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Grupos y solistas
Álbumes
 

   Nils Petter Molvaer
   ER (2005)

   18 MARZO 2019

   El jazz menos académico se ha configurado como uno de los ingredientes más habituales de la música de club y la electrónica downtempo. El trompetista y compositor noruego Nils Petter Molvaer es una de las figuras más importantes de esta nueva corriente sin prejuicios que combina jazz y electrónica en busca de una nueva creatividad contemporánea. Considerado el padre del electro jazz, factura un jazz híbrido con poso orgánico que tiende vínculos entre el Miles Davis más abstracto y vanguardista y los flirteos con la electrónica de Bugge Wesseltoft, Erik Truffaz y Marc Moulin. A final de la década de 1980, fue parte de uno de los mejores grupos del jazz escandinavo, Masqualero. Y desde que publicara en 1997 su disco Khmer, un trabajo que ha sido tomado como modelo por muchos artistas y que figura en todas las selecciones de los mejores discos de jazz de los últimos tiempos, dejó sentadas las bases de su sonido, una base jungle, una guitarra punzante y el timbre y el fraseo apasionadamente melancólico de su trompeta. Sus siguientes trabajos, Solid Ether (2000), NP3 (2002), ER (2005), Hamada (2009), Baboon Moon (2011) y 1/1 (2013), con el multinstrumentista alemán Moritz von Oswald, no hacen sino realzar esa sensibilidad excepcional que lo ha llevado a ser uno de los músicos más solicitados e innovadores del mapa musical contemporáneo. Nils Peter Molvaer sabe que una pieza musical nunca está realmente acabada, y que la producción y la composición son procesos en constante evolución, por eso ha incorporado al jazz el potencial liberador de la música de baile, mezclando la improvisación jazzística con el techno, el house, el downtempo, el breakbeat, el ambient o el drum'n'bass, en una línea renovadora con resultados espectaculares. Su música habla por sí misma.  © epdlp




   Afro Celt Sound System
   Flight (2018)

   11 MARZO 2019

   Afro Celt Sound System son un grupo afro-irlandés formado por Simon Emmerson (guitarrista y productor), James McNally (multiinstrumentista), Iarla Ó Lionáird (voz) y Martin Russell (teclados y programación), verdadero artífice del sonido del grupo, además de Johnny Kalsi (percusión), N'Faly Kouyate (instrumentos étnicos), Emer Mayoc (gaitas) y Moussa Sissokho (percusión). Aunque Simon Emmerson había formado la banda en 1991, no fue hasta el año 1996 dónde se dieron a conocer en el festival Womad, en el que tuvieron un éxito extraordinario. A partir de esa fecha su nivel de calidad e innovación subió en la misma medida que editaban sus siete álbumes de estudio, Sound Magic (1996), Release (1999), Further In Time (2001), Seed (2003), Anatomic (2005), The Source (2016) y Flight (2018). En éstos trabajos además han disfrutado de las colaboraciones de músicos de la talla de Robert Plant, Sinéad O'Connor, Davy Spillane, Liam O'Flynn y Peter Gabriel, entre otros. Este último, fundador del festival Womad y propietario de la discográfica Real World, sello que ha publicado todos los álbumes del grupo. Han participado asimismo en películas tales como Hotel Rwanda, Stigmata, Gangs of New York y Nikita. Los ACSS fusionan la música dance y electrónica en general, con ritmos celtas y africanos, sintetizando la ideología del Womad: mezclar culturas, presumir de contemporáneos -trabajan con ordenadores- y cuidar el aspecto visual, especialmente la danza. Su repertorio incluye partituras de hace 600 años y piezas actuales como el jungle y el house. Esta mezcla perfecta de sonidos antiguos y contemporáneos, eso que ellos llaman global dance, los ha situado en la vanguardia indiscutible de la World Music. © epdlp




   Blaumut
   Equilibri (2017)

