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       Música - Todos los álbumes de la semana 
 
    
 

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   Ian Simmonds
   Last States Of Nature (1998)

   11 DICIEMBRE 2006

   En los últimos tiempos la música electrónica ha experimentado una vigorosa vuelta a sus orígenes jazzísticos. La escena actual tiene todos los elementos prestados del género, modernizándolos y adaptándolos a sus necesidades. James Hardway y su Cinematic Orchestra, los brillantes Red Snapper y el británico Ian Simmonds son bichos raros dentro de sus congéneres, pues su música necesita de la experimentación para retroalimentarse. Ian Simmonds, cantante y bajista, formó parte durante la década de los noventa del cuarteto de acid-jazz Sandals, junto a Will Blanchard, John Harris y Derek Delves. Simultáneamente produjo los primeros trabajos del dúo Leftfield y de los Pressure Drop. Tras la disolución del grupo Sandals continuó su carrera en solitario, debutando con Last States Of Nature (1998), un himno al nu-jazz/dark y al estilo downtempo. A este siguió Return To X (2000), un álbum que navega entre la sorpresa y el encantamiento y en dónde su estructura infernal merece estar en una antología del desconsuelo. Más tarde y adoptando el seudónimo de Juryman editó dos trabajos más, The Hill (2001) y Escape to Where (2002). The Burgenland Dubs (2009) y The Right Side Of Kind (2015), son sus últimos trabajos hasta la fecha. Ian Simmonds nos desafía con un jazz turbio y orgánico, misterioso y colosalmente adictivo, en dónde la electrónica más contemporánea se nos presenta completamente desnuda. Ritmos rotos, instantes de placer soberano, la música ideal para observar como anochece durante los próximos años. © epdlp




   Beth Orton
   Daybraker (2002)

   27 NOVIEMBRE 2006

   La inglesa Beth Orton ha llevado a cabo la extraña tarea de popularizar la música de influencia folk entre los clubes de la última década. Sus aspiraciones se dirigían a ser actriz, pero el afamado compositor y productor William Orbit la contrató para grabar unos textos recitados para su proyecto Strange Cargo. El éxito del proyecto la llevó a grabar su primer disco Superpinkymandy (1993), un disco poco convencional solamente para el mercado japonés, que le abrió las puertas a colaboraciones junto a Red Snapper, Chemical Brothers, Primal Scream, Ben Watt (EBTG), Johnny Marr (Smiths) y Ryan Adams. Sus siguientes álbumes, Trailer Park (1996), Central Reservation (1999) y Daybreaker (2002), la consagraron como esa cantautora universal que lejos de estilos (folk, pop, country, electrónica, etc) toca todos los palos con elegancia y sencillez, creando canciones brillantes, sencillas y que perduran en el tiempo. Sus conciertos en directo destilan unos sonidos llenos de matices, intensos y hermosos, sobre el que sobresale su espléndida voz, momentos álgidos de emoción desbocada. Beth Orton la niña mimada del pop británico se disfraza de Joni Mitchell, Natalie Merchant y Suzzane Vega, y al final acaba pareciéndose a Bjork y a Sade. Un viaje en torno a las relaciones personales, con sus canciones como análisis del mundo a través de sus ojos, describiendo la naturaleza de las cosas desde un punto de vista en el que la esperanza, el amor, la expectación y el paso del tiempo se expresan naturalmente. Entre la caída, la salvación y la supervivencia, Beth Ortonnos recuerda el cielo de cemento que se nos cae encima.  © epdlp




   Kemopetrol
   Everything's fine (2002)

   13 NOVIEMBRE 2006

   Kemopetrol es un prometedor grupo finlandés de pop electrónico formado por Kalle Koivisto (teclados), Marko Soukka (guitarra), Laura Närhi (voz), Kari Myöhänen (bajo) y Teemu Nordman (batería). Los dos primeros comenzaron como dúo experimental en 1998, creando su música a la que denominaban "ambient industrial ruso", convirtiéndose meses más tarde en quinteto y adoptando su nombre de un antiguo equipo de hockey checo. Slowed Down (2000), su álbum debut, fue una auténtica joya atemporal, creadora de paisajes sonoros que van desde el reggae contagioso, a la rica sección de cuerdas, pasando por unas desgarradoras guitarras. En el año 2001 fueron considerados el mejor nuevo suceso pop/rock del 2000 en la gala Emma (Los premios de la industria musical finlandesa), y en el 2002 editaron su segundo álbum, Everything's fine. Play for me (2004), Teleport (2006) y A Song And A Reason (2011), completaron éste repóquer de ases de música atemporal. Kemopetrol suenan a combustible para mecheros, esos carburantes que se consumen en una etérea llama azul que parece capaz de arder durante años, como las canciones de Kalle Koivisto, alma mater del grupo y compositor de todas sus canciones. Canciones descorazonadoras y ritmos hipnóticos, una sutil y refinada mirada al pop que se extingue sin antídoto posible.  © epdlp




   Hybrid
   I Choose Noise (2006)

   06 NOVIEMBRE 2006

   Hybrid es un grupo inglés formado por Mike Truman y Chris Healings. Anteriormente era un trio, pero Lee Mullin el tercer componente, abandonó el grupo después del primer trabajo. Han orientado sus habilidades de producción en las pistas al servicio de artistas tan variados como Jazzy Jeff, Carl Cox y Alanis Morissette. Con Wide Angle (1999), su disco debut, sorprendieron a la crítica inglesa con su música creadora, imaginativa y vanguardista. En Morning Sci-Fi (2003), I Choose Noise (2006) y Disappear Here (2010), sus siguientes trabajos, nos sumergen en una amplia gama de estilos musicales, los dibujan y los utilizan para crear nuevos sonidos. Sus discos están plagados de notables colaboraciones, la cantante Julee Cruise, Chrissie Hynde del grupo Pretenders, Perry Farrell de los Jane's Addiction, Judie Tzuke, Kirsty Hawkshaw y Peter Hook de New Order. Hybrid ha demostrado que su música es realmente innovadora, un break beat acelerado a la máxima potencia sólo comparable al que ejecuta BT (Brian Wayne Transeau), fusión de breaks y poderosa orquesta con calidad cinematográfica.  © epdlp




   Imogen Heap
   I-Megaphone (1998)

   30 OCTUBRE 2006

   Formada como pianista y compositora y dotada de una voz que destaca por su creatividad, Imogen Heap es diferente a los demás, pues a pesar de facturar un pop aparentemente accesible a cualquiera, su estilo es inconfundible. Ella es el máximo exponente del llamado sonido“breathy”(voz aspirada o entrecortada), una forma de expresión más que un lenguaje musical. Imogen Heap inició su carrera en solitario con I-Megaphone (1998) y cuatro años después editó junto a Guy Sigsworth y con el nombre de Frou Frou, el álbum Details (2002). Dicen que en algunas ocasiones, la popularidad y el reconocimiento llegan por los caminos más extraños, pues el dúo británico Frou Frou se dieron a conocer mundialmente al incluir una versión de la canción "Holding out for a hero" de Bonnie Tyler, en la banda sonora de Shrek 2. Desde entonces la cantante que más había dado que hablar en el ambiente del electro pop de esos años, elaboró dos trabajos más, Speak For Yourself (2005) y Ellipse (2009), que la situaron en un lugar privilegiado. Sparks (2014), su último trabajo, es sin duda el mejor de su carrera y la culminación de su proyecto. Imogen Heap elabora pop electrónico, mezclado con rock alternativo, a mitad de camino del espacio musical que creó Portishead hace algunos años y que Bjork se encargó de llevar al primer plano. Su destino es explorar las fronteras del pop rock electrónico, un buen ejemplo de lo que la mezcla de un criterio musical adecuado y una voz portentosa pueden siempre conseguir.  © epdlp




   Dreadzone
   Sound (2002)

