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       Música - Todos los álbumes de la semana 
 
    
 

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   A Forest Mighty Black
   AFMB (2014)

   29 DICIEMBRE 2014

   Los alemanes Bernd Kunz y Rainer Trüby, son los grandes exponentes del consistente e innovador sello discográfico Compost Records de Múnich. Magos del downtempo, los dos formaron el dúo A Forest Mighty Black y el segundo junto a los bateristas Christian Prommer y Roland Appel, los dos componentes de Fauna Flash, la formación Trüby Trio. Rainer Trüby, es conocido mundialmente por su buen hacer tras los platos, su fama es tal que ha pinchado en clubs y eventos como Blue Note, Bar Rumba, Brighton Jazz Bop, Phönix Festival o el Jazz Cafe. Fue el single Fresh In My Mind de A Forest Mighty Black, el que le catapultó a actuar en los clubes underground más cool de Alemania. Como Trüby Trio ha realizado también trabajos de remezcla para artistas tan importantes como Turntable Rocker, Nitin Sawhney, Peace Orchestra, Bebel Gilberto, Klaus Doldinger y Frederic Galliano. De la moda del sonido retro a la vanguardia tecnológica, Rainer Trüby sabe ponerle sabor a los años setenta con actitud del siglo XXI. AFMB (2014), es el último trabajo de Bernd Kunz, la otra parte del dúo ahora en solitario, sin Rainer Trüby. Cruzando las fronteras con un estilo entre el retro y el future jazz, los funky beats, el jazzy house, el downbeat, la música brasileña e incluso el drum & bass, Bernd Kunz sabe que la música no es sólo para bailar, también para escuchar, un verdadero placer para el oído. © epdlp




   Lamb
   Backspace Unwind (2014)

   08 DICIEMBRE 2014

   Mientras Portishead y Massive Attack, emblemas del movimiento trip-hop, todavía no saben cómo salir de la oscuridad en la que se han metido, Lamb (los ingleses Louise Rhodes y Andy Barlow), han trabajado en silencio su receta para combinar los adrenalíticos sonidos del drum'n'bass con la serenidad del downtempo. Su dulce desesperación nos deja impávidos y sumidos en esa letanía que producen las cosas bellas y con sentimiento. Lamb (1996), Fear of Fours (1999), What Sound (2001), Between darkness & wonder (2003), 5 (2011) y Backspace Unwind (2014), son sus seis álbumes, cuyo fin último es formar parte de la enciclopedia del amor y la melancolía. El dúo Lamb no ha venido a cambiar el trip-hop o a inventar un nuevo estilo musical, sino a descubrir lo mejor de la belleza que se genera cuando hay pasión y entusiasmo por la música, y sobre todo cuando lo que más se quiere es reflejar estados de ánimo. Sus actuaciones en directo demuestran su virtuosismo como banda, en la que destaca la figura de Lou Rhodes (descalza y bebiendo té como una descosida), una voz llena de fuerza y compasión, que genera tranquilidad y desesperación. El sonido de Lamb explora la oscuridad salvaje, las conversaciones privadas intensas y cautivadoras que se convierten en poesía. Todo un recorrido por la fragilidad, tristeza y soledad humana.  © epdlp




   Bliss
   Afterlife (2001)

   01 DICIEMBRE 2014

   Los grupos escandinavos han sido desde hace un tiempo, referente indispensable en cuanto a tendencias y modas en el mundo de la música. Recordemos a Sugarcubes, Bjork, Sigur Ros, Koop, Royksoop, The Hives o Raveonettes, por mencionar algunos. Afincados en Dinamarca, el grupo Bliss, los daneses Marc-George Andersen (teclados) y Steffen Aaskoven (programación), la sueca Alexandra Hamnede (voz) y el ghanés Salvador “Tchando” Embalo (voz, guitarra y percusión), han sabido forjarse un sonido difícilmente clasificable (new age, world music, electrónica, música clásica...), digamos que se encuentran entre Johann Sebastián Bach y Brian Eno. Su álbum debut Afterlife (2001), repleto de voces fascinantes, percusión apacible y una vital orquestación, fijó los nuevos estándares para la música étnica, mezclando influencias occidentales, africanas y clásicas. Su segundo trabajo. Quiet Letters (2003), fue calificado por el prestigioso DJ Ravin, del club Buddha Bar, como el trabajo más importante de la década y en él nos retrotraía a gente como Sade, Enya, Norah Jones y en ocasiones al gran Ennio Morricone, todo ello flambeado con unas gotas de alma escandinava. Sus trabajos no terminan ahí, pues han colaborado en la música de la serie de televisión C.S.I. y han compuesto la tremenda banda sonora de They Made History (2005), un documental de 9 episodios del periodista Steffen Kretz, así como diversos spots publicitarios para Carlsberg, Lundbeck y Zendium, entre otros. En No One Built This Moment (2009), su penúltimo álbum, supieron rodearse de importantes colaboraciones, como la cantante de Zero 7, Sophie Barker, la ya habitual Lisbeth Scott, el veterano percusionista, Jacob Andersen, el estupendo bajista de jazz, Mads Vinding o el cantante Boy George. So Many Of Us (2013) es su último trabajo. La historia de Bliss crece día a día, su música habla por ellos, sobran las palabras.  © epdlp




   Organic Audio
   Last One Home (2000)

   17 NOVIEMBRE 2014

   Organic Audio es el alias del compositor británico Andy Spence. Su visión de la música, mezcla de funk bailable y world music, deja al descubierto hermosas decoraciones de beat acelerado y groove empapado de batucadas y ritmos brasileños. Sus conciertos en vivo, acompañado de dos percusionistas y una cantante, son simplemente apabullantes y significa un acercamiento real a la nueva electrónica. Organic Audio es junto a Groove Armada, una de las estrellas del personalísimo sello Tummy Touch. Sus tres discos, Back To My Roots (1996), Last One Home (2000) y Lovelight (2003), demuestran su desparpajo. Toques brasileños, house, breakbeats y ritmos arrolladores, muchas percusiones y electrizantes bajos estomacales. Música sensible y contundente. © epdlp




   Memory Tapes
   Seek Magic (2009)

   10 NOVIEMBRE 2014

   El Chillwave (también llamado Glo-Fi), es una revisión del pop con sintetizadores de antaño que mira al futuro. Las bandas Maps, Fever Ray, Neon Indian, The XX, The Big Pink y Appaloosa, serían sus ejemplos. El estilo toma como influencias a grupos como Depeche Mode o New Order y tiene como abanderado a Dayve Hawk. Memory Tapes, es el seudónimo de Dayve Hawk, multinstrumentista estadounidense afincado en New Jersey que anteriormente había editado trabajos como Memory Cassette y Weird Tapes. Autodescrito como un niño raro, dice que no sabe conducir y no tiene teléfono, no escucha mucha música actual y no está para nada en onda con la escena de los DJs. Seek Magic (2009) fue su primer álbum, una obra melódica dedicada a la contemplación, con beats etéreos que van desde el ambient hasta el lounge, desde lo denominado synth-pop hasta la música experimental. Los bajos toman el primer plano y si bien el ritmo es infernal, los sintetizadores le dan un aire casi iluminado. Player Piano (2011) y Grace/Confusion (2012), son sus últimos trabajos.  © epdlp




   Llorca
   New Comer (2001)

   03 NOVIEMBRE 2014

   Sumergido durante su juventud por el funk y la música de baile e influenciado por su madre, adicta a la música negra-americana, Ludovic Llorca forma parte de esos primeros músicos-analistas-programadores franceses, que enamorado de las máquinas nos acerca esa cadencia fresca y vital, que pocos sastres del sonido pueden confeccionar. Sus primeras composiciones fueron para juegos de video, con un Commodore 64 y con sólo 14 años, participa en su elaboración junto a pioneros como Jens-Chris Huus, Maniacs of Noise o Rob Hubbard. En la década de los noventa funda junto a David Duriez el sello Brique Rouge y el dúo de productores Les Maçons de la Musique. En 1997, el discípulo aventajado de la escuela de Ludovic Navarre, se estrena con tres Eps para la compañía de Laurent Garnier y Eric Morand, F Communications, antes de debutar con su primer y único álbum hasta la fecha, New Comer (Recién llegado, 2001). Si intentáramos definir la música de Llorca, podríamos decir por ejemplo, que es una mezcla de música electrónica y acústica inspirada por la herencia de la música negra afro-americana, aderezado con toques de blues y jazz (la sal) y el soul y el techno (la pimienta). Sus conciertos en directo son libertad e improvisación, potenciando la faceta más festiva de la música dance y buscando en todo momento que el público se divierta. La receta es sencilla, un poco de jazz primitivo, con swing y ritmo generoso, un poco de cool fácil de samplear y algo de proselitismo arrebatador, una forma de profundizar y descubrir que el soul habita más allá de sus raíces orgánicas.  © epdlp