   04 MARZO 2019

   Abanderados del pop-folk catalán, el quinteto Blaumut ha sabido mezclar diversos géneros musicales, acercándose en ocasiones al clasicismo. En la primera década del siglo XXI, Xavi de la Iglesia y Vassil Lambrinov comenzaron a experimentar con diversas sonoridades hasta encontrar un estilo propio. A ellos se unieron en el año 2009 sus tres restantes componentes y comenzaron a actuar en pequeños escenarios de Barcelona. Dos años después la firma de un contrato con la discográfica Picap, les permite la publicación de su primer álbum, El turista (2012), un proyecto que combinaba el pop con instrumentos de cuerda, con la canción catalana de autor. Su segundo trabajo, El primer arbre del bosc (2015), que ellos mismos se autoeditaron, fue la confirmación de su propio universo, marcado por unas letras conmovedoras. Blaumut lo forman Xavi de la Iglesia (voz y guitarra), Oriol Aymat (violonchelo), Vassil Lambrinov (violín), Manuel Krapovickas (bajo y contrabajo) y Manel Pedrós (batería). Equilibri (2017), su tercer disco de estudio, producido por Marc Parrot y editado por Música Global, es la culminación de ese viaje elegante y evocador, con aderezos de cuerda más sofisticados y arreglos electrónicos, revelando un sonido más enérgico y contundente. Los críticos siempre han destacado su espectacular directo, en el que los músicos "revolotean" con natural entusiasmo llenando teatros, auditorios y festivales. Los asombrosos videoclips que acompañan algunas de sus canciones están fabricados por reconocidos directores audiovisuales como Pep Oriol, Ibon Landa o Joe Delahunty. Blaumut, que significa en castellano "azul mudo", tiene su origen en la canción Islandia de su primer álbum, que habla del perfume de una isla en donde no quema el cielo de noche. Esa enigmática oscuridad que se traduce en una cualidad de entender la vida y en una manera errante de vivirla.  © epdlp




   Craig Armstrong
   The Space Between Us (1997)

   25 FEBRERO 2019

   Craig Armstrong es un compositor y pianista escocés que ha desarrollado una notable carrera como compositor de bandas sonoras para el cine. Con 19 años se trasladó a la capital londinense, donde estudió en la Royal Academy of Music, junto a grandes maestros como Cornelius Cardew y Malcolm MacDonald. Más tarde se convirtió en el compositor más influyente del Tron Theatre de Glasgow, donde conoció al director Peter Mullan, para el que musicó algunos films. Entre 1994 y 2002, la Royal Shakespeare Company le encargó que escribiera la música para las obras teatrales The Broken Heart y The Tempest. Desde mediados de los noventa ha creado música para películas de Hollywood y también para el cine independiente. También ha colaborado con grandes nombres del mundo de la música como Massive Attack, Madonna, Bjork, la London Sinfonietta, Suede, U2, Barbican o Ryuichi Sakamoto. Su carrera está repleta de premios cinematográficos, entre los que destacan dos Bafta por Romeo + Julieta (1997) y Moulin Rouge (2001), banda sonora que también consiguió el Globo de Oro de ese año. Paralelamente ha editado en ese tiempo cuatro discos en solitario, en los que ha ejercitado su faceta más creativa y experimental, The Space Between Us (1997), publicado por el sello discográfico de Massive Attack, Melankolic; As If To Nothing (2002), considerado su mejor álbum y que cuenta con la participación de Evan Dando, Paul Buchanan, Bono y Wendy Stubs; It's Nearly Tomorrow (2014), con colaboraciones de Paul Buchanam, James Grant, Chris Botti y Brett Anderson, líder de Suede, y Sun on you (2018), su último trabajo hasta la fecha. Según sus propias palabras, “La vida es demasiado breve como para perder el tiempo en cuestiones que no te interesen. Que te amen o te odien es un riesgo que debes asumir cada vez que diriges una película o compones un disco. No importan tanto los instrumentos que uses como la emoción que haya detrás de cada nota”. Craig Armstrong, mago de las orquestaciones y compositor descomunal nos emociona con melodías apabullantes, como esas mantas que quizá no tapan lo suficiente, pero que nos protegen del frío y la lluvia. Sentimiento a flor de piel, cuando el calor es más emocional que físico.  © epdlp




   Aurora
   Infections Of A Different Kind (Step 1) (2018)