   23 OCTUBRE 2006

   Dreadzone son un grupo inglés formado por Greg Roberts, Leo Williams y Tim Bran, los dos primeros ex componentes de BAD (Big Audio Dynamite), escisión de la banda de punk The Clash. Propietarios del club nocturno londinense Dubwiser, son un ejemplo luminoso de los magníficos resultados de unir la frialdad de los instrumentos electrónicos con el calor de sonidos como el reggae. Han publicado los siguientes álbumes de estudio, 360 Degrees (1993), Second Light (1995), Biological Radio (1997), Sound (2002), Once Upon A Time (2005), Eye On The Horizon (2010) y Escapades (2013). En ellos incorporan su arriesgada apuesta por un sonido espectacular, en ocasiones cercano a la worldmusic, junto a sonidos clásicos más sobrios, más oscuros y dramáticos que incitan al baile. La combinación abrasiva de batería, bajo y diversos instrumentos electrónicos, junto a influencias completamente sorprendentes y un nivel de superación estético sólo comparable a un lienzo a punto de ser plasmado, los convierte en un conjunto audaz que crea el dub más sofisticado que puedas escuchar. La representación máxima del baile como forma de vida, la realidad última de lo visible y lo invisible, el triunfo del ritmo sobre la razón.  © epdlp




   Bent
   Ariels (2004)

   16 OCTUBRE 2006

   Abanderados del chill-out británico y diseñadores del pop del futuro, el dúo Bent (Simon Mills y Nail Tolliday) ha insuflado aires renovados a la escena musical de los beats amables y ralentizados. Radicados en Nottingham, su primer y aclamado trabajo Programmed to Love (2001), una recopilación de sus Eps, ya nos descubrió su maestría en utilizar más instrumentos "naturales" que sus contemporáneos, arpas, guitarras más o menos eléctricas y todo lo que haga su sonido más atractivo y cercano. Ambient/lounge con imaginación y sentido de humor, retro-pop orquestal con tintes futuristas, electrónica de diván, capaces de mezclar un adagio con bases electrónicas, violines, flautas traveseras y sonidos oníricos. Sus siguientes trabajos, The Everlastic Blink (2003), Ariels (2004) e Intercept! (2006), son la demostración de que todavía podemos disfrutar escuchando música fascinante, un difícil equilibrio de fuerzas que logra introducirte en un mundo gemelo al de Alicia en el País de las Maravillas.  © epdlp




   3rd And The Mortal
   In This Room (1997)

   09 OCTUBRE 2006

   3rd And The Mortal es una particular banda noruega de dark/gothic-metal, que ha sabido captar el ambiente y los sonidos de la naturaleza de la península escandinava, para plasmarlos en su personal visión musical. El grupo fue fundado en 1992 por Rune Hoemsnes, Finn Olav Holthe, Geir Nilssen, Trond Engum y Kari Rueslatten (voz). Esta última dejó el grupo tras grabar su primer álbum, Tears laid in Herat (1993), considerado una gema del estilo gothic doom. Painting on glass (1996) y In this room (1997), fueron los dos siguientes, unidos a la voz de Ann-Mari Edvardsen. Tuvieron que pasar 5 años para que los fanáticos de esta banda noruega de culto pudiesen volver a escuchar sus vertiginosos sonidos. Memoirs (2002) ya con una nueva vocalista Kirsti Huke, tiene la misión de unir sus ideas e impulsos anteriores para crear un sonido diferente. Incluidos entre los grupos metálicos oscuros y ralentizados con base doom o goth, con desviaciones hacia sonidos sinfónicos o progresivos, su música es una mezcla de sonidos analógicos y digitales, aderezados con percusiones intensas y guitarras iniciadoras de secuencias suaves. Cada tema tiene su propio espíritu, su propio estilo y su propio sentimiento. Música melancólica e intensa para escuchar bajo una tormenta de fuego.  © epdlp




   Nitin Sawhney
   Spirit Dance (1994)

   18 SEPTIEMBRE 2006

   Nitin Sawhney es un músico anglo-hindú que fusiona tradición y electrónica. Nació en Rochester, Kent, Inglaterra. Con Talvin Singh, otro de los grandes nombres del asian underground, fundó Tihai Trio, proyecto creado tras la disolución de su primera banda The Jazztones. Sus 10 álbumes hasta la fecha, Spirit dance (1994), Migration (1995), Displacing the priest (1996), Beyond skin (1999), Prophesy (2001), Human (2003), Philtre (2005), London Undersound (2008), Last Days Of Meaning (2011) y Dystopian Dream (2015), son un impecable ejemplo de como delimitar el presente sin renunciar a la memoria. Nitin Sawhney ha estado enseñando al mundo por dónde va la música del siglo XXI. La diferencia entre lo que él hace y lo que surge de otros artistas contemporáneos suyos no es una cuestión de estilo, sino de talento. Un viaje alrededor del mundo conocido, con el que es imposible no identificarse dentro de una civilización globalizadora como la que vivimos actualmente. En su música se dan la mano, el canto musulmán de llamada a la oración y la rumba mediterránea, los ecos jazzísticos y el espíritu del Ganges. Demuestra que la música contemporánea pierde sus fronteras en bien de la creación y que cualquier herencia es buena si se sabe utilizar con criterio y si se adquiere de ella lo que mejor puede aportar al estilo propio del compositor. Sawhney no crea para turistas, sino que expone su música como un retrato cromático de la sociedad que refleja.  © epdlp




   David Sylvian
   Secrets Of The Beehive (1987)

   11 SEPTIEMBRE 2006

   Ser un cantautor de vanguardia es contradictorio en si mismo, menos en el caso de David Sylvian, artista integral y músico de cabecera de miles corazones rotos. Cantante y compositor británico, comenzó a tocar la guitarra a la edad de 12 años y con 16 fundó la banda Japan, grupo que en 8 años de vida (1974-1982), consiguió elevar el art-pop a su máxima expresión artística. Fiel a su propuesta de ediciones de alto valor estético, David Sylvian se comprometió a partir de ese año, a dar el primer paso en una evolución musical que abandonaba el synth-pop post-glam de Japan y encaminándose a un ambiente poético generosamente texturado. Brilliant Trees (1984), su primer trabajo en solitario, fue una obra redonda e iniciadora de la senda que él buscaba. A éste siguieron otras obras de culto, Alchemy (1985), Gone To Earth (1986), Secrets Of The Beehive (1987), Plight & Premonition (1988), con Holger Czukay; Flux + Mutability (1989), The First Day (1993), con Robert Fripp; Dead Bees On A Cake (1999), Everything And Nothing (2000), Damage (2001), de nuevo con Robert Fripp; Camphor (2002) y Blemish (2003). En 1991 reunió a los ex componentes de Japan para grabar un único disco de homónimo título, Rain the Crown. Aparte de los mencionados, ha colaborado junto a músicos de la categoría de Bill Frisell, Jon Hassell, Marc Ribot, Steve Tibbetts, Ryuchi Sakamoto y Kenny Wheeler. David Sylvian, que entre otras cosas es propietario del sello Samadhisound, no pretende ser didáctico, aunque advierte que sus canciones deben actuar como un detonante de nuestro subconsciente, con abundantes alusiones a la pérdida de la inocencia y al paso del tiempo. En el año 2005 y con el nombre de Nine Horses, ha editado un último trabajo junto a su hermano el batería Steve Jansen (también ex-Japan) y Burnt Friedmann, gurú del chill out y la electrónica en formaciones como Drome, Flanger o Non Place Urban Field. David Sylvian mensajero de lo críptico y de la pasión analógica en un entorno digital, intenso, minucioso y un punto enigmático, sigue a pesar de todo siendo un optimista, acentuando la oscuridad para poder apreciar mejor la luz, digiriendo el veneno para desarrollar una cierta inmunidad.  © epdlp




   Bob Holroyd
   Without Within (2003)

   02 SEPTIEMBRE 2006

   Bob Holroyd está situado en primera linea entre los músicos más innovadores de la escena actual. Su música electrónica abstracta, cercana a la world-music, tiene sus influencias en compositores tan variados como Peter Gabriel, David Sylvian, Arvo Part, Ryuichi Sakamoto. Steve Reich, XTC o David Byrne. Es el fundador en el año 1987 de la compañía Soundscape Music, y hasta la fecha a publicado cuatro álbumes de estudio, Fluidity & structure (1991), Stages (1996), A different space (2000) y Without Within (2003). Bob Holroyd combina la música ambient con ritmos intensos de todo el mundo, calidad e imaginación que busca la emoción del que la escucha.  © epdlp




   Layo & Bushwacka
   Feels Closer (2006)