   Mount Florida
   Arrived Phoenix (2001)

   27 OCTUBRE 2014

   Mount Florida son un dúo escocés compuesto por los multiinstrumentistas Keith McIvor y Mike Lancaster. Eclécticos y algo minimalistas, muy semejantes a Fridge, This Mortal Coil y Orb (con el que colaboraron en sus primeros trabajos), debutaron en 1999 con el EP Stealth, que les llevó a presentarse en directo en el legendario club Glasgow Barrowlands, con el apoyo inestimable del upsetter (trastornado) jamaicano Lee Scratch Perry. A éste siguieron los singles Storm y Strut al año siguiente, que les permitieron grabar su primer cd de estudio Arrived Phoenix (2001). Arrived Phoenix es una intrigante joya de pop-ambiental con raíces post-rock en la que entre otros, aparece la voz del escritor Noam Chomsky para subrayar una melancolía siempre latente. Mount Florida son la música contemplativa e introspectiva, para sentir no para bailar, pop horizontal en estado puro para dias tristes.  © epdlp




   Mo Horizons
   Remember Tomorrow (2001)

   20 OCTUBRE 2014

   Grandes figuras de la llamada música downtempo, los alemanes Ralf Droesemeyer y Mark Wetzler, son dos músicos y productores, trotamundos sin fronteras, que fusionan lo exótico y lo mundano en igual medida. Procedentes del downtown de Hannover, se desenvuelven en el campo de los ritmos sosegados con toques de jazz, blues, dub y guiños a la bossanova, un ingrediente básico a la hora de confeccionar un completo menú chill out. Con sus cinco discos de estudio, Come Touch The Sun (1999), Remember Tomorrow (2001), And The New Bohemians Freedom (2003), Sunshine Today (2007) y Mo' Horizons And The Banana Soundsystem (2011), se han convertido en grupo de referencia del emblemático sello Stereo de Luxe. Una música rebosante de calidad de la primera a la última canción, unos ritmos pausados, una producción cuidadísima, una perfecta combinación de temas vocales e instrumentales, un nuevo concepto de libre creación artística que no se deja encasillar. World lounge provocador de adicciones, esa extraña atracción por la melancolía y la lluvia gris que preceden a un día soleado.  © epdlp




   Damien Rice
   9 (2006)

   13 OCTUBRE 2014

   En los tiempos en que la música está más hipotecada que nunca por el mercadeo y las producciones de laboratorio, o por la innovación que transita invariablemente por la electrónica, asistimos a la recuperación del oficio de cantautor. El irlandés Damien Rice, ex-componente del grupo Juniper, cantante con pasado de roquero indie cuya evocadora melancolía ha seducido a las primeras de cambio a sus incondicionales, perpetró uno de los debuts más brillantes del folk reciente. Damien Rice sigue la estela de los nuevos cantautores británicos con vestigios pop como Perry Blake y David Gray, mirándose en el espejo de legendarios clásicos como Jeff o Tim Buckley, Nick Drake, Scott Walker o Bob Dylan. Su álbum debut O (2003), fue un trabajo atemporal y anti-moderno, centrado en el amor sin más, que te obliga a detener el tiempo al escucharlo. El disco tuvo la colaboración impagable de la cantante Lisa Hannigan, complemento perfecto a sus canciones sobrecogedoras y de una banda formada por Vyvienne Long (cello), Shane Fitzsimons (bajo) y Tom Osander (batería). Todos ellos volvieron a trabajar en su segundo trabajo, 9 (2006). Guitarras acústicas, melodías sublimes, instrumentos de cuerda, sensibilidad, melancolía, una voz quebradiza y llorosa, una música casi minimalista, con ese toque de recién hecho, casi surgido del horno del corazón, incita a cerrar los ojos y perderte en un paisaje desolado. My Favourite Faded Fantasy (2014), su tercer álbum de estudio, confirma a un genio que quizá pase a la historia de la música por haber viajado más allá de los sueños, revistiendo los sentimientos más profundos de la manera más honesta y sincera en un mundo dónde sobra todo menos las palabras.  © epdlp




   Mercan Dede
   Nefes (2006)

   06 OCTUBRE 2014

   La flauta de bambú, también llamada “ney”, es un instrumento rebelde, pues dicen los que han intentado manejarlo que se tarda un año en sacar una nota clara de él. Este instrumento tiene un papel importante en el sufismo y en la danza de los derviches. Antiguamente, bailaban para alcanzar un estado de trance, pero hoy en día, estos bailes se celebran sobre todo para los turistas ya que los numerosos monasterios sufíes han cerrado sus puertas. Virtuoso del ney, el compositor turco afincado en Canadá, Arkin Ilicali, bajo el seudónimo de Mercan Dede, empezó pinchando vinilo en el año 1993 con el nombre de Arkin Allen. También estuvo vinculado al desaparecido grupo Laço Tayfa. Tres años más tarde fundó el Mercan Dede Ensemble, culminación de su experiencia musical tanto en Turquía como en Canadá. Desde entonces la carrera de este paradigma de lo sagrado (el ritual sufí) y lo profano (el espectáculo), no ha hecho si no mejorar. Sufi Dreams (1997), fue su primer trabajo de estudio. A éste siguieron, Journey Of A Derbis (1998), Sufi traveler (1999), la obra teatral Seyahatname (2001), Fusion Monster (2004), éste último como Arkin Allen y finalmente su trilogía sobre la fusión instrumental tradicional (cítara, darbuka, flauta) y electrónica (teclados, loops, efectos), los álbumes Nar (Fuego, 2002), Su (Agua, 2005) y Nefes (Aire, 2006). 800 (2007), un disco dedicado a la celebración del 800 aniversario del nacimiento de Mevlana Jalaluddin Rumi, y Dunya (2013) son sus últimos trabajos. En directo el grupo de Mercan Dede, Secret Tribe, ofrece un espectáculo que va más allá de la pura actuación musical, una dramática e intensa representación visual, en dónde la bailarina Mira Burke realiza una fantástica puesta en escena de las tradicionales danzas sufíes. Mercan Dede es tan hábil con la flauta como con los ordenadores y su virtuosismo se engrandece hasta convertirse en uno de esos faros que iluminan las nuevas músicas a lo largo del globo. Un viaje a lo eterno donde pasado, presente y futuro te traspasan sintetizados en una simple nota orgánica y carnal. Como los finales de sus conciertos, en dónde Mercan Dede abraza a su derviche, la cubre con su túnica sagrada, empaqueta su altar tecnológico y directamente nos prende fuego con el recuerdo de una experiencia inolvidable.  © epdlp




   Madredeus
   Electrónico (2002)

   29 SEPTIEMBRE 2014

   El germen de Madredeus se produjo en el año 1985, cuando Pedro Ayres, bajista de Herois do Mar y Rodrigo Leao, bajista de Sétima Legiao, se unen para ensayar algunos repertorios para guitarra. Junto a la cantante Teresa Salgueiro, un acordeonista y un violoncelista terminan ensayando en el convento de Madre de Deus, en Xabregas. De ahí viene su nombre. Su primer trabajo Os Dias da Madredeus (1987), se convierte en una referencia obligada de la música portuguesa. Tres años después graban por primera vez en un estudio su álbum Existir (1990) y en 1991 su primer trabajo en directo, Lisboa. En 1994 se edita Espírito da Paz. Un año después Rodrigo Leao deja el grupo para dedicarse a su carrera en solitario y es sustituido por Carlos María Trindade. En 1998 graban en directo O Paraíso un viaje a lo largo de su carrera musical, a continuación Antología (2000) y Movimento (2001). Son autores de la banda sonora de la película Historia de Lisboa, de Wim Wenders. En su trabajo Electrónico (2002), someten su música a los más diversos experimentos de remezcla y recreación por parte de distintos exponentes de la música electrónica europea, que lo convierten es una preciosa joya de down-beats, chill-out y ambient. La música de Madredeus son imágenes de momentos, instantáneas de emociones, construidas sobre sueños y paisajes, esperanzas y añoranzas.  © epdlp




   Locust
   Morning Light (1997)

   22 SEPTIEMBRE 2014

   Heredero de la música electrónica de los clásicos Stockhausen y Steve Reich, y de los más actuales Kraftwerk y Brian Eno, pero con un sonido más emocional, el compositor y productor británico Mark Van Hoen, utiliza las texturas inestables de estas "viejas" máquinas para confeccionar su música compuesta de atmósferas llenas de luz y melancolía. Sus cuatro discos de estudio como Locust, Natural Composite (1994), Truth Is Born Of Arguments (1995), Morning Light (1997), acompañado por la cantante Holli Ashton, y Wrong (2001); y sus tres como Mark Van Hoen, The Last Flowers FromThe Darkness (1997), Playing With Time (1999) y The Warmth Inside You (2004), así lo atestiguan. Locust es la plasmación de la armonía, canciones quebradizas con sonido claros y brillantes.  © epdlp




   Lemon Jelly
   Lost Horizons (2002)

   15 SEPTIEMBRE 2014

   Fred Dreakin (compositor y diseñador gráfico) y el jardinero frustrado Nick Franglen (teclados y programación), éste último acompañante de Primal Scream, Björk y Pulp, forman el dúo anglosajón Lemon Jelly, una formación que parece salida del país de la felicidad. Su primer trabajo Lemonjelly.ky (2000) consistió en una compilación de 3 eps de edición limitada, y con un arte gráfico realmente impresionante. El producto musical recibió las mejores críticas por parte de las revistas Muzik, Echoes, Melody Maker y NME. Gilles Peterson llegó a decir que tienen "el sonido del futuro en el mundo". Lo primero que desprende la música de Lemon Jelly es optimismo. Y eso se contagia en el ánimo de quien la escucha, porque cuando te habitúas a ella es muy fácil de identificar y reconocer al escucharla en cualquier sitio. Comparados con bandas como Zero 7 o Groove Armada, aunque con un sonido más atemporal, calificados como una de las cocteleras electrónicas más brillantes, sorprendentes y refrescantes de la escena inglesa, hacen honor a su nombre (Lemon Jelly: La gelatina que utilizaban los prisioneros de Colditz para duplicar sus planes de escapada). En Lost Horizons (2002), su segundo trabajo, perfeccionaron esas melodías de juguete en technicolor, perfectas para escuchar en un chill-out o en el sofá de casa, entre la acústica y la tecnología más feroz. Clímax elegante, envolvente y refrescante cubierto por una manta de intriga, que transmite estados de preocupación, bocanadas de optimismo y aventura en los límites de lo desconocido. Una recreación de un mundo donde lo digital y lo orgánico se dan la mano para crear algo que poco tiene que ver con el mundo del día a día.  © epdlp




   JJ
   nº 3 (2010)

   08 SEPTIEMBRE 2014

   El prestigioso sello discográfico Sincerely Yours (Henning Fürst y Eric Berglund), ha sido a lo largo de la última década, responsable del descubrimiento de grupos tan innovadores como Air France, The Honeydrips, Nordpolen, Joel Alme, Jonas Game, el príncipe Avner, los norteamericanos Memory Tapes y los de su propia banda, Tough Alliance. El sello se ha convertido también en el sueño incansable de la búsqueda de un pop contemporáneo transgresor y profundamente innovador. JJ, que es su nuevo descubrimiento, es un dúo formado por Joakim Benon y Elin Kastlander. Han editado tres álbumes de estudio, nº 2 (2009), nº 3 (2010) y V (2014), aunque muchos echarán en falta el nº 1 que simplemente fue un EP de presentación. Aunque de JJ se sabe poco, sólo que son una banda surgida del hielo, que son suecos y que carecen de cosas aparentemente fundamentales para la vida moderna como MySpace o web convencional. No nos importa, JJ son la quintaesencia del ritmo mecánico humanizado, aderezado con voces candorosas. Una delicia de pop transoceánico y electrónica atemporal.  © epdlp




   O'2L
   O'2L (2003)

   01 SEPTIEMBRE 2014

   O'2L es la extraordinaria colaboración de dos músicos neoyorquinos, la pianista Jane Mangini (apasionada por el blues y el rock experimental, y ex-componente de Trans Siberian Orchestra) y el guitarrista Al Pitrelli (componente de las bandas de Alice Cooper y Megadeth, entre otros). Su primer trabajo llamado como ellos O'2L (2003), fue una mezcla de ritmos eclécticos y arreglos originales que generaron un disco redondo. Doyle's Brunch (2005) y Eat A Pickle (2007), fueron sus siguientes álbumes. Con una destreza que rompe límites, han creado un estilo definido como techno-acústico de alta energía. Jane Mangini es claramente el motor del dúo, pues es la compositora de todos los temas, mientras que Al Pitrelli proporciona los fuegos artificiales con sus acordes tórridos y fluidos, proporcionando un borde arenoso a esos pedazos cristalinos que ella compone. Electrónica, jazz y new age son el condimento perfecto para este viaje musical por un sonido distinto que O'2L nos propone. Un sensual vuelo en el aire acompañado de melodías suntuosas.  © epdlp




   Mary Fahl
   From The Dark Side Of The Moon (2011)

   25 AGOSTO 2014

   Los cambios sociales y culturales de los sesenta desencadenaron una voluntad de superar las fronteras convencionales de la música rock. La integración de los nuevos sonidos con la tradición cultural romántica de la música del siglo XIX, proporcionaron al rock la categoría de arte. Además, se pretendía que la música fuera escuchada y pensada, en detrimento de la meramente comercial y bailable. Es el nacimiento del rock sinfónico y progresivo. October Project fueron una representación de ese tipo de rock, mezclado con altas dosis de melancolía. Sus dos álbumes de estudio, October Project (1993) y Falling farther In (1995), demuestran que prácticamente nadie sonaba como ellos. Emil Adler, Julie Flanders, Marina Belica, David Sabatino y Mary Fahl, cuya voz de contralto tuvo mucho que ver con su éxito, fueron los responsables de esa música delicada y épica, inimitable y hermosa que invitaba a viajar por atardeceres fantasmales, donde el paisaje era un punto de referencia. Mary Fahl la excepcional cantante, abandonó el grupo para seguir su carrera en solitario con su primer trabajo, The Other Side of Time (2003). Su segundo álbum From The Dark Side Of The Moon (2011), fue un deslumbrante homenaje al disco homónimo del grupo Pink Floyd, que casi cuarenta años atrás nos sorprendió hasta emocionarnos. Love And Gravity (2014), su tercer trabajo de estudio, producido por John Lissauer, nos vuelve a demostrar que las canciones de Mary Fahl, son prodigiosas y trascendentes, porque ella las ejecuta con poderosa pasión.  © epdlp




   Oystein Sevag
   Space For A Crowded World (2012)

   18 AGOSTO 2014

   El multiinstrumentista noruego Oystein Sevag creció en una familia que le daba un valor muy alto a la creatividad. Su padre, etnólogo musical, junto a la belleza de los parajes naturales de Noruega fueron desde entonces una de sus principales fuentes de inspiración. Comenzó a tocar el piano a los 5 años y a los 12 la guitarra. Con 19 compuso su primera obra Eplevalsen (El vals de la manzana), con arreglos para gran banda de jazz, que fue interpretada en varios conciertos. Formó parte de varios conjuntos, Craff, Noahs Ark e Ischjazz (junto a su amigo Lakki Patey), así como colaboraciones con el grupo Celeste (banda integrada por Erik Wøllo, Bendik Hofseth, Jan Erik Salater e Inge Forum) y los principales músicos noruegos, Nils Petter Molvær, Paolo Vinaccia, Eivind Aarset y Audun Erlien. En 1989 editó con su propia compañía Siddhartha Records, su primer disco compacto en solitario, Close Your Eyes and See, proclamado disco del año por el Gavin Report Magazine de San Francisco. Oystein Sevag fue el primer artista europeo en firmar un contrato discográfico con Windham Hill Records y a partir de ese momento su música sería comercializada en el mundo entero. Más tarde llegaron Link (1993) y Global House (1995), producción pluricultural en la que amplió el número de instrumentos de proyectos anteriores, incluyendo entre otros el didjeridoo australiano, la percusión del cubano Sergio González y un cuarteto de cuerda; Visual (1996), junto a Lakki Patey, Bridge (1997), grabado junto a la Philharmonic Orchestra en los Estudios Abbey Road de Londres, Caravan (2005) y Space For A Crowded World (2012). Ha escrito la música del documental sobre la vida del pintor noruego Edvard Munch titulado Dance of life. Oystein Sevag, máximo representante de las nuevas músicas, ha tocado todos los palos dentro de este estilo, sobre todo en los aspectos relacionados con el jazz y la fusión, aunque últimamente ha evolucionado a un sonido más acústico, de corte clasicista. Su maestría para crear ambientes y paisajes sonoros evocadores a partir de un material muy simple es notoria, se trata de llegar a un resultado complejo a partir de elementos sencillos.  © epdlp




   Thievery Corporation
   Saudade (2014)

   11 AGOSTO 2014

   El dúo Thievery Corporation se formó en el año 1995, cuando los norteamericanos Eric Hilton y Rob Garza decidieron unirse para crear el sello Eighteenth Street Lounge Records. Se hicieron famosos cuando el dúo austriaco Kruder & Dorfmeister, parecidos en muchos aspectos a ellos, incluyeron uno de sus temas en una de sus mezclas. Su álbum de debut, Sounds From the Thievery hi-fi (1996), fue una mezcla inconfundible de música de baile y acid house con downtempo, reggae jamaicano y dub, todo ello condimentado con samplers brasileños que hizo las delicias de los círculos undergrounds. Su segundo trabajo The Mirror Conspiracy (2000), fue un álbum clásico y elegante de música electrónica accesible, jazzfunk latino, easy listening, dub, reggae, aderezado con bases hip-hop. Los siguientes The Richest Man In Babilón (2002), The Cosic Game (2005), Radio Retaliation (2008), Culture Of Fear (2011) y Saudade (2014), éste último dedicado a la bossa-nova, no hicieron sino acrecentar su prestigio. Los Thievery Corporation hacen música dance abstracta e instrumental, a medio camino entre el trip-hop y el acid-jazz, un viaje musical con paradas en Jamaica, Brasil e India principalmente, incorporando los sonidos característicos de estos lugares a su propia manera de entender la música. Una buena dosis de hedonismo y vitalidad.  © epdlp




   Ian Simmonds
   The Burgenland Dubs (2009)

   04 AGOSTO 2014

   En los últimos tiempos la música electrónica ha experimentado una vigorosa vuelta a sus orígenes jazzísticos. La escena actual tiene todos los elementos prestados del género, modernizándolos y adaptándolos a sus necesidades. James Hardway y su Cinematic Orchestra, los brillantes Red Snapper y el británico Ian Simmonds son bichos raros dentro de sus congéneres, pues su música necesita de la experimentación para retroalimentarse. Ian Simmonds, cantante y bajista, formó parte durante la década de los noventa del cuarteto de acid-jazz Sandals, junto a Will Blanchard, John Harris y Derek Delves. Simultáneamente produjo los primeros trabajos del dúo Leftfield y de los Pressure Drop. Tras la disolución del grupo Sandals continuó su carrera en solitario, debutando con Last States Of Nature (1998), un himno al nu-jazz/dark y al estilo downtempo. A este siguió Return To X (2000), un álbum que navega entre la sorpresa y el encantamiento y en dónde su estructura infernal merece estar en una antología del desconsuelo. Más tarde y adoptando el seudónimo de Juryman editó dos trabajos más, The Hill (2001) y Escape to Where (2002). The Burgenland Dubs (2009) y The Right Side Of Kind (2015), son sus últimos trabajos hasta la fecha. Ian Simmonds nos desafía con un jazz turbio y orgánico, misterioso y colosalmente adictivo, en dónde la electrónica más contemporánea se nos presenta completamente desnuda. Ritmos rotos, instantes de placer soberano, la música ideal para observar como anochece durante los próximos años. © epdlp




   Howie B
   Turn The Dark Off (1997)

   28 JULIO 2014

   El escocés Howie B (Howard Bernstein) es un creador de texturas, meta-disc jockey, diseñador de ritmos, mago de las voces y genio en perfecto estado de conservación. Propietario del sello Pussyfoot Records, en la segunda década de los 80 dejó los locales de su Glasgow natal para entrar en la escena trip hop de Bristol. Ha publicado sus grabaciones con los seudónimos de The Codfather, Daddylonglegs y Olde Scottish, y ha colaborado con artistas de la talla de Björk, U2, Tricky, Everything but the Girl y Brian Eno. En 1996 publica su primer disco como Howie B, el disco ambient, Music For Babies (1996) y comienza su colaboración con U2, produciendo su álbum Pop y colaborando en el proyecto Passengers. Sus tres discos siguientes, Turn The Dark Off (1997), fusionando trip hop y break beat, Snatch (1998) y Folk (1999), con la colaboración del guitarrista español Raimundo Amador, no hicieron más que aumentar su reconocimiento a nivel internacional. Aunque en estos momentos está más concentrado en su faceta como productor de nuevos talentos, siempre tiene algo de tiempo para hacer mini-giras a las que él llama "Pussyfoot". Cuando alguien se anime a escribir el gran manual de la música estimulante, deberá reservar un capitulo entero, y lleno de elogios a Howie B. Él es uno de los cerebros de la música contemporánea.  © epdlp




   Bent
   Intercept! (2006)

   14 JULIO 2014

   Abanderados del chill-out británico y diseñadores del pop del futuro, el dúo Bent (Simon Mills y Nail Tolliday) ha insuflado aires renovados a la escena musical de los beats amables y ralentizados. Radicados en Nottingham, su primer y aclamado trabajo Programmed to Love (2001), una recopilación de sus Eps, ya nos descubrió su maestría en utilizar más instrumentos "naturales" que sus contemporáneos, arpas, guitarras más o menos eléctricas y todo lo que haga su sonido más atractivo y cercano. Ambient/lounge con imaginación y sentido de humor, retro-pop orquestal con tintes futuristas, electrónica de diván, capaces de mezclar un adagio con bases electrónicas, violines, flautas traveseras y sonidos oníricos. Sus siguientes trabajos, The Everlastic Blink (2003), Ariels (2004) e Intercept! (2006), son la demostración de que todavía podemos disfrutar escuchando música fascinante, un difícil equilibrio de fuerzas que logra introducirte en un mundo gemelo al de Alicia en el País de las Maravillas.  © epdlp




   Andreas Vollenweider
   Kryptos (1997)

   07 JULIO 2014

   El arpa es posiblemente el instrumento más antiguo que produce su sonido mediante el punteo digital de unas cuerdas en tensión. Tuvo una aceptación extraordinaria en la edad media, antes de ser destronada en el siglo XV por el laúd y renacer de sus cenizas en el siglo XX. El suizo Andreas Vollenweider es de los pocos compositores que tocan el arpa en la música popular. Además fue el primero que los expertos calificaron como hacedor de música new age. Hijo de uno de los mejores organistas europeos, creció rodeado de un ambiente creativo, aprendiendo a tocar por su cuenta varios instrumentos, hasta que en 1975 encontró el que más se adaptaba a sus posibilidades y a su estilo. Modificó el arpa hasta adecuarla a sus necesidades y la convirtió en electroacústica. Formó parte originalmente del grupo Music and Poetry con el que grabó tres discos, para más tarde y ya en solitario editar 13 álbumes de estudio, Eine Art Suite (1979), Behind the Gardens (1981), Caverna Magica (1982), White Winds (1984), Down to the Moon (1986), Dancing with the Lion (1988), Traumgarten (1990), Book of Roses (1991), Eolian Minstrel (1993), Kryptos (1997), Cosmopoly (1999), The Essential (2001), Vox (2004) y Air (2009). En estos años en el mundo de la música, ha vendido más de diez millones de discos con unas melodías que emanan sosiego pero también conmueven. Además de éste instrumento también toca guitarras e instrumentos de aire, así como la kora africana y la gu-cheng (arpa china). Escucharle interpretar es toda una aventura, pues no utiliza bajo, sino que las notas de bajas frecuencias las da con las cuerdas largas del arpa. En sus últimos trabajos también utiliza instrumentos que antes usó raramente como el piano, la guitarra española o su propia voz. Andreas Wollenweider nos propone un ambiente ideal para la introspección, una auténtica odisea para un viajero imaginario en busca de emociones inexploradas.  © epdlp




   Bel Canto
   Birds Of Pasage (1990)

   30 JUNIO 2014

   Tras la desaparición o hibernación de Cocteau Twins y Dead Can Dance, los noruegos Bel Canto son la única de estas tres leyendas que se mantiene generando música sublime para el deleite de nuestros sentidos. Con más de 17 años de trayectoria musical, el dúo que anteriormente era un trío (Geir Jenssen lo dejó para encargarse del proyecto electrónico Biosphere), compuesto por Anneli Drecker (voz) y Nils Johansen (teclados, guitarra y violín), elaboran una música ecléctica con acordes melancólicos y tristes llena de luminosidad. La inigualable interpretación vocal de Anneli Drecker, en ocasiones evocando los tribales cantos joikk de Noruega, mezcla antiguos enigmas junto a la sofisticación moderna, lo que al final produce una experiencia mágica. Hasta la fecha han editado seis álbumes de estudio, White Out Conditions (1987), Birds of Pasage (1990), Shimering, Warm & Bright (1992), Magic Box (1996), Images (1999) y Dorothy's Victory (2002). Fueron los encargados de crear la música original de los Juegos Olímpicos de invierno en Lillehammer. Paralelamente Anneli Drecker ha publicado dos cds en solitario, Tundra (2001) y Frolic (2005), mientras que Nils Johansen ha grabado dos discos en solitario, Cho Oyu 8201m – Field Recordings From Tibet (2006) y la banda sonora de Im Schatten [2012]. Bel Canto, pioneros de la expansión de la música electrónica europea, incluidos en los géneros del world beat, ambient y el dark ethereal, viajan en el tiempo cada vez que crean e interpretan su música.  © epdlp




   Mandalay
   Empathy (1998)

   16 JUNIO 2014

   Nacidos a mediados de los noventa en pleno auge del trip hop, Nicola Hitchcock y Saul Freeman (ex componente del grupo Thieves), son el dúo británico Mandalay. Su primer trabajo, Empathy (1998) les situaba en primera línea de los grupos de éste género. Voces celestiales a lo Beth Gibbons (Portishead) y Elizabeth Fraser (Cocteau Twins), instrumentación clasicista, ritmos programados y un sonido no mimético y envolvente, es el que determinó su estilo. Sus siguientes trabajos Instinct (2000) y Solace (remezclas, 2001), son bellas piezas etéreas y volátiles triphoperas de loops, samples y programaciones que profesan melancolía por todos sus poros. El dúo se separó en el 2001. Desde entonces, Nicola Hitchcock editó un álbum en solitario, Passive Aggressive (2005) y un EP en el 2012, Quarterbright; por su parte Saul Freeman, ha seguido una vigorosa carrera como productor y programador para gente como, Sarah Brightman, David McAlmont y Suede. Mandalay ejecutó trágicas canciones, donde la voz en vibrato de Nicola Hitchcock transformó la emoción en motor de su discurso. Su particular modo de acentuar las palabras se convirtió en todo un enigma, el lamento hecho melodía.  © epdlp




   Goldie
   Timeles (1995)

   09 JUNIO 2014

   Clifford Price con su sobrenombre de Goldie es el rey de la jungla, el gran maestro del drum´n´bass. En los años 80 fue un apasionado del hip-hop y un consumado artista de grafitis en su ciudad natal de Walsall (Inglaterra). Comenzó su trayectoria discográfica en 1993, lanzando su primer maxi como Rufige Kru, en una onda darkside. La escena hardcore en Inglaterra fue una gran oportunidad para él, pues ayudó significativamente en el trabajo de arte en uno de los sellos más importantes de ese momento, Reinforced. Su primera aportación fue Kellermufin. Sin embargo su primer álbum realmente significativo fue Terminator, grabado bajo el seudónimo de Metalheadz. Posee su propio sello Metalheadz y esparce su ciencia poli-rítmica y su espíritu aventurero en sus impactantes sets. Con Timeless (1995), su primer álbum, inventó el sonido jungle. Tomando un estilo clásico contemporáneo, con su música basada en loops electrónicos, voces celestiales y orquesta añadida, Goldie es definitivamente uno de los más claros y sinceros exponentes del drum'n'bass del mundo. No es de extrañar que Björk, los Janes Adiction y Noel Gallagher, entre otros, se quedaran prendidos por su forma de interpretar este lenguaje musical contemporáneo, que ya dejó de ser de plástico.  © epdlp




   Modelo de Respuesta Polar
   El Cariño (2014)

   02 JUNIO 2014

   Modelo de Respuesta Polar es una banda española formada por Borja Mompó (cantante y guitarra), Fran Mollá (guitarra), Jorge Mollá (bajo) y Pau Paredes (batería, bases y teclados). Con su debut, un mini cd de siete canciones llamado, Así pasen cinco años (2012), expusieron su personal construcción de melodías, basadas en la contención instrumental y en una inusual intensidad emocional. Dos años después editan su segundo álbum, El cariño (2014), publicado igual que el primero por el sello Limbo Starr, un disco en el que se percibe la mano maestra de Suso Saiz, uno de los mejores productores de España. A la voz de Borja Mompó, líder del grupo y compositor de casi todas sus canciones, se la ha comparado con la del cantautor Amancio Prada, aunque el estilo de la banda, más indie y menos folk, se aproxima más a grupos como Vetusta Morla o The National, por las similitudes con su líder Matt Berninger. Modelo de Respuesta Polar realiza un pop-rock melancólico del que es imposible permanecer inmune. Para los que no conocen el cariño, con éste álbum posiblemente lo encuentren.  © epdlp




   London Elektricity
   Pull the plug (1998)

   26 MAYO 2014

   Fusionar un sub-estilo de ghetto con otros más populares, es siempre tarea difícil y complicada. Tony Colman es el mejor exponente del verdadero sonido soulfull drum'n'bass. Junto a Chris Goss fundó Elektric Productions en 1996 y más tarde el sello Hospital Records (imprescindibles sus recopilatorios bajo el nombre Weapons Of Mass Distraction), formando al mismo tiempo proyectos paralelos llamados Future Homosapiens, Dwarf Electro y Orkestra Galactica. Su estreno como London Elektricity fue el aclamado álbum Pull the plug (1998), una poderosa amalgama de sonido soulfull de alto voltaje, donde voces masculinas y femeninas se enlazaban con enérgicos bajos y característicos ritmos del jungle. Cuatro años más tarde Chris Goss abandona el dúo para dedicarse en exclusiva a su sello discográfico Hospital Records. Ya en solitario, Tony Colman, que en ese periodo de tiempo remezcló a gente como The Headhunters, Nitin Sawnhey y UFO, edita su segundo trabajo, Billion Dollar Gravy (2003), un clásico que sigue las pautas heredadas del progressive, con tracas de diversos colores y excelentes vocalistas a punto de explotar. En Power Ballads (2005), su tercer trabajo en el que participan las voces de MC Wrec y la leyenda del jazz Liane Carroll, continúa con su línea melódica bien sujeta, el bajo donde debe estar y el eficaz contrapunto rítmico para que se te muevan los pies. Syncopated City (2008), Yikes! (2011) y Are We There Yet? (2015), son sus últimos trabajos. En sus conciertos en directo, Tony Colman y su banda no utilizan ningún tipo de hardware, ni existe el playback. Únicamente verás a unos músicos concentrados en sus instrumentos y unos vocalistas con el alma entre las cuerdas vocales, algo sorprendente y meritorio en un grupo electrónico. London Elektricity ejecuta un drum'n'bass orgánico y asimilable para aquellos que huyen de la pista con el rabo entre las piernas en cuanto el hard-step hace acto de presencia. Música vital con un aura de neblina, que crea espacios de formas obsesivas.  © epdlp




   Transglobal Underground
   The Stone Turntable (2011)

   19 MAYO 2014

   Productores y músicos británicos de origen indo-pakistaní, Transglobal Underground son una unión perfecta para intentar traducir sobre el escenario las emociones propias de las pistas de baile. Su interés en la construcción de atmósferas que matizan su música y la llevan más allá del territorio recreativo, unido a todo un muestrario de elementos pop, ambient, house y dub, tamizan su eclecticismo bien entendido. Formado por una decena de personas, sus principales componentes son Tim Whelan y Hamilton Lee (compositores capitales). El resto de sus miembros es bastante difícil de adivinar, pues van y vienen dependiendo del disco que presenten, aunque de todos ellos destacan las colaboraciones de la cantante Natacha Atlas y del rapper Coleridge. Grabaron su primer single "Temple Head" para Nation Records, un sello creado específicamente para fusionar la música de baile occidental con los ritmos árabes, asiáticos y africanos. Su primer álbum, Dream of one hundred nations (1993), en el que participaron multitud de raperos, percusionistas y cantantes, fue el mejor trampolín para su sonido pluricultural. A éste siguieron, Internacional Times (1995), Psychic Karaoke (1997), Rejoice, Rejoice (1998), Yes Boos Food Corner (2001), Impossible Broadcasting (2004), Moonshout (2007) y The Stone Turntable (2011). Transglobal Underground ralentizan el hip-hop y aceleran el dub, fusionan la música clásica hindú, reggae, bhangra, hip hop y pop de los 80, con una acusada tendencia a lo lúdico. Su labor de integración entre el ritmo, la atmósfera y la melodía culmina con una amalgama de formas que envuelven secretos y sabiduría.  © epdlp




   Blu Mar Ten
   Famous Lost Words (2013)

   05 MAYO 2014

   Estar a la sombra de Daniel Williamson (LTJ Bukem) siempre es un motivo para dar rienda suelta a la creatividad y para sentirse protegidos por esa especie de halo mágico que el compositor y productor británico siempre ha tenido. Blu Mar Ten, Leo Wyndham y Chris Marigold, a los que luego se les unió, Michael Tognarelli, son unos privilegiados en ese aspecto, pues son los niños mimados del gran gurú y dueño del sello Good Locking Records. Aunque desde 1995 editaban pequeños trabajos y numerosas colaboraciones, no fue hasta el año 2002 cuando debutaron con su primer álbum, Producer (2002), el tercer disco de la serie homónima que ésta discográfica lanzaba al mercado y que llevó a ser reconocidos en el mercado mundial a gente como PFM (Mike Bolton), Tayla (Travis Edwards), Seba (Sebastian Ahrenberg), Big Bud (R. O'Reilly) y hasta el propio Bukem. En su segundo trabajo, The Six Million Names Of God (2003), continuaron esa línea marcada con paso firme, música arriesgada con poderosos ambientes electrónicos, largos desarrollos instrumentales y una rítmica contenida. Esa pequeña obra de ingeniería downbeat, tuvo las colaboraciones de prestigiosos productores británicos, Blame (720° Recordings/Charged), Nor Elle (Plastic City) y Fink (Ninja Tune), y era la antesala de metas más importantes que el trio británico llegaría a conseguir con sus siguientes trabajos, Black Water (2007), Natural History (2009), Love Is The Devil (2011) y Famous Lost Words (2013). Blu Mar Ten adopta el sonido, en el más estricto sentido paternal, volviendo al lugar de una niñez perdida para recuperar los recuerdos, una forma primitiva de construirse un refugio para defenderse del mundo exterior.  © epdlp




   Recoil
   Liquid (2000)

   28 ABRIL 2014

   Recoil es un proyecto creado en 1985 por el británico Alan Wilder, ex-teclista de Depeche Mode. Antes de integrarse en la banda perteneció a varios grupos de pop-rock como The Dragons, Daphne and the Tenderspots, The Hit Men o Real To Real. Iniciado en el piano y la flauta, en 1981 ingresó en DM sustituyendo a Vince Clarke, que se fue de la banda para formar Yazoo y Erasure. Para las actuaciones en vivo DM requerían la presencia de un experto en sintetizadores y Alan Wilder fue el elegido. En principio los acompañó solamente en sus giras, aunque dos años después su inclusión como miembro oficial fue definitiva con su tercer álbum, Construction time again (1983). Martin Gore, Dave Gahan y Andy Fletcher encontraron en Alan Wilder, el “suplemento” ideal para desarrollar su estilo tecno sintético de carácter accesible, significando un paso hacia la madurez para un grupo que hasta entonces había sido una especie de reunión de amigos. Con Alan en el grupo, el resto no tuvieron que preocuparse prácticamente por el proceso de grabación. Obsesionado por la perfección técnica y por la experimentación sin límites, Alan Wilder ha volcado en su proyecto paralelo llamado Recoil, todas las locuras radicales imposibles de incluir en una banda mayoritaria como DM. En su primer trabajo Hydrology and 1 + 2 (1988), usó sonidos ambientales, repeticiones minimalistas y samplers de ruidos cotidianos para completar un trabajo sombrío y amenazador. En el siguiente Bloodline (1992), una obra de ingeniería con melodías y ritmos cercanos a la Electronic Body Music, fue sin duda su mejor álbum y el más accesible. En 1995 dejó el grupo definitivamente y se consagró a la composición de sus dos siguientes álbumes, Unsound Methods (1997) y Liquid (2000). Vegetariano convencido y un gran admirador de Kraftwerk, Smiths, PIL, Philip Glass y Talk Talk, Alan Wilder sabe, todos nosotros también lo sabemos, que DM desde su marcha no ha vuelto a levantar cabeza. Él era la música y la tecnología en el grupo, el talento que afortunadamente ha volcado en Recoil, un proyecto de expresión sin términos, con innumerables estilos e instrumentación, que se aproxima, en muchas formas, a un sentimiento puro y transparente. En Subhuman (2007), su último trabajo hasta la fecha, nos demostró definitivamente que su música nos enseña a vivir, quizás a morir, a través de una herida abierta.  © eMe




   Ojos de Brujo
   Aocaná (2009)

   21 ABRIL 2014

   Ojos de Brujo fue la gran revelación del rock mestizo. Si nos sorprendieron con su primer álbum Vengue (Duende en caló, 2000), con su segundo trabajo Bari (Joya esencia y virtud en lengua gitana, 2002), hip-hop flamenco de gran frescura, nos atraparon definitivamente. El éxito de sus directos en toda Europa fue confirmando sus enormes posibilidades como banda. Ojos de Brujo mezclaban flamenco con hip-hop, funk, rap, reggae, son cubano y ragga. Estas influencias se fusionaban con canciones que partían de palos tradicionales del flamenco: tangos, colombianas, bulerías, tanguillos, etc, invitándote a descubrir con ellos la fuerza de un cajón flamenco, el peso de un bajo, el compás de la guitarra, los colores de la percusión latina y el soniquete de jaleos y palmas, junto a la rítmica voz del ragga, el scratching. Venidos de tierras distintas pero afincados en Barcelona, Ojos de Brujo estaba formado por Marina Abad (cantante), Ramón Giménez (guitarra), Juanlu (bajo), Dj Panko (scratching, samplers, guitarra y percusión), Max (percusión), Xavi Turull (percusión) y Sergio Ramos (percusión), con colaboraciones de otros músicos de bandas como Macaco y Dusminguet. Artistas que practican el mestizaje como forma de expresión, beben de todo y asimilan lo que vale para su propuesta, que aparte de original y combativa es todo un ejercicio musical. Para oír y a la vez remover conciencias aletargadas. Techari (Libre en caló, 2006) y Aocaná (Ahora en caló, 2009), fueron sus últimos ejercicios de virtuosismo. A partir de entonces los componentes del grupo han seguido carreras diferentes. La cantante Marina Abad, publicó en el año 2013 su primer álbum, Baile de las horas, con el nombre artístico de Marinah; mientras que tres de sus fundadores, Ramón Giménez, Dj Panko y Xavi Turull, junto a nuevos compañeros de viaje, editaron su primer trabajo Ryma (2012), con el nombre de Lenacay.  © epdlp




   Funk D'Void
   Dos (2001)

   07 ABRIL 2014

    Trabajar en una tienda de discos durante siete años sirve para asimilar influencias muy diversas. Se aprende a escuchar y valorar todo tipo de música. Si a eso unimos un influjo natural hacia el techno de Detroit, sobre todo el sonido de la vieja escuela de pioneros como Juan Atkins, Derrick May y Kevin Saunderson, nos daremos cuenta que estamos ante uno de los grandes gurus de la electrónica actual. Lars Sandberg originario de Glasgow (Escocia) es Funk D'Void, elemento fundamental a la hora de crear la escena club de Glasgow, con algunas de sus históricas y legendarias noches en UFO y Nude Photo. Con su amigo Nigel Hayes, y bajo el nombre de Chaser, debutó con un sorprendente álbum, Game On (1994). En 1997 creó su sello discográfico Dark Knight, editando su primer trabajo en solitario, Technoir (1997), un monumental álbum de house, mezclado con la habilidad de un contorsionista. En Dos (2001), demostró que no tiene problemas para saber lo que quiere el público y reaccionar de acuerdo con sus exigencias. Su extraño alias lo adoptó de un oscuro personaje llamado Sir Noise d'Void of Funk, que intervenía de forma periódica en los conciertos de la banda funk Parliament de George Clinton. Asistir a un concierto de Lars Sandberg, es paladear el ritmo, la imposibilidad de quedarse quieto ante el aluvión de adrenalina que destila su música y disfrutar como un enano por los cauces del techno melódico y ambiental. Volume Freak (2004), su último álbum grabado completamente en su estudio de Barcelona, es una inteligente relectura de los patrones musicales que los techno-pioneros de la Motown establecieron hace ya casi dos décadas. Lars Sandberg, uno de los pocos privilegiados que puede presumir de haber enganchado el house, sin ser devorado por él, y que con el tiempo ha evolucionado hacia la escena underground en la que siempre se ha mantenido el techno, añade una nota de color a la crudeza de éste estilo, convirtiéndolo en fuente de vida dónde la música es el verbo.  © epdlp




   Lusine
   A Certain Distance (2009)

   24 MARZO 2014

   Lusine es el nombre artístico de Jeff McIlwain, músico norteamericano que ha revolucionado la música pop. Conocido por sus paisajes sonoros exuberantes, sus melodías pegadizas y sus ritmos orgánicos, con su álbum A Certain Distance (2009), consiguió evolucionar hacia la sensación optimista del sonido downtempo. Comenzó practicando IDM (Intelligent Dance Music), grabando para sellos como !K7/MAS, Hymen y Delikatessen en los que capturó experiencia para montar su propio sello Isophlux. Su debut fue en 1999, con el álbum L'usine, un prometedor trabajo con semejanzas a los panoramas visuales del grupo Autechre. Luego vinieron, A Pseudo Steady State (2000), Coalition 2000 (2001), Iron City (2002), Language Barrier (2007), A Certain Distance (2009), con la colaboración indispensable de la cantante Vilja Larjosto y The Waiting Room (2013). En todos ellos ha intentado transmitir las emociones humanas a través de la tecnología, transformándose con ella. En los últimos años también ha compuesto las bandas sonoras de algunas películas, Snow Angels (2007), Frontera límite (2008), El canguro (2011) y Joe (2013), la mayoría dirigidas por David Gordon Green. La música de Lusine, es un recorrido insuperable por la unión entre el downtempo y la pista de baile, el tech house y el pop, lo orgánico y un ordenador portátil. Ahora que llega el calor, vuelven los veranos y brotan los cromatismos primaverales, pocos músicos como Jeff McIlwain poseen ese admirable dominio de los recursos sonoros que se deslizan como en la vida, sin que apenas lo percibamos.  © epdlp




   Art of Noise
   Below the Waste (1989)

   17 MARZO 2014

   Art of Noise es una banda imaginativa, pionera de la música electrónica de fines de los 80. Bajo una formación en apariencia fantasmal, sus miembros nunca se fotografían para la autopromoción, forjaron su reputación a raíz del disco Who's Afraid of The Art of Noise? (1983), considerado hoy en día una de las biblias del sampleo. Su música tenía la particularidad de que descontextualizaba elementos tan dispares como ruidos de coches y voces de diversa procedencia, con música clásica o de vanguardia. El grupo lo fundaron los músicos ingleses Trevor Horn, Anne Dudley (actualmente prestigiosa creadora de bandas sonoras) y J.J. Jeczalik. Horn, ex integrante de Buggles, músico y productor que ha trabajado con grupos en su mayoría versados en el tecno-pop, ha impulsado bandas como ABC, Propaganda, Frankie goes to Hollywood, Seal, Malcolm McClaren y colaboró en el famoso Slave to the Rythm de la rugiente Grace Jones (1985), junto a David Gilmour de Pink Floyd. También son recordadas sus colaboraciones con Duane Eddy, Max Headroom y la popular versión de Kiss, a cargo de Tom Jones. El nombre del grupo es una aproximación genealógica a la música que, un grupo de artistas a comienzos del siglo XX empezó a experimentar con composiciones inspiradas en el devenir mecánico y eléctrico de la ciudad. Construyendo cajas caseras a las que incorporaban diferentes sonidos de la urbe, este grupo de artistas futuristas comenzó a hacer algo parecido al tecno, pero todavía sin la incorporación de beats, los golpes que delimitan el tiempo rítmico en la nueva música electrónica. Art Of Noise lo compusieron en la última época, Lol Creme (vocal, guitarra, teclados), Anne Dudley (vocal, piano, teclados), Trevor Horn (vocal, teclados, bajo) y Paul Morley (vocal, teclados). The Art of Noise toma su música de varias fuentes, hip hop, jazz, R&B, pop, drum'n'bass, sonidos, y todo lo que crea su estilo experimental y post-futurista. Algunos consideran que su disco The Seduction Of Claude Debussy (1999), es el trabajo más importante de fin de siglo de música electrónica.  © epdlp




   The Jezabels
   The Brink (2014)

   10 MARZO 2014

   The Jezabels es un grupo australiano compuesto por Hayley Mary (vocalista y letrista), Heather Shannon (teclista), Nik Kaloper (batería) y Sam Lockwood (guitarra). Formados en Sydney en el año 2007, han editado hasta la fecha tres álbumes de estudio, Prisoner (2011), The Brink (2014) y Synthia (2016), además de multitud de ep´s en donde destacan particularmente el diseño de sus carátulas transgresoras. The Jezabels han evolucionado en sus pocos años de vida, del pop gótico de su álbum debut al pop-rock radiante y festivo de sus siguientes trabajos, producidos por Dan Grech-Marguerat, conocido por su colaboraciones, de entre otros, Lana Del Rey y Radiohead. Fueron en sus comienzos teloneros de grupos tan importantes como Pixies, Skunk Anansie o Depeche Mode y aunque en Europa no son muy conocidos, en su país, como ocurre con los también australianos The Temper Trap, son verdaderas figuras de la música pop. En sus canciones optimistas con destellos de amargura, se reconocen las baterías con sabor a Larry Mullen y las guitarras a lo The Edge, moduladas por esa voz potente y susurrante de Hayley Mary, que sí en su primer disco era la de Stevie Nicks, en los últimos es la de Chrissie Hynde. La música de The Jezabels es la conjunción de diversos estados de ánimo en un sonido, dream-pop de alta calidad cantado al borde del abismo.  © epdlp




   Laika
   Silver Apples of the Moon (1994)

   03 MARZO 2014

   Laika es una banda de Londres formada por Margaret Fiedler y John Frenett (cantante y ex-bajista de Moonshake, respectivamente), el ingeniero de sonido y productor Guy Fixsen (que había trabajado con Moonshake, The Breeders, Throwing Muses y My Bloody Valentine) y el batería Lou Ciccotelli. Su álbum de debut Silver Apples of the Moon (1994), calificado como un enlace perdido entre el avant funk de Can y el ambient jungle escuchado en London's pirates, los llevaron a compartir un tour por Estados Unidos junto a Tricky. Su segundo trabajo Sounds of the Satellites (1997), más melódico que su predecesor, cargado de psicosis urbana y una tensión rítmica fluida, les permitió una gira por el Reino Unido junto a Radiohead. Good Looking Blues (2000) y Wherever I am, I am what is missing (2003), sus dos últimos álbumes hasta la fecha, trajeron conjuntamente todo lo que Laika ama; grooves de baterías, bajos melódicos, letras blues/rap, melodías folk, instrumentación jazz/hip hop, clarinetes, trompetas y turntables. Laika fusiona material programado y ejecución en vivo para crear un sorprendente híbrido de pop experimental, crea música a un plano no-rock, buscando inspiración en los grooves hip-hop, techno, dub y jungle. Ritmos abrumadores, temas atemporales que buscan la eternidad, un intento consciente de parar el tiempo a través de susurros, de elegantes efectos de guitarra y bajos contundentes, de sobrios ritmos y percusiones.  © epdlp




   Dead Can Dance
   Anastasis (2012)

   24 FEBRERO 2014

   Los australianos Lisa Gerrard y Brendan Perry son Dead Can Dance. De origen anglo-irlandés, comparten una visión original y diferente del mundo que les rodea, atreviéndose con un concepto musical totalmente innovador y de altísima calidad, pletórico de sonidos percusivos. Sus ocho trabajos de estudio, llenos de influencias procedentes del Renacimiento y sus estéticas musicales, Dead Can Dance (1984), Spleen and Ideal (1985), Within the realm od the dying sun (1987), The Serpent's Egg (1989), Aion (1990), Into the Labyrinth (1993), Toward the Within (1994) y Spiritchaser (1996), conformaron su especial forma de entender la música, una mezcla inteligente de toques étnicos, rock tradicional y también estilos antiguos. Aclamados por la crítica, Dead Can Dance reinan ya en su particular tierra musical. Desde entonces las vidas de ambos músicos han seguido carreras distintas, Lisa Gerrard vive en Australia, componiendo bandas sonoras y álbumes, The Mirror Pool (1995), The Silver Tree (2006) y The Black Opal (2009), son sus tres trabajos en solitario, y Brendan Perry en Irlanda, colaborando en innumerables trabajos de otros músicos y editando dos álbumes de estudio, Eye of the hunter (1999) y Ark (2010). Anastasis (2012) es el reencuentro de Lisa Gerrard y Brendan Perry como Dead Can Dance, dieciséis años después.  © epdlp




   The Dining Rooms
   Ink (2007)

   17 FEBRERO 2014

   Dining Rooms son un dúo italiano compuesto por Stefano Ghittoni y Cesare Malfatti, ex miembro de la banda post-blues La Crus. Formados en 1998, al año siguiente editaron su primer trabajo, Subterranean Modern (1999), caraterizado por el uso de ritmos hip-hop y funk, bajo un manto de melancólicas guitarras. En el segundo, Numero Deux (2001), y ya con el sello Guidance Records de Chicago, penetraron en los sonidos atmosféricos del jazz y el soul minimalista. En Tre (2003) y en Ink (2007), consiguieron reunir a varios colaboradores de lujo que dieron realce y “carácter” al grupo, los vocalistas Sean Martin y Anna Clementi, el batería Leziero Rescigno, el bajista Marcello Testa y Vincent Dalschaert (piano), junto al talento de Maria Arena, autora de los videos que acompañan sus actuaciones. Lonesome Traveller (2011) y Do Hipsters Love Sun (Ra)? (2015), fueron sus últimos álbums. Stefano Ghittoni tiene un grupo paralelo llamado Double Beat, junto a Marco Rigamonti, orientado a la música africana, al funk y al house. Apasionados por el cine, y especialmente de la nouvelle vague francesa, The Dining Rooms, que también han editado algún disco con el nombre de Noorda, hacen trip hop, ambient y downtempo, todo eso reciclado y condimentado con gotas del jazz más actual. Atmósferas nocturnas, estética musical llena de energía e imaginación, serenatas de fragancia con sabor a club privado, una galería de emociones y sensaciones sin tregua que los ha convertido en el grupo de referencia del future jazz y de la escena post electrónica europea. © epdlp




   JJ
   n° 2 (2009)

   27 ENERO 2014

   El prestigioso sello discográfico Sincerely Yours (Henning Fürst y Eric Berglund), ha sido a lo largo de la última década, responsable del descubrimiento de grupos tan innovadores como Air France, The Honeydrips, Nordpolen, Joel Alme, Jonas Game, el príncipe Avner, los norteamericanos Memory Tapes y los de su propia banda, Tough Alliance. El sello se ha convertido también en el sueño incansable de la búsqueda de un pop contemporáneo transgresor y profundamente innovador. JJ, que es su nuevo descubrimiento, es un dúo formado por Joakim Benon y Elin Kastlander. Han editado tres álbumes de estudio, nº 2 (2009), nº 3 (2010) y V (2014), aunque muchos echarán en falta el nº 1 que simplemente fue un EP de presentación. Aunque de JJ se sabe poco, sólo que son una banda surgida del hielo, que son suecos y que carecen de cosas aparentemente fundamentales para la vida moderna como MySpace o web convencional. No nos importa, JJ son la quintaesencia del ritmo mecánico humanizado, aderezado con voces candorosas. Una delicia de pop transoceánico y electrónica atemporal.  © epdlp




   Macaco
   Puerto Presente (2009)

   20 ENERO 2014

   Macaco es el apodo con que se conoce al músico catalán Dani Carbonell. Sus composiciones ejemplifican como pocas el mestizaje y la fusión en el mundo de la música, dotándolas de una fuerza y vitalidad difícilmente superables en el panorama nacional. Su mezcla de sonidos latinos, brasileños y africanos unidos al hip-hop, el ska y la rumba catalana convierten a Dani Macaco y su banda de argentinos, colombianos, brasileños y españoles, en estandarte de la Barcelona más globalizada y multicultural. Dani Carbonell proporcionó su voz y energía a las aventuras de gente como Dusminguet, Magia Animal, Dr. No, Ojos de Brujo, Amparanoia y Los de Abajo, antes de publicar su primer álbum, El mono en el ojo del tigre (1999), proyecto hijo del boom de mestizaje latino provocado por Manu Chao con su Clandestino. A éste siguieron, Rumbo submarino (2001), Entre raíces y antenas (2004), Ingravitto (2006) y Puerto Presente (2009). La banda que le acompaña está compuesta por el argentino Martin Fucks (guitarra y voz), los colombianos Carlos Jaramillo (sonidub) y Beto Bedoya (percusiones y voz), el brasileño Sandro Dos Santos (percusión) y los españoles Fran Beltrán (teclados), Salva Suau (batería), Sebi Suárez (bajo) y Marc Artis (teclados). Macaco hace de cada tema una fiesta del ritmo con letras muy cercanas a besar el intelecto y el corazón, su multisonoridad y desparpajo en los escenarios comunican fácilmente con el público, haciéndolo estallar con ritmos que le hacen sucumbir ante el baile. Un intento de tender puentes entre la globalización de raíz y los sonidos contemporáneos, músicas cruzadas y mensajes de vocación universal con el mar como protagonista.  © epdlp




   Malcolm McLaren
   Paris (1994)

   13 ENERO 2014

   Si los Sex Pistols, anteriormente llamados The Swankers, fueron el primer grupo de música punk de Inglaterra, eso se debió en gran medida al productor Malcolm McLaren. El notable promotor-manager-gurú inglés, simpatizante del movimiento suprematista y dueño de una tienda de moda junto a su mujer la diseñadora Vivianne Westwood, y que antes había lanzado a la fama a los New York Dolls, consiguió que los Sex Pistols en sólo tres años de vida (1975-78), se convirtieran en un verdadero fenómeno mediático. El punk fue una música que existía antes incluso de saberlo, que no tenía nombre hasta que alguien decidió usar un fanzine norteamericano editado por Legs McNeill y John Holmstrom llamado así, y que fue toda una filosofía estética y un acontecimiento del underground neoyorquino. Malcolm McLaren decidió implantarlo como movimiento, por su cuenta y riesgo, en Londres, amparándose en los Sex Pistols. Su estrategia para los Pistols fue la teoría del caos, un descontrol que nada tenía que ver con la música. Johnny Rotten, Sid Vicious y compañía tenían poco de creatividad en sus cabezas, él lo sabía, y tal como los creó los destruyó. A partir de entonces la carrera de Malcolm McLaren como constructor de melodías ha sido ecléctica, Duck Rock (1983), producido por Trevor Horn, Fans (1984), un álbum de versiones de grandes arias operísticas, Swamp Thing (1985), un disco de remezclas que tiene la colaboración de la componente de Art of Noise y compositora de bandas sonoras, Anne Dudley; Waltz Darling (1989), The World's Famous Supreme Team Show (1990), Carry On Columbus (1992), éste último con el nombre de Fantastic Planet junto a Lee Gorman, Paris (1994), con las voces de Catherine Deneuve, Amina, Françoise Hardy y Wasis Diop, y Buffalo Gals Back to Skool (1998), otro álbum de remezclas. Malcolm McLaren ha sido definido como uno de los grandes visionarios de la cultura joven de todos lo tiempos, y su papel ha sido comparado con el que jugó Brian Epstein con respecto a los Beatles. Un hacedor de elementos que sacuden la apatía y el aburrimiento, el carisma que te deja llevar fácilmente por la fuerza y la lógica interna de una idea y una expresión.  © epdlp




   De-Phazz
   Lala 2.0 (2010)

   06 ENERO 2014

   De-Phazz es la abreviatura de Destination Future Jazz. Esta agrupación germana, residentes en Heidelberg y fundada por el compositor y productor Pit Baumgartner, está compuesta principalmente por cuatro músicos curtidos y versátiles. Los cantantes y compositores Karl Frierson, Pat Appleton y Barbara Lahr, junto a Pit Baumgartner (guitarra y samplers), ejecutan pequeñas perlas de ingeniería lounge, mezclada con easy listening, electrónica-orgánica, dancehall y lo que se les ponga por delante. Al trío les acompaña un bongo itinerante, en el que destacan, Jan Fride (batería), Roy Randolf (percusión), Joo Kraus (trompeta), Eckes Malz (teclados) y Otto Engelhardt (trombón). Detunized gravity (1997), Godsdog (1999), Death by Chocolate (2001), Daily Lama (2002), Plastic Love Memory (2002), Natural Fake (2005), Days Of Twang (2007) y Lala 2.0 (2010), son sus ocho álbumes de estudio que los colocan, junto a Saint Germain y Jazzanova, en esa punta imaginaria de un iceberg llamado nu-jazz. La aparición de su canción ¿Something special?, incluida en el cd Death by Chocolate, en un anuncio de tv, aumentó notablemente su popularidad, comparándolos con bandas como Combustible Edison o Pink Martín en versión digital, aunque todo el mundo sabe que son mucho más que eso. Las portadas de sus trabajos, obra del diseñador Olaf Becker, acentúan esa iconografía chic de la que el grupo hace gala. De-Phazz crean un cóctel vigoroso de música de salón que bebe del jazz moderno y el dance más cool, infinidad de gotas de elixir con gusto a glamour y elegancia demodé, todo ello aderezado con buen gusto, nivel instrumental y un estilismo retro de lo más fashion. Un combinado, más batido que agitado, dónde la libertad creativa es su gran baza, el último invento anti-estrés que hace que en tu discoteca por fin brille el sol.  © epdlp




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