   18 FEBRERO 2019

   Aurora Aksnes es una cantante, pianista y compositora noruega que ha dinamizado la escena indie de su país. Alcanzó popularidad cuando puso música a un spot navideño de la tienda John Lewis, haciendo una versión de la canción Half the World Away de la banda británica Oasis. Referencia del electro-pop nórdico, debutó con All My Demons Greeting Me As A Friend (2016), un memorable álbum de 17 canciones, una de ellas la escribió con 9 años, en el que destacó su fragilidad y su voz etérea y donde exploró el folk de su Noruega natal mezclándolo con vivificantes momentos pop, notoriamente influenciados por Kate Bush o Tori Amos. Aunque también se la asocia con artistas como Björk, Enya o Florence Welch. Infections Of A Different Kind – Step 1 (2018), es la primera parte de un trabajo que completará en el año 2020 y en el que por primera vez incluye referencias a cuestiones políticas y sociales como la libertad sexual. En una de las canciones del álbum, Aurora susurra que “Los desamparados son mis leones, los silenciosos son mi coro, las mujeres serán mis soldados, con el peso de la vida sobre sus hombros”, asentando la bandera del feminismo y prometiendo un mundo nuevo y más justo. El álbum tiene las colaboraciones de la arpista Ruth Potter, un cuarteto de chelos y el coro de 32 hombres llamado The Oslo Faggottkor. En sus composiciones con reminiscencias pop, techno y new wave, suenan beats y sonidos atmosféricos, marimbas electrónicas y percusión étnica, pero sobre todo se nota la finalidad de construir algo complejo y sofisticado, con la frescura de una voz impactante. Aurora Aksnes que compone sus canciones en inglés, ha descrito su música como folk-pop oscuro, aunque esa penumbra se convierte en transparente fulgor cuando la oyes cantar. Quizá deberíamos volver la vista atrás y recordar aquella escena del film La Gran Belleza, donde un centenar de cigüeñas se alojan en la terraza del protagonista, descansando de su vuelo migratorio, y solo reanudan su viaje cuando una misteriosa mujer sopla en su dirección. Quizá Aurora Aksnes sea la reencarnación de esa mujer, en una mezcla de surrealismo y encantamiento, la que nos dirige a nuestro ansiado destino.  © epdlp




   Llorca
   The Garden (2017)

   11 FEBRERO 2019

   Sumergido durante su juventud por el funk y la música de baile e influenciado por su madre, adicta a la música negra-americana, Ludovic Llorca forma parte de esos primeros músicos-analistas-programadores franceses, que enamorado de las máquinas nos acerca esa cadencia fresca y vital, que pocos sastres del sonido pueden confeccionar. Sus primeras composiciones fueron para juegos de video, con un Commodore 64 y con sólo 14 años, participa en su elaboración junto a pioneros como Jens-Chris Huus, Maniacs of Noise o Rob Hubbard. En la década de los noventa funda junto a David Duriez el sello Brique Rouge y el dúo de productores Les Maçons de la Musique. En 1997, el discípulo aventajado de la escuela de Ludovic Navarre, se estrena con tres Eps para la compañía de Laurent Garnier y Eric Morand, F Communications, antes de debutar con su primer álbum, New Comer (Recién llegado, 2001). The Garden (2017), fue su segundo trabajo. Si intentáramos definir la música de Llorca, podríamos decir por ejemplo, que es una mezcla de música electrónica y acústica inspirada por la herencia de la música negra afro-americana, aderezado con toques de blues y jazz (la sal) y el soul y el techno (la pimienta). Sus conciertos en directo son libertad e improvisación, potenciando la faceta más festiva de la música dance y buscando en todo momento que el público se divierta. La receta es sencilla, un poco de jazz primitivo, con swing y ritmo generoso, un poco de cool fácil de samplear y algo de proselitismo arrebatador, una forma de profundizar y descubrir que el soul habita más allá de sus raíces orgánicas.  © epdlp




   Melody Gardot
   My One And Only Thrill (2009)

   04 FEBRERO 2019

   Máxima representante del soul-jazz, la norteamericana Melody Gardot ocupa ya un lugar de privilegio en el mundo de la música. Poseedora de una mezcla de sofisticación y talento natural, su voz es portentosa y sus composiciones intensas, incursiona en el jazz, el blues y el rhythm and blues de una manera personalísima. Comenzó en la música por casualidad, cuando fue atropellada por un coche cuando iba en bicicleta. Tenía diecinueve años, y el accidente la mantuvo postrada durante un año en una habitación de hospital. Tuvo que aprender a hacerlo todo de nuevo, leer, andar y hablar, fue entonces cuando descubrió en la música una forma de relacionarse con el mundo, por eso canta a través del dolor. Después de editar un EP titulado Some Lessons (2005), sacó a la luz su primer álbum, Worrisome Heart (2007), un trabajo de incontestable seducción, que recordaba a las otras voces del jazz del siglo XXI, Fiona Apple, Norah Jones y Diana Krall. A éste siguieron, My One And Only Thrill (2009) y The Absence (2012). Currency Of Man (2015), es su más reciente ejercicio de belleza, un álbum preciosista producido por el gran Larry Klein, el mismo que su anterior trabajo con el que llegó a vender más de millón y medio de copias en todo el mundo, y que tiene las colaboraciones de tres músicos de primera línea, el guitarrista Dean Parks, el pianista Larry Goldings, así como uno de los mejores bateristas del mundo, Vinnie Colaiuta. Según sus propias palabras, Currency of Man es un trabajo basado en una proclamación social con un sentido muy profundo, "Quería un álbum que fluyera como un sueño, desde el principio hasta el final. Queríamos entrelazar los sonidos del mundo en las canciones, para recordar todos los lugares y reflejar realmente las situaciones. Este álbum está formado por historias sobre gente que conoce lo que son los tiempos difíciles, personas que luchan para superarlos, y eso es algo que resuena profundamente en mí. Es imposible ignorarlo". Melody Gardot construye su música con la delicadeza de un orfebre, ese artesano que habla obsesivamente del pasado, de ciertos recuerdos y de la interiorización de un imaginario no vivido e intensamente anhelado.  © epdlp