   28 AGOSTO 2006

   La historia de Layo & Bushwacka comenzó en el año 1988, una adolescencia en la que frecuentaban las fiestas acid de Clink Street o utilizaban piezas de música clásica para desarrollar en la escena hardcore. Con su espíritu ecléctico que daba forma a sus sesiones, bien en su hogar espiritual, el londinense The End, en una playa de Brasil o en los clubs más importantes de Ibiza o Argentina. Mientras Layo modifica sin compasión sonidos y frecuencias, Bushwacka machaca el crossfade, convirtiendo el indescriptible armamento breakbeat en un compulsivo collage de cortes y ritmos. Refugiados del underground, han pasado su tiempo apoyando el underground británico cuando los demás hacían oídos sordos. Layo Pashkin abriendo The End, un club con el propósito de descubrir nuevos valores a los vampiros nocturnos. Matthew "Bushwacka" Benjamin con su lucrativa carrera como Dj de raves, cogiendo de las nuevas corrientes del techno, tech-house, electro y breakbeat, forzándolos junto al blues, música clásica y bandas sonoras del último siglo para crear el nuevo sonido del siglo XXI. A mediados de los 90, cuando Layo and Bushwacka comenzaron su andadura juntos, la música dance estaba en proceso de cambio. La escena hardcore de la que Matthew había sido parte integral, ahora estaba cambiando hacia el drum&bass, mientras que los nuevos híbridos, más tarde etiquetados como tech-house y breakbeat, estaban emergiendo de los clubes como el The End. Matthew había creado su propio sello, Plank records, y creaba y pinchaba lo que él mismo definía como "buena música de calidad para salir y bailar", lo que más tarde sería el estilo Bushwacka. En 1998 Layo and Bushwacka editaron su primer disco Low Life, suave colección de electro, techno, underground, house y old skool breakbeat, pero filtrados a través del blues del delta y del dub reggae, creando un brillante disco de sonidos breakbeat atmosférico y downtempo. Los siguientes trabajos Night Works (2002) y Feels Closer (2006), muestran cómo su paleta de colores ha aumentado proporcionalmente al tamaño del lienzo utilizado. Como bien dicen los dos: "Les gustaría mucho más que el disco tuviera buenas críticas que el hecho de vender muchos discos. Algo que puedas escuchar dentro de unos años y que todavía conserve su dignidad y frescura".  © epdlp




   Govinda
   Worlds Within (2004)

   21 AGOSTO 2006

   Govinda es una banda de violinistas, compositores y alquimistas de origen libanés, poseedores de un talento mágico que mezcla diversos instrumentos para crear su música electrónica con raíces hindús. En sus siete álbumes de estudio hasta la fecha, Atom Hearts Madras (1997), O Earthly Gods (1998), Entwined & Entranced (1999), Erotic Rhythms from Earth (2001), Echoes of Eden (2003), Worlds Within (2004) y Sound Sutras (2007), consigue alimentar la llama de su innegable destreza, porque Govinda es la luz. El violín gitano y la guitarra, inspirados por los estilos musicales de España, de la India, de Italia y de Irlanda. Ritmos eróticos de la tierra, la encarnación suprema de la mente sobre el cuerpo, la sensualidad de noches oscuras y pasionales que transforma nuestras vidas superficiales en exóticas necesidades de supervivencia.  © epdlp




   Hooverphonic
   The Magnificent Tree (2000)

   14 AGOSTO 2006

   Hooverphonic son un trío belga que en sus comienzos bebieron las fuentes de Massive Attack y Portishead y que se han convertido con el tiempo, en el más reconfortante grupo del pop centroeuropeo. Calificados como hacedores de pop ambiental, Geike Arnaert (voz), Alex Callier (bajo y teclados) y Raymond Geerts (guitarra), consiguen una música original y enérgica, ideal para conmover y suscitar emociones, un sonido distinto, extraordinario y evocador. En 1997 editaron su primer álbum A New Stereophonic Sound Spectacular, con Frank Duchêne y la cantante Liesje Sadonius, que luego abandonarían el grupo. A éste siguieron, Blue Wonder Power Milk (1998), realizando una gira por todo el mundo junto a sus almas gemelas Massive Attack y más tarde junto a Moloko, Kid Loco y Divine Comedy; The Magnificent Tree (2000) y The President Of The LSD Golf Club (2007). Como Liz Fraser en los Cocteau Twins o Tracey Horn en EBTG, la voz frágil pero intensa de Geike Arnaert se adaptó perfectamente en todos éstos álbumes a los temas poco ortodoxos e hipnotizantes de Hooverphonic. Su evocadora voz, casi de otro mundo, fue como la de una sirena que invitaba al oyente a visitar tierras inexploradas. En The Night Before (2010), la cantante Noémie Wolfs sustituyó a Geike Arnaert, que abandonó el grupo definitivamente, iniciando una prometedora carrera en solitario. Hooverphonic with Orchestra (2012), Reflection (2013) e In Wonderland (2016), son sus últimos álbumes. Hooverphonic no tiene conciencia de las tendencias y esa actitud junto a su afortunada combinación de melodías antiguas con sonidos y ritmos casi futuristas les confiere una calidad intemporal.  © epdlp




   Perry Blake
   California (2002)

   07 AGOSTO 2006

   Dicen las malas lenguas que parecerse a Leonard Cohen, Nick Drake, David Sylvian, Scott Walker, Tim Buckley, Brendan Perry (Dead Can Dance) y Jay Jay Johanson, es venenoso para el corazón. Si existe un crooner, en ocasiones con voz de falsete, capaz de aglutinar el espíritu de esas siete leyendas de la música, ese es el cantante y pianista Perry Blake. Nacido en Irlanda en 1970, muy pronto formó su primera banda "The Rubber Clothing Co" a pesar de que su madre pensaba que "Superband" era más apropiado. Años más tarde publica su primer trabajo, Perry Blake (1998), el debut discográfico en solitario de un irlandés capaz de destilar la más bella melancolía pop. A éste siguieron, Still Life (Naturalez Muerta, 1999), una sincera reflexión alrededor de los temas universales, el amor, el paso del tiempo, el recuerdo y el olvido, y en el que contó con las colaboraciones de Francoise Hardy, Bryan Ferry y del batería de grupo Japan, Steve Jansen. El tercero, California (2002), un disco que fue grabado en Bélgica en tan sólo 12 días y que fue producido por Marco Sabiu, es un viaje hacia las entrañas del soul, con orquestacions cálidas a lo Marvin Gaye o Barry White. En el cuarto, Songs for someone (2004), Perry Blake se aleja de la imagen de cantante atormentado,y emprende de nuevo un viaje (una vez más), a la búsqueda de un lugar que no existe, la visión utópica de un lugar físico utilizado como metáfora de un estado al que queremos llegar. Su quinto y último álbum hasta la fecha, The Crying Room (2006), es un simple tratado de tristeza, distinción y categoría, dónde la frontera entre la felicidad y la tragedia es un escaso hilo de seda. Es autor además de la BSO de la película Presque Rien (Primer Verano, 2000), dirigida por Sébastien Lifshitz. Perry Blake que reconoce que sufre una obsesión enfermiza por los bosques, y que si fuese David Bowie, se encontraría en su etapa berlinesa, mezcla géneros como el folk, el soul e incluso el trip-hop, con comprometidas dosis de tragedia y melancolía. Eso es mucho más de lo que puede pedirse a un artista que parecía destinado a quedarse encasillado en los falsetes y en la exhibición de emociones prestadas. Perry Blake demuestra que ser crooner o baladista puede tener todavía sentido después de rebasado el siglo XXI y que sus canciones sirven para acompañar una tarde de invierno o quizá toda una vida.  © epdlp




   The Crystal Method
   Tweekend (2001)

   31 JULIO 2006

   Ken Jordan y Scott Kirkland, forman el dúo Crystal Method, última parada de una cadena de proyectos que comenzaron en Las Vegas y finalizaron en la escena rave de principios de los noventa. Con espíritu joven, Jordan y Kirkland se sumergieron a partir del año 1993, en la cultura underground de Los Angeles y comenzaron a tocar música inspirada en sus experiencias. Su single debut, Keep Hope Alive apareció poco después del 94. Su título hacía referencia al ambiente rave de Los Angeles y llegó a ser como el himno de un sinfín de remezclas que aparecieron después. La demanda de la pareja de ser tomada como una banda seria se iba prolongando durante sus espectáculos en vivo, como consecuencia Crystal Method aumentó en popularidad tanto en los clubs como en la radio. Su primer CD, Vegas apareció a mediados de 1997, y cuatro años después Tweekend (2001), con las colaboraciones de Beck, Scott Weiland (Stone Temple Pilots) y Tom Morillo (Rage Against the Machine). Crystal Method es para muchos críticos, la respuesta americana a los ingleses Chemical Brothers. Una música de baile electrónica con un definido feeling de rock, es lo que define a los dos grupos, aunque Crystal Method tiene una sólida base en el hip-hop americano, el rock, el soul, y el pop. El dúo ha poblado numerosos recopilatorios de música electrónica y ha formado parte de exitosas bandas sonoras, como últimamente lo hizo en Spawn, han empezado a crecer en su país como un ruido sordo del underground. Son la legítima continuación de un movimiento que se ha transformado en europeo.  © epdlp




   Zuco 103
   Tales of High Fever (2003)

   24 JULIO 2006

   Amsterdam es la ciudad donde está radicado el proyecto Zuco 103, fusión de tres personalidades, el holandés Stefan Kruger (batería y percusiones), el alemán Stefan Schmid (teclados) y la brasileña Lilian Vieira (cantante), que llegó a los Países Bajos en 1989. El trío unió sus fuerzas por primera vez al realizar una serie de temas para la ecléctica y electro jazzística formación holandesa SfeQ. Beco Dranoff, el cazatalentos de la compañía discográfica Ziriguiboom, el sello de Crammed dedicado a la música brasileña, les produjo su primer trabajo Outro Lado (2000). Desde el lanzamiento de Outro Lado la música de Zuco 103 ha sido reconocida como una de las más excitantes mezclas entre la música electrónica y la brasileña, jamás realizadas. En su segundo álbum Tales Of High Fever (2003), dejan volar su inspiración rítmica brasileña, para ser al mismo tiempo sofisticados y explosivos, bailables y también escuchables, sedosos y violentos, innovadores y pegadizos. La seductora voz de Lilian Vieira determina su estilo, una mezcla de bosanova, samba, drum'n'bass, hiphop, funk y dub, intentando dejar atrás todas sus influencias, descubriendo continuamente nuevos sonidos. Exploradores del arte de la samba y la bosanova, enriquecidos con la sensualidad del funk sobre las bases techno y drum'n'bass, su minimalismo ascético y total perfeccionismo está a la vanguardia de una nueva generación de artistas que son musical y étnicamente multiculturales y que son capaces de unir los sonidos propios de las músicas étnicas con los ritmos más occidentales.  © epdlp




   London Elektricity
   Power Ballads (2005)

   17 JULIO 2006

   Fusionar un sub-estilo de ghetto con otros más populares, es siempre tarea difícil y complicada. Tony Colman es el mejor exponente del verdadero sonido soulfull drum'n'bass. Junto a Chris Goss fundó Elektric Productions en 1996 y más tarde el sello Hospital Records (imprescindibles sus recopilatorios bajo el nombre Weapons Of Mass Distraction), formando al mismo tiempo proyectos paralelos llamados Future Homosapiens, Dwarf Electro y Orkestra Galactica. Su estreno como London Elektricity fue el aclamado álbum Pull the plug (1998), una poderosa amalgama de sonido soulfull de alto voltaje, donde voces masculinas y femeninas se enlazaban con enérgicos bajos y característicos ritmos del jungle. Cuatro años más tarde Chris Goss abandona el dúo para dedicarse en exclusiva a su sello discográfico Hospital Records. Ya en solitario, Tony Colman, que en ese periodo de tiempo remezcló a gente como The Headhunters, Nitin Sawnhey y UFO, edita su segundo trabajo, Billion Dollar Gravy (2003), un clásico que sigue las pautas heredadas del progressive, con tracas de diversos colores y excelentes vocalistas a punto de explotar. En Power Ballads (2005), su tercer trabajo en el que participan las voces de MC Wrec y la leyenda del jazz Liane Carroll, continúa con su línea melódica bien sujeta, el bajo donde debe estar y el eficaz contrapunto rítmico para que se te muevan los pies. Syncopated City (2008), Yikes! (2011) y Are We There Yet? (2015), son sus últimos trabajos. En sus conciertos en directo, Tony Colman y su banda no utilizan ningún tipo de hardware, ni existe el playback. Únicamente verás a unos músicos concentrados en sus instrumentos y unos vocalistas con el alma entre las cuerdas vocales, algo sorprendente y meritorio en un grupo electrónico. London Elektricity ejecuta un drum'n'bass orgánico y asimilable para aquellos que huyen de la pista con el rabo entre las piernas en cuanto el hard-step hace acto de presencia. Música vital con un aura de neblina, que crea espacios de formas obsesivas.  © epdlp




   Koop
   Sons of Koop (1997)

   10 JULIO 2006

   Koop es una formación sueca apasionada por el jazz y con unos intereses musicales que van desde el hard bop y los clásicos, hasta el hip-hop y el techno de Detroit. Con base en Estocolmo, el dúo formado por Magnus Zingmark y Oscar Simonsson, mezcla libremente elementos de jazz tradicional y música latina con electrónica de última generación. Su primer trabajo, Sons of Koop (1997), no era música electrónica con un toque de jazz, sino jazz frugalmente atado con un poco de electrónica. Percibiendo el jazz como ritmo y forma más que la idea ortodoxa de ser mera improvisación, Koop se las ingenió para escapar de la falta de variedad musical en la programación electrónica y de las grabaciones contemporáneas de jazz de sonido limpio. Su segundo y tercer álbum Waltz for Koop (2001) e Island Blues (2006), son un ejemplo de respeto por las tradiciones jazzísticas por un lado y un espíritu aventurero por otro. En estos dos últimos, cuentan con invitados como la leyenda del soul Terry Callier, el extravagante Earl Zinder y las debutantes Cecilia Stalin y Yukimi Nagano (con un registro vocal muy cercano al de Astrud Gilberto). Koop han intentado capturar la elegancia, convirtiendo la club-music en el jazz de nuestros días.  © epdlp




   Orbital
   Blue Album (2004)

   03 JULIO 2006

   Formados en 1989 en una escena rave inglesa, los hermanos Paul y Phillip Hartnol son el dúo Orbital. Considerados unos auténticos dinosaurios de la electrónica, iniciaron su andadura con un tema de bajo presupuesto que resultó un éxito inesperado, "Chime". Sus dos primeros álbumes, The Green Album (1992) y The Brown Album (1993), fueron elogiados por la crítica, dando una imagen de música dance inteligente y revolucionaria. Las claves de su éxito en directo, a pesar de llevar medio concierto pre-grabado como tantas otras bandas electrónicas, era la pura improvisación. Eso sin olvidar sus gafas-antorchas alienígenas, que ya son todo un clásico dentro de la escena. En sus últimos álbumes Snivilisation (1994), In Sides (1996), The Middle of Nowhere (1999) y The Altogether (2001) siguen ofreciéndonos ese sonido tan particular y personal que nunca han abandonado. Blue Album (2004) es el punto final de Orbital, pues el dúo se separa definitivamente con éste trabajo, un brindis de despedida por todos estos años de amaneceres colectivos. Paul y Phillip Hartnol, héroes en más de una ocasión del festival más importante del mundo, el Glastonbury, confeccionaron discos eclécticos, divertidos y dinámicos, con ecos de house que te hacían mover los pies sin que te dieras cuenta, pero también ejercicios minimalistas con un descarado acercamiento al pop, el llamado intelligent-techno o techno skiffle. Orbital nos deja siete álbumes-regalo y el recuerdo de ser unos de los grandes de la electrónica de los años noventa.  © epdlp




   Macaco
   Ingravitto (2006)

   26 JUNIO 2006

   Macaco es el apodo con que se conoce al músico catalán Dani Carbonell. Sus composiciones ejemplifican como pocas el mestizaje y la fusión en el mundo de la música, dotándolas de una fuerza y vitalidad difícilmente superables en el panorama nacional. Su mezcla de sonidos latinos, brasileños y africanos unidos al hip-hop, el ska y la rumba catalana convierten a Dani Macaco y su banda de argentinos, colombianos, brasileños y españoles, en estandarte de la Barcelona más globalizada y multicultural. Dani Carbonell proporcionó su voz y energía a las aventuras de gente como Dusminguet, Magia Animal, Dr. No, Ojos de Brujo, Amparanoia y Los de Abajo, antes de publicar su primer álbum, El mono en el ojo del tigre (1999), proyecto hijo del boom de mestizaje latino provocado por Manu Chao con su Clandestino. A éste siguieron, Rumbo submarino (2001), Entre raíces y antenas (2004), Ingravitto (2006) y Puerto Presente (2009). La banda que le acompaña está compuesto por el argentino Martin Fucks (guitarra y voz), los colombianos Carlos Jaramillo (sonidub) y Beto Bedoya (percusiones y voz), el brasileño Sandro Dos Santos (percusión) y los españoles Fran Beltrán (teclados), Salva Suau (batería), Sebi Suárez (bajo) y Marc Artis (teclados). Macaco hace de cada tema una fiesta del ritmo con letras muy cercanas a besar el intelecto y el corazón, su multisonoridad y desparpajo en los escenarios comunican fácilmente con el público, haciéndolo estallar con ritmos que le hacen sucumbir ante el baile. Un intento de tender puentes entre la globalización de raíz y los sonidos contemporáneos, músicas cruzadas y mensajes de vocación universal con el mar como protagonista.  © epdlp




   Nitin Sawhney
   Philtre (2005)

   12 JUNIO 2006

   Nitin Sawhney es un músico anglo-hindú que fusiona tradición y electrónica. Nació en Rochester, Kent, Inglaterra. Con Talvin Singh, otro de los grandes nombres del asian underground, fundó Tihai Trio, proyecto creado tras la disolución de su primera banda The Jazztones. Sus 10 álbumes hasta la fecha, Spirit dance (1994), Migration (1995), Displacing the priest (1996), Beyond skin (1999), Prophesy (2001), Human (2003), Philtre (2005), London Undersound (2008), Last Days Of Meaning (2011) y Dystopian Dream (2015), son un impecable ejemplo de como delimitar el presente sin renunciar a la memoria. Nitin Sawhney ha estado enseñando al mundo por dónde va la música del siglo XXI. La diferencia entre lo que él hace y lo que surge de otros artistas contemporáneos suyos no es una cuestión de estilo, sino de talento. Un viaje alrededor del mundo conocido, con el que es imposible no identificarse dentro de una civilización globalizadora como la que vivimos actualmente. En su música se dan la mano, el canto musulmán de llamada a la oración y la rumba mediterránea, los ecos jazzísticos y el espíritu del Ganges. Demuestra que la música contemporánea pierde sus fronteras en bien de la creación y que cualquier herencia es buena si se sabe utilizar con criterio y si se adquiere de ella lo que mejor puede aportar al estilo propio del compositor. Sawhney no crea para turistas, sino que expone su música como un retrato cromático de la sociedad que refleja.  © epdlp




   Talvin Singh
   Ok (1998)

   22 MAYO 2006

   El compositor, multi-instrumentista y productor Talvin Singh, es el gran renovador de la estética de los clubes londinenses. Nacido en Londres, a los 15 años decidió marcharse a la India, donde consiguió contar con el apoyo de Ustaad Laxman Singh, creador de un estilo muy especial de percusión llamado Punjabi Gharana. Muy pronto se convirtió en uno de los productores y percusionistas más famosos del momento, iniciando su carrera comercial en 1996 en el cibercafé Calcuta, un lugar para el que músicos y DJ's pudieran investigar con sesiones acústicas y electrónicas y pudieran plasmar ese trabajo en sesiones dominicales en el Vibe Bar del East End londinense. Espíritu y esencia de los sonidos del Asia underground, los llamados Anokha, ha desarrollado en sus discos en solitario, Ok (1998) y Ha (2001), y con otros músicos, Vira (2001), con Rakesh Chaurasia, Songs For The Inner World (2004), con Sangat y Together (2011), con Niladri Kumar, una imaginería y espiritualidad que une Oriente y Occidente, el pasado y el presente, un intrincado viaje desde la antigüedad a la modernidad en el que lleva consigo la herencia de sus antepasados. © epdlp




   De-Phazz
   Plastic Love Memory (2002)

   08 MAYO 2006

   De-Phazz es la abreviatura de Destination Future Jazz. Esta agrupación germana, residentes en Heidelberg y fundada por el compositor y productor Pit Baumgartner, está compuesta principalmente por cuatro músicos curtidos y versátiles. Los cantantes y compositores Karl Frierson, Pat Appleton y Barbara Lahr, junto a Pit Baumgartner (guitarra y samplers), ejecutan pequeñas perlas de ingeniería lounge, mezclada con easy listening, electrónica-orgánica, dancehall y lo que se les ponga por delante. Al trío les acompaña un bongo itinerante, en el que destacan, Jan Fride (batería), Roy Randolf (percusión), Joo Kraus (trompeta), Eckes Malz (teclados) y Otto Engelhardt (trombón). Detunized gravity (1997), Godsdog (1999), Death by Chocolate (2001), Daily Lama (2002), Plastic Love Memory (2002), Natural Fake (2005), Days Of Twang (2007) y Lala 2.0 (2010), son sus ocho álbumes de estudio que los colocan, junto a Saint Germain y Jazzanova, en esa punta imaginaria de un iceberg llamado nu-jazz. La aparición de su canción ¿Something special?, incluida en el cd Death by Chocolate, en un anuncio de tv, aumentó notablemente su popularidad, comparándolos con bandas como Combustible Edison o Pink Martín en versión digital, aunque todo el mundo sabe que son mucho más que eso. Las portadas de sus trabajos, obra del diseñador Olaf Becker, acentúan esa iconografía chic de la que el grupo hace gala. De-Phazz crean un cóctel vigoroso de música de salón que bebe del jazz moderno y el dance más cool, infinidad de gotas de elixir con gusto a glamour y elegancia demodé, todo ello aderezado con buen gusto, nivel instrumental y un estilismo retro de lo más fashion. Un combinado, más batido que agitado, dónde la libertad creativa es su gran baza, el último invento anti-estrés que hace que en tu discoteca por fin brille el sol.  © epdlp




   Pat Metheny Group
   We Live Here (1995)

   01 MAYO 2006

   Pat Metheny ha sido músico profesional casi la mitad de su vida. Incluso por separado, sin el grupo, las credenciales del guitarrista son impresionantes. Fue profesor tanto en la Universidad de Miami como en el Berklee College of Music, en Boston, cuando aún era un adolescente. A los diecinueve años Pat se unió a la banda de Gary Burton y permaneció con ellos durante tres años (1974-1977). Ha tocado y grabado con algunos de los más innovadores músicos de las pasadas dos décadas: Gary Burton, Paul Bley, Sonny Rollins, Steve Swallow, Dewey Redrnan, Paul Motian, Hubert Laws, Roy Haynes, Miroslav Vitous, Dave Liebman, Eberhard Weber, Julius Hemphill, Jack DeJohnette, Michael Brecker, Charlie Haden, Billy Higgins, Ornette Coleman, Milton Nascimento, Herbie Hancock y Steve Reich. Su primer disco "Bright Size Life" se estrenó en mayo de 1976 con el sello ECM. En él colaboraron Jaco Pastorius (bajo eléctrico) y Bob Moses (batería). En él ya presenta las composiciones unidas y comprometidas del líder y su concepto único de lo instrumental. A éste siguieron "Water Colors" (1977) en el cual grabó por primera vez con Lyle Mays y Danny Gottlieb. Más tarde "Pat Metheny Group" (1978), "New Chatauqua" (1979), "American Garage" (1980), "80/81" (1980), "As Falls Wichita, So Falls Wichita Falls" (1981), "Offramp" (1982) su primera grabación con sintetizador de guitarra, "Travels" (1983), "Rejoicing" (1983), "First Circle" (1984), "Song X" (1986) colaboración con Ornette Coleman, el revolucionario saxofonista y compositor de free jazz, "Still Life Talking" (1987), "Letter From Home" (1989) su trabajo de mayor éxito hasta ese momento, conciso, con fuerza, inequívocamente melodioso y conmemorativo, "Letter From Home" es un mensaje de madurez y logros de un grupo en plena forma. "Question and Answer" (1990), "Secret Story" (1993), una de sus creaciones más personales, con su factor emocional, crecido como compositor, culminación de lo que había hecho hasta la fecha. "The Road to You" (1994), "We Live Here" (1995), "Beyond The Missouri Sky (1997), Imaginary Day (1997) y Speaking of Now (2002). Su grupo el Pat Metheny Group está formado por Pat Metheny (guitarra), Lyle Mays (teclados), Steve Rodby (bajo), Richard Bonna (voz y guitarra), Antonio Sánchez (batería), David Samuels (percusión) y Cong Vu (voz y trompeta). Son escasos los artistas que improvisan y que logran interesar a una creciente cantidad de público sin que por ello se vea afectado su arte. Más extraño aún es encontrar un artista que pueda ver cómo su público se desarrolla al mismo tiempo que lo hace su visión musical. Pat Metheny, considerado el mejor guitarrista de jazz del mundo, compositor polifacético, productor innovador y pionero con el sintetizador y la guitarra, se encuentra en una posición inigualable, principalmente el resultado de una inteligencia musical insaciable y una energía aparentemente inagotable.  © epdlp




   Alpha
   Stargazing (2003)

   17 ABRIL 2006

   La ciudad de Bristol es conocida por ser la cuna del trip-hop. El dúo bristoliano Alpha, Corin Dingley y Andy Jenks, hacen honor al lugar donde nacieron. Con un estilo más homogéneo que el de sus pares, Massive Atack, Portishead y Tricky, logran que sus discos se consuman lentamente y casi sin darnos cuenta, sin distinción en el cambio entre canción y canción, es decir logrando una completa sinfonía del trip-hop. Andy Jenks fue fundador del efímero grupo Statik Sound System en 1996. Un año después junto a Corin Dingley y ya como Alpha, firmaron un contrato con Melankolic Records. El sello discográfico les venía que ni pintado, pues su música era eso, pura melancolía. Con ellos editaron su primer trabajo, Come From Heaven (1997), una brillante muestra de slow pop ralentizado, evocador y delicado con el que trataron de reivindicarse como grupo. A éste siguieron The Impossible Thrill (2001), Stargazing (2003), The Sky Is Mine (2007) y Eleventh Trip (2012), siempre acompañados de un estupendo trío de voces, Wendy Stubbs, Martin Barnard y Helen White. Tienen además un proyecto paralelo llamado Vacant, con el cual editan música orientada hacia las pistas de baile. Las etiquetas sirven en un momento dado para catalogar las cosas. Decir a estas alturas que Alpha son una banda de trip-hop creemos que ya no convence a nadie, pues el carácter atípico de su música, los hace sentirse como un grano de arena en la playa de una isla desierta. Ritmos intimistas y majestuosos, delicados y a punto de quebrarse, transitando en el terreno del easy listening, donde podrán no ser los primeros pero si los más tristes, música evocativa con cadencias jazzísticas, ambientales y orgánicas que nos emocionan y sobrevuelan cualquier etiqueta.  © epdlp




   Tears For Fears
   The seeds of love (1989)

   10 ABRIL 2006

   Al principio de los años ochenta los británicos Roland Orzabal y Curt Smith formaron un grupo de ska llamado Graduate. La experiencia no fue muy reconfortante, pues en 1981 decidieron reconvertirlo en banda de synth-pop y adoptaron el nombre de Tears For Fears. Este apodo está basado en el libro "Prisioneros del dolor" de Arthur Janov, que consiste en enfrentarse a los miedos de la infancia. Su gran impulso mediático vino con su primer single "Mad World", producido por Chris Hughes, ex-batería de Adam And The Ants, y que llegó al número 3 de las listas británicas en 1982. Más tarde apareció su primer álbum, The Hurting (1983), un trabajo meditado, melódico e infeccioso que revolucionó la escena pop inglesa. A éste siguieron Song from the big chair (1985), que mostraba un sonido más modernizado con influencias soul y el psicodélico The seeds of love (1989), un intento de combinar piano de cola y cuerdas vocales en un estilo que recordaba al de los Beatles. Tras éste extraordinario trabajo, Curt Smith abandonó la banda para empezar una carrera en solitario, y en la que en 1998 adoptaría el seudónimo de Mayfield. Conservando el nombre de la banda, Roland Orzabal ya en solitario, editó Elemental (1993) y Raoul and the kings of Spain (1995), en el que perseguía un sonido más sofisticado dirigido a un público más selectivo. Everybody loves a happy ending (2004), su último trabajo, es la vuelta del dúo original tras su reconciliación. Roland Orzabal y Curt Smith que llevaban nueve años sin hablarse, vuelven a demostrar el talento de una banda que sabe hacer canciones pop, con sonidos y concepción brillantes. Los TFF que siempre han querido expandir sus horizontes líricos, hablan del amor, del hombre y de su mundo interior, una temática en que las letras son mucho más oscuras y depresivas que su música luminosa, el testimonio de un grupo que deja claro que tiene una vida propia más allá de los recuerdos.  © epdlp




   Etro Anime
   See The Sound (2004)

   03 ABRIL 2006

   Lissette Alea (voz), Ted Birkey (teclados), David Fisher (trompeta, saxo y programación), Tom Welsch (bajo) y Shambo Pfaff (batería) son Etro Anime, el proyecto neoyorquino que pretende hacerse un hueco entre los grandes del trip-hop. Antes de fundar el grupo, Ted Birkey, genio del piano con sólo siete años, participó en una banda de jazz latino y en dos proyectos de hip-hop underground, Guru y Krashman. En sus planes pronto cayeron, la diva Lissette Alea que colaboró en sus comienzos con el niño prodigio de la electrónica Alex Kide, y el especialista en metales David Fisher, un cerebro de la programación, que en pocos meses se convertiría en el “maquinista” de la tropa. Todos ellos, con la inclusión de un bajista y un percusionista, debutaron con un primer álbum sorprendente, See The Sound (2004). Decir que Etro Anime (que significa ser infinito: con el espíritu y en movimiento), amplían horizontes sería una obviedad. Deberíamos describir su fusión de estilos construido sobre bases de deep y latin house pero con un gran rango de influencias, desde lounge, funk, rythm&blues, rock, ambiente dub, aderezados con diversos tipos de jazz, dan como resultado un trip-hop funky jazzy, con resonancias de drum'n'bass destilado. Además la tórrida y delicada voz de Lissette Alea, con su encantador toque brasileño ayuda a que la música suene siempre soleada y elegante y que nos traigan a la memoria el magnífico álbum debut de Weekend Players con Andy Cato de Groove Armada. Etro Anime son la música hecha arte conceptual, un compromiso dónde las emociones están bien moduladas, un intento de forjar imágenes en la imaginación del que los escucha.  © epdlp




   Kosheen
   Kokopelli (2003)

   27 MARZO 2006

   Kosheen son un trío de Bristol que aportan un cambio espectacular al mundo de la música. Darren "Decoder" Beale, que formó parte de varios grupos surgidos de la escena musical punk de Weston-Super-Mare, y que conoció a Geoff Barrow, que más tarde se convertiría en el alma mater de Portishead, se unió a Mark "Markee Substance" Morrison y crearon un famoso espectáculo que representaban en un local llamado Ruffneck Ting. Este espectáculo se mantuvo de plena actualidad durante cinco años en los principales locales de Bristol y del sudoeste de Inglaterra. Allí conocieron a la cantante y compositora Sian Evans. Los tres debutaron con Resist (2002), un disco de pop negro, sinuoso y elegante que recuerda los trabajos de Massive Attack y EBTG. Sonido breakbeat de corte electrónico, canciones rebosantes de estilo drum'n'bass con toques melancólicos, dónde destaca la impresionante voz de Sian Evans. En su segundo trabajo, Kokopelli (2003), dan ejemplo de colaboración musical y artística, los distintos estilos musicales de los tres artistas, sus distintas influencias y su diferente manera de ser es lo que los moldea y se convierte en el elemento que sitúa al grupo a años luz de sus competidores.  © epdlp




   Tab Two
   Belle Affaire (1996)

   20 MARZO 2006

   Pioneros del acid-jazz alemán, el dúo formado por Hellmut Hattler (bajo) y Joo Kraus (trompeta) fueron Tab Two. Hablamos en pasado porque su brillante carrera terminó en el año 2001, después de obsequiarnos con ocho álbumes repletos de sonidos sofisticados y elegantes. Mind Movie (1991), Space Case (1992), Hip Jazz (1994), Flagman Ahead (1995), Belle Affaire (1996), Sonic Tools (1997), Between Us (1999) y Zzzipp! (2000) fueron sus perlas. Su música, que ellos mismos denominaron Hip-Jazz, siempre fue difícil de clasificar, pues los innegables ecos de Miles Davis los acompañaban con arriesgadas bases programadas. Hellmut Hattler, fue componente de una las bandas alemanas de rock progresivo más influyentes de los setenta, Kraan. Joo Kraus, bastante más joven que Hattler, le dio con su trompeta ese ritmo relajado con toques smooth y swing que hizo célebre al dúo. Tras su separación Joo Kraus acompañó al grupo De-Phazz en su álbum Death by chocolate y en el 2005 ha editado su primer trabajo en solitario, Public jazz lounge (2005), un cd influenciado por la música sinfónica, recuperando material de Freddie Hubard, Joe Zawinul y Sting y que le logra situar a la altura de los grandes trompetistas actuales de éste estilo, Chris Botti, Till Bronner y Michael “Patches” Stewart. Por su parte Hellmut Hattler, al mismo nivel de gurús del bajo como Ken Taylor y Alphonso Johnson, ha publicado tres discos, No Eats Yes (2001), Mallberry Moon (2003) y Bass Cuts (2004). Tab Two facturaron un jazz de cara amable, de nítida estructura e impecable racionalidad que entre ocasionales rapeados y pequeñas dosis de funk blanco, parecieron entenderse a las mil maravillas con las formas contemporáneas del nu jazz.  © epdlp




   Andreas Vollenweider
   Vox (2004)

   13 MARZO 2006

   El arpa es posiblemente el instrumento más antiguo que produce su sonido mediante el punteo digital de unas cuerdas en tensión. Tuvo una aceptación extraordinaria en la edad media, antes de ser destronada en el siglo XV por el laúd y renacer de sus cenizas en el siglo XX. El suizo Andreas Vollenweider es de los pocos compositores que tocan el arpa en la música popular. Además fue el primero que los expertos calificaron como hacedor de música new age. Hijo de uno de los mejores organistas europeos, creció rodeado de un ambiente creativo, aprendiendo a tocar por su cuenta varios instrumentos, hasta que en 1975 encontró el que más se adaptaba a sus posibilidades y a su estilo. Modificó el arpa hasta adecuarla a sus necesidades y la convirtió en electroacústica. Formó parte originalmente del grupo Music and Poetry con el que grabó tres discos, para más tarde y ya en solitario editar 13 álbumes de estudio, Eine Art Suite (1979), Behind the Gardens (1981), Caverna Magica (1982), White Winds (1984), Down to the Moon (1986), Dancing with the Lion (1988), Traumgarten (1990), Book of Roses (1991), Eolian Minstrel (1993), Kryptos (1997), Cosmopoly (1999), The Essential (2001) y Vox (2004). En estos años en el mundo de la música, ha vendido más de diez millones de discos con unas melodías que emanan sosiego pero también conmueven. Además de éste instrumento también toca guitarras e instrumentos de aire, así como la kora africana y la gu-cheng (arpa china). Escucharle interpretar es toda una aventura, pues no utiliza bajo, sino que las notas de bajas frecuencias las da con las cuerdas largas del arpa. Su último trabajo, Air (2009), que utiliza instrumentos que antes usó raramente como el piano, la guitarra española o su propia voz, está dirigido a conciencias agitadas, a las que propone un ambiente ideal para la introspección, una auténtica odisea para un viajero imaginario en busca de emociones inexploradas.  © epdlp




   Ojos de Brujo
   Techarí (2006)

   06 MARZO 2006

   Ojos de Brujo fue la gran revelación del rock mestizo. Si nos sorprendieron con su primer álbum Vengue (Duende en caló, 2000), con su segundo trabajo Bari (Joya esencia y virtud en lengua gitana, 2002), hip-hop flamenco de gran frescura, nos atraparon definitivamente. El éxito de sus directos en toda Europa fue confirmando sus enormes posibilidades como banda. Ojos de Brujo mezclaban flamenco con hip-hop, funk, rap, reagee, son cubano y ragga. Estas influencias se fusionaban con canciones que partían de palos tradicionales del flamenco: tangos, colombianas, bulerías, tanguillos, etc, invitándote a descubrir con ellos la fuerza de un cajón flamenco, el peso de un bajo, el compás de la guitarra, los colores de la percusión latina y el soniquete de jaleos y palmas, junto a la rítmica voz del ragga, el scratching. Venidos de tierras distintas pero afincados en Barcelona, Ojos de Brujo estaba formado por Marina Abad (cantante), Ramón Giménez (guitarra), Juanlu (bajo), Dj Panko (scratching, samplers, guitarra y percusión), Max (percusión), Xavi Turull (percusión) y Sergio Ramos (percusión), con colaboraciones de otros músicos de bandas como Macaco y Dusminguet. Artistas que practican el mestizaje como forma de expresión, beben de todo y asimilan lo que vale para su propuesta, que aparte de original y combativa es todo un ejercicio musical. Para oír y a la vez remover conciencias aletargadas. Techari (Libre en caló, 2006) y Aocaná (Ahora en caló, 2009), fueron sus últimos ejercicios de virtuosismo. A partir de entonces los componentes del grupo han seguido carreras diferentes. La cantante Marina Abad, publicó en el año 2013 su primer álbum, Baile de las horas, con el nombre artístico de Marinah; mientras que tres de sus fundadores, Ramón Giménez, Dj Panko y Xavi Turull, junto a nuevos compañeros de viaje, editaron su primer trabajo Ryma (2012), con el nombre de Lenacay.  © epdlp




   Mouth Music
   Mo-di (1993)

   27 FEBRERO 2006

   En la Escocia del siglo XVIII se hizo popular una tradición musical gaélica llamada “puirt a beul” (música vocal). Tenía un gran ritmo y no poseía letra, y las voces estaban formadas por vocales y sílabas fácilmente adaptables a varios ritmos y era interpretada para danzas. El ejemplo más palpable de ésta herencia es el grupo pop escocés Mouth Music. Radicados en Edimburgo, su música está basada en ésta tradición vocal, a la que se han añadido instrumentos eléctricos contemporáneos para crear un sonido nuevo y moderno. La banda, cuyo líder indiscutible es Martin Swan, ha tenido cambios en su estructura interna. Mouth Music (1990), su primer trabajo, tuvo la aportación de Talitha Mackenzie; los siguientes, Mo-di (1993) y Shorelife (1995), quizá los más vanguardistas, la contribución de Jackie Joyce (voz), Michaela Rowan (voz), Quee MacArthur (bajo), James Makintosh (batería) y Jeremy Black (percusión); y los dos últimos, Seafaring Man (2001) y Scrape (2003), de Martin Furey (violín). En Scrape, Martin Swan da un giro a su evolución prescindiendo por completo de las voces y los elementos electrónicos programados para aplicar su innovación a un repertorio de tipo tradicional con instrumentación acústica a base de dos violines, gaita, percusión y contrabajo. El proyecto de Mouth Music podríamos definirlo como gaélico-afro-pop, con un ligero parecido a Clannad (el primer grupo de la cantante Enya), y a los álbumes de Brian Eno y David Byrne, Bush of Ghosts y My Life, respectivamente. Sonido de raíces intensas, con la voz humana como protagonista de una tradición legendaria. © epdlp




   October Project
   October Project (1993)

   20 FEBRERO 2006

   Los cambios sociales y culturales de los sesenta desencadenaron una voluntad de superar las fronteras convencionales de la música rock. La integración de los nuevos sonidos con la tradición cultural romántica de la música del siglo XIX, proporcionaron al rock la categoría de arte. Además, se pretendía que la música fuera escuchada y pensada, en detrimento de la meramente comercial y bailable. Es el nacimiento del rock sinfónico y progresivo. October Project son una representación de ese tipo de rock, mezclado con altas dosis de melancolía. Sus tres álbumes de estudio, October Project (1993), Falling farther In (1995) y Different eyes (2003), demuestran que prácticamente nadie suena como ellos. Mary Fahal, cuya voz de contralto tiene mucho que ver con su éxito, Emil Adler (teclados), Julie Flanders (autora de todas las letras), Marina Belica (teclados) y David Sabatino (guitarra), son los responsables de esa música delicada y épica, inimitable y hermosa que invita a viajar por atardeceres fantasmales, donde el paisaje es un punto de referencia. En el 2005, October Project piensa sacar al mercado su cuarto álbum, únicamente con tres componentes, Emil Adler, Julie Flanders y Marina Belica. Mientras, Mary Fahal la excepcional cantante, ha abandonado el grupo para seguir su carrera en solitario con su primer trabajo, The Other Side of Time (2003). Seguirán siendo el mismo grupo, la misma música, puede ser que la misma melancolía, pero todos sabemos que les faltará una parte vital, Mary Fahal, la voz que los elevó a la categoría de grupo mágico y oculto.  © epdlp




   Transglobal Underground
   International Times (1995)

   13 FEBRERO 2006

   Productores y músicos británicos de origen indo-pakistaní, Transglobal Underground son una unión perfecta para intentar traducir sobre el escenario las emociones propias de las pistas de baile. Su interés en la construcción de atmósferas que matizan su música y la llevan más allá del territorio recreativo, unido a todo un muestrario de elementos pop, ambient, house y dub, tamizan su eclecticismo bien entendido. Formado por una decena de personas, sus principales componentes son Tim Whelan y Hamilton Lee (compositores capitales). El resto de sus miembros es bastante difícil de adivinar, pues van y vienen dependiendo del disco que presenten, aunque de todos ellos destacan las colaboraciones de la cantante Natacha Atlas y del rapper Coleridge. Grabaron su primer single "Temple Head" para Nation Records, un sello creado específicamente para fusionar la música de baile occidental con los ritmos árabes, asiáticos y africanos. Su primer álbum, Dream of one hundred nations (1993), en el que participaron multitud de raperos, percusionistas y cantantes, fue el mejor trampolín para su sonido pluricultural. A éste siguieron, Internacional Times (1995), Psychic Karaoke (1997), Rejoice, Rejoice (1998), Yes Boos Food Corner (2001), Impossible Broadcasting (2004), Moonshout (2007) y The Stone Turntable (2011). Transglobal Underground ralentizan el hip-hop y aceleran el dub, fusionan la música clásica hindú, reggae, bhangra, hip hop y pop de los 80, con una acusada tendencia a lo lúdico. Su labor de integración entre el ritmo, la atmósfera y la melodía culmina con una amalgama de formas que envuelven secretos y sabiduría.  © epdlp




   Cocteau Twins
   Four-Calendar Café (1993)

   06 FEBRERO 2006

   Banda emblemática del denominado dream pop, el grupo escocés Cocteau Twins fue fundado en 1981 por Robin Guthrie (guitarra), Elizabeth Fraser (cantante) y Will Heggie, éste último sustituido en 1984 por Simon Raymonde (ex - bajista de la banda Drowning Craze). En sus diecisiete años de carrera, en 1998 el grupo se desintegró, consiguieron quebrarnos con su música con la ayuda de ocho álbumes de culto, Garlands (1982), Head Over Heels (1983), Treasure (1984), Victorialand (1986), Blue Bell Knoll (1988), Heaven or Las Vegas (1990), Four-Calendar Café (1993) y Milk & Kisses (1996). En todo eso ayudó la voz inquietante de Elizabeth Fraser, una de las voces más representativas de la escena underground inglesa, la guitarra de Robin Guhtrie creando atmósferas lúdicas y etéreas (quien dijo que la guitarra no es erótica ni tiene forma femenina), y finalmente un elemento impresionista que juega con las texturas, borda los ambientes y recrea sensaciones. Tras su separación Simon Raymonde editó un único trabajo en solitario, Blame Someone Else (1997). Robin Guthrie elaboró una obra majestuosa, Imperial (2003) y cuatro discos más, Continental (2006), Carousel (2009), Emeralds (2011) y Fortune (2012). Por su parte Elizabeth Fraser ha colaborado en los álbumes de Massive Attack y ha puesto su voz en la saga cinematográfica de El señor de los anillos. Muy de vez en cuando, cuando empieza a correr el viento de la tarde y el cielo se pone rojo, es necesario sacar a los Cocteau Twins a pasear y dejar que el mundo gire escuchándolos. No hace falta más que eso. Todos deseamos que el post punk gótico que trajeron consigo, siga siendo un referente lúdico y luminoso que continúe avanzando por esos cables invisibles que nos lleven a cierto lugar donde siempre quisimos estar.  © epdlp




   Eugene Friesen
   New Friend (1986)

   30 ENERO 2006

   Eugene Friesen, componente del Paul Winter Consort, es un buscador incansable de nuevos territorios para su instrumento, el violonchello. Entró en el Consort sustituyendo al también cellista David Darling, cuando Ralph Towner, Paul McCandless y algunos otros lo abandonaron en 1970, formando el mítico grupo Oregón. Desde entonces ha combinado sus actuaciones con el sexteto, junto a colaboraciones con otros músicos y grabaciones individuales. Es en éstas últimas dónde su espíritu inquieto ha experimentado más a fondo. New Friend (1986) y Arms Around You (1989), son las obras cumbre de Friesen como compositor e intérprete, uniendo el jazz con la new age, en una fusión instrumental donde sus texturas comulgan con igual devoción la música clásica y lo folcklórico tradicional. Para dar una idea, puede comenzar con melodías que evocan los últimos cuartetos de Beethoven y poco a poco ir trascendiendo a formas más libres del jazz, para acabar en un frenesí de arco alternando con pizzicato. Friesen explica en ocasiones que con sus creaciones pretende imitar el sonido de instrumentos, punteando el suyo con ambas manos. Con esta forma de ejecutar crea en cada una de sus actuaciones atmósferas inigualables, con un estilo propio e inconfundible lleno de matices. Sus preludios instrumentales y poderosos, han escrito una página de lectura obligada en la historia del jazz y la música improvisada. Estamos en el siglo XXI, un siglo en que las artes, los límites, las definiciones y los convencionalismos se irán rompiendo sistemáticamente. En ese momento echaremos un vistazo al siglo pasado y allí estará el cello de Eugene Friesen mirando pasar el tiempo, con su mismo traje de gala, mientras nuestro entorno continúa su incansable revuelo.  © epdlp




   Dead Can Dance
   Toward The Within (1994)

   23 ENERO 2006

   Los australianos Lisa Gerrard y Brendan Perry son Dead Can Dance. De origen anglo-irlandés, comparten una visión original y diferente del mundo que les rodea, atreviéndose con un concepto musical totalmente innovador y de altísima calidad, pletórico de sonidos percusivos. Sus ocho trabajos de estudio, llenos de influencias procedentes del Renacimiento y sus estéticas musicales, Dead Can Dance (1984), Spleen and Ideal (1985), Within the realm od the dying sun (1987), The Serpent's Egg (1989), Aion (1990), Into the Labyrinth (1993), Toward the Within (1994) y Spiritchaser (1996), conforman su especial forma de entender la música, una mezcla inteligente de toques étnicos, rock tradicional y también estilos antiguos. Aclamados por la crítica, Dead Can Dance reina ya en su particular tierra musical, aunque el futuro se muestra incierto por la separación física de sus dos componentes, Perry vive en Irlanda y Gerrard en Australia, y por sus respectivos trabajos en solitario. Aprovechando que los caprichos de los músicos son ventanas hacia su intimidad, hay un elemento que es siempre fiel reflejo del tamaño de una banda. Así como a los árboles se les mide la edad contando el número de círculos que tienen en el tronco, Dead can Dance es un árbol centenario, porque su música es el origen de la sabiduría milenaria. Su meta es buscar la belleza perdida, la eterna meta humana de lograr una existencia significante.  © epdlp




   Rinôçérôse
   Music Kills Me (2002)

   09 ENERO 2006

   Originarios de una de las bandas indie más conocidas de Montpellier, los franceses Jean Philippe Freu (guitarra y percusión) y Patou Carrie (bajo y teclados), ambos psicólogos de profesión, decidieron que iban a intentar crear música house usando sólo guitarras. Un concepto imposible dada la naturaleza tecnológica del género. Pronto el dúo se dio cuenta de que necesitaban un programador para darle más ritmo a las canciones, aquí es donde entra en escena Jonny Palumbo (programación), con todo un arsenal de instrumentos electrónicos y un profundo amor por todo lo relacionado con el dub. En esta aventura les acompañan, Remi Saboul (guitarra), Florian Brinker (guitarra), Fred Pace (percusión) y Franck Gautheir (flauta). Sus comienzos fueron puramente experimentales y siempre han dicho que tocan por placer. De este modo en 1996, firman por la multinacional Pias que lanza su ep Le Mobilier, poniéndoles en órbita. Sus dos discos de estudio, Installation Sonore (1999) y Music Kills Me (2001), les han convertido a su vez en una gran banda en directo que recibe todo tipo de elogios allí donde toca. Rinôçérôse, que significa interpretación psicotrópica de los rinocerontes, es una fusión explosiva entre el dance, el jazz y la música rock, con destellos de downtempo y organic house. De alguna manera se enfrentan con su propia sociedad, revelándose contra los códigos preestablecidos. Son la euforia del sonido, un profundo placer y relajamiento post-coito a partes iguales.  © epdlp




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