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       Música - Todos los álbumes de la semana 
 
    
 

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   Dreadzone
   Escapades (2013)

   28 DICIEMBRE 2015

   Dreadzone son un grupo inglés que está formado en la actualidad por Greg Roberts, Leo Williams y Earl Daley, los dos primeros ex componentes de BAD (Big Audio Dynamite), escisión de la banda de punk The Clash. Propietarios del club nocturno londinense Dubwiser, son un ejemplo luminoso de los magníficos resultados de unir la frialdad de los instrumentos electrónicos con el calor de sonidos como el reggae. Han publicado los siguientes álbumes de estudio, 360 Degrees (1993), Second Light (1995), Biological Radio (1997), Sound (2002), Once Upon A Time (2005), Eye On The Horizon (2010) y Escapades (2013). En ellos incorporan su arriesgada apuesta por un sonido espectacular, en ocasiones cercano a la worldmusic, junto a sonidos clásicos más sobrios, más oscuros y dramáticos que incitan al baile. La combinación abrasiva de batería, bajo y diversos instrumentos electrónicos, junto a influencias completamente sorprendentes y un nivel de superación estético sólo comparable a un lienzo a punto de ser plasmado, los convierte en un conjunto audaz que crea el dub más sofisticado que puedas escuchar. La representación máxima del baile como forma de vida, la realidad última de lo visible y lo invisible, el triunfo del ritmo sobre la razón.  © epdlp




   Lisa Gerrard
   Twilight Kingdom (2014)

   14 DICIEMBRE 2015

   De origen anglo-irlandés, la australiana Lisa Gerrard comparte una visión original y diferente del mundo que le rodea. Junto a Brendan Perry y como Dead Can Dance, lanzaron al mercado ocho trabajos de estudio llenos de influencias procedentes del Renacimiento y sus estéticas musicales, una especial forma de entender la música, una mezcla inteligente de toques étnicos, rock tradicional y también estilos antiguos. Aclamados por la crítica, Dead Can Dance reina ya en su particular tierra musical. Actualmente su carrera va por otros derroteros, compositora de bandas sonoras, El niño de la luna (1988), Baraka (1992), El dilema (1999), Gladiator (2000), Whale Rider (2002) y una carrera paralela en solitario con notables trabajos de estudio, The Mirror Pool (1995), Duality (1998) con Pieter Bourke, Whale Rider (2003), Immortal Memory (2004) con Patrick Cassidy, The Silver Tree (2006), Black Opal (2009) y Twilight Kingdom (2014). Aprovechando que los caprichos de los músicos son ventanas hacia su intimidad, hay un elemento que es siempre fiel reflejo del tamaño de un compositor. Así como a los árboles se les mide la edad contando el número de círculos que tienen en el tronco, Lisa Gerrard es un árbol centenario, porque su música es el origen de la sabiduría milenaria. Su meta es buscar la belleza perdida, la eterna meta humana de lograr una existencia significante.  © epdlp




   London Elektricity
   Are We There Yet? (2015)

   07 DICIEMBRE 2015

   Fusionar un sub-estilo de ghetto con otros más populares, es siempre tarea difícil y complicada. Tony Colman es el mejor exponente del verdadero sonido soulfull drum'n'bass. Junto a Chris Goss fundó Elektric Productions en 1996 y más tarde el sello Hospital Records (imprescindibles sus recopilatorios bajo el nombre Weapons Of Mass Distraction), formando al mismo tiempo proyectos paralelos llamados Future Homosapiens, Dwarf Electro y Orkestra Galactica. Su estreno como London Elektricity fue el aclamado álbum Pull the plug (1998), una poderosa amalgama de sonido soulfull de alto voltaje, donde voces masculinas y femeninas se enlazaban con enérgicos bajos y característicos ritmos del jungle. Cuatro años más tarde Chris Goss abandona el dúo para dedicarse en exclusiva a su sello discográfico Hospital Records. Ya en solitario, Tony Colman, que en ese periodo de tiempo remezcló a gente como The Headhunters, Nitin Sawnhey y UFO, edita su segundo trabajo, Billion Dollar Gravy (2003), un clásico que sigue las pautas heredadas del progressive, con tracas de diversos colores y excelentes vocalistas a punto de explotar. En Power Ballads (2005), su tercer trabajo en el que participan las voces de MC Wrec y la leyenda del jazz Liane Carroll, continúa con su línea melódica bien sujeta, el bajo donde debe estar y el eficaz contrapunto rítmico para que se te muevan los pies. Syncopated City (2008), Yikes! (2011) y Are We There Yet? (2015), son sus últimos trabajos. En sus conciertos en directo, Tony Colman y su banda no utilizan ningún tipo de hardware, ni existe el playback. Únicamente verás a unos músicos concentrados en sus instrumentos y unos vocalistas con el alma entre las cuerdas vocales, algo sorprendente y meritorio en un grupo electrónico. London Elektricity ejecuta un drum'n'bass orgánico y asimilable para aquellos que huyen de la pista con el rabo entre las piernas en cuanto el hard-step hace acto de presencia. Música vital con un aura de neblina, que crea espacios de formas obsesivas.  © epdlp




   Ben Folds & Nick Hornby
   Lonely Avenue (2010)

   30 NOVIEMBRE 2015

   Ben Folds Five, eran una banda norteamericana de raíces jazzisticas y poperas, que tuvieron una influencia notable en la década de los noventa. Sus canciones imbuidas de letras inteligentes, fueron toda una alternativa a los grupos grunge e Indie de aquella época. Logró algunos éxitos notables con sus tres discos de estudio, Ben Folds Five (1995), Whatever and Ever Amen (1997) y The Unauthorized Biography of Reinhold Messner (1999). Su disolución en el año 2000, llevó a su líder el pianista y cantante Ben Folds a iniciar una difícil carrera en solitario, en la que nos ha mostrado su visión del mundo a través de historias exclusivas que el convierte en esenciales. Sus cuatro álbumes así lo atestiguan, Rockin' the Suburbs (2001), Songs for Silverman (2005), Way to Normal (2008) y Lonely Avenue (2010). En éste último trabajo tiene la aportación extraordinaria del prestigioso escritor británico Nick Hornby, autor de las excelsas novelas "Fiebre en las gradas", "Alta Fidelidad", “31 canciones” y "Érase una vez un padre" y creador asimismo de la totalidad de las letras de las canciones. Uno compone la música y el otro escribe canciones brillantes para que Ben las cante. Además el disco cuenta con los arreglos de Paul Buckmaster, uno de los mejores arreglistas de cuerdas del mundo. David Bowie, Leonard Cohen o Elton John, así lo refrendan. El resultado final es un trabajo memorable compuesto de once paraísos sonoros atiborrados de sensibilidad y de elegante pop orquestal. Nick Hornby por fin ha conseguido lo que siempre anhelaba, que sus palabras sean melodía fuera de sus libros, al fin y al cabo, él siempre representó a la gente que no tenía voz.  © epdlp




   Rudimental
   We The Generation (2015)

   23 NOVIEMBRE 2015

   Rudimental es un cuarteto inglés afincado en Londres, compuesto por el ingeniero de sonido Amir Izadkhah (alias Amir Amor), el disc-jockey Leon Rolle (alias DJ Locksmith), Kesi Dryden y Piers Aggett, todos ellos compositores y productores. En el año 2012 editaron el single Feel the love, que llegó al número 1 de las listas británicas. Su álbum debut, Home (2013), con colaboraciones tan importantes como la cantante de soul y R&B Emeli Sandé, descubre a una buena cantidad de vocalistas más que interesantes, Sinead Harnett, Ella Eyre, John Newman y MNEK, todos con un futuro esplendoroso. Empapados de la cultura underground de Londres, su directo que tiene fama de contundente, hasta 12 personas en escena, tuvo su máximo apogeo en el Festival Sónar de ese año, donde eclipsaron a los cabezas de cartel del evento, Massive Attack y Nile Rodgers, entre ellos. Adictos al drum&bass, ese estilo lo mezclan con el blues, el jazz, el hip hop, el house y sobre todo con el soul, lo que les convierte en abanderados de una nueva corriente musical todavía inexplorada. We the generation (2015), su segundo trabajo, tiene colaboraciones tan importantes como Ed Sheeran, Will Heard y el fallecido Bobby Womack. Ante un mundo por hacer, únicamente valen los procedimientos que incluyan lo lúdico, Rudimental son la inspiración de los poetas que conservan su ingenuidad, la mirada alucinada y serena al mismo tiempo de unos músicos que buscan una respuesta a interrogantes que les estimulen a seguir creyendo que avanzamos.  © epdlp




   Natalia Lafourcade
   Hasta la Raíz (2015)

   16 NOVIEMBRE 2015

   Dicen que los músicos siempre buscan esa codiciada libertad creativa que los sellos discográficos les dificultan, siempre con la excusa de que lo más importante es la reiterada y supuesta comercialidad. La mexicana Natalia Lafourcade ha creído en sí misma, y por eso es libre como un tigre (aludiendo al diseño artístico de su disco Hu hu hu), para componer pop verdaderamente orgánico, casi como un juego y casi como un cuento mágico. Natalia Lafourcade (2002) fue su primer álbum, preferentemente acústico y acompañado de su banda La Forquetina, originalmente integrada por Poncho Degert (guitarra), César Chanona (bajo), Yunuen Viveros (teclados) y Alonso Cortés (batería). El segundo, Casa (2005), producido por el que sería a partir de entonces su ?protector? de éste y sus siguientes discos, Emmanuel del Real (Meme), de Café Tacuba. Emmanuel del Real influyó notablemente en el cambio radical de la cantante hacia el rock electrónico. El tercer trabajo, Las 4 Estaciones del Amor (2007), fue un disco instrumental de sólo cuatro temas, en colaboración con la Orquesta Sinfónica Juvenil del Estado de Veracruz. Hu Hu Hu (2009), fue su propuesta más consolidada en un viaje a la experimentación sin complejos. Mujer Divina - Homenaje A Agustín Lara (2012) y Hasta la Raíz (2015), son sus últimos trabajos. Con una voz educada y en ocasiones con rasgos felinos que la separa definitivamente de su madrina Julieta Venegas, acercándola definitivamente al pop orquestal de corte elitista. Natalia Lafourcade, que es colaboradora habitual de la banda People Project, tiene una gran influencia de músicos como la cantante canadiense Leslie Feist o el cantautor norteamericano Sufjan Stevens y sus composiciones se asemejan vitalmente a las de la cantante londinense Lily Allen y a las de la islandesa Bjork.  