   Rudimental
   Toast to our Differences (2019)

   28 ENERO 2019

   Rudimental es un cuarteto inglés afincado en Londres, compuesto por el ingeniero de sonido Amir Izadkhah (alias Amir Amor), el disc-jockey Leon Rolle (alias DJ Locksmith), Kesi Dryden y Piers Aggett, todos ellos compositores y productores. En el año 2012 editaron el single Feel the love, que llegó al número 1 de las listas británicas. Su álbum debut, Home (2013), con colaboraciones tan importantes como la cantante de soul y R&B Emeli Sandé, descubre a una buena cantidad de vocalistas más que interesantes, Sinead Harnett, Ella Eyre, John Newman y MNEK, todos con un futuro esplendoroso. Empapados de la cultura underground de Londres, su directo que tiene fama de contundente, hasta 12 personas en escena, tuvo su máximo apogeo en el Festival Sónar de ese año, donde eclipsaron a los cabezas de cartel del evento, Massive Attack y Nile Rodgers, entre ellos. Adictos al drum&bass, ese estilo lo mezclan con el blues, el jazz, el hip hop, el house y sobre todo con el soul, lo que les convierte en abanderados de una nueva corriente musical todavía inexplorada. We the generation (2015), su segundo trabajo, tiene colaboraciones tan importantes como Ed Sheeran, Will Heard y el fallecido Bobby Womack, y el tercero, Toast to our Differences (2019), de Tom Walker, James Arthur o Rita Ora. Ante un mundo por hacer, únicamente valen los procedimientos que incluyan lo lúdico, Rudimental son la inspiración de los poetas que conservan su ingenuidad, la mirada alucinada y serena al mismo tiempo de unos músicos que buscan una respuesta a interrogantes que les estimulen a seguir creyendo que avanzamos.  © epdlp




   Omar Sosa
   JOG (con Joo Kraus & Gustavo Ovalles) (2015)

   21 ENERO 2019

   El compositor y pianista cubano Omar Sosa, es un maestro de la fusión inspirada en las raíces africanas y en sus ancestros, que colorea magistralmente con el universo del folclore cubano. Virtuoso del piano, debutó con Omar Omar (1996), al que siguieron una veintena de álbumes en solitario o acompañado de reputados músicos como Jorge Pardo, Paolo Fresu, Gregg Landau, Jaques Morelenbaum o Dhafer Youssef. Gran admirador del pianista fundador del bebop, Thelonious Monk, ha tocado también como él bajo el influjo del jazz modal y el hard bop. Por su parte decir que Paolo Fresu, es el mejor trompetista lírico de Italia, no sería descabellado. Consolidado como uno de los músicos de jazz consagrados de la escena europea, ha colaborado con infinidad de músicos de todo el mundo, Gerry Mulligan, Dave Holland, John Zorn, John Abercrombie, Ralph Towner, Richard Galliano, Michel Portal y Trilok Gurtu, entre ellos, aportando con su inagotable diálogo sonoro ese punto de magia que trasciende las fronteras del jazz. Alma (2011), fue la cima de estos dos extraordinarios músicos, una amalgama de composiciones que recuerdan a Cuba, a la región sarda de donde es originario Fresu y al África más septentrional. Como regalo adicional, el cellista brasileño Jaques Morelenbaum, colabora en el álbum, proporcionando su experiencia al lado de gente tan importante como Antonio Carlos Jobim, Caetano Veloso, Gal Costa, Gilberto Gil, Maria Bethania, Milton Nascimento y Chico Buarque. Eros (2016), es la segunda colaboración de esta amalgama de artistas, a los que se une en esta ocasión la cantante Natacha Atlas. La apuesta por la belleza, la sensualidad y la sofisticación, son la guinda de unos trabajos que te atrapan para dejarte fascinado por su música, que es a la vez oscura y luminosa.  © epdlp




   Imogen Heap
   The Music Of Harry Potter And The Cursed Child (2018)

   14 ENERO 2019

   Formada como pianista y compositora y dotada de una voz que destaca por su creatividad, Imogen Heap es diferente a los demás, pues a pesar de facturar un pop aparentemente accesible a cualquiera, su estilo es inconfundible. Ella es el máximo exponente del llamado sonido“breathy”(voz aspirada o entrecortada), una forma de expresión más que un lenguaje musical. Imogen Heap inició su carrera en solitario con I-Megaphone (1998) y cuatro años después editó junto a Guy Sigsworth y con el nombre de Frou Frou, el álbum Details (2002). Dicen que en algunas ocasiones, la popularidad y el reconocimiento llegan por los caminos más extraños, pues el dúo británico Frou Frou se dieron a conocer mundialmente al incluir una versión de la canción "Holding out for a hero" de Bonnie Tyler, en la banda sonora de Shrek 2. Desde entonces la cantante que más había dado que hablar en el ambiente del electro pop de esos años, elaboró dos trabajos más, Speak For Yourself (2005) y Ellipse (2009), que la situaron en un lugar privilegiado. Sparks (2014), su último álbum, fue sin duda el mejor de su carrera y la culminación de su proyecto. Harry Potter And The Cursed Child (2018), es la música para la obra teatral del mismo nombre. Imogen Heap elabora pop electrónico, mezclado con rock alternativo, a mitad de camino del espacio musical que creó Portishead hace algunos años y que Bjork se encargó de llevar al primer plano. Su destino es explorar las fronteras del pop rock electrónico, un buen ejemplo de lo que la mezcla de un criterio musical adecuado y una voz portentosa pueden siempre conseguir.  © epdlp




   Joe Zawinul
   My People (1996)

   07 ENERO 2019

   Pocos músicos pueden presumir de aparecer en un sello de correos. Austria anunció hace unos años que emitiría el sello oficial de Joe Zawinul para honrar a su ilustre compatriota por sus grandes logros en el terreno de la música. Leyenda del jazz y padre de la world music, el teclista y compositor austriaco Joe Zawinul es uno de los últimos representantes de la generación de músicos que tuvieron el privilegio de relacionarse con algunos de los más grandes maestros del jazz de todos los tiempos. Con 27 años emigró a los Estados Unidos con una beca del Conservatorio de Música de Viena y en poco tiempo entró a formar parte de la banda del trompetista Maynard Ferguson, más tarde de la vocalista Dinah Washington y finalmente del saxofonista Cannonball Adderley con el que permaneció durante nueve años. Más tarde formó parte de la banda de Miles Davis, componiendo el tema "In A Silent Way", título del disco que marcó el debut de Miles Davis en el campo eléctrico. En 1970 formó junto al saxofonista habitual de Miles Davis, Wayne Shorter, el bajista Miroslav Vitous (sustituido más tarde por Jaco Pastorius), el percusionista Airto Moreira y el batería Alphonse Mouzon, la legendaria banda Weather Report (1970-1985), grupo paradigma de la fusión entre el jazz y el rock de la época. Durante esa etapa fue considerado innumerables veces mejor pianista de jazz y a su grupo Mejor banda en directo del año. Después del año 1985, Joe Zawinul se dedicó a editar trabajos en solitario o junto a su banda Zawinul Syndicate. Fue propietario del club de jazz Birdland de Viena y merecedor de gran reconocimiento mundial por ser el pionero en combinar los elementos tradicionales de diferentes etnias, con el pop, rock y el jazz, fusión que se denomina actualmente world music. Joe Zawinul cambió la forma de la canción tradicional, utilizando un enfoque sonoro totalmente diferente. Sus composiciones son una absoluta improvisación que más tarde transcribía directamente, sin ningún cambio ni reorganización para los músicos. Debido a la longitud de las improvisaciones, obviamente se veía obligado a editarlas. Su música es una maquinaria perfectamente engrasada, suministrada bajo el componente de un salvaje abandono.  © epdlp




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