos. Adictos al drum&bass, ese estilo lo mezclan con el blues, el jazz, el hip hop, el house y sobre todo con el soul, lo que les convierte en abanderados de una nueva corriente musical todavía inexplorada. We the generation (2015), su segundo trabajo, tiene colaboraciones tan importantes como Ed Sheeran, Will Heard y el fallecido Bobby Womack, y el tercero, Toast to our Differences (2019), de Tom Walker, James Arthur o Rita Ora. Ante un mundo por hacer, únicamente valen los procedimientos que incluyan lo lúdico, Rudimental son la inspiración de los poetas que conservan su ingenuidad, la mirada alucinada y serena al mismo tiempo de unos músicos que buscan una respuesta a interrogantes que les estimulen a seguir creyendo que avanzamos.  © epdlp




   Omar Sosa
   JOG (con Joo Kraus & Gustavo Ovalles) (2015)

   21 ENERO 2019

   El compositor y pianista cubano Omar Sosa, es un maestro de la fusión inspirada en las raíces africanas y en sus ancestros, que colorea magistralmente con el universo del folclore cubano. Virtuoso del piano, debutó con Omar Omar (1996), al que siguieron una veintena de álbumes en solitario o acompañado de reputados músicos como Jorge Pardo, Paolo Fresu, Gregg Landau, Jaques Morelenbaum o Dhafer Youssef. Gran admirador del pianista fundador del bebop, Thelonious Monk, ha tocado también como él bajo el influjo del jazz modal y el hard bop. Por su parte decir que Paolo Fresu, es el mejor trompetista lírico de Italia, no sería descabellado. Consolidado como uno de los músicos de jazz consagrados de la escena europea, ha colaborado con infinidad de músicos de todo el mundo, Gerry Mulligan, Dave Holland, John Zorn, John Abercrombie, Ralph Towner, Richard Galliano, Michel Portal y Trilok Gurtu, entre ellos, aportando con su inagotable diálogo sonoro ese punto de magia que trasciende las fronteras del jazz. Alma (2011), fue la cima de estos dos extraordinarios músicos, una amalgama de composiciones que recuerdan a Cuba, a la región sarda de donde es originario Fresu y al África más septentrional. Como regalo adicional, el cellista brasileño Jaques Morelenbaum, colabora en el álbum, proporcionando su experiencia al lado de gente tan importante como Antonio Carlos Jobim, Caetano Veloso, Gal Costa, Gilberto Gil, Maria Bethania, Milton Nascimento y Chico Buarque. Eros (2016), es la segunda colaboración de esta amalgama de artistas, a los que se une en esta ocasión la cantante Natacha Atlas. La apuesta por la belleza, la sensualidad y la sofisticación, son la guinda de unos trabajos que te atrapan para dejarte fascinado por su música, que es a la vez oscura y luminosa.  © epdlp




   Imogen Heap
   The Music Of Harry Potter And The Cursed Child (2018)

   14 ENERO 2019

   Formada como pianista y compositora y dotada de una voz que destaca por su creatividad, Imogen Heap es diferente a los demás, pues a pesar de facturar un pop aparentemente accesible a cualquiera, su estilo es inconfundible. Ella es el máximo exponente del llamado sonido“breathy”(voz aspirada o entrecortada), una forma de expresión más que un lenguaje musical. Imogen Heap inició su carrera en solitario con I-Megaphone (1998) y cuatro años después editó junto a Guy Sigsworth y con el nombre de Frou Frou, el álbum Details (2002). Dicen que en algunas ocasiones, la popularidad y el reconocimiento llegan por los caminos más extraños, pues el dúo británico Frou Frou se dieron a conocer mundialmente al incluir una versión de la canción "Holding out for a hero" de Bonnie Tyler, en la banda sonora de Shrek 2. Desde entonces la cantante que más había dado que hablar en el ambiente del electro pop de esos años, elaboró dos trabajos más, Speak For Yourself (2005) y Ellipse (2009), que la situaron en un lugar privilegiado. Sparks (2014), su último álbum, fue sin duda el mejor de su carrera y la culminación de su proyecto. Harry Potter And The Cursed Child (2018), es la música para la obra teatral del mismo nombre. Imogen Heap elabora pop electrónico, mezclado con rock alternativo, a mitad de camino del espacio musical que creó Portishead hace algunos años y que Bjork se encargó de llevar al primer plano. Su destino es explorar las fronteras del pop rock electrónico, un buen ejemplo de lo que la mezcla de un criterio musical adecuado y una voz portentosa pueden siempre conseguir.  © epdlp




   Joe Zawinul
   My People (1996)

   07 ENERO 2019

   Pocos músicos pueden presumir de aparecer en un sello de correos. Austria anunció hace unos años que emitiría el sello oficial de Joe Zawinul para honrar a su ilustre compatriota por sus grandes logros en el terreno de la música. Leyenda del jazz y padre de la world music, el teclista y compositor austriaco Joe Zawinul es uno de los últimos representantes de la generación de músicos que tuvieron el privilegio de relacionarse con algunos de los más grandes maestros del jazz de todos los tiempos. Con 27 años emigró a los Estados Unidos con una beca del Conservatorio de Música de Viena y en poco tiempo entró a formar parte de la banda del trompetista Maynard Ferguson, más tarde de la vocalista Dinah Washington y finalmente del saxofonista Cannonball Adderley con el que permaneció durante nueve años. Más tarde formó parte de la banda de Miles Davis, componiendo el tema "In A Silent Way", título del disco que marcó el debut de Miles Davis en el campo eléctrico. En 1970 formó junto al saxofonista habitual de Miles Davis, Wayne Shorter, el bajista Miroslav Vitous (sustituido más tarde por Jaco Pastorius), el percusionista Airto Moreira y el batería Alphonse Mouzon, la legendaria banda Weather Report (1970-1985), grupo paradigma de la fusión entre el jazz y el rock de la época. Durante esa etapa fue considerado innumerables veces mejor pianista de jazz y a su grupo Mejor banda en directo del año. Después del año 1985, Joe Zawinul se dedicó a editar trabajos en solitario o junto a su banda Zawinul Syndicate. Fue propietario del club de jazz Birdland de Viena y merecedor de gran reconocimiento mundial por ser el pionero en combinar los elementos tradicionales de diferentes etnias, con el pop, rock y el jazz, fusión que se denomina actualmente world music. Joe Zawinul cambió la forma de la canción tradicional, utilizando un enfoque sonoro totalmente diferente. Sus composiciones son una absoluta improvisación que más tarde transcribía directamente, sin ningún cambio ni reorganización para los músicos. Debido a la longitud de las improvisaciones, obviamente se veía obligado a editarlas. Su música es una maquinaria perfectamente engrasada, suministrada bajo el componente de un salvaje abandono.  © epdlp




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