   Dominique A
   Tout sera comme avant (2004)

   02 NOVIEMBRE 2015

   La nueva chanson es una expresión utilizada para englobar a los músicos surgidos en Francia a partir de los años 90 que recuperan el legado de la canción tradicional de su país, combinándolo con pop y rock contemporáneo de origen anglosajón. Son herederos de los clásicos franceses como Jacques Brel, Léo Ferré, Serge Gainsbourg y Françoise Hardy, a los que suman otras influencias de grupos contemporáneos de pop y rock alternativo. Existen varios iconos representativos de ésta tendencia, Yann Tiersen, Benjamín Biolay, Carla Bruni, Phillipe Katerine, Bertrand Bestch, el grupo Autor de Lucie, pero sobre todo Dominique A. Dominique Ané, que así es su verdadero nombre, comenzó su carrera en el año 1991, componiendo canciones minimalistas sumergidas en un rock de vanguardia. Con el paso de los años evolucionó hacia la experimentación de los sonidos volcándose en formas más exuberantes y menos minimalistas. Ha colaborado a lo largo de su carrera con diferentes artistas, principalmente poniendo su voz, entre ellos cabría destacar a Vincent Delerm Kensington Square, Keren Ann, Jeanne Balibar, Jane Birkin y su ex compañera Françoiz Breut. Sus trabajos de estudio son La fossette (1992), Si je connais Harry (1993), La mémoire neuve (1995), Remué (1999), Auguri (2001), Tout sera comme avant (2004), L'horizon (2006), Sur Nos Forces Motrices (2007), La Musique (2009), Vers Les Lueurs (2012) y Éléor (2015). Los últimos con su propia producción discográfica. Dominique A, gigante del escenario de la música francesa, intelectual, laberíntico y conmovedor, reconoce que sus gustos son menos pop y que su fin principal al componer es intentar encontrar siempre la atmósfera de una canción y no su melodía. Esa atmósfera de la inteligencia, que es a su vez imaginativa, y que convierte las convulsiones de sus notas en verdaderas revelaciones.  © epdlp




   Half Moon Run
   Dark Eyes (2012)

   26 OCTUBRE 2015

   Half Moon Run son una banda canadiense afincada en Montreal. El grupo, conocido por el uso intensivo de la percusión, y por jugar con instrumentos innovadores durante sus actuaciones en directo, está compuesto por Devon Portielje (voz principal, guitarra y percusión), Dylan Phillips (batería y teclado), Conner Molander (guitarra y teclado) e Isaac Symonds (percusiones, mandolina, teclado y guitarra). Su álbum debut, Dark Eyes (2012), producido por Daniel Lagacé y Nygel Asselin, tuvo la aclamación de la crítica especializada, lo que les permitió realizar giras por Europa, Australia y América del Norte, con la guinda final del clamoroso concierto en el Festival de Glastonbury del 2013. En otoño del 2015 lanzaron su segundo y esperado álbum, Sun Leads Me On, grabado en los Bathouse Studios de Ontario junto al productor Jim Abbiss, hacedor de estrellas de la talla de Arctic Monkeys y Adele. Teloneros en sus comienzos de bandas a las que admiraban, como Arcade Fire o Mumford And Sons, su sonido final está más cercano al art-rock que al indie-rock como a veces han sido clasificados. En Half Moon Run todos cantan y todos tocan varios instrumentos, pero fundamentalmente crean atmósferas de seducción y arrebato preciosista.  © epdlp




   Everything But The Girl
   Temperamental (1999)

   19 OCTUBRE 2015

   EBTG fue fundado en 1982 por los estudiantes de la Universidad de Hull, Tracey Thorn y Ben Watt. El dúo tomó su nombre de una señal puesta en la ventana de una tienda de muebles local que exhibía "Para el dormitorio de sus sueños, vendemos todo menos a la chica". En el momento de su formación, Tracey Thorn (componente de las Marine Girls), y el cantante multi-instrumentista Ben Watt (que había publicado varios singles y colaborado con Robert Wyatt), firmaron con el sello independiente Cherry Red. Debutaron con una interpretación de la samba de Cole Porter "Night and Day" que fue un éxito en las listas independientes del Reino Unido. En 1992 Ben Watt enfermó debido al Síndrome de Churg-Strauss, una extraña enfermedad del sistema inmunológico que lo llevó al borde de la muerte. Después de un año en recuperación, escribió varias nuevas canciones que el dúo grabó para su incorporación en "Home Movies", una colección de singles de 1993. En 1994, colaboraron con los innovadores del dub-trance "Massive Attack" en su álbum "Protection". Sus trabajos de estudio son, Eden (1984), Love not money (1985), Baby, The Star Shine Bright (1986), Idlewide (1988), The language of life (1990), Worldwide (1991) y Amplified Heart (1994). En Temperamental (1999) su noveno trabajo de estudio, profundizan la fusión de su pasado pop con las corrientes más actuales de la música de baile, un camino que iniciaron en 1995 con la remezcla innovadora de Todd Terry en "Missing" y que afianzaron en su penúltimo álbum Walking Wounded (1996), los placeres del drum'n'bass. Las influencias del dúo, fruto del contacto con lo más granado de la música dance, y la experiencia que Ben Watt ha ido acumulando a los platos de Lazy Dog (su club en pleno corazón de Londres), configuran actualmente su música. En ella están presentes todas las últimas tendencias del universo electrónico, resaltadas por la sensibilidad y calidez humana de la voz de Tracey Thorn. Poseedores de un particular sonido, que sabe mezclar magistralmente corrientes como el jazz, el pop y la electrónica, con el paso del tiempo se han convertido en un grupo de referencia a la hora de hablar de música popular en clave vanguardista o de electrónica sofisticada y elegante.  © epdlp




   New Order
   Music Complete (2015)

   12 OCTUBRE 2015

   Lo que los Sex Pistols iniciaron en 1976 no era solo rock sino algo mucho más sombrío. Joy Division (1977-1980) estuvo directamente inspirado por los Sex Pistols, al iniciar uno de los viajes más oscuros de la historia de la música. Hicieron pedazos el reino del rock componiendo música a un tiempo potente y sutil, pero cargada de dolor. Ian Curtis era su líder, el idealista iluminado que apoyado por los otros miembros de la banda, Bernard Sumner (voz y guitarra), Peter Hook (bajo) y Stephen Morris (batería) se impulsaban hacia lo desconocido. La muerte prematura de Ian Curtis en 1980 precipitó que los otros tres componentes, junto a la teclista Gillian Gilbert incorporada unos meses después, fundaran New Order. Desde entonces, el grupo pop de pasado oscuro se convertiría en una de las mejores bandas de los ochenta, una banda que, al igual que Joy Division, abrió caminos y se constituyó en un referente obligado para la mayor parte de los grupos que aparecieron después. Movement (1981), Power, Corruption & Lies (1983), Low-Life (1985), Brotherhood (1986), Technique (1989), Republic (1993) y Get Ready (2001), fueron sus siguientes trabajos de estudio. Además todos los componentes tuvieron proyectos paralelos, Sumner junto a Johnny Marr (ex guitarrista de los Smiths) formó Electronic; Hook junto a David Potts creó Revenge y posteriormente Monaco, y Gilbert y Morris grabaron solos con el nombre de The Other Two & You. New Order mezcla la música electrónica, el rock, el dance y el punk, con un particular aire romántico, que aglutina públicos heterogéneos, rockeros, ravers, indies, modernos y nostálgicos. En Waiting For The Sirens Call (2005) se sumergieron en el nuevo milenio con su sonido de siempre, melodías lúgubres y pegadizas, enérgica presencia del bajo e inclasificable sonido de los teclados. Después de un trabajo mediocre como Lost Sirens (2013), con Music Complete (2015), volvieron a su sorprendente optimismo y frescura, un álbum que enseña al resto del mundo cómo debe ser elaborada la música pop.  © epdlp




   Nuspirit Helsinki
   Nuspirit Helsinki (2002)

   05 OCTUBRE 2015

   Si la fusión instrumental orgánica con texturas electrónicas produjera música sofisticada y emocionante, ésta tendría un nombre, el colectivo finlandés Nuspirit Helsinki. Productores enormemente valorados dentro del nu-jazz, sus tres EPs de culto, Take it Back (1999), Makoomba Breaks (2000) y Montana Roha Jazz (2001), dieron paso a su álbum debut Nuspirit Helsinki (2002). Este trabajo lleno de esencia downtempo, mantiene como hilo conductor el mantener un enfoque jazzy bajo un telón electrónico, fusionando sin complejos jazz, funk, soul, sonidos afrolatinos e incluso cortes deep house, todo ello con una calidad que se ve acentuada con la participación de vocalistas de la talla de Nicole Willis, Lisa Shaw, Nicole Perkins u Ona Kamu. Considerados uno de los grupos más importantes del nu-jazz, junto a los alemanes Truby Trio y el italiano Nicola Conte, nos acercan al abstract-jazz escandinavo, que aunque más oscuro, parece que está tomando el relevo del francés. Tuomas Kallio (guitarra), Hannu Nieminen (DJ Ender), Kim Rantala (teclados), Toni Rantanen (programación) y Eppu Helle (programación), son los responsables de ésta misión musical que desnuda los paladares más exquisitos.  © epdlp




   Paul Oakenfold
   Bunkka (2002)

   28 SEPTIEMBRE 2015

   El inglés Paul Oakenfold inició su carrera como DJ a los 16 años tocando en los bares de Covent Garden. Durante los años 70 trabajó en Nueva York para Arista Records donde absorbió el movimiento disco que tenía mucha fuerza en esa ciudad. Paul Oakenfold es el DJ y productor que más influyó en el movimiento house de Inglaterra durante los años 80 y prueba de ello es su contribución como agente y promotor de los Beastie Boys y Run-D.M.C, su papel crucial en dar a conocer el house durante 1987-1988 y la introducción del mix de house, soul, disco italiano y música alternativa en Ibiza. En su retorno de Ibiza, junto con Ian St. Paul, quisieron recrear el éxito de los after parties y crearon un lugar para hacerlo, Future que luego se convirtió en Spectrum espacio que ayudó a establecer el movimiento acid house. En 1989 formó Perfecto Records y luego junto con Steve Osborne, trabajó con el grupo Happy Mondays. Desde allí Oakenfold y Osborne fueron requeridos por los mejores artistas del mundo como U2, Simply Red, New Order, The Cure, M People y Stone Roses entre otros, logrando la nominación de mejores productores de 1990 a 1993. En 1994 inauguró en Londres el Club Ministry of Sound y se convirtió en residente de otro súper club, el Liverpool's Cream en lugar de trabajar con artistas independientes. Luego de todo eso el gurú del trance salió a la cancha con Bunkka su primer disco como artista y productor. En él mostró todo el back up musical que tiene, abrió mucho mas el catálogo de estilos que en otras oportunidades (Swordfish Soundtrack) y demostró cómo hacer bailar de una forma más que inteligente. Los sonidos incluyen, bases quebradas, teclados progressive, colchones ambient y muchísimos matices con las voces invitadas aprovechadas de maravilla. Bunkka es un disco para fanáticos, pero con los condimentos que puede ponerle la que seguramente es la figura más importante que el dance dio en la primera década del siglo XXI.  © epdlp




   Anneli Drecker
   Tundra (2000)

   21 SEPTIEMBRE 2015

   Los noruegos Bel Canto son, tras la desaparición o hibernación de Cocteau Twins y Dead Can Dance, las únicas de estas tres leyendas que se mantenían generando música sublime para el deleite de nuestros sentidos. La aseveración no es del todo exacta, pues la pareja hace ya muchos años que no edita ningún trabajo conjunto y las trayectorias del dúo están más dedicadas a sus propias carreras en solitario y a colaboraciones diversas, que a las del propio grupo. Editaron seis álbumes de estudio, White Out Conditions (1987), Birds of Pasage (1990), Shimering, Warm & Bright (1992), Magic Box (1996), Rush (1998) y Dorothy's Victory (2002), siendo además los encargados de crear la música original de los Juegos Olímpicos de invierno en Lillehammer. A partir de entonces Nils Johansen se ha centrado en su proyecto Vajas, junto al violinista Ande Somby y la cantante Kristin Mellem, mientras que Anneli Drecker publicó dos álbumes en solitario, Tundra (2000) y Frolic (2005), una obra maestra de ingeniería tecnológica. Además ha colaborado con músicos del prestigio de Tsunematsu Matsui, Jah Wobble, Hector Zazou, y con los grupos A-Ha y Röyksopp. En su último trabajo, Rocks & Straws (2015), nos propone la interiorización de un viaje que comenzó en 1986 con Bel Canto y que con el paso de los años se ha hecho más claro y diáfano. La música de éste álbum memorable, en el que las letras están basadas en poemas del escritor noruego Arvid Hansen, se recrea más que nunca en el paisaje acústico nórdico, añadiendo influencias de la música de todo el mundo. Quizá es lo que transmiten las palabras del poeta, que Anneli con su música las convierte en luz, pura esperanza, que barre la oscuridad.  © epdlp




   Bob Holroyd
   A different space (2000)

   14 SEPTIEMBRE 2015

   Bob Holroyd está situado en primera linea entre los músicos más innovadores de la escena actual. Su música electrónica abstracta, cercana a la world-music, tiene sus influencias en compositores tan variados como Peter Gabriel, David Sylvian, Arvo Part, Ryuichi Sakamoto. Steve Reich, XTC o David Byrne. Es el fundador en el año 1987 de la compañía Soundscape Music, y hasta la fecha ha publicado seis álbumes de estudio, Fluidity & structure (1991), Stages (1996), A different space (2000), Without Within (2003), Hollow Man (2006) y Beachcombing (2011). Bob Holroyd combina la música ambient con ritmos intensos de todo el mundo, calidad e imaginación que busca la emoción del que la escucha.  © epdlp




   Art of Noise
   The Seduction of Claude Debussy (1999)

   07 SEPTIEMBRE 2015

   Art of Noise es una banda imaginativa, pionera de la música electrónica de fines de los 80. Bajo una formación en apariencia fantasmal, sus miembros nunca se fotografían para la autopromoción, forjaron su reputación a raíz del disco Who's Afraid of The Art of Noise? (1983), considerado hoy en día una de las biblias del sampleo. Su música tenía la particularidad de que descontextualizaba elementos tan dispares como ruidos de coches y voces de diversa procedencia, con música clásica o de vanguardia. El grupo lo fundaron los músicos ingleses Trevor Horn, Anne Dudley (actualmente prestigiosa creadora de bandas sonoras) y J.J. Jeczalik. Horn, ex integrante de Buggles, músico y productor que ha trabajado con grupos en su mayoría versados en el tecno-pop, ha impulsado bandas como ABC, Propaganda, Frankie goes to Hollywood, Seal, Malcolm McClaren y colaboró en el famoso Slave to the Rythm de la rugiente Grace Jones (1985), junto a David Gilmour de Pink Floyd. También son recordadas sus colaboraciones con Duane Eddy, Max Headroom y la popular versión de Kiss, a cargo de Tom Jones. El nombre del grupo es una aproximación genealógica a la música que, un grupo de artistas a comienzos del siglo XX empezó a experimentar con composiciones inspiradas en el devenir mecánico y eléctrico de la ciudad. Construyendo cajas caseras a las que incorporaban diferentes sonidos de la urbe, este grupo de artistas futuristas comenzó a hacer algo parecido al tecno, pero todavía sin la incorporación de beats, los golpes que delimitan el tiempo rítmico en la nueva música electrónica. Art Of Noise lo compusieron en la última época, Lol Creme (vocal, guitarra, teclados), Anne Dudley (vocal, piano, teclados), Trevor Horn (vocal, teclados, bajo) y Paul Morley (vocal, teclados). The Art of Noise toma su música de varias fuentes, hip hop, jazz, R&B, pop, drum'n'bass, sonidos, y todo lo que crea su estilo experimental y post-futurista. Algunos consideran que su disco The Seduction Of Claude Debussy (1999), es el trabajo más importante de fin de siglo de música electrónica.  © epdlp




   Jazzanova
   Funkhaus Studio Sessions (2012)

   31 AGOSTO 2015

   El grupo Jazzanova editó su primer trabajo, un maxi-single titulado "Fedtimes Flight" en el año 1997. Con el devenir de los años y los sucesivos maxis, en los que entremezclaban covers y remixes con temas propios, la expectación por su álbum de debut crecía de modo exponencial. In Between (2002) fue el nuevo (y paradójicamente) álbum debut de Jazzanova. Un trabajo que implicó dos años de trabajo en estudio y mucha presión por la popularidad que habían brindado sus remezclas por todo el mundo. Muy en la línea musical de otros grandes monstruos de la fusión electrónica-jazzística-ambiental como De-Phazz o 4 Hero, su música predominantemente vocal, ritmos combinados de drum’n’bass y breakbeats interpretados como lo haría el mismísimo Alvin Queen, pianos y marimbas de ensueño, downtempo funky y coros envolventes. El colectivo conocido como Jazzanova, formado por elementos de muy distinta procedencia y cultura musical, Jürgen von Knoblauch, Alexander Barck, Claas Brieler, Stefan Leisering y Rosko Kretschmann, han conseguido convertirse en clásicos, en verdadero puntal de referencia de esto que ha dado en llamarse nu-jazz.  © epdlp




   Dhafer Youssef
   Abu Nawas Rhapsody (2010)

   24 AGOSTO 2015

   El oud, o laúd árabe, es un instrumento fabricado en madera de caja de resonancia redondeada con forma de pera, un mástil más corto y carece de trastes. Su sonido le ha convertido en uno de los instrumentos más populares de Egipto. El compositor y cantante tunecino Dhafer Youssef, es el intérprete más importante de éste instrumento en su faceta jazzística. Su intención de explorar nuevos horizontes, le llevó a Viena, donde el multiculturalismo de ésta ciudad le cambió su forma de entender la música. En Viena publicó su primer álbum, Musafer (El viajero en árabe, 1996), al que siguieron Malak (1998) y Electric Sufi (2001). En éste último muestra por primera vez su interés por la ondulación, la experimentación de la voz y la utilización de ésta como un instrumento. Más tarde editaría Digital Prophecy (2003), Divine Shadows (2005) y Abu Nawas Rhapsody (2010). En Birds Requiem (2013), su último trabajo, está acompañado de gente tan importante como el trompetista Nils Petter Molvaer, el pianista Kristjan Randalu, el guitarrista Eivind Aarset y el maestro del kanun (salterio) Aytaç Dogan. Todos ellos colaboran en esta descomunal sinfonía árabe-jazzística, que se apodera de la fortaleza de la tecnología para colorear una variedad de sonidos tan antiguos como la propia humanidad. En realidad Dhafer Youssef podría haber nacido hace dos mil años y haber detenido el tiempo, su voz que parte en un susurro y se encumbra hasta unos quejidos intensos y ancestrales, finaliza en una catarsis de refrescante desconcierto.  © epdlp




   Carmen Rizzo
   Looking Through Leaves (2010)

   17 AGOSTO 2015

   Carmen Rizzo es un músico, productor y dj estadounidense que comenzó trabajando con los grandes productores de discos de la década de los noventa, Trevor Horn y Marius De Vries, para más adelante fundar el grupo Niyaz, junto a la vocalista Azam Ali y el multi-instrumentista Loga Ramin Torkian. El trío, ha renovado el panorama musical oriental, principalmente el de la música tradicional iraní, llenándola de sonidos electrónicos contundentes y ritmos actuales. Niyaz, que en persa, significa "anhelo", ha publicado tres álbumes de estudio, Niyaz (2005), Nine Heavens (2008) y Sumud (2012). También es autor de sus propios trabajos en solitario, The Lost Art Of The Idle Moment (2006), Ornament Of An Imposter (2008), Eternal (2009) con el intérprete de tuba, Huun Huur Tu, y Looking Through Leaves (2010). En los últimos años ha incursionado en el mundo del cine con la composición de bandas sonoras interesantes como, The Power of the Game (Michael Apted, 2007), God Don't Make the Laws (David Sabbath, 2011) y Perfect Sisters (Stanley M. Brooks, 2014). Además ha sido productor de músicos tan importantes como, Pete Townshend, Seal, Coldplay, Dido, Ryuichi Sakamoto, Khaled, Paul Oakenfold y Alanis Morissette, entre otros. Las composiciones de Carmen Rizzo dibujan, con abundancia de detalles, la magia del ritmo y la transparencia de la melodía, algo fundamental a la hora de esculpir la música del siglo XXI.  © epdlp




   Alpha
   Eleventh Trip (2012)

   10 AGOSTO 2015

   La ciudad de Bristol es conocida por ser la cuna del trip-hop. El dúo bristoliano Alpha, Corin Dingley y Andy Jenks, hacen honor al lugar donde nacieron. Con un estilo más homogéneo que el de sus pares, Massive Atack, Portishead y Tricky, logran que sus discos se consuman lentamente y casi sin darnos cuenta, sin distinción en el cambio entre canción y canción, es decir logrando una completa sinfonía del trip-hop. Andy Jenks fue fundador del efímero grupo Statik Sound System en 1996. Un año después junto a Corin Dingley y ya como Alpha, firmaron un contrato con Melankolic Records. El sello discográfico les venía que ni pintado, pues su música era eso, pura melancolía. Con ellos editaron su primer trabajo, Come From Heaven (1997), una brillante muestra de slow pop ralentizado, evocador y delicado con el que trataron de reivindicarse como grupo. A éste siguieron The Impossible Thrill (2001), Stargazing (2003), The Sky Is Mine (2007) y Eleventh Trip (2012), siempre acompañados de un estupendo trío de voces, Wendy Stubbs, Martin Barnard y Helen White. Tienen además un proyecto paralelo llamado Vacant, con el cual editan música orientada hacia las pistas de baile. Las etiquetas sirven en un momento dado para catalogar las cosas. Decir a estas alturas que Alpha son una banda de trip-hop creemos que ya no convence a nadie, pues el carácter atípico de su música, los hace sentirse como un grano de arena en la playa de una isla desierta. Ritmos intimistas y majestuosos, delicados y a punto de quebrarse, transitando en el terreno del easy listening, donde podrán no ser los primeros pero si los más tristes, música evocativa con cadencias jazzísticas, ambientales y orgánicas que nos emocionan y sobrevuelan cualquier etiqueta.  © epdlp




   Shazz
   Heritage (2009)

   03 AGOSTO 2015

   Dentro del paisaje de la música electrónica francesa Eric Morand, más conocido como Shazz, productor y compositor, es uno de los nombres más prestigiosos. Debutó en 1992 editando su primer maxi, Moonflower. A éste siguieron otros con diferentes seudónimos, Soofle et Ln’s (con Ludovic Navarre), Choice (con Laurent Garnier) y definitivamente como Shazz en 1998. Pionero de la escena electrónica en Francia, su música siempre ha buscado la levitación. Sus álbumes de estudio, Shazz (1998), The Luz (2001), Beautiful (2004) y Heritage (2009), le sitúan a la altura de propuestas musicales similares como Saint Germain y Llorca, su groovy house teñido de bossa, funk, soul y jazz, incita al ritmo leve y refinado. Electro-jazz, lounge music, french Touch, el nuevo jazz del siglo XXI.  © epdlp




   Bjork
   Vulnicura (2015)

   27 JULIO 2015

   La islandesa Bjork Gudmundsdottir, creció en una comunidad hippie y aprendió a tocar la flauta y el piano. Apasionada por la música clásica, su talento hace que sus profesores se fijen en ella y con tan sólo 12 años, grabe un disco, Björk (1977). A partir de ese momento comienza una historia musical plagada de éxitos, primero con los grupos Exodus, Tappi Tikarass y Kukl. Más tarde y junto a sus compañeros en Kukl, Einar Orn y Siggi Baldursson, formó Sugarcubes (1986-1992), sexteto nacido a partir de un colectivo anarco-cultural llamado Bad Taste Ltd., dedicado a editar poemarios y discos de artistas marginales. En 1992 Bjork siguió su carrera en solitario. Nelle Hooper, responsable de la producción de varios de los clásicos del llamado sonido Bristol, será el encargado de hacer de Debut (1993), su memorable primer disco que la catapulta hacia el estrellato pop. En el segundo, Post (1995), la acompañaron, aparte de Hooper, el entonces emergente Howie B, Graham Murria, componente de los 808 State y Tricky, a quien devolvería el favor participando en su proyecto Nearly God. Homogenic (1997), es un álbum de temas preciosos y dramáticos que nos hablan de estados de ánimos difíciles de definir, con incursiones en el trip-hop y el jungle. Ese mismo año lanza un disco de remezclas titulado, Telegram (1997) y tres años más tarde Selmasongs (2000), banda sonora de la película de Lars Von Trier, Bailar en la oscuridad. Con Vespertine (2001) y recientemente con Volta (2007), Biophilia (2011) y Vulnicura (2015), la intrincada estética musical de la artista, alcanza nuevos niveles de madurez e independencia. Música tranquila, introvertida, llena de susurros y de improvisación, en definitiva verdaderas odas a la melancolía. Bjork, la mujer de la voz sulfurosa, es la cantante islandesa más popular del mundo occidental, cultivando una imagen pública que la describe como una dulce y talentosa freak, de pensamiento sagaz y una fuerte personalidad. Vinculada desde siempre al arte, muestra la diversidad de sus influencias musicales, su habilidad para mezclar elementos del rock, punk, techno y jazz, con ritmos clásicos. Pero además abarca otros estilos, desde el pop más simple hasta el trip-hop, pasando por la big band music, combinando lo mejor de lo acústico y lo más intenso de la electrónica. Una fusión que Bjork ha sabido colorear con sus propios tintes, y con ese toque sutil de ternura e inocencia que la hace única.  © epdlp




   M83
   Hurry Up, We're Dreaming (2011)

   20 JULIO 2015

   El Shoegazing (en inglés, "shoe" (zapato) y "gazing", del verbo gaze, que significa mirar fijamente a alguien o algo), es un estilo musical conformado por sonidos de guitarras fuertemente distorsionados, efectos de pedal y delays que “ensucian” un poco el sonido. Surgió a finales de los años ochenta en Inglaterra, permaneciendo hasta mediados de los años noventa. Los grupos más importantes de ésta corriente fueron My Bloody Valentine, Ride, Slowdive, The Boo Radleys y The Verve, en sus comienzos. Una década después el estilo ha vuelto a resurgir con nuevos grupos orientados más a la música electrónica, pero que recogen los aspectos característicos del género. Bandas como, The Pains of Being Pure at Heart, The Raveonettes, Friendly Fires y Cut Copy, serían sus abanderados, aunque los mejores son M83, una formación francesa fundada por Anthony González y Nicolás Fromageau (éste último abandonó el grupo en el 2004), y compuesta además por Jordan Lawlor (voz y guitarra), Morgan Kibby (voz, teclados y cello) y Loïc Maurin (percusión). Han publicado seis álbumes de estudio, M83 (2001), Dead Cities, Red Seas & Lost Ghosts (2003), Before the Dawn Heals Us (2005), Digital Shades Vol.1 (2007), Saturdays = Youth (2008) y Hurry Up, We're Dreaming (2011). El nombre de la banda fue inspirado en la galaxia espiral Messier 83, también llamada Molinillo Austral. Durante años, M83 había sido la galaxia en la que se habían descubierto más supernovas y según confirmó el científico que la descubrió en 1781, Charles Messier, uno sólo podrá verla si tiene una gran capacidad de concentración. Quizá la música de M83, intente acercarse a esa capacidad de concentración que toda composición importante y emotiva intenta transmitir.  © epdlp




   Matthew Herbert
   The Shakes (2015)

   13 JULIO 2015

   Genio de la electrónica, gurú del microhouse y concienciado azote del capitalismo, el inglés Matthew Herbert ha sobrepasado en riesgo e inventiva a muchos de los artistas de su generación. Propietario de los sellos discográficos Lifelike, Accidental y Soundslike, es uno de los músicos más prolíficos e influyentes de la escena electrónica actual. Con su nombre de pila o como Doctor Rockit, Wishmountain, Radio Boy o Herbert, todos sus álbumes son, sin excepción, objeto de culto para los amantes de la electrónica antidogmática y alejada de clichés. Protagonista de una carrera brillante y arriesgada a lo largo de la década de los noventa, su música es capaz de hacer de una bolsa de patatas, tenedores, lámparas, una puerta chirriante o un retortijón de barriga instrumentos tan elegantes como el piano, el violín o el clarinete. Aunque para Herbert ese es un simple medio, no un fin. Sorprendió con Around The House (1998), un disco que exploraba la idea de la música de club en un entorno doméstico. Con Bodily Functions (2001), Herbert alcanzó la plenitud artística. Acompañado por la italoamericana Dani Siciliano, su vocalista de terciopelo y musa gastronómica, dio vida a unos seres que encerraban en sí mismos una reflexión acerca de la identidad y las relaciones humanas, envueltos en un entorno digital de una vitalidad hasta entonces desconocida. Teniendo como premisa la utilización de sonidos corporales suyos y de sus compañeros, Bodily Functions fue el primer disco grabado bajo los estatutos del PCCOM (Contrato Personal Para la Composición de Música), una especie de manifiesto creado por Herbert en el que rechaza la utilización de sonidos previamente creados o sampleados en la creación de música nueva a favor de la originalidad. El siguiente álbum, Goodbye Swingtime (2003), le devolvió un poco a sus orígenes como músico en una big band de jazz, una oportunidad única para comprobar cómo se puede llevar a Duke Ellington y Cole Porter al corazón del siglo XXI. A éste siguieron, Plat du jour (2005), Scale (2006), Score (2007), la trilogía One (Club, One y Pig), RA.EX032 (2011), The End of Silence (2013), The Recording (2014) y The Shakes (2015). Matthew Herbert, bicho raro de la música experimental, el deep house, el electro y el jazz, desnuda la belleza y la viste de una elegante sobriedad formal llena de erotismo y ternura.  © epdlp




   JJ
   V (2014)

   06 JULIO 2015

   El prestigioso sello discográfico Sincerely Yours (Henning Fürst y Eric Berglund), ha sido a lo largo de la última década, responsable del descubrimiento de grupos tan innovadores como Air France, The Honeydrips, Nordpolen, Joel Alme, Jonas Game, el príncipe Avner, los norteamericanos Memory Tapes y los de su propia banda, Tough Alliance. El sello se ha convertido también en el sueño incansable de la búsqueda de un pop contemporáneo transgresor y profundamente innovador. JJ, que fue su nuevo descubrimiento, es un dúo formado por Joakim Benon y Elin Kastlander. Han editado tres álbumes de estudio, nº 2 (2009), nº 3 (2010) y V (2014), aunque muchos echarán en falta el nº 1 que simplemente fue un EP de presentación. Aunque de JJ se sabe poco, sólo que son una banda surgida del hielo, que son suecos y que carecen de cosas aparentemente fundamentales para la vida moderna como Twitter o web convencional. No nos importa, JJ son la quintaesencia del ritmo mecánico humanizado, aderezado con voces candorosas. Una delicia de pop transoceánico y electrónica atemporal.  




   Damien Rice
   My Favourite Faded Fantasy (2014)

   29 JUNIO 2015

   En los tiempos en que la música está más hipotecada que nunca por el mercadeo y las producciones de laboratorio, o por la innovación que transita invariablemente por la electrónica, asistimos a la recuperación del oficio de cantautor. El irlandés Damien Rice, ex-componente del grupo Juniper, cantante con pasado de roquero indie cuya evocadora melancolía ha seducido a las primeras de cambio a sus incondicionales, perpetró uno de los debuts más brillantes del folk reciente. Damien Rice sigue la estela de los nuevos cantautores británicos con vestigios pop como Perry Blake y David Gray, mirándose en el espejo de legendarios clásicos como Jeff o Tim Buckley, Nick Drake, Scott Walker o Bob Dylan. Su álbum debut O (2003), fue un trabajo atemporal y anti-moderno, centrado en el amor sin más, que te obliga a detener el tiempo al escucharlo. El disco tuvo la colaboración impagable de la cantante Lisa Hannigan, complemento perfecto a sus canciones sobrecogedoras y de una banda formada por Vyvienne Long (cello), Shane Fitzsimons (bajo) y Tom Osander (batería). Todos ellos volvieron a trabajar en su segundo trabajo, 9 (2006). Guitarras acústicas, melodías sublimes, instrumentos de cuerda, sensibilidad, melancolía, una voz quebradiza y llorosa, una música casi minimalista, con ese toque de recién hecho, casi surgido del horno del corazón, incita a cerrar los ojos y perderte en un paisaje desolado. My Favourite Faded Fantasy (2014), su tercer álbum de estudio, confirma a un genio que quizá pase a la historia de la música por haber viajado más allá de los sueños, revistiendo los sentimientos más profundos de la manera más honesta y sincera en un mundo dónde sobra todo menos las palabras.  © epdlp




   Woodkid
   The Golden Age (2013)

   22 JUNIO 2015

   Dicen que los diseñadores gráficos a veces consiguen obras maestras que llegan a conmoverte. Si a esa cualidad unimos la de realizador de video-clips que se disputan la mayoría de las grandes figuras de la música actual y que en los últimos años ha destacado en su faceta de compositor, estaríamos hablando de Yoann Lemoine, artista multidisciplinar francés, figura clave de la modernidad contemporánea. Ha dirigido obras para Lana del Rey, Katy Perry, Taylor Swift, Rihanna o Moby, entre otros, así como para los directores Luc Besson y Sofía Coppola, y su música ha llamado la atención de profesionales de la moda, musicando expresamente para desfiles de algunas de las marcas más importantes del mundo. Visualmente sus clips son expresionistas, normalmente en blanco y negro y aluden al universo de Tolkien, pero también al de Metrópolis de Fritz Lang o al mundo de Ingmar Bergman. Woodkid es el seudónimo de Yoann Lemoine y The Golden Age (2013), su primer álbum, un trabajo que se sitúa en algún lugar entre Bonnie Prince Billy y Neil Hannon, y que viaja por las tinieblas de Antony and the Johnsons, pero con más fuerza y menos desesperación. Woodkid compone sus canciones como si fuese música pop, aunque no quiere que suenen así, sino como una orquesta que le permita trasladar mejor sus emociones, ese universo onírico que según sus palabras, intente confrontar la madera y el mármol, orgánico y digital, pasado y futuro, clasicismo y vanguardia.  © epdlp




   Melody Gardot
   Currency of Man (2015)

   15 JUNIO 2015

   Máxima representante del soul-jazz, la norteamericana Melody Gardot ocupa ya un lugar de privilegio en el mundo de la música. Poseedora de una mezcla de sofisticación y talento natural, su voz es portentosa y sus composiciones intensas, incursiona en el jazz, el blues y el rhythm and blues de una manera personalísima. Comenzó en la música por casualidad, cuando fue atropellada por un coche cuando iba en bicicleta. Tenía diecinueve años, y el accidente la mantuvo postrada durante un año en una habitación de hospital. Tuvo que aprender a hacerlo todo de nuevo, leer, andar y hablar, fue entonces cuando descubrió en la música una forma de relacionarse con el mundo, por eso canta a través del dolor. Después de editar un EP titulado Some Lessons (2005), sacó a la luz su primer álbum, Worrisome Heart (2007), un trabajo de incontestable seducción, que recordaba a las otras voces del jazz del siglo XXI, Fiona Apple, Norah Jones y Diana Krall. A éste siguieron, My One And Only Thrill (2009) y The Absence (2012). Currency Of Man (2015), es su más reciente “ejercicio de belleza”, un álbum preciosista producido por el gran Larry Klein, el mismo que su anterior trabajo con el que llegó a vender más de millón y medio de copias en todo el mundo, y que tiene las colaboraciones de tres músicos de primera línea, el guitarrista Dean Parks, el pianista Larry Goldings, así como uno de los mejores bateristas del mundo, Vinnie Colaiuta. Según sus propias palabras, Currency of Man es un trabajo basado en una proclamación social con un sentido muy profundo, "Quería un álbum que fluyera como un sueño, desde el principio hasta el final. Queríamos entrelazar los sonidos del mundo en las canciones, para recordar todos los lugares y reflejar realmente las situaciones. Este álbum está formado por historias sobre gente que conoce lo que son los tiempos difíciles, personas que luchan para superarlos, y eso es algo que resuena profundamente en mí. Es imposible ignorarlo". Melody Gardot construye su música con la delicadeza de un orfebre, ese artesano que habla obsesivamente del pasado, de ciertos recuerdos y de la interiorización de un imaginario no vivido e intensamente anhelado.  © epdlp




   Ivan Lins
   The Metropole Orchestra (2009)

   08 JUNIO 2015

   El brasileño Ivan Lins ha visto influenciada su carrera por diversos géneros musicales como el soul, el jazz y la bossa nova. Cuando en 1963 y con sólo 18 años emprendió su carrera de pianista, nunca pensó cuarenta años después que su nivel de popularidad seguiría estando en la cima. En 1965 se unió a un baterista y a un contrabajista para formar el Alfa Trio, donde tocaban jazz y bossa nova. Más tarde formó una agrupación llamada Quarteto Piramidal con Aldir Blanc, Luiz Cachaça y Cesario Alvim, tocando en fiestas familiares y salas de baile. Poco tiempo después funda junto a quince intérpretes, compositores y músicos, el M.A.U. (Movimiento Artístico Universitario), con el propósito de abrir un nuevo mercado de trabajo que fuera una alternativa para los festivales de música producidos por las televisiones de Brasil. Su primer trabajo fue, Ahora (1970). Desde entonces ha lanzado incontables discos, algunos de ellos de temática política, Deja El Tren Seguir (1971), Modo Libre (1974), Los Días de Hoy (1978), Nuevo Tiempo (1980), De aquello Que Yo Sé (1981), Tras los Temporales (1983), Juntos (1984), Manos (1987), Love Baile (1988), Amar Así (1989), Ángel de Mí (1995), Un Nuevo Tiempo (1999), Jobiniando (2001), Acariocando (2006), The Metropole Orchestra (2009), una obra grabada en directo en el Muziekgebouw de Amsterdam en el año 2008, emocionante y majestuosa, que recuerda antiguos éxitos de su carrera, todos ellos arreglados por el prestigioso compositor de jazz Vince Mendoza y en el que se hace acompañar por una orquesta de treinta músicos; Amorágio (2012) y América-Brasil (2014). Sus canciones han sido reinterpretadas por músicos de la talla de Quincy Jones, George Benson, Ella Fitzgerald, Sarah Vaughan, Carmen MacRae y Barbra Streisand, entre otros. Asimismo ha compuesto melodías para artistas consagrados como Elis Regina, Simone y Gal Costa. En 1991 fundó la discográfica Velas, una tentativa para promocionar cantantes brasileños al resto del mundo. Ivan Lins posee una cualidad que solo dominan los maestros, pues ha absorbido las influencias de la bossa nova, mezclándola con elementos líricos que aparecieron más tarde en la música brasileña actual.  © epdlp




   Joe Zawinul
   Faces & Places (2002)

   01 JUNIO 2015

   Pocos músicos pueden presumir de aparecer en un sello de correos. Austria anunció hace unos años que emitiría el sello oficial de Joe Zawinul para honrar a su ilustre compatriota por sus grandes logros en el terreno de la música. Leyenda del jazz y padre de la world music, el teclista y compositor austriaco Joe Zawinul es uno de los últimos representantes de la generación de músicos que tuvieron el privilegio de relacionarse con algunos de los más grandes maestros del jazz de todos los tiempos. Con 27 años emigró a los Estados Unidos con una beca del Conservatorio de Música de Viena y en poco tiempo entró a formar parte de la banda del trompetista Maynard Ferguson, más tarde de la vocalista Dinah Washington y finalmente del saxofonista Cannonball Adderley con el que permaneció durante nueve años. Más tarde formó parte de la banda de Miles Davis, componiendo el tema "In A Silent Way", titulo del disco que marcó el debut de Miles Davis en el campo eléctrico. En 1970 formó junto al saxofonista habitual de Miles Davis, Wayne Shorter, el bajista Miroslav Vitous (sustituido más tarde por Jaco Pastorius), el percusionista Airto Moreira y el batería Alphonse Mouzon, la legendaria banda Weather Report (1970-1985), grupo paradigma de la fusión entre el jazz y el rock de la época. Durante esa etapa fue considerado innumerables veces mejor pianista de jazz y a su grupo Mejor banda en directo del año. Después del año 1985, Joe Zawinul se dedicó a editar trabajos en solitario o junto a su banda Zawinul Syndicate. Fue propietario del club de jazz Birdland de Viena y merecedor de gran reconocimiento mundial por ser el pionero en combinar los elementos tradicionales de diferentes etnias, con el pop, rock y el jazz, fusión que se denomina actualmente world music. Joe Zawinul cambió la forma de la canción tradicional, utilizando un enfoque sonoro totalmente diferente. Sus composiciones son una absoluta improvisación que más tarde transcribía directamente, sin ningún cambio ni reorganización para los músicos. Debido a la longitud de las improvisaciones, obviamente se veía obligado a editarlas. Su música es una maquinaria perfectamente engrasada, suministrada bajo el componente de un salvaje abandono.  © epdlp




   Afro Celt Sound System
   Sound Magic (1996)

   25 MAYO 2015

   Afro Celt Sound System son un grupo afro-irlandés formado por Simon Emmerson (guitarrista y productor), James McNally (multiinstrumentista), Iarla Ó Lionáird (voz) y Martin Russell (teclados y programación), verdadero artífice del sonido del grupo, además de Johnny Kalsi (percusión), N'Faly Kouyate (instrumentos étnicos), Emer Mayoc (gaitas) y Moussa Sissokho (percusión). Aunque Simon Emmerson había formado la banda en 1991, no fue hasta el año 1996 dónde se dieron a conocer en el festival Womad, en el que tuvieron un éxito extraordinario. A partir de esa fecha su nivel de calidad e innovación subió en la misma medida que editaban sus seis álbumes de estudio, Sound Magic (1996), Release (1999), Further In Time (2001), Seed (2003), Anatomic (2005) y The Source (2016). En éstos trabajos además han disfrutado de las colaboraciones de músicos de la talla de Robert Plant, Sinéad O'Connor, Davy Spillane, Liam O'Flynn y Peter Gabriel, entre otros. Este último, fundador del festival Womad y propietario de la discográfica Real World, sello que ha publicado todos los álbumes del grupo. Han participado asimismo en películas tales como Hotel Rwanda, Stigmata, Gangs of New York y Nikita. Los ACSS fusionan la música dance y electrónica en general, con ritmos celtas y africanos, sintetizando la ideología del Womad: mezclar culturas, presumir de contemporáneos -trabajan con ordenadores- y cuidar el aspecto visual, especialmente la danza. Su repertorio incluye partituras de hace 600 años y piezas actuales como el jungle y el house. Esta mezcla perfecta de sonidos antiguos y contemporáneos, eso que ellos llaman global dance, los ha situado en la vanguardia indiscutible de la World Music. © epdlp




   Howie B
   Down With The Dawn (2013)

   18 MAYO 2015

   El escocés Howie B (Howard Bernstein) es un creador de texturas, meta-disc jockey, diseñador de ritmos, mago de las voces y genio en perfecto estado de conservación. Propietario del sello Pussyfoot Records, en la segunda década de los 80 dejó los locales de su Glasgow natal para entrar en la escena trip hop de Bristol. Ha publicado sus grabaciones con los seudónimos de The Codfather, Daddylonglegs y Olde Scottish, y ha colaborado con artistas de la talla de Björk, U2, Tricky, Everything but the Girl y Brian Eno. En 1996 publica su primer disco como Howie B, el disco ambient, Music For Babies (1996) y comienza su colaboración con U2, produciendo su álbum Pop y colaborando en el proyecto Passengers. Sus tres discos siguientes, Turn The Dark Off (1997), fusionando trip hop y break beat, Snatch (1998) y Folk (1999), con la colaboración del guitarrista español Raimundo Amador, no hicieron más que aumentar su reconocimiento a nivel internacional. Aunque en estos momentos está más concentrado en su faceta como productor de nuevos talentos, siempre tiene algo de tiempo para hacer mini-giras a las que él llama "Pussyfoot". Cuando alguien se anime a escribir el gran manual de la música estimulante, deberá reservar un capitulo entero, y lleno de elogios a Howie B. Él es uno de los cerebros de la música contemporánea.  © epdlp




   Hybrid
   Wide Angle (1999)

   11 MAYO 2015

   Hybrid es un grupo inglés formado por Mike Truman y Chris Healings. Anteriormente era un trio, pero Lee Mullin el tercer componente, abandonó el grupo después del primer trabajo. Han orientado sus habilidades de producción en las pistas al servicio de artistas tan variados como Jazzy Jeff, Carl Cox y Alanis Morissette. Con Wide Angle (1999), su disco debut, sorprendieron a la crítica inglesa con su música creadora, imaginativa y vanguardista. En Morning Sci-Fi (2003), I Choose Noise (2006) y Disappear Here (2010), sus siguientes trabajos, nos sumergen en una amplia gama de estilos musicales, los dibujan y los utilizan para crear nuevos sonidos. Sus discos están plagados de notables colaboraciones, la cantante Julee Cruise, Chrissie Hynde del grupo Pretenders, Perry Farrell de los Jane's Addiction, Judie Tzuke, Kirsty Hawkshaw y Peter Hook de New Order. Hybrid ha demostrado que su música es realmente innovadora, un break beat acelerado a la máxima potencia sólo comparable al que ejecuta BT (Brian Wayne Transeau), fusión de breaks y poderosa orquesta con calidad cinematográfica.  © epdlp




   Lemon Jelly
   64-95 (2005)

   04 MAYO 2015

   Fred Dreakin (compositor y diseñador gráfico) y el jardinero frustrado Nick Franglen (teclados y programación), éste último acompañante de Primal Scream, Björk y Pulp, forman el dúo anglosajón Lemon Jelly, una formación que parece salida del país de la felicidad. Su primer trabajo Lemonjelly.ky (2000) consistió en una compilación de 3 eps de edición limitada, y con un arte gráfico realmente impresionante. El producto musical recibió las mejores críticas por parte de las revistas Muzik, Echoes, Melody Maker y NME. Gilles Peterson llegó a decir que tienen "el sonido del futuro en el mundo". Lo primero que desprende la música de Lemon Jelly es optimismo. Y eso se contagia en el ánimo de quien la escucha, porque cuando te habitúas a ella es muy fácil de identificar y reconocer al escucharla en cualquier sitio. Comparados con bandas como Zero 7 o Groove Armada, aunque con un sonido más atemporal, calificados como una de las cocteleras electrónicas más brillantes, sorprendentes y refrescantes de la escena inglesa, hacen honor a su nombre (Lemon Jelly: La gelatina que utilizaban los prisioneros de Colditz para duplicar sus planes de escapada). En Lost Horizons (2002) y 64-95 (2005) sus siguientes trabajos, perfeccionaron esas melodías de juguete en technicolor, perfectas para escuchar en un chill-out o en el sofá de casa, entre la acústica y la tecnología más feroz. Clímax elegante, envolvente y refrescante cubierto por una manta de intriga, que transmite estados de preocupación, bocanadas de optimismo y aventura en los límites de lo desconocido. Una recreación de un mundo donde lo digital y lo orgánico se dan la mano para crear algo que poco tiene que ver con el mundo del día a día.  © epdlp




   Omar Sosa & Paolo Fresu
   Alma (2011)

   27 ABRIL 2015

   El compositor y pianista cubano Omar Sosa, es un maestro de la fusión inspirada en las raíces africanas y en sus ancestros, que colorea magistralmente con el universo del folclore cubano. Virtuoso del piano, debutó con Omar Omar (1996), al que siguieron una veintena de álbumes en solitario o acompañado de reputados músicos como Jorge Pardo, Paolo Fresu, Gregg Landau, Jaques Morelenbaum o Dhafer Youssef. Gran admirador del pianista fundador del bebop, Thelonious Monk, ha tocado también como él bajo el influjo del jazz modal y el hard bop. Por su parte decir que Paolo Fresu, es el mejor trompetista lírico de Italia, no sería descabellado. Consolidado como uno de los músicos de jazz consagrados de la escena europea, ha colaborado con infinidad de músicos de todo el mundo, Gerry Mulligan, Dave Holland, John Zorn, John Abercrombie, Ralph Towner, Richard Galliano, Michel Portal y Trilok Gurtu, entre ellos, aportando con su inagotable diálogo sonoro ese punto de magia que trasciende las fronteras del jazz. Alma (2011), es la cima de estos dos extraordinarios músicos, una amalgama de composiciones que recuerdan a Cuba, a la región sarda de donde es originario Fresu y al África más septentrional. Como regalo adicional, el cellista brasileño Jaques Morelenbaum, colabora en el álbum, proporcionando su experiencia al lado de gente tan importante como Antonio Carlos Jobim, Caetano Veloso, Gal Costa, Gilberto Gil, Maria Bethania, Milton Nascimento y Chico Buarque. Su apuesta por la belleza, la sensualidad y la sofisticación, son la guinda de un trabajo que te atrapa para dejarte fascinado por su música, que es a la vez oscura y luminosa.  © epdlp




   Mr. Scruff
   Keep It Unreal (1999)

   20 ABRIL 2015

   El sello independiente Ninja Tune ha dado cabida desde hace quince años a la música electrónica, y especialmente al jazz, big beat, hip-hop y a la música experimental. Mr Scruff, seudónimo del británico Andy Carthy, es uno de los máximos representantes del sello que dio nombre al estilo trip-hop. Conocido en los circuitos europeos de música electrónica por sus fusiones de jazz, downtempo y ritmos abstractos, intenta hacer música sin pretensiones, auténtica y original. Su filosofía es sencilla, si la música es el alimento del amor, a nadie le gusta pasarse la noche a pan y agua. Tras un principio de carrera underground, su primer álbum Mr. Scruff (1997) así lo avalaba, ha conseguido con los siguientes Keep It Unreal (1999), Trouser Jazz (2002), Mrs Cruff (2005), Ninja Tuna (2008) y Friendly Bacteria (2014), colocarse en primera línea del freestyle más inventivo. El freestyle no es sólo técnica, sino también buen gusto, y Andy Carthy se identifica con los dos. Así lo demostró en sus aclamadas actuaciones en Benicassim 2000 y el Festival Sonar 2002. El que Madonna dijera que era admiradora suya no fue el fin de su carrera, pues piropos semejantes son capaces de arruinar una trayectoria emergente. El rey del desaliño, como a veces se le llama, es además un original dibujante que plasma a la perfección en las portadas de sus cds, ese enfoque trasgresor que da a su música la condición de descriptiva y fresca. Un espejo de su propia evolución.  © epdlp




   Carmen Rizzo
   The Lost Art Of The Idle Moment (2006)

   13 ABRIL 2015

   Carmen Rizzo es un músico, productor y dj estadounidense que comenzó trabajando con los grandes productores de discos de la década de los noventa, Trevor Horn y Marius De Vries, para más adelante fundar el grupo Niyaz, junto a la vocalista Azam Ali y el multi-instrumentista Loga Ramin Torkian. El trío, ha renovado el panorama musical oriental, principalmente el de la música tradicional iraní, llenándola de sonidos electrónicos contundentes y ritmos actuales. Niyaz, que en persa, significa "anhelo", ha publicado tres álbumes de estudio, Niyaz (2005), Nine Heavens (2008) y Sumud (2012). También es autor de sus propios trabajos en solitario, The Lost Art Of The Idle Moment (2006), Ornament Of An Imposter (2008), Eternal (2009) con el intérprete de tuba, Huun Huur Tu, y Looking Through Leaves (2010). En los últimos años ha incursionado en el mundo del cine con la composición de bandas sonoras interesantes como, The Power of the Game (Michael Apted, 2007), God Don't Make the Laws (David Sabbath, 2011) y Perfect Sisters (Stanley M. Brooks, 2014). Además ha sido productor de músicos tan importantes como, Pete Townshend, Seal, Coldplay, Dido, Ryuichi Sakamoto, Khaled, Paul Oakenfold y Alanis Morissette, entre otros. Las composiciones de Carmen Rizzo dibujan, con abundancia de detalles, la magia del ritmo y la transparencia de la melodía, algo fundamental a la hora de esculpir la música del siglo XXI.  © epdlp




   Paul Mounsey
   City Of Walls (2003)

   06 ABRIL 2015

   Si el futuro de la música étnica está en la fusión y la experimentación, el de la música celta está en la innovación y el vanguardismo. Varios nombres sobresalen en ésta última, Stone Age, Ashley MacIsaac, Talitha MacKenzie y destacando sobre todos ellos dos figuras cruciales, el tristemente desaparecido Martín Bennett y el escocés residente durante dos décadas en Brasil, Paul Mounsey. Antiguo guitarrista de rock, Paul Mounsey abandonó ese estilo musical para dedicarse a estudiar la música de la tierra de sus orígenes, Escocia, la cual mezcla con estilos más actuales, principalmente electrónicos. Bicho raro de la música gaélica, comenzó su carrera colaborando con músicos de la talla de Michael Nyman, Etta James, Chico Buarque, Jimmy Cliff y Antonio Carlos Jobim, para años después editar su primer álbum de estudio, Nahoo (1994), un collage de estilos étnicos y ritmos de baile que abrió caminos hasta entonces inexplorados. Sus siguientes trabajos, Nahoo too (1997), Nahoo 3: notes from the republic (1999) y City Of Walls (2003), consiguieron que esa senda desconocida y hasta entonces impenetrable, se convirtiera en un vergel frondoso y vital. Paul Mounsey ejecuta en una mezcla fascinante, las raíces gaélicas y los ritmos tradicionales del noreste de Brasil, sobre todo a nivel de percusión, todo ello aderezado con pinceladas noruegas, gallegas, portuguesas y hasta norteamericanas, desafiando cualquier definición o idea preconcebida. En su último trabajo, Pasan los días veloces (2005), logra reunir las voces de Alyth McCormack, Anna Murray, Christine Primrose, Ishbel MacAskill, Kevin MacNeil, Mary Smith y las hermanas MacKenzie, en una obra fascinante que sorprende por su rotundidad y que se concentra en su labor únicamente de compositor. Paul Mounsey construye sus discos como si fueran un enorme retal de elementos étnicos en el que todo cuadra, un viaje cosmopolita en el que finalmente el espíritu celta impone su impronta y en el que el compositor ejerce de arqueólogo del futuro.  © epdlp




   Recoil
   Selected (2010)

   30 MARZO 2015

   Recoil es un proyecto creado en 1985 por el británico Alan Wilder, ex-teclista de Depeche Mode. Antes de integrarse en la banda perteneció a varios grupos de pop-rock como The Dragons, Daphne and the Tenderspots, The Hit Men o Real To Real. Iniciado en el piano y la flauta, en 1981 ingresó en DM sustituyendo a Vince Clarke, que se fue de la banda para formar Yazoo y Erasure. Para las actuaciones en vivo DM requerían la presencia de un experto en sintetizadores y Alan Wilder fue el elegido. En principio los acompañó solamente en sus giras, aunque dos años después su inclusión como miembro oficial fue definitiva con su tercer álbum, Construction time again (1983). Martin Gore, Dave Gahan y Andy Fletcher encontraron en Alan Wilder, el “suplemento” ideal para desarrollar su estilo tecno sintético de carácter accesible, significando un paso hacia la madurez para un grupo que hasta entonces había sido una especie de reunión de amigos. Con Alan en el grupo, el resto no tuvieron que preocuparse prácticamente por el proceso de grabación. Obsesionado por la perfección técnica y por la experimentación sin límites, Alan Wilder ha volcado en su proyecto paralelo llamado Recoil, todas las locuras radicales imposibles de incluir en una banda mayoritaria como DM. En su primer trabajo Hydrology and 1 + 2 (1988), usó sonidos ambientales, repeticiones minimalistas y samplers de ruidos cotidianos para completar un trabajo sombrío y amenazador. En el siguiente Bloodline (1992), una obra de ingeniería con melodías y ritmos cercanos a la Electronic Body Music, fue sin duda su mejor álbum y el más accesible. En 1995 dejó el grupo definitivamente y se consagró a la composición de sus dos siguientes álbumes, Unsound Methods (1997) y Liquid (2000). Vegetariano convencido y un gran admirador de Kraftwerk, Smiths, PIL, Philip Glass y Talk Talk, Alan Wilder sabe, todos nosotros también lo sabemos, que DM desde su marcha no ha vuelto a levantar cabeza. Él era la música y la tecnología en el grupo, el talento que afortunadamente ha volcado en Recoil, un proyecto de expresión sin términos, con innumerables estilos e instrumentación, que se aproxima, en muchas formas, a un sentimiento puro y transparente. En Subhuman (2007), su último trabajo hasta la fecha, nos demostró definitivamente que su música nos enseña a vivir, quizás a morir, a través de una herida abierta.  © epdlp




   Memory Tapes
   Player Piano (2011)

   23 MARZO 2015

   El Chillwave (también llamado Glo-Fi), es una revisión del pop con sintetizadores de antaño que mira al futuro. Las bandas Maps, Fever Ray, Neon Indian, The XX, The Big Pink y Appaloosa, serían sus ejemplos. El estilo toma como influencias a grupos como Depeche Mode o New Order y tiene como abanderado a Dayve Hawk. Memory Tapes, es el seudónimo de Dayve Hawk, multinstrumentista estadounidense afincado en New Jersey que anteriormente había editado trabajos como Memory Cassette y Weird Tapes. Autodescrito como un niño raro, dice que no sabe conducir y no tiene teléfono, no escucha mucha música actual y no está para nada en onda con la escena de los DJs. Seek Magic (2009) fue su primer álbum, una obra melódica dedicada a la contemplación, con beats etéreos que van desde el ambient hasta el lounge, desde lo denominado synth-pop hasta la música experimental. Los bajos toman el primer plano y si bien el ritmo es infernal, los sintetizadores le dan un aire casi iluminado. Player Piano (2011) y Grace/Confusion (2012), son sus últimos trabajos.  © epdlp




   LTJ Bukem
   Journey Inwards (2000)

   16 MARZO 2015

   LTJ Bukem es el seudónimo de Danny Williamson, una de las mentes más originales de la música jungle. Comenzó a estudiar música gracias a las clases de piano que le pagaban sus padres durante su infancia. La música clásica se convirtió en su banda sonora, ya que además de las clases de piano, sus padres eran verdaderos amantes de Rachmaninov y de Tchaikovsky. Gracias a uno de sus profesores de música, Nigel Crouch, le introdujo en el mundo del jazz-fussion, un estilo que ha influenciado su trabajo desde el principio. Abrió caminos en el año 91 con su pionero Demon´s Theme y creó toda una escuela dentro del drum & bass con Music en el 93 y Horizons en el 94. Ese año coincidiría con la apertura del club Speed en el Mars Bar en el centro de Londres, que se convertiría en el centro del drum & bass y el jungle más importante del mundo. Creador del sello discográfico Good Looking Records, dirigido desde una pequeña oficina en Harlesden (un barrio al norte de Londres), mezcla el soul, el jazz, el funk, con nuevos sonidos de extraordinaria originalidad, que lo sitúan en primera fila del panorama musical contemporáneo. Revelar a Danny Williamson nunca será innecesario y carente de utilidad para aquellos a los que todavía les queda el descubrir y paladear el inefable placer que produce su música.  © epdlp




   Chicane
   The Sum Of Its Parts (2014)

   09 MARZO 2015

   Sabio conocedor de los sonidos de Ibiza, puros ritmos chill-out y el trance melódico, sensación de los clubes ingleses y uno de los dj's más desconcertantes de los últimos tiempos, el inglés Nick Bracegirdle, más conocido como Chicane, ha conseguido sublimar las virtudes de la música de baile, transformándola en techno melancólico. Educado en las lides de la música clásica, olvidó el ambiente de conservatorio el día que decidió comprarse dos teclados análogos y experimentar con lo que podía salir de las mezclas en el estudio. Sus álbumes de estudio, Far From The Maddening Crowds (1997), Behind The Sun (2000), Easy To Assemble (2003), Somersault (2007), Giants (2010), Thousand Mile Stare (2012) y Than The Sum Of Its Parts (2014), funcionan bien si deseas escucharlos tomando un café un atardecer en cualquier playa relajante del Mediterráneo o el Pacífico Sur, así como también funciona como música para un bar de estilo lounge. Nick Bracegirdle sabe cómo crear inmejorables paisajes y momentos de intensa emoción.  © epdlp




   Imogen Heap
   Sparks (2014)

   02 MARZO 2015

   Formada como pianista y compositora y dotada de una voz que destaca por su creatividad, Imogen Heap es diferente a los demás, pues a pesar de facturar un pop aparentemente accesible a cualquiera, su estilo es inconfundible. Ella es el máximo exponente del llamado sonido“breathy”(voz aspirada o entrecortada), una forma de expresión más que un lenguaje musical. Imogen Heap inició su carrera en solitario con I-Megaphone (1998) y cuatro años después editó junto a Guy Sigsworth y con el nombre de Frou Frou, el álbum Details (2002). Dicen que en algunas ocasiones, la popularidad y el reconocimiento llegan por los caminos más extraños, pues el dúo británico Frou Frou se dieron a conocer mundialmente al incluir una versión de la canción "Holding out for a hero" de Bonnie Tyler, en la banda sonora de Shrek 2. Desde entonces la cantante que más había dado que hablar en el ambiente del electro pop de esos años, elaboró dos trabajos más, Speak For Yourself (2005) y Ellipse (2009), que la situaron en un lugar privilegiado. Sparks (2014), su último trabajo, es sin duda el mejor de su carrera y la culminación de su proyecto. Imogen Heap elabora pop electrónico, mezclado con rock alternativo, a mitad de camino del espacio musical que creó Portishead hace algunos años y que Bjork se encargó de llevar al primer plano. Su destino es explorar las fronteras del pop rock electrónico, un buen ejemplo de lo que la mezcla de un criterio musical adecuado y una voz portentosa pueden siempre conseguir.  © epdlp




   Faithless
   Reverence (1995)

   23 FEBRERO 2015

   El grupo Faithless nació en el año 1993, y estaba formado inicialmente por Sister Bliss (pianista, violinista y famosa productora de música house, considerada con todo merecimiento la DJ femenina número 1 del mundo), Maxi Jazz (ex-The Soul Food Café Band y líder del grupo), Rollo Armstrong (cantante), Jamie Catto, y el guitarrista Dave Randall. Estos dos últimos abandonaron la banda a finales de 1999, después de editar su segundo trabajo Sunday 8pm (1998). Antes habían publicado el primero Reverence (1995), cuyas canciones consiguieron un tremendo impacto y una gran influencia en el sonido de la música dance contemporánea. Outrospective (2001), No Roots (2004), To All New Arrivals (2006) y The Dance (2010) son sus últimos trabajos. Faithless combina gran variedad de ritmos, house, blues, soul, rap y folk, todo ello aderezado con los temas electrónicos más contundentes, que son los que en directo adquieren mejor dimensión. Han luchado por ser una banda de directo y brillar en el escenario al igual que en el estudio y se han convertido en uno de los grupos de culto más reputados de la escena dance mundial.  © epdlp




   Goldfrapp
   Tales Of Us (2013)

   16 FEBRERO 2015

   El término electro-clash, es un género musical que fusiona new wave, synthpop y música electrónica. Los instrumentos que utiliza son sintetizadores o baterías programadas, siendo en muchas ocasiones analógicos. Comenzó a desarrollarse a finales de los años noventa principalmente en Alemania (Berlín y Múnich) y Estados Unidos (Nueva York y Detroit), llegando a su apogeo durante el período 2000-2002. Existen varios grupos que abanderan dicho estilo, Fischerspooner, Mignon, Tiga, Scissor Sisters, Felix Da Housecat, Peaches y Goldfrapp. Estos últimos son un dúo británico formado por Alison Goldfrapp y Will Gregory. Felt Mountain (2000) fue su álbum debut, un disco que contenía las voces sintetizadas de Alison sobre paisajes sonoros de cine. Sus siguientes trabajos, Black Cherry (2002) y Supernature (2005), sumidos plenamente en el electro-clash, fueron el despegue definitivo de su carrera, vendiendo del segundo más de un millón de copias en todo el mundo. A éstos siguieron, Seventh Tree (2008) y Head First (2010). Tales Of Us (2013), es su álbum más introspectivo y cinematográfico hasta el momento, volviendo al sonido acústico y fantasioso de su primer trabajo. Alison Goldfrapp y Will Gregory han colaborado con, entre otros, Depeche Mode, Lady Gaga y Marilyn Manson, y la cantante Madonna reconoce que se inspiró en alguna canción de ellos para grabar su disco dance, Confessions on a Dance Floor (2005). Además son los autores de las bandas sonoras de las películas My Summer of Love (2004) de Pawel Pawlikowski y Nowhere Boy (2009), filme biográfico sobre John Lennon, que dirigió Sam Taylor-Wood. Las canciones de Goldfrapp son la visión de un futuro devastado, con ciertos toques de desaliento que buscan redención.  © epdlp




   Dead Can Dance
   Aion (1990)

   09 FEBRERO 2015

   Los australianos Lisa Gerrard y Brendan Perry son Dead Can Dance. De origen anglo-irlandés, comparten una visión original y diferente del mundo que les rodea, atreviéndose con un concepto musical totalmente innovador y de altísima calidad, pletórico de sonidos percusivos. Sus ocho trabajos de estudio, llenos de influencias procedentes del Renacimiento y sus estéticas musicales, Dead Can Dance (1984), Spleen and Ideal (1985), Within the realm od the dying sun (1987), The Serpent's Egg (1989), Aion (1990), Into the Labyrinth (1993), Toward the Within (1994) y Spiritchaser (1996), conforman su especial forma de entender la música, una mezcla inteligente de toques étnicos, rock tradicional y también estilos antiguos. Aclamados por la crítica, Dead Can Dance reina ya en su particular tierra musical, aunque el futuro se muestra incierto por la separación física de sus dos componentes, Perry vive en Irlanda y Gerrard en Australia, y por sus respectivos trabajos en solitario. Aprovechando que los caprichos de los músicos son ventanas hacia su intimidad, hay un elemento que es siempre fiel reflejo del tamaño de una banda. Así como a los árboles se les mide la edad contando el número de círculos que tienen en el tronco, Dead can Dance es un árbol centenario, porque su música es el origen de la sabiduría milenaria. Su meta es buscar la belleza perdida, la eterna meta humana de lograr una existencia significante.  © epdlp




   David Sylvian
   Camphor (2002)

   02 FEBRERO 2015

   Ser un cantautor de vanguardia es contradictorio en si mismo, menos en el caso de David Sylvian, artista integral y músico de cabecera de miles corazones rotos. Cantante y compositor británico, comenzó a tocar la guitarra a la edad de 12 años y con 16 fundó la banda Japan, grupo que en 8 años de vida (1974-1982), consiguió elevar el art-pop a su máxima expresión artística. Fiel a su propuesta de ediciones de alto valor estético, David Sylvian se comprometió a partir de ese año, a dar el primer paso en una evolución musical que abandonaba el synth-pop post-glam de Japan y encaminándose a un ambiente poético generosamente texturado. Brilliant Trees (1984), su primer trabajo en solitario, fue una obra redonda e iniciadora de la senda que él buscaba. A éste siguieron otras obras de culto, Alchemy (1985), Gone To Earth (1986), Secrets Of The Beehive (1987), Plight & Premonition (1988), con Holger Czukay; Flux + Mutability (1989), The First Day (1993), con Robert Fripp; Dead Bees On A Cake (1999), Everything And Nothing (2000), Damage (2001), de nuevo con Robert Fripp; Camphor (2002) y Blemish (2003). En 1991 reunió a los ex componentes de Japan para grabar un único disco de homónimo título, Rain the Crown. Aparte de los mencionados, ha colaborado junto a músicos de la categoría de Bill Frisell, Jon Hassell, Marc Ribot, Steve Tibbetts, Ryuchi Sakamoto y Kenny Wheeler. David Sylvian, que entre otras cosas es propietario del sello Samadhisound, no pretende ser didáctico, aunque advierte que sus canciones deben actuar como un detonante de nuestro subconsciente, con abundantes alusiones a la pérdida de la inocencia y al paso del tiempo. En el año 2005 y con el nombre de Nine Horses, editó un último trabajo junto a su hermano el batería Steve Jansen (también ex-Japan) y Burnt Friedmann, gurú del chill out y la electrónica en formaciones como Drome, Flanger o Non Place Urban Field. David Sylvian mensajero de lo críptico y de la pasión analógica en un entorno digital, intenso, minucioso y un punto enigmático, sigue a pesar de todo siendo un optimista, acentuando la oscuridad para poder apreciar mejor la luz, digiriendo el veneno para desarrollar una cierta inmunidad.  © epdlp




   Erik Truffaz/Murcof
   Being Human Being (2014)

   26 ENERO 2015

   Erik Truffaz es un compositor y trompetista de jazz suizo. Clásico contemporáneo de la música improvisada, es un músico prolífico que ha editado álbumes casi cada año, Nina Valéria (1994), su debut en formación de quinteto; Out Of A Dream (1997), primer álbum editado por el sello Blue Note; The Dawn (1998), que consiguió ser un éxito internacional; Bending New Corners (1999), The Mask (2000), Revisité (2001), Mantis (2001), The Walk Of The Giant Turtle (2003), Saloua (2005), Arkhangelsk (2007); su trilogía del 2008 sobre ciudades llamada Rendez-vous, y dedicada a Benares, Paris y México, éste último EP su primera colaboración con Murcof; e In Between (2010). En casi todos ellos le acompañan los músicos del Erik Truffaz Quartet, Marcello Giuliani (bajo), Marc Erbetta (batería) y Patrick Muller (teclados), sustituido en los últimos trabajos por Benoît Corboz. Llamado por algunos críticos como "el Padre del electro-jazz" y el principal causante de toda una revolución en el mundo del jazz europeo, fusiona éste estilo con el hip-hop, la world music, el drum & bass y la electrónica en general, convirtiéndose en un referente del acid jazz. Being Human Being (2014), es su segundo trabajo junto a Murcof, músico y productor electrónico mexicano cuyo nombre real es Fernando Corona. Murcof desde 1988 formó parte de diferentes agrupaciones de música electrónica, rock y jazz y más tarde fue miembro fundador del Colectivo Nortec de músicos de la Baja California. Ha editado media docena de discos en solitario, Martes (2002), Utopia (2004), Remembranza (2005), Cosmos (2007), The Versailles Sessions (2008) y La Sangre Iluminada (2009). En Being Human Being (2014), se unen la trompeta emotiva de Truffaz con el techno y la IDM de Murcof y por que no decirlo, el diseño visual de Enki Bilal, un artista francés de comic creador de las imágenes inquietantes del álbum. El disco que sugiere que “ser humano y ser un ser humano no tiene por que ser necesariamente lo mismo", nos regala un puñado de beats intensos cercanos al ambient, que retratan la pérdida de sentido de las cosas, y que presenta la fantasía como un camino de escape al desasosiego y la tristeza del mundo.  © epdlp




   Kosheen
   Damage (2007)

   19 ENERO 2015

   Kosheen son un trío de Bristol que aportan un cambio espectacular al mundo de la música. Darren "Decoder" Beale, que formó parte de varios grupos surgidos de la escena musical punk de Weston-Super-Mare, y que conoció a Geoff Barrow, que más tarde se convertiría en el alma mater de Portishead, se unió a Mark "Markee Substance" Morrison y crearon un famoso espectáculo que representaban en un local llamado Ruffneck Ting. Este espectáculo se mantuvo de plena actualidad durante cinco años en los principales locales de Bristol y del sudoeste de Inglaterra. Allí conocieron a la cantante y compositora Sian Evans. Los tres debutaron con Resist (2002), un disco de pop negro, sinuoso y elegante que recuerda los trabajos de Massive Attack y EBTG. Sonido breakbeat de corte electrónico, canciones rebosantes de estilo drum'n'bass con toques melancólicos, dónde destaca la impresionante voz de Sian Evans. En sus siguientes trabajos, Kokopelli (2003) y Damage (2007), dan ejemplo de colaboración musical y artística, los distintos estilos musicales de los tres artistas, sus distintas influencias y su diferente manera de ser es lo que los moldea y se convierte en el elemento que sitúa al grupo a años luz de sus competidores.  © epdlp




   Beth Orton
   Sugaring Season (2012)

   12 ENERO 2015

   La inglesa Beth Orton ha llevado a cabo la extraña tarea de popularizar la música de influencia folk entre los clubes de la última década del siglo XX. Sus aspiraciones se dirigían a ser actriz, pero el afamado compositor y productor William Orbit la contrató para grabar unos textos recitados para su proyecto Strange Cargo. El éxito del proyecto la llevó a grabar su primer disco Superpinkymandy (1993), un disco poco convencional solamente para el mercado japonés, que le abrió las puertas a colaboraciones junto a Red Snapper, Chemical Brothers, Primal Scream, Ben Watt (EBTG), Johnny Marr (Smiths) y Ryan Adams. Sus siguientes álbumes, Trailer Park (1996), Central Reservation (1999), Daybreaker (2002) y Comfort of Strangers (2006), la consagraron como esa cantautora universal que lejos de estilos (folk, pop, country, electrónica, etc) toca todos los palos con elegancia y sencillez, creando canciones brillantes, sencillas y que perduran en el tiempo. Sus conciertos en directo destilan unos sonidos llenos de matices, intensos y hermosos, sobre el que sobresale su espléndida voz, momentos álgidos de emoción desbocada. Beth Orton la niña mimada del pop británico se disfraza de Joni Mitchell, Natalie Merchant y Suzzane Vega, y al final acaba pareciéndose a Bjork y a Sade. Sugaring Season (2012), es su último álbum. Un viaje en torno a las relaciones personales, con sus canciones como análisis del mundo a través de sus ojos, describiendo la naturaleza de las cosas desde un punto de vista en el que la esperanza, el amor, la expectación y el paso del tiempo se expresan naturalmente. Entre la caída, la salvación y la supervivencia, Beth Orton nos recuerda el cielo de cemento que se nos cae encima.  © epdlp




   GusGus
   This Is Normal (1999)

   05 ENERO 2015

   GusGus es junto a los desaparecidos post-punk Sugarcubes, el grupo más importante de Islandia y el colectivo musical más ecléctico de los últimos años. Estuvo formado inicialmente por nueve miembros unidos casualmente cuando dos de sus componentes buscaban un reparto para realizar un corto. Cuando la filmación se pospuso, se propusieron grabar un álbum. Así nació Polydistortion (1996). En 1997 hicieron una gira por todo el mundo junto a los grupos Cornershop y Lamb. Tienen su propia casa discográfica, Elf 19 y crean sus propias tendencias de moda. A pesar de su música experimental y letras a menudo inusuales, la música dance es integral a su sonido así como las influencias de Carl Craig, Masters at Work y Prince. Los líderes de la banda son a día de hoy, Biggi Thorarinsson (programación) y y Stephan Stephensen (bajo, President Bongo), aunque también pertenecieron a ella nombres de la talla de Magnus Gudmundsson (DJ, Buckmaster de la Cruz) y Urdur Hakonardottir (cantante). Han editado siete álbumes, Polydistortion (1996), This Is Normal (1999), Gus Gus vs. T-World (2000), Attention (2002), Forever (2007), 24.7 (2009) y Arabian Horse (2011). GusGus mezcla varios estilos, hip-hop, funk, electro, techno y house, demostrando que se puede hacer trip-hop fuera de Bristol. Su sonido tiene una calidad etérea, combinando el drum'n' bass en sus orígenes y el uso inteligente de la tecnología en la actualidad. Han desarrollado un estilo personal e innovador, accesible y desafiante.  © epdlp